一座承载西方美术史的豪宅：纽约 The Frick Collection

Rona 容

弗里克收藏 The Frick Collection 地处纽约黄金地段，中央公园旁5大道与70街的交界处，是酷爱艺术收藏的钢铁大亨Henry Clay Frick的豪华宅邸。1919年他在弥留之际留下遗嘱，待他太太也谢世后，宅邸和收藏将以艺术博物馆的形式开放给大众。1935年，Frick Collection正式开放，其价值连城的艺术藏品以家庭装潢装饰的形式完美地呈现在格调高雅的16个房间里。

虽然Frick Collection的藏品既有西方油画雕塑，也有各种装饰品和家具，这里的分享着重于西方油画。从西洋美术史的角度，Frick收藏的收藏几乎覆盖了至那个年代为止的西方绘画史；从哥特时期，文艺复兴前期，文艺复兴兴盛期，巴洛克时代，洛可可风格，新古典主义，自然主义，到印象派，都有不同时期大师的代表作，只有在佛罗伦萨的"乌菲齐"同等级的美术馆才能看到。在你我他都在追求诗和远方田野的时候，驻足在这近在眼前的艺术殿堂，更能静心探究欣赏。

需要一提的是，Frick Collection在展的藏品位置时常会被调换，此文中的信息是基于几年前参观时的印象。

Garden Court 中庭

最先迎接观者的是这个明亮宽敞、典雅精致的新古典主义中庭。绿色植物环绕的喷泉和水池、挺立的古希腊立柱、坐落有致的古典雕塑，在透过玻璃天窗的光线下相互映衬，营造出匠心独运的艺术氛围。

这个中庭是在1931年Frick太太离世后，由John Russell Pope设计加建，其风格既与原Thomas Hastings设计的Bueax Art宅子和恰，又巧妙地给私宅增添了一个适合公众休息的博物馆区域。整个博物馆只有这个区域是可以拍照的，下面用到的照片都来自The Frick Collection的网站。

Oval Room 椭圆屋

椭圆形的Oval Room也是一个出彩的加建，既是进入老宅前的过渡区，也是让观者定睛于一个艺术主题的特写区。

参观过几次Frick Collection，最为陶醉的是站在椭圆厅中环视4幅惠斯勒James Whistler创作的肖像画。两幅"粉色"系列的全身画像，肉粉色、粉色、灰色与白色构成画面的主调，使画面表现出淡雅与闪烁的色阶变化，以微妙的色调关系来烘托突出两位绝代佳人。回过头，首先感受到的是视觉的冲击，同样尺寸的两幅全身画像在黑色、棕色、少许的金色背景中或隐或现。惠斯勒的"黑色系列"主题，以黑棕色为背景神秘高雅，突出了人物。

惠斯勒（James McNeill Whistler，1834～1903）是一位留学于法国后定居英国的美国艺术家。他所处的时代正是艺术从传统走向现代的过度期，新思潮和流派层出不穷。在法国学习期间，他参加了库尔贝的现实主义“青年画家小组”，也受到印象派和日本风俗画的影响。25岁定居英国后，也曾受到“拉斐尔前派”的影响。游走于不同流派之间，他还是走出了自己独特的艺术风格。他主张绘画只需取悦于视觉，和谐的布局远重于精确的细节，因而被归为Aesthetic movement唯美主义运动的代表人物。他独树一帜的交响曲系列作品就试图用色彩的和谐来表达音乐主题。他的艺术给人以静谧、清新、和谐的美感，就像旋律优美的乐曲那样使人心醉神迷。

惠斯勒不仅以画风超凡脱俗出名，他剑拔弩张惊世骇俗个性也使他名声大噪。因他的风景画“黑与金的和谐曲”（现存底特侓艺术馆），他与著名艺术评论家拉丝金John Ruskin 对簿公堂，与律师异常精彩的唇枪舌战，不仅打赢了官司，他还根据法庭上的辩论词出版了“艺术与艺术批评”一书。

惠斯勒与著名文学家王尔德Oscar Wilde的友谊也好景不长，他登报宣称王尔德所写的许多语句和思想都是他的原创，后两人之间互败互损，引起大量的关注。无独有偶，惠斯勒借着人们关注他的东风，马上出版了“树敌的高雅艺术 The gentle art of making enemy”一书，引起许多的关注！人们既讨厌他语不惊人死不休的做派，又佩服他的巧舌如簧。

另外一则传为“佳话”的故事与英国船运业大亨Fredrick R Leyland相关。Fredrick R Leyland是惠斯勒长达13年的雇主，但因惠斯勒不按其要去装潢其餐厅，而反目成仇，也就成就了报复Fredrick R Leyland的“孔雀屋peacock room（现存华盛顿Freer Gallery of Art）”。

"粉色与肉色的交响曲 Symphony in Flesh Color and Pink" 惠斯勒（James McNeill Whistler），1871–74年，195.9 × 102.2厘米，布面油画，1916年购得。

这幅画中的美丽身影就是船业大亨Frederick R. Leyland的太太Frances Dawson。据说，她为了报复丈夫在外沾花惹草的行为，与惠斯勒来往密切，甚至出双入对。画作完成后参加了惠斯勒的个人画展，画中人物清雅精致，配以日式樱花和画家独创的“蝴蝶”个性签名，收到大量的赞誉。

"粉色与灰色的协奏曲 Harmony in Pink and Gray - Lady Meux " 惠斯勒（James McNeill Whistler），1881–82年，193.7 × 93厘米，布面油画，1918年购得。

继“粉色与肉色的交响曲”后，找惠斯勒制作肖像画的贵妇趋之若鹫。这幅画中人物是Henry Bruce Meux爵士的太太, 一位风流活跃的贵妇。惠斯勒一共给她绘制了三幅肖像，其中一幅现存Honolulu Academy of Arts，而第三幅因争端，被画家撕毁。

"重编曲 黑色与金色 Arrangement Black and Gold" 惠斯勒（James McNeill Whistler），1876–78年，192.4 × 92.4厘米，布面油画，1914年购得。

这副画的创作并非雇主的订制，而是画家的自由创作。画中的女子是其经纪人的情妇， 来画室探访时被抓差而做了画中人。

"重编曲 黑色与棕色 Areangement Black and Gold" 惠斯勒（James McNeill Whistler），1891–92年，208.6 × 91.8厘米，布面油画，1914年购得。

这幅画是惠斯勒最后完成的大型油画之一，画中的人物是巴黎文化名流Comte Robert de Montesquiou-Fezensac。1894年在沙龙(Salon of the Champ-de-Mars)展出后，引起热议。极简的画风继承了委拉斯开兹的风格，也为二十世纪抽象化的极简主义做了铺垫。

West Gallery 西厅

进入West Gallery，又是眼前一亮，这个空旷宽敞的大厅四壁挂满了世界顶级的大型画作，疏密有致，有序而灵动。原来，Henry Frick初建此宅时就刻意为自己和后人打造了一个专用的画廊，可随时自由欣赏里面的世界顶级艺术藏品。从画作的挑选和摆排上不免让人揣摩起收藏者的艺术偏好和审美，这里集中了巴洛克前后几位大师的肖像画、风景画和神话故事，而宗教题材却寥寥无几。

"善与恶的选择 The choice between virtue and vice" 委罗内塞（Paolo Veronese），1565年，214.6 x 167厘米，布面油画，1912购得。

"智慧和力量 Wisdom and Strength" 委罗内塞（Paolo Veronese），1565年，214.6 x 167厘米，布面油画，1912购得。

走过委罗内塞（Paolo Veronese）这两幅巨幅画作，无法不让人驻足。首先映入眼帘的是华美的色彩、精致细腻的人物、蓝天绿树生机勃勃的大自然及和谐而动感十足的构图；单从视觉效果来讲就极富装饰性！能获得这两幅辗转于帝王之手的精品，可想而之Mr Frick当时是多么志得意满！（与大都会收藏的“Mars and Venus United by Love”一样，都可能是哈布斯堡皇帝 Emperor Maximilian II定制，1612年后，由住在布拉格的Rudolph II的收藏）。

"善与恶的选择" 描绘的是希腊神话中的赫拉克勒斯(Hercules)在走向生活之前，受到"恶德"女神的引诱，许诺给他一生的欢愉和享乐；而"美德"女神展现给他的是崎岖坎坷的道路，但却是真正通往幸福之路。谁没有过"在人生的十字路口，你向哪里走"的抉择？看来神圈也不例外。细看这幅画中的人物描绘，略有失望，被誉为"大力神"的赫拉克勒斯实在是没有力量的显现，过于平庸瘦弱，难道这是文艺复兴弱化"神"，突出人的体现？

"智慧和力量"描绘的是同名寓言中的场景，神圣的智慧女神向往的是天堂美景，身体孕育在阳光下，体态轻盈飘逸，有徐徐上浮的动感；而代表世间俗人的大力神赫拉克勒斯视线离不开地上的钱财享乐，身体则倾向于地面，慢慢沉向黑暗的阴影中。虽然这个寓言提醒我们，一味地追求物质享受就是堕落，但孰能脱俗？也许借席慕蓉的这句话时常自勉，更有现实意义："金钱是一种有用的东西，但是，只有在你觉得知足的时候，它才会带给你快乐，否则的话，它除了给你烦恼和妒忌之外，毫无任何积极的意义。"

委罗内塞（Paolo Veronese，1528－1588）是文艺复兴意大利威尼斯画派的大师之一，他和丁托列托都是艺术大师提香的得意门生。

继承了老师提香的画风，他的绘画更加失去了宗教的虔诚，充满世俗生活情趣，彰显了威尼斯画派的自由和浪漫。在写实传真的基础上，他的画有着灿烂的色彩和独具匠心的构图，画面令人眩目。他和老师提香虽身处文艺复兴，但风格上基本已走进后来的巴洛克风格，他们对十七世纪巴洛克风格的影响直接而深远。委罗内塞的创作题材有宗教和神话，也有现实的历史画，最著名的居然也是"最后的晚餐"（现存于威尼斯学院美术馆），采用威尼斯富商骄奢淫乐的晚宴来描绘圣经中的"最后的晚餐"，这极大地挑衅了教会的权威，也粉碎了已经虚有其表的天主教信仰。这也反映出当时威尼斯政教分离、经济富足、崇尚享乐的大环境。

移目巡视四周，形象生动又风格各异的肖像画十分吸人眼球。

先进入视线的是三位巴洛克时期荷兰绘画巨匠的作品。如果真能时空穿越的话，我愿来到17世纪的荷兰，那个刚摆脱了天主教禁锢、基督教回到朴素信仰本质的环境；那个要挣脱西班牙统治、走向自由的国度；那个普通市民都能成为艺术大师伦勃朗、哈尔斯及维米尔画中人的艺术殿堂。

肖像"尼古拉斯.鲁兹Nicolaes Ruts"，伦勃朗，1631年，木板油画，116.8 x 87.3厘米，1943由Frick基金会从J.P.Morgen摩根收藏处购得。

伦勃朗（Rembrandt Harmenszoon van Rijn，1606-1669）是巴洛克时期荷兰最伟大的画家，也是被人们誉为几乎和达芬奇齐名的画家。他绘画之精湛使得他半生富足，他创作之超前又使他半生潦倒。有人说他以黑暗来绘成光明，是光的诗人。

十七世纪的荷兰，经过长时间西班牙的统治，最后在长达八十年的独立战争中获胜，成为独立的国家。荷兰经由宗教改革，去除了旧教繁琐的礼仪，回到基督教朴素的信仰本质。在这样的背景下，荷兰的巴洛克不再以宗教与神作主题，绘画不再依附宗教，也不再依附宫廷，绘画回到歌颂平凡真实的人和他们的生活。伦勃朗年轻时就是在这样宽松的大环境下，在第一幅被定制的作品"尼古拉斯.鲁兹"完成后一举成名，成为荷兰当时最受追捧的画家。

"尼古拉斯.鲁兹"这幅肖像是彰显伦勃朗绘画天才的代表作，他继承了意大利巴洛克巨匠卡拉瓦乔的绘画风格，在其明暗画法Chiaroscuro的基础上，发明了“伦勃朗光”，即从左上方45度把光打向模特，通过冷暖色调对比，达到突出人物的效果。伦勃朗把这个荷兰富一代商人描绘得恰到好处但不惊不扰：身穿拉夫领和奢华皮毛的炫富，体现他的成功但又不张扬；商人特有的精明干练，眼神里既有追求效率的不耐烦，又有处理繁忙公务中的一丝疲倦。这幅画的完成，给他带来了巨大的成功和声誉，也因此带给他辉煌的前半生。

"伦勃朗自画像" ，1658年，布面油画，133.7 x 103.8厘米，1906年购得。

伦勃朗在团体肖像画上的突破使得他更加知名！构图上他突破了以往呆板的程式，人物神情处理上更加逼真生动。享受着成功的伦勃朗不但生活奢华，还大量地购买昂贵的收藏品，经常入不敷出。这时十二位富商集体出资定制了大型团体画《夜巡》，他在这幅画里进一步突破了传统画法，采用接近舞台效果的表现手法，画面人物各自安排了不同的角色，生动有趣。但当画布揭开时，除主角外的十一位富商都大为不满，拒绝付费。然而公众的不认可并没有让伦勃朗趋炎附势，他所谓的我行我素受到上层社会人士的排挤，以致生活越来越困难，也就导致他的后半生贫困潦倒！

那时荷兰已进入富二代时期，受法国洛可可风格的影响，人们崇尚奢华矫饰。虽然伦勃朗知道顺从时代就能摆脱困境，他还是坚持曲高和寡，唾弃洛可可艺术肤浅和矫揉造作。

这幅自画像是伦勃朗唯一一幅正面自画像，也是他最珍贵的一张自画像。个人生活的不幸和折磨，使他仅五十二岁的脸看上去很老迈粗糙，也许这是他晚年画风越来越浑厚的表现，但确实体现了岁月的沧桑。他把自己描绘得很高大有力，也许他期望把自己的一生都表现在这里，他的过去和未来。他粗壮的双手是这里的重点，也许他想让我们记住这双手所创造的绘画奇迹。他坚定而深邃的眼睛，也许要告诉世人，他虽经历了那么多坎坷，他的画作会流芳百世、历久弥新。

“波兰骑手 The Polish Rider” 伦勃朗，1655年，布面油画，116.8 x 134.9厘米，1910年购得。

关于这幅画中的人物和画家所表达的主题，有很多不同的猜想。这幅画中主人公的描述不像一般的肖像订制，更像是历史故事里的一个人物描述。

"Mistress and Maid 情妇和女佣" 维米尔，1666−67年，布面油画，90.2 x 78.7厘米，1919年Henry Frick购得的最后一件藏品。

维米尔（Johannes Vermeer ，1632-1675），荷兰优秀的风俗画家，和伦勃朗一起被看作是巴洛克时期荷兰画派的代表画家之一。维米尔一生作品不多，目前传世的只有三十七件，主题大多是平民女性。维美尔的"戴珍珠耳环的少女"是可以和达芬奇的"蒙娜丽莎"相提并论的作品。在照相机发明之前，他就在画中运用摄影中的三角立体光作画，因此也被后人称为世界上第一位摄影师。

他似乎不像伦勃朗那样经历生命的大起大落，也不像伦勃朗的世界充满男性的阳刚与沉重，维米尔的生活比较平凡，他的画风也比较阴柔。他以女性的委婉幽静在做画，他也从不迷恋炫目光的强烈对比。他画的女性都是在平凡的生活中，没有强烈的喜怒哀乐，窗户一角斜射进室内的阳光，温和而宁静，但这仿佛更是天长地久。这里的三幅画都是这样意境下的代表作（另外两幅在South Hall）。他去世时11个孩子，负债累累。

"男人"、"女人"、"老者" 这三副肖像都出哈尔斯 Frans Hals (荷兰 1581–1666)，1660/1635/1627–30年，布面油画，113 x 81.9/116.5 x 93.3/115.6 x 91.4厘米。1917/1910/1910购得。

哈尔斯 （Frans Hals 1581-1666 ）和伦勃朗及维米尔一起被称为荷兰巴洛克时期的三杰。与伦勃朗同处一个国家和时代，哈尔斯也以画肖像画著名。伦勃朗半生富足半生潦倒，哈尔斯一生因子女太多常为温饱而疲于奔波。因坚持曲高和寡不附势趋炎于后来的洛可可艺术，暮年的他和伦勃朗都晚境极其悲凉。

哈尔斯是一个极有个性的肖像画家，据说他从不打底稿，就可运用洒脱而准确的笔融来塑造形神兼备的画中人，给人一挥而就的感觉，作品就像速写似的生动。

"男人"、"女人"和"老者"这三副肖像中的人物是谁不重要，重要的是它们都能反应哈尔斯的绘画特点：都是他最爱用的半身近景构图；都捕捉到了人物转瞬即逝的神情；都有他流畅奔放、极为醒目的大笔触和细小笔触。哈尔斯传世作品一共就二百多件，大多收藏在荷兰的哈尔斯博物馆，Mr Frick能获得这三件精品，实属不易！

左上方的小齿轮显示这位身份不明的模特的年龄是56岁。这位面色红润、手拿圣经或祈祷书的女士穿着庄重而华丽的黑色丝绸和一件锦缎紧身上衣，看上去过着舒适的生活。她坚实、圆润的外形和四方形的背景增强了她在社会中处于安全地位的生活感。这幅画像客观地记录了她的容貌，笔法生硬有力，似乎本身就反映了她的性格。和哈尔斯的大多数作品一样，这幅作品采用了与他的肖像画风格完美契合的朴素背景。在研究哈尔斯学者中，为男女画像牵线搭桥是一种时髦，人们对这幅画的男伴提出了各种各样的建议，但没有定论。

这幅画所表现的手法是哈尔斯早期从

鲁本斯那里学来的技巧，一半的颜料叠加在薄而流动的涂层上。这一时期哈尔斯的作品都表现得温暖而自信。人们试图将这幅画像与华盛顿国家美术馆(Washington National Gallery) 1633年的女性画像配对，然而，没能得出确切的结论。

" 弗兰斯·斯尼德斯 Frans Snyders肖像" 凡·戴克（Sir Anthony van Dyck），1620年，布面油画，142.6 x 105.4厘米，1909年购得。

"玛格丽塔·德·沃斯Margareda de Vos 肖像" 凡·戴克（Sir Anthony van Dyck），1620年，130.8 x 99.4厘米，1909年购得。

凡·戴克（Sir Anthony van Dyck，1599-1641）佛兰德斯（现比利时）的著名画家，鲁本斯最出色的弟子。也许由于鲁本斯在佛兰德斯的声望过于强大，凡·戴克不甘于一直做"二哥"的位置，才辗转到国外发展，一度成为英国国王查理一世的英国宫廷首席画家。查理一世及其皇族的许多著名画像都由凡·戴克创作，他的画像那种轻松高贵的风格，影响了英国肖像画将近150年。他和委拉斯开兹是巴洛克时期仅有的两位主要为宫廷画像的画家。Frick先生对凡·戴克的肖像情有独钟，居然拥有八幅之多！

这两幅肖像画是凡·戴克二十岁时的作品，一幅画的是他的忘年好友弗兰斯·斯尼德斯Frans Snyders (1579～1657)，另一幅是斯尼德斯夫人。弗兰斯·斯尼德斯是位富家子弟，也是佛兰德斯著名的画家，以绘制带有动物的静物画而出名。这对夫妻的肖像画劳燕分飞了上百年，是Frick先生又把它们重逢在了这里！难道他们真是有情人？也许命运注定了他们"不是渐行渐远，而是有一天终要重逢"！

"热那亚贵妇Genoese Noblewoman肖像"，凡·戴克（Sir Anthony van Dyck），1625–27年，布面油画，230.8 x 156.5厘米，1914年购得，不在展示。

几年前展示的这幅肖像就是一幅非常能表现他肖像画独到之处的作品。他用仰视的视角，把这位贵妇画得婷婷玉立、高挑窈窕；更为出彩的是画中人的金边裙袍，被描绘得连质地都能看出，让观者有种想触摸的冲动。在大厅的对面是为"詹姆斯·斯坦利伯爵"画的全家福，是反映凡·戴克在英国期间所发展的画风的典型作品：他画中的贵族既能显示出高贵但又不太露骨，虽看着随意其实很多的精心设计，这与英国人的大气含蓄不张扬的贵族风格相得益彰；他这个时期的肖像画都有田园风味的英式风景做背景。画中最吸人眼球的是那个楚楚动人的女童：她弯弯柳眉下清澈明亮的双眼好像在眨动；她白皙无瑕的皮肤好像散发着鲜花的芳香；她红润的双唇如玫瑰花瓣般娇嫩欲滴；装裹在那艳丽的橘黄色裙装里，可一个"美"字了得！

"詹姆斯·斯坦利 德比伯爵及家人 James Stanley, 7th Earl of Derby and wife" ，凡·戴克（Sir Anthony van Dyck），1636年，布面油画，246.4 × 213.7厘米，1913年购得，不在展示。

"肖像Vincenzo Anastazi " ，格列柯 El Greco，1575年，布面油画，188 x 126.7厘米，1913年购得。

格列柯 El Greco（1541-1614）- 希腊人却是西班牙绘画的开拓者。后人把他归为样饰主义（Mannerism)，即在文艺复兴晚期出现的一种潮流。他曾在罗马学习绘画，据说画技之精湛已达到可以为米开朗基罗的“创世纪壁画”做修改的程度。离开罗马后，他去了西班牙首都托莱多Toledo，创作了大量的宗教题材作品，成为西班牙艺术史上的绘画先驱。他的名字一度被人们遗忘，19世纪末20世纪初的美国收藏热潮才又把他的绘画成就重新认定。

他的画多由瘦长的形式、夸大的风格、不平衡的姿势来描绘人类和动物，以此产生戏剧化和强而有力的影像；他走出文艺复兴时期绘画的理性和科学，注重艺术创作的形式感，倾斜线条和曲线的运用比较明显。他擅长画肖像画，他的作品构图奇特，布局多呈幻想结构，人物形象都是颀长的身材，用色大胆，新奇(深红、深绿），呈现出梦幻般的奇特效果。

这幅肖像是格列柯在意大利学习期间所作，很难和他标志性很强的的画风做关联，一度曾被误认为是后期艺术家戈雅的作品。格列柯的画作多与宗教信仰有关，这种纯人物肖像实属罕见。画中人Vincenzo Anastazi 是当时意大利的著名将领。此画作明显做过修改，如佩剑的走向。

"西班牙国王飞利浦四世" 委拉斯开兹Velazquez，1644年，木板油画，129.9 × 99.4 厘米，1911年购得。

委拉斯开兹（Velazquez，1599－1660），是巴洛克时期西班牙最伟大的画家。

浪漫主义绘画大师戈雅认为他是自己的"伟大导师"；印象派的马奈也吸取了他的画风；而无人不知无人不晓的毕加索对委拉斯开兹是佩服得五体投地。委拉斯开兹不但被后世的知名画家所喜爱和追随，比他年长二十岁的大师鲁本斯也非常赏识他的绘画才能，经常找机会和他切磋。据说西班牙国王菲利普四世更是赏识器重他，经常在委拉斯开兹的画室里消磨时光，还派遣委拉斯开兹前往意大利为自己收藏艺术珍宝，同时考察学习。

委拉斯开兹对色彩的运用和绘画技法超过了前辈大师，有时他把把颜色直接堆涂到画布上，然后再用画笔来精致地涂抹刻画。他对暗部色彩表现非常用心，任何物体的暗部和阴影都是由丰富的色彩组成的，而不是使用习惯用的棕色或黑色来处理暗部。按许多专业人士的评论，他是可以被封神的画家，他的用笔少而准。大笔触和小笔触的运用总是恰到好处。

经过鉴定，委拉斯开兹存世珍品在西班牙博物馆外的珍品屈指可数，Frick先生能够得到"西班牙国王飞利浦四世"的肖像实属奇迹！飞利浦四世喜欢艺术，但却不尚武，他很少打胜仗，但那次由委拉斯开兹随行的西法之战，却战胜了法国。这张肖像也就是在那时所作。他把国王得胜归来的表情和动作表现得恰到好处，自豪而不张扬，欣喜而不若狂，居功而不自傲。国王的衣着画得精致细腻、颜色亮丽而不浮夸，和他的表情动作交相呼应。

"锻造 Forge" 戈雅，1815–20，木板油画，181.6 x 125.1厘米，1914年购得。

戈雅（Francisco de Goya，1746-1828）虽常常被认为是西班牙浪漫主义的画家，但他画风奇异多变，从早期巴洛克式画风到后期类似表现主义的作品，一生总在改变，对后世的现实主义、浪漫主义和印象派都有很大的影响，是一位承前启后的人物。

-- 学习并临摹委拉斯凯兹和伦勃朗的作品，戈雅二十几岁时已经很好地掌握了巴洛克的绘画风格，这在他做宫廷画师时的许多宫廷及贵族画像中都有体现。

-- 戈雅受益于在皇家"葛布兰花毯厂"画图样的经历，发展了他直率真挚表现自己幻想的独特手笔，这种近表现主义的风格反映在了他的题材画中。

-- 而戈雅为宫廷所做的壁画系列又模仿着洛可可风格。

-- 1793年重病，导致双耳失聪，喧闹的世界在他眼里变成无声跃动的画面。他在画作中开始注重人物嘴的特写，想从完全不同的嘴形上解读到人们想传递给他的信息。

-- 1808年拿破仑入侵西班牙后，他一反以前华美和谐的色调，创作了一批关于战争、死亡、疾病等富于激情和逼真表现力的悲剧性作品，因此也被人们誉为“浪漫主义”画家。

— 1818-1823是戈雅的“黑色时期”，是他对西班牙政局不满的风格表现。

戈雅一生作品很多，而且风格多变，许多作品都收藏在马德里的普拉多博物馆里。

这幅大型画作是戈雅接近"黑色时期"创作的写实主义佳作。这样大型的画作在那个年代一般都是用于画宗教神话题材，而他把它用于描绘三个铁匠锻造的场景，实属超前！三个配合工作的铁匠呈金三角构图，使画面具有平衡感；他们形态各异，但都劲儿往一处使、气往一处运，动作和谐互补；在黑色背景衬托下，有种舞台效果，使人过目难忘。戈雅用他粗旷而精准的笔触记录了工业革命时期一个普通锻铁的场景。Frick先生很少收集这种阴暗背景的作品，也许是画的主题和这位钢铁大亨的关联使这幅画得到他的珍爱。

“肖像Don Pedro, Duque de Osuna”，戈雅 Francisco de Goya，1790年，布面油画，113 × 83.2厘米，1943年由Frick基金购得。

这幅肖像是在戈雅失聪之前的作品，是他肖像画的代表作，戈雅的签名在那张手持的纸上。画中人Don Pedro de Alcántara Téllez-Girón y Pacheco (1755–1807)是查理三世(Charles III)和查理四世(Charles IV)时期西班牙最富有也最有才华的贵族，是戈雅最忠实的赞助人，在其马德里郊外的宫殿，有超过24件戈雅的作品。

"圣体下架The Deposition" 杰勒德·大卫, 1495–1500年，亚麻木面油画，142.6 x 112.4厘米，1915年购得。

杰勒德·大卫（Gerard David，1460 -1523）是早期的尼德兰画家。他生于现在的荷兰，但主要艺术活动在现在的比利时。他的作品继承了凡.爱克所奠定的现实主义风格，对色彩熟练地运用和丰富的笔调为他的画营造出一种特殊的气氛。继梅姆林之后，他成为了布鲁日的首席画家。

这幅宗教题材的"圣体下架"是十六世纪初期北欧最早的油画作品之一。画中描绘的是耶稣基督受难后，尸体被信徒们从十字架上移下的场景。运用油彩，大卫可以精确地把人物的各种细节表情描绘到位，他也可以把家乡的美景绘入画面做为背景。虽然他的作品在描述一个神圣的事件，但传达出强烈的亲切感和生命活力是这幅作品的特点。

"山上讲道 The Sermon on the Mont" 洛兰（Claude Lorrain) ，1656年，布面油画，171.5 × 259.7 厘米，1960年购得。

洛兰（Claude Lorrain 1600-1682）是法国巴洛克时期的画家，他开创了法国真正意义上的风景画，后被法王路易十四聘为宫廷画师。

在他富有诗意的风景画中，都会带有神话或宗教典故。他长期在意大利游历汲取经验，也注重在自然中写生，因此他的作品既有真实而生机勃勃的大自然，又有基于典故而构造和故事情节，是古典主义风景画的最高境界。他对后世纯粹的风景画影响巨大。

"山上讲道"是一幅大型的画作。在高高的Tabor山上，耶稣基督和他的十二使徒在给山下的人们传道。这是圣经"马太福音"中记载的一个典故。就是在这里耶稣把基督徒的行为准则传教给了众人；而众人听到这些教诲都心悦诚服、惊叹不已。洛兰把所有这一切都生动形象地表现出来，画面充满舞台的戏剧性，庄严微妙。远景的Lebanon山川和Galilee海以及左边近景的死海和约旦河，环绕着这片耶稣传道的圣地。把这么复杂的一个典故生动地表现在一幅画中本就是个难得的成就，又把它描绘成这样一幅让人看了心旷神怡的风景，叹为观止！

朝阳中的Dieppe港 (West Gallery) 透纳，1825年展出，布面油画，173.7 x 225.4厘米，1914年购得。

透纳（Joseph Mallord William Turner，1775－1851）十九世纪上半叶英国学院派画家的代表，伟大的浪漫主义时期的风景画家。他是理发师的儿子，少年时期跟随几位老师学习，显露超凡的绘画才能，14岁被皇家美术学院录取，成为院长雷诺兹之徒。毕业后那里任教几年，正赶上欧洲大陆上轰轰烈烈的大革命，而赚得盆满钵满的英国人只能花钱买画来解脱心向远方的苦闷远方的苦闷，地质学风景画成为热门，透纳也就赚得盆满钵满，很年轻就取得了财务自由！他的作品数量惊人，有五百多幅油画，近两万幅素描和水彩作品。

透纳在艺术史上的特殊贡献是把风景画与历史画、肖像画摆到了同等的地位。他曾走遍意大利，专心描绘大海的光色和空气的变化，悉心研究海上光的强度、云彩和风雨的活动；在色彩上，他培养了一种具有浪漫主义感情的创新色彩，这对后来英、法两国的印象主义有很大的促进作用。

Frick先生收集了好几幅透纳的经典画作，其中这两幅描绘北方港口的大型画作尤为珍贵。一副描绘的是夕阳下的克隆港；另一副是朝阳中的法国港口Deippe。站在这两幅对挂着的画之间，对比欣赏着朝阳和夕晒，感受着透纳画中浑然一体的天光水色。他画出的耀眼光线，让观者情不自禁地想戴上墨镜，而他大胆奔放的用笔，描绘出充满力量、速度、运动感的景色。他的风景画绝不是对现实的写生之作，而是带有很多主观意愿、想象和戏剧化的改编。

夕阳下的克隆港 - 进港的装满货物的船只， 透纳，1826年，布面油画，168.6 x 224.2厘米，1914年购得。

“安特卫普:Van Goyen寻找主题 Antwerp: Van Goyen Looking Out for a Subject” 透纳Joseph Mallord William Turner (1775–1851)，1833年，布面油画，91.8 x 122.9厘米，1901年购得。

"白马 White Horse" 康斯太勃尔（John Constable) ，1819年，布面油画，131.4 × 188.3 厘米，1943年购得。

康斯太勃尔（John Constable 1776-1837）是与透纳（Joseph Mallord William Turner）同期的十九世纪英国伟大的风景画家，透纳和他一起在艺术史上把风景画与历史画、肖像画摆到了同等的地位。

与透纳一样，康斯太勃尔也出身学院派，都热爱大自然，提倡户外写生。而与透纳不同的是，康斯太勃尔不喜欢标新立异惊世骇俗，也不喜欢精心设计布置的风景，只崇尚于刻画眼前真实自然的景致，学习Claude Lorrain，从其绘制的风景中汲取了营养。他的画作在英国并不受欢迎，只在法国卖出有限的几幅，因此一生拮据。

他在研究自然中注意到了大气中光的颤动和空气对物体的影响，把精湛的绘画技巧融汇于这真实、自然和朴素的创作中，真实生动地表现着瞬息万变的大自然景色。其画风对后来法国风景画的革新和浪漫主义的绘画有着很大的启发作用。其点画法影响了后期印象派。

"白马"（1.3米x1.9米）是康斯太勃尔的一幅经典作品。掩隐在树中的小屋，小船上的白马，悠闲饮水的牛群，水潭中云、天、物的倒影，那么和谐宁静。不加修饰的自然，凸显了英国的田园风光的迷人之处。康斯太勃尔运用白色颜料以极轻巧的笔触画出阳光在树林和水中作用，让整体的色调更丰富明亮。

“行人天桥 Landscape with a Footbridge”，雅各布·凡·雷斯达尔Jacob van Ruisdael (1628–1682)，1652年，布面油画，98.4 × 159.1厘米，1949年购得。

雷斯达尔是荷兰油画家及版画家，非常擅长捕捉大自然的力量与活力。许多林景作品，如“Fallen Tree”和“Forest Scene”，成为十九世纪欧洲风景画家们效仿的典范。

"湖畔 The Lake" 卡米耶.柯罗（Camille Corot) ，1861年，布面油画，133 x 157.5厘米，1906年购得。

柯罗（Camille Corot 1796-1875）虽被认为是法国写实主义的代表画家，但他目睹和经历了古典主义、浪漫主义、现实主义的兴衰，也赶上了印象派的兴起，因而在柯罗的艺术作品中能感受到各个时代的混合色彩与艺术风格。

柯罗毕生徜徉在大自然中，着意临摹自然界的神奇与妙曼，他将大自然造化的一切进行艺术的再现。柯罗的风景画，尽显自然之美、田园之美，既融合了古典主义的典雅，又荡漾着理想主义的浪漫，还蕴涵着现实主义的真切。由于他和卢梭、米勒等在巴黎郊外的巴比松村绘画创作，后也被称为"巴比松画派"。柯罗被公认为是19世纪最伟大的风景画家之一。柯罗一生创作了3000多幅油画，其中大部分是描绘田园的风景画。

"湖畔"是柯罗晚年的风景画作品，是他从现实主义画风转向印象主义风格的自然流露 。还是惯用银灰色和褐色基调，还是表现自然的宁静感，还是把湖畔弥漫的晨雾展现得那么富有诗意，但他开始根据记忆来展现自然。那颤动的森林、那明洁的湖水、那珍珠般银灰色的天空，他的用笔松动而富有韵致，虚实相生而见妙理，那梦幻与现实相间的独特诗意难以言传。

Enamel Room 瓷屋

从West Gallery进入Enamel Room，基督教中世纪的气息扑面而至。这间屋子虽小，画作也绝非大尺寸，可几幅作品在艺术史上却举足轻重。这里的大多数藏品都是由Henry Frick遗留下来的基金购得。

"鞭打耶稣" (Flagellation of Christ) 奇马布埃(Cimabue) 1280年，蛋彩白杨木画，24.8 × 20厘米，1950年购得。

奇马布埃（Cimabue 1240-1302) 是13世纪后半期最先进行画风革新的画家，他还是"文艺复兴绘画之父"乔托的老师，被奉为中世纪旧艺术向文艺复兴转化的源头。奇马布埃一生主要在佛罗伦萨，著名文艺复兴诗人但丁曾在《神曲》中提到他。

他的艺术在承袭中世纪拜占庭风格的基础上有所创新，与佛罗伦萨城市共和国在13世纪后半期的蓬勃发展相呼应，传述了新时代的信息。奇马布埃存世的作品奇少，而现存主要作品大多在佛罗伦萨乌菲齐美术馆，因此能在近在眼前的Frick Collection就欣赏到他的作品实是难能可贵！

这副"鞭打耶稣"的祭坛画是描述耶稣基督在殉难前遭受罗马人凌辱鞭打的场景。奇马布埃独特的构图布局让观者把视线集中在受苦的耶稣身上，即使你看的是图中的背景，也会情不自禁地再把视线转回到耶稣。在形象描绘上，他开始偏向自然主义风格，不像中世纪圣像画那样僵直呆板，耶稣和罗马人的形象已较为生动，加强了体态的雕塑感，线条轻快有力，富于生气。奇马布埃在阿西西创作的壁画，现也有少量留存，但他在罗马和比萨的作品则已失传。

“基督在山上遭受试探The Temptation of Christ on the Mountain”，Duccio di Buoninsegna (ca. 1255−ca. 1319)，1308−11年，蛋彩白杨木画，43.2 x 46厘米，1927年。

杜乔.迪博宁塞纳 Duccio di Buoniusegna（1255−ca. 1319）是意大利锡耶纳（Siena）画派的创始人，文艺复兴前期由中世纪绘画传统过度到文艺复兴新美术形式最重要的画派之一。著名的Simone Martini和 Pietro and Ambrogio Lorenzetti兄弟都是杜乔的得意门生，他们的画作都在继承拜占庭艺术的庄严感的同时，发展出了更有人文主义精神的自然表现风格。杜乔曾在佛罗伦萨工作，与佛罗伦萨画派的先驱奇马布埃（Cimabue)风格有些相近，但杜乔更注重采用富丽高雅的色彩和优美的线条。他最著名的代表作是锡耶纳大教堂主祭坛画The Maestà，由70幅屏画组成，表现了基督的生平。

这幅画是描绘基督生活的系列画板之一，是为锡耶纳大教堂绘制的巨大的双面祭坛上的配画。祭坛画的主要部分现存于锡耶纳的Museo dell 'Opera del Duomo，在经历了无数次的动荡后，这个祭坛画已有许多模块丢失散落。

"圣母子与圣劳伦斯和圣朱利安" 法布里亚诺（Gentile da Fabriano），1423−25年，木板蛋彩画，90.8 × 47厘米，1966年购得。

法布里亚诺（Gentile da Fabriano，1370-1427），意大利国际哥特派画家。

国际哥特派是在文艺复兴萌芽阶段的一种潮流，在意大利代表人物包括马萨乔、安杰列科和法布里亚诺。对传统宗教主题进行新诠释，赋予充满人性的内容是这个派别的特点。

法布里亚诺主持建设了当时许多主要的意大利风格艺术大厅，作品包括威尼斯多奇宫的壁画、罗马圣拉兰特教堂的蛋彩壁画"贤士来朝"等，法布里亚诺的绘画很富抒情性。

这幅"麦当娜和孩子，与圣劳伦斯和圣朱利安"是一件完好的私人祭坛画，蛋彩描绘的人物在金粉涂抹的背景上尤显生动。

"耶稣受难" 弗朗切斯卡（Piero della Francesca) ，15世纪，白杨木蛋彩，37.5 x 41.1厘米，1961年购得。

"修女" ，弗朗切斯卡（Piero della Francesca) ，15世纪，白杨木蛋彩，38.7 x 27.9厘米，1950年购得。

"修士" 弗朗切斯卡（Piero della Francesca) ，1454−69年，白杨木蛋彩，40 x 28.3厘米，1950年购得。

弗朗切斯卡（Piero della Francesca ，1410-1492）是意大利文艺复兴的代表人物，他和波提切利一起拉开了文艺复兴的序幕。

和达芬奇相似，弗朗切斯卡不但是艺术家，还擅长数学、几何和地理。他的绘画带有人文色彩，构图采用几何透视的形式。他画的"诞生图"现存于伦敦的国家画廊，是文艺复兴时代歌颂生命的典范之作。他最著名的作品是大型的系列壁画"十字架的历史"，就在Tuscan小镇Arezzo的San Francesco教堂。

这幅蛋彩画"使徒约翰"是弗朗切斯卡经典作品中少有的在意大利之外收藏的作品，因此，非常难得！另外相伴的是三副小型的画作，估计都是从同一个教堂的祭坛上而来。

"使徒约翰" 弗朗切斯卡（Piero della Francesca) ，1454−69年，白杨木蛋彩，134 x 62.2厘米，1936年购得。

“基督在十字架上，圣母和圣约翰 Christ on the Cross between the Virgin and Saint John”，西蒙.马提尼(Simone Martini (1284−1344)，1340年，蛋彩金箔橡木画，44.5 x 20.2厘米，Phillips家族收藏，借展画作。

西莫内.马丁尼是意大利锡耶纳（Sienna）画派创始人杜乔的得意门生，他的画作风格和杜乔很像，但更有人文主义精神的自然表现风格。在他职业生涯的早期，他著名祭坛画有现存佛罗伦萨的乌菲齐美术馆(Uffizi Gallery)的“天使报喜”。

这幅画可能是马丁尼在Avignon时的作品，基督的十字架被描绘成一棵真实的树，既暗指知识之树，也暗指生命之树。十字架脚下的头骨暗示了死亡和救赎的主题，而流过头骨的基督之血，隐喻了基督战胜了死亡。

除了中世纪的绘画，橱窗里还展示着许多瓷板画、银器和小型铜雕等。

North Hall 北厅

这个充满浓郁法国风情的走廊直通Living Hall，侧门进去是Library。说它充满法国风情是因这里挂展的几幅作品都是来自法国著名艺术大师。

"瓦伦西亚的之门 The Portal of Valenciennes"，华托(Jean-Antoine Watteau），1710−11年，布面油画，32.4 × 40.6厘米，1991年用Arthemise Redpath的遗赠购得。

华托 (Jean-Antoine Watteau，1684-1721) 是法国18世纪洛可可时期最重要的、也最有影响力的画家，是开启洛可可绘画风格的领军人物。虽然洛可可艺术被许多人看做一种浮华柔媚、内容不太高雅的艺术，但放到当时的社会大环境中就能理解一二。路易十四之后，以专治王权为中心的社会形态转向了以贵族生活引导的都市景象，沙龙文化盛行，富裕阶层追求享乐，其艺术形式也就转为以享乐浮夸为主。

华托、布歇和弗拉戈纳德等的艺术成就都属于大师之列。华托的色彩开启了洛可可的绘画时代，影响到后面的布歇和弗拉戈纳德，还有德拉克洛瓦等。他喜欢轻柔雅致的粉色，善用白色调和画面，在色彩和表现光的方面比巴洛克时期更进了一步。不得不承认的是，他们的作品都极富装饰性！华托的画受鲁本斯的影响甚深，但在色彩上却更加明亮鲜艳、光感也更强鲜活律动。当时绘画和雕塑学院分成两派，一派普桑理念（绘画是为了描绘宏达主题，需要均衡严谨的构图，深沉的用色，重形式轻色彩），一派鲁本斯理念（色彩绝对至上，灵活的笔触，没有肯定明确的色块，看似画面松散，但大结构在心中）；人物多为贵妇美男，尖鼻、小嘴、纤细的手指、细嫩的皮肤、华丽的衣衫；而背景大多是虚拟构想的虚幻世界；所有这些都完美地展现在他舞台场面的构图方式之中，诗意盎然！华托洛可可风格的开山之作（雅宴画）是"西泰尔岛的巡礼"，现存于卢浮宫，为了被巴黎艺术学院录取所做。华托的画由于大多与贵族有关，因而在大革命期间受到冷落。只是到了19世纪中叶，他的画才又受到普遍的欢迎。德拉克罗瓦和修拉都喜欢华托的作品，不少音乐家据说在欣赏华托的作品时就进入了音乐的世界。

"Valenciennes之门" 是他早期学画期间的作品，还没有显现华托洛可可的绘画风格。尽管如此，这幅作品如实记载了1709年西法战争中，法国士兵从战场上下来休整，等待重返战场的场面；而且这种绘画风格非常超前，有现代派画风的元素。

"伯爵夫人d'Haussonville" 安格尔，1845年，布面油画，131.8 × 92.1厘米，1927年购得。

安格尔（Jean Auguste Dominique Ingres，1780-1867），法国新古典主义画家。自幼就开始学画的安格尔，十七岁起师从大卫，后获得罗马奖留学意大利，深受意大利古典传统的影响。当大卫流亡比利时之后，他便成为法国新古典主义的旗手，与浪漫主义相抗衡，形成尖锐的学派斗争。

安格尔并不是生硬地照搬古代大师的样式，他从古典美中得到一种简炼而单纯的风格，他的绘画以唯美著称，既自然又体现了他对理想美的追求。他的绘画吸收了15世纪意大利绘画、古希腊陶器装饰绘画等遗风，画法工致，重视线条造型，尤其擅长肖像画。在具体技巧上，"务求线条干净和造型平整"，因而差不多每一幅画都力求做到构图严谨、色彩单纯、形象典雅，尤其突出地体现他的表现人体美的一系列绘画作品中，如著名的"泉"、"大宫女"、"土耳其浴室"等。"伯爵夫人d'Haussonville" 也是这样一幅典型的作品，画中人生动柔美，身着蓝色丝裙，呼之欲出。

"斗牛 Bullfight"，马奈(Edouard Manet) ，1864年，布面油画，47.9 x 108.9厘米，1914年购得。

马奈 (Edouard Manet 1832-1883法）是印象派的精神领袖，他的成就主要体现在人物画方面。马奈的画风乍看更接近古典写实画风，他之所以也被归为印象派，还在于他所画的主题颠覆了学院派的保守思想。要画战争，就画冲突性高的，被处决的画面；要画野餐，就画争议性高的对比，裸女自然的坐在穿西服的绅士当中。

这幅"斗牛"并不是一幅完整的画作，它是现存于华盛顿National Gallery of Art"死去的斗牛士 The Dead Toreador"的上半部。由于当时学院派还在主宰着法国艺术领域，马奈这幅作品的展出受到很多大师和评论家的冷嘲热讽，迫于压力他把画作分割成两半来重新调整画面的构图。也许马奈成名后，他的画作太抢手，也就被分别收藏了。虽然这只是整体画作的上半部，还是可以反映马奈的风格，既有传统绘画坚实的造型，又有印象主义画派明亮、鲜艳、充满光感的色彩。

"排练 rehearsal " ，埃德加·德加（Edgar Degas），1878–79年，布面油画，47.6 x 61厘米，1914年购得。

德加（Edgar Degas,1834--1917）法国印象主义人物画家。德加与其他印象派画家不同，科班出身的他始终强调素描的重要性，德加在罗马和那不勒斯研究过意大利文艺复兴美术，曾经醉心于画历史题材和肖像，后来在印象派大师马奈等的影响下，才转向现代题材和肖像画创作，他的画既运用了印象派温暖、轻快、鲜明的色调，也具有古典、现实主义或者浪漫主义画派风格。他最著名的绘画题材是芭蕾舞女和赛马。当人们想起德加，必先想起他画中的芭蕾舞女！

"排练"是德加在旧巴黎歌剧厅观看排练和演出时，所创作的芭蕾舞女题材之一。动作机械整齐的芭蕾舞女像是被线牵着的木偶，而感情忧伤的提琴手就像那个拉着木偶线的人；这种表现方式与他其它画中形态各异、纤腰细腿、容貌娇媚的芭蕾舞女不同；难道德加在这里想突出的人物是那位小提琴手？

"冬季 Vétheuil in Winter" ， 莫奈，1878−79年，68.6 x 89.9厘米，1942年购得。

莫奈（Claude Monet 1840-1926）是法国印象派的缔造者。与之前的写实主义不同，印象派主张到户外去，在阳光下直接描绘景物，强调以瞬间的印象作画。画光和色彩，而非线条和阴影。1874年，莫奈的"日出印象"在画展上受到嘲讽，"这分明是没有完成的画嘛，也就充其量是个印象而已"，印象派这个绰号不胫而走。

"冬季的Vétheuil"是在他穷困潦倒而妻子卡米耶又重病在身时所作，因此画中用色暗淡，有种凄凉感，很难和莫奈平时的光影交错的画面相关联，但这也就是它的珍贵所在。

Living Hall 客厅

在这座豪宅里，每进入一个房间，静心观赏整个房间的布置，艺术品的摆放体现的匠心独运和主人的审美是参观Frick Collection 的一大乐趣 。这个与家人谈天说地、休闲共情的地方，用6幅世界重量级的画作装点得隆重但温馨。

" 圣芳济在沙漠中" 贝里尼Giovanni Bellini，1476–78年，木板油画，124.6 x 142厘米，1915年购得。

贝里尼（Giovanni Bellini，1430 ~ 1516），是文艺复兴时期威尼斯绘画派的创立人，也是闻名遐迩的绘画大师乔尔乔内（Giorgione）和提香（Titian）的老师。1475年，他从北方画家丢勒处学到运用油彩的技法，把油彩绘画引入意大利来代替蛋彩（Tampero），从而把意大利文艺复兴的绘画引领到一个新的高度，也把威尼斯的绘画由乡村落后的风格带到文艺复兴的前线，成为西方艺术的主流。他的画颜色艳丽，总有碧水蓝天做背景，这与所处的威尼斯共和国（从7世纪-18世纪，政教分离）水天一色、蓝天碧水、光影婆娑的水城景色息息相关。

这幅木板油画"圣芳济在沙漠中"是他的杰作之一，是极其珍贵的文艺复兴代表作，可以说是美国收藏到的几幅文艺复兴精品中的精品。画中人物圣芳济（St Francis ）是13世纪意大利中部的一位修士，他反对当时天主教的奢靡和对教徒的愚弄，主张节俭和苦修，他根据"圣经"编写了许多歌谣让不识字的大众传唱，让他们能直接领略"圣经"的精神，而不被愚弄。他以身作则，多次在野外苦修，被人们遵从为圣人。关于圣芳济的题材在文艺复兴时期多次出现，借以表达对当时天主教体制的不满。

这幅作品描述的是圣芳济（1182-1126）在一次苦修中得到耶稣基督的传承，把耶稣基督的伤痛从天降至圣芳济的手上。画中虽然表现的是宗教题材相关的传说，但背景中的各种细节都来自大自然：光芒，树木，动物、飞鸟、人、城堡等。以往绘画中的圣光在这里只是透过蓝天白云的自然光，这就是文艺复兴的精华，崇尚人类，崇尚自然。

在绘画技巧上，运用油彩使贝里尼能够呈现更深浓的颜色，使他在描绘颜色、光、空气、物质和人物之间的相互作用上达到平衡。但还是在木板上作画，也是采用层层叠加法上色，因为当时的油彩还是透明的。

"Pierre Aretino肖像" 提香，1537年，布面油画，101.9 × 85.7厘米，1905年购得。

"戴红帽子的年轻男子Portrait of Young Man in Red Hat " 提香，1510年，布面油画，82.2 x 71.1厘米，1915年。

提香（Titian Vecellio，1490-1576）是意大利文艺复兴后期威尼斯画派的代表画家，是贝里尼的学生，后成为威尼斯的国家画家。他把油彩和树脂混合后颜色半透明或不透明，就可以一次画到位，而无需层层叠加。因地理原因，木头容易潮湿变形，促使他发明了布面油画，开启了真正意义上的油画时代。从老师那里继承了威尼斯画派的油画艺术，提香把油画的色彩、造型和笔触的运用推进到新的阶段。提香早期作品受拉斐尔和米开朗基罗影响很深，但他比这些大师又更重视色彩的运用，画作更加细腻生动。他对巴洛克之后的许多杰出画家都有很大的影响，如鲁本斯、伦勃朗、委拉斯开兹等，因此也被誉为西方油画之父。

他一路赢得的都是赞誉，只有传记大事瓦萨里记载过米开朗基罗对他画作的批评，他说如果提香再多学习一下素描，画出的人体就更完美了。

提香的肖像画之生动好像能揭示人物内心世界，在Frick 收集的两幅风格迥异的肖像画里，得到充分的显示。其中一幅是为Pierre Aretino画的肖像；Aretino是当时教皇器重的作家和诗人，是绝对的权势人物。提香通过描绘他的衣着、动作、脸部表情把他的地位、智慧和性格都完好地表现在这里。只是感觉比例略有些不合适，头是不是小了点儿。

另外一幅是"戴红帽子的年轻男子"；男子强壮的脖筋、精致的脸颊（色彩的变化非常生动）、含情脉脉的双眼、性感的嘴唇，还有握着宝剑的大手，都显示了主人公的魅力非凡。虽然这两件作品不是提香最著名的作品，但都是他的佳作！

"圣杰罗姆 St. Jerome" 格列柯El Greco，1590–1600，布面油画，110.5 x 95.3厘米，1905年购得。

这幅"圣杰罗姆"（St Jerome)就是反应格列柯画风的画作。圣杰罗姆是最早把"圣经"从希腊语翻译成拉丁语的圣人，他在基督教界的影响和贡献巨大。画中的圣杰罗姆头部颀长、身材魁梧；手指圣经、身着红衣圣袍，俨然一副学者形象，但又威严而神圣。看到他，不免心生敬仰，这幅画作具有极强的宗教影响力。

"托马斯·摩尔爵士 Sir Thomas More" 小汉斯·霍尔拜因（Hans Holbein)，1527年，木板油画，74.9 x 60.3厘米，1912年购得。

"托马斯·克伦威尔 Thomas Cromwell" 小汉斯·霍尔拜因（Hans Holbein），1532–33年，木板油画，78.1 × 64.1 × 0.7 厘米，1915年购得。

小霍尔拜因（Hans Holbein，1497-1543），父亲和儿子同名都是德国著名画家，看到这个名字时，要从生辰上分清到底是"老"还是"小"。

小荷尔拜因最擅长油画和版画，他最著名的作品是肖像系列木版画"死神之舞" 。1532年定居英国后，成为亨利八世的御用宫廷画家，主要为王室和宫廷画像。虽然欧洲文艺复兴时期很多大画家都擅长画人物肖像，但终生从事肖像画创作，成就盖世者唯有小荷尔拜因一人。他的肖像画深入而又庄重，能抓住所画人物的特点和个性，擅长客观、逼真地描绘模特。

"托马斯·摩尔爵士 Sir Thomas More"和"托马斯·克伦威尔 Thomas Cromwell" 肖像画，就是两幅表现他风格的经典作品。

"摩尔Sir Thomas More（1478-1535）"是亨利八世时期的人文主义学者，空想社会主义的创始人，"乌托邦Utopia"的作者，英国的大法官。后因拒绝在亨利八世的"新教廷法案"上签字认可，而惨遭杀害。小汉斯·荷尔拜因把摩尔爵士的勇敢、坚毅、智慧和信心都在这里用不同的细节表现出来；脸部线条所表现的刚毅正直的表情，宽大的身体所承载的知识和情怀，有力而精致的大手握着代表知识和信息的纸张，质地柔软的三色皮衣显示他不同寻常的身份...

"克伦威尔Thomas Cromwell（1485–1540）" 是亨利八世的首席国务大臣，"新教廷法案"的撰稿人，也是使英王成为英国宗教的最高领袖的主要推动者，是他把"摩尔"亲手送上了断头台。然而，他对亨利八世的忠诚并没有让他逃脱这个暴君之手，在摩尔博士去世后5年，克伦威尔遭人陷害也被亨利八世送上了断头台。

滑稽的是，Mr Frick把这对冤家对头的肖像摆放在一起，难道他是想借此铭记历史警示后人？一边是坚持信仰不屈从于亨利八世淫威而被克伦威尔送上断头台的摩尔爵士；另一边是食君之禄、为君分忧，五年后也被杀人魔亨利八世砍砍头的克伦威尔。真可谓"花开生两面，人活佛魔间，世间万象皆缥缈，一缕轻烟水云间"！

Library 书房

从北厅进入书房，浓浓的书卷气和艺术气息渗透衬托，让人痴迷陶醉。

除去Henry Frick和美国国父华盛顿的肖像，以及两幅风景画，环绕四周的大多为英国著名艺术家的美女肖像作品。

“Henry Clay Frick肖像”，John C. Johansen (1876−1964)，1943年，布面油画，142.6 x 91.3厘米，由Henry的女儿Helen Clay Frick订制。

这张肖像画让Henry的身影永久陪伴着这座他建造的艺术殿堂。

据说Henry Frick 只读过3年书，但他勤奋好学，喜欢读书，不但事业如日中天，在收藏文物上也亲力亲为。从这满屋子的顶级藏品就可看出，是满腹的诗书造就了这样华丽的审美。

"乔治.华盛顿肖像 George Washington" ，吉尔伯特·斯图尔特Gilbert Stuart，1795年，布面油画，74.3 x 61厘米，1918年购得。

吉尔伯特·斯图尔特（Gilbert Stuart，1755-1828）美国肖像画家，因给6届美国总统画肖像而闻名于世，而他创作的乔治·华盛顿肖像被誉为"美国的雅典娜"，一百多年来在一美元的纸币上成为无人不知无人不晓的伟大画作。

这幅作品一经问世，求画着络绎不绝，这也就启发了吉尔伯特·斯图尔特以此发家致富的想法，此后他复制了近130幅华盛顿的肖像用于出售。

下面这组7幅美人肖像画是英国历史上最具影响力的5位肖像画大师的作品，在书房里犹如黄金屋里的颜如玉。

"玛丽.爱德华女士肖像 Miss Mary Edward"，荷加斯(William Hogarth) ，1742年，布面油画，126.4 × 101.3厘米，1914年购得。

荷加斯 (William Hogarth，1697-1764）被尊为"英国绘画之父"，他也是版画家、讽刺画家和欧洲连环漫画的先驱。

荷加斯的绘画风格和技巧主要受鲁本斯和伦勃朗巴洛克风格的影响，同时也汲取了法国罗可可艺术的养分。荷加斯的连环讽刺画则从尼德兰的博斯和勃鲁盖尔处得到极大的启迪，他的许多作品经常讽刺和嘲笑当时的政治和风俗，后来这种风格被称为"荷加斯风格"。

荷加斯不仅是画家，也是位美学家，他著有"美的分析"，是欧洲美学史上第一篇美学专著。

这幅肖像画中的玛丽.爱德华二十几岁就继承了大量的财富，成为当时英国的女首富。财富给她带来地位、享乐和权利，但也给她的感情生活带来许多麻烦，虽结婚生子，但为了保护财富而抛夫弃子。为显示玛丽的特殊地位和气势，荷加斯把她描绘成像拜占庭王后那样高贵、大气、自信、养尊处优而又有心计。带着昂贵佛兰德斯花边的猩红色罗纱裙、贵重华丽的珠宝、纤细的小手随意抚摸着她的宠宠物狗、面前正在阅读的"伊丽莎白一世的经典语录"，再细看玛丽的脸，虽然不再年轻但风韵犹存，眼神里透出的优越感，这些都让荷加斯完美地描绘了出来。

继荷加斯后，雷诺兹和庚斯博罗成为18世纪英国最著名的两位肖像画家。

雷诺兹（Sir Joshua Reynolds，1723-1792）他是英国皇家艺术学院创始人之一及第一任院长，以肖像画闻名，受到英王乔治三世的欣赏，于1769年被封为爵士。

庚斯博罗（Thomas Gainsborough，1727-1788）是和雷诺兹齐名的英国画家。虽自学成才，但他的作品华美独特，强调光和奔放的笔触，加之精致的色彩，深受皇家贵族的宠爱。

雷诺兹是典型的古典学院派画家，去过意大利，崇尚拉斐尔、提香等文艺复兴大师的艺术，把古典艺术视为真正的不可动摇的艺术典范。而庚斯博罗自学成才，更崇尚自然，不为古典艺术所束缚，作品带有自然淳朴气质，也有些接近罗可可风格，肖像画上成就更突出。他们是一对竞争对手，互争雄长，也许只有棋逢对手才能不断进步。

他们二位都为悲剧女演员"西顿夫人"画过像，然而两张"西顿夫人像"在气质和表现手法上却非常不同。雷诺兹的"西顿夫人像"显然有精心的构图安排，这位夫人身着庄重的古典长袍坐在宝座上，微颦双眉，仰头遐思，背景伴有神话中的人物，仿佛正在演出一幕古典剧。整幅画有古典绘画的褐色调子和典雅宏大的气魄，也有相当明显的理想化处理痕迹。庚斯博罗画的"西顿夫人像"则完全是另一种风格，她随意地侧坐于画中，身着鲜艳时髦的蓝条绸衣，饰有入时的皮毛披肩，毫无做作的姿态。画家用细碎的笔触、华贵富丽的色彩描画了一位生气勃勃颇具个性的女演员形象。整幅画一点没有古典绘画的陈规，带有一种轻松自然的韵味。

下面展示的Frick先生收藏的这四幅肖像，可以很好地感受雷诺兹和庚斯博罗肖像画的精湛，也可以看出他们风格的不同。你更喜欢谁的风格呢？

"伊丽莎白-泰勒公爵夫人 Elizabeth Lady Taylor" ，雷诺兹（Sir Joshua Reynolds) ，1780年，127.3 x 102.2厘米，1910年购得。

着装复古，有专门画服装的助手完成服装部分。

"瑟琳娜-Skipwith公爵夫人 Selina Lady Skipwith" ，雷诺兹（Sir Joshua Reynolds)，1787年，布面油画，128.3 x 102.2厘米，1906年购得。

"Sarah Lady Innes肖像"，庚斯博罗（Thomas Gainsborough），1757年，布面油画，101.6 x 72.7厘米，1914年购得。

“查尔斯.哈契夫人 Mrs. Charles Hatchett”，庚斯博罗（Thomas Gainsborough），1786年，布面油画，75.6 x 62.厘米，1903年购得。

"朱莉亚-公爵夫人Peel 肖像 Julia Lady Peel" ，劳伦斯（Sir Thomas Lawrence ），1827年，布面油画，90.8 x 70.8厘米，1904年购得。

劳伦斯（Sir Thomas Lawrence 1769-1830）是英国"摄政时期（从1795年到1837年，包括乔治三世后期和他的儿子乔治四世和威廉四世的统治时期）"最流行的肖像画家，1792年继雷诺兹爵士后成为国王的御用画师，后接任英国皇家艺术学院院长并获爵士封号。劳伦斯还受皇室委任，为击败拿破仑的英国元帅威灵顿画像（目前陈列在温莎堡）。

他的作品气质优雅，人物状态刻画得栩栩如生，在颜色、纹理以及手法的处理上都大胆尝试；而他的名气也不可能更大了，在英国他被认认为是一个空前绝后的画家，是再世的鲁本斯。

Peel公爵做过维多利亚时期的首相，是位非常有品味和实力的艺术品收藏者。在他得到鲁本斯的著名画作"草帽"(现藏于英国国家画廊）后，希望能把自己美貌出众的太太也像"草帽"中的佛兰德斯美女那样变成流芳千古的画中人，而此重任非劳伦斯莫属。劳伦斯不负所望，创作了这幅可以和鲁本斯的"草帽"相媲美的画作-"朱莉亚-公爵夫人Peel 肖像"！看到这幅生机盎然的肖像，是不是像站在一尊浮雕前面一样？

"哈密尔顿公爵夫人 自然的表现 Lady Hamilton as Nature"，George Romney 乔治.罗姆尼，1782年，75.9 x 62.9厘米，1904年购得。

乔治.罗姆尼（George Romney 1734-1802) 是英国肖像画家。他虽非学院派，却得到皇家艺术学院院长雷诺兹爵士的认可和欣赏， 他是当时最时尚流行的画家，由于为著名的英国美人艾玛.哈密尔顿绘制了数幅各种题材的肖像而闻名于世。据说艾玛是他创作的灵感源泉，是他心目中的缪斯！

艾玛-哈密尔顿公爵夫人是英国历史上沉鱼落雁般的美人，她和乔治.罗姆尼是所谓的灵魂伴侣并相互成就，罗姆尼因绘制这位绝代美人而名声大噪，而艾玛也因这些风姿卓绝的佳作变得闻名遐迩。艾玛是个风情万种的美女，她机敏、智慧、聪颖好学且风趣优雅，正像画中所现，出奇的美丽！她虽嫁给年迈的哈密尔顿公爵，遇到英雄人物尼尔逊（Nelson）伯爵后，陷入情网。这幅肖像是艾玛17岁时，他的第一位贵族情人为她定制的，艾玛的故事，多次被搬上舞台银幕。

"从主教花园看到的Salisbury大教堂 Salisbury Cathedral from the Bishop's Garden" ，康斯太勃尔（John Constable) ，1826年，布面油画，87.6×111.8厘米，1908年购得。

这幅 画凸显康斯太勃尔风景画的风格：强调描绘真实对象，并力求以朴实的生活气息体现于画面中，通过树木、河流与房屋的光影来表现阳光与空气的微妙变化。

阳光下的哥特式教堂在蓝天、白云下矗立着，近景高大的树木与草地、池塘在阳光下显得色彩斑斓，这种写实手法使景物朴实生动，又具浓郁的生活气息，有一种清新之感。画面上由两棵参天大树从左右两边伸向天空，交织成一个拱形门，中间屹立着哥特式教堂的尖顶建筑，银灰色的塔尖直插云霄，消失在蔚蓝色的天际，近景是一个椭圆的池塘，散落着几条饮水的牛，林荫道上有人散步，整个画面宁静优雅。中世纪的教堂和自然的结合是十九世纪初艺术家最热爱的主题，而康斯太勃尔把它们完美地结合在了一起！

“Mortlake露台：初夏的早晨 Mortlake Terrace: Early Summer Morning”，透纳，1826年，布面油画，93 x 123.2厘米，1909年购得。

这幅为William Moffatt绘制的油画描绘了他在伦敦西面泰晤士河边的Mortlake庄园。像透纳的许多作品一样，作品基于大量的预备图稿，记录地形，平衡房屋、土地、河流和天空构图。华盛顿国家画廊收藏有他的一幅和这幅画配对的作品。

南厅 South Hall

"Lodovico Capponi肖像" ，布兰金诺Agnolotti Bronzino, 116.5 x 85.7厘米，1550–55年，白杨木板油画，1915年购得。

布兰金诺 Agnolotti Bronzino （1503-1572），佛罗伦萨美第奇家族的御用画师，继米开朗基罗和拉斐尔之后，最有影响力的样饰主义风格艺术家。

"样饰主意Mannerism"是文艺复兴到巴洛克之间的一个过渡时期，在瓦萨里Giorgio Vasari的著作《艺苑名人传》中，他用到了maniera这个词，原意为时髦，但18世纪后，人们将其隐喻成“颓废”。其特点是：不满足古典艺术追求完美的唯理主义，力图突破前辈大师的艺术规范，开始探索新的艺术风格和表现手法，通过优雅的夸张方式来追求视觉美和视觉震撼。

作为美第奇家族的御用画师，为满足贵族追求华丽的审美，他画的肖像画往往有艳丽、华贵的效果。这幅为Lodovico Capponi所做的肖像成为样饰主义的代表作，人物比例明显有调整，从而达到突出高大身材的效果。而这幅肖像画中有趣之处还在于把当时流行的显示男子性器官的衣饰也特别地做了描绘。

"Girl Interrupted at Her Music 弹琴中被打扰的女孩"，维米尔，1658–59年，布面油画，39.4 x 44.5 厘米，1901年购得。

"Officer and Laughing Girl 职员和大笑的女孩" ，维米尔， 1657年，布面油画，50.5 x 46厘米，1911年购得。

"静物 李子 Still Life with Plums" 夏尔丹（Jean-Baptiste-Siméon Chardin) ，1730年，布面油画，45.1 × 50.2 厘米，1945年购得。

夏尔丹（Jean-Baptiste-Siméon Chardin 1699-1779)是18世纪法国孕育出的最伟大画家之一。他虽处洛可可日益兴旺的时代，却并不像布歇等那样全力效忠于皇室和贵族，他所代表的是倾向于平民写实主义的艺术。和洛可可主义一样，它们都热衷于反映现实当下的生活，反对远离生活的古典主义；但洛可可追求的是面向皇室和贵族追求的浮华享乐的审美情趣，而平民写实主义表现的是普通市市民和中产阶级的日常生活及自然、亲切、朴实的审美情趣。

夏尔丹也是西洋美术史上的静物画巨匠之一，他的画能赋予静物以生命，也很有装饰性。"静物 李子"就是他的一幅静物代表作品，也是Frick Collection收藏的唯一一幅静物画。看似寻常的一筐李子、两个葫芦瓜、一杯水和一个空酒瓶，摆放安置成富有活力的非对称金字塔构图。那些李子在夏尔丹的笔下，就像散发着香气的新鲜水果，那两个葫芦瓜好像皮质的凹凸粗糙都能摸得到，那杯水和酒瓶的反光就像能直入你的眼帘！

“自画像Self-Portrait”，穆里洛Bartolomé Esteban Murillo (西班牙，1617−1682)，1650−55年，布面油画，107 x 77.5厘米，2014年Henry Clay Frick II捐赠。

与Velázquez一样, Murillo 也是土生土长的西班牙Seville画家，也是一位极富盛名的画家。以他们为代表的美术风格开启了西班牙绘画史上的新阶段，并且影响到了欧洲大陆，成为了十七世纪下半叶欧洲主要的艺术风格之一。与巴洛克过度地夸张浮华不同，他们更注重自然表现。他还发明了被称为“蒸汽式的”的笔触，使物体的轮廓融合在空气中一样。

这是穆里洛35岁左右时画的第一张自画像，把自己打造成了一个上层社会的西班牙人，身着优雅的黑色服装，戴着时尚的白领golilla。他把自己的肖像刻画在一块虚构的石碑上，很有创意。画布底部的拉丁文字是后人的提拔，提供了他的生平信息，但生日1618年是错误的。

Foot of Stairs 楼梯

"漫步 La Promenade" （Foot of stairs and landing)，雷诺阿Pierre-Auguste Renoir ，1875–76年，布面油画，170.2 x 108.3厘米，1914年购得。

雷诺阿（Pierre-AugusteRenoir，1841-1919）是与莫奈比肩同行的印象派画家。

相较与一辈子都在拼命折腾的高更，他的日子实在平淡无奇，相比于动不动就要以命相拼的梵高，他的性格又真的是没有"亮点"，他是一位温和的"暖男"。但他却创造出了那些伊甸园般完美的画作：女人永远丰腴、孩子永远纯真、阳光永远灿烂、花朵除了粉红还是粉红。谁说非要死去活来才叫激情，非要掏心挖肺才叫真诚！

"漫步Promenade"是Frick Collection最受欢迎的一副作品。在这幅大型画作中，两位装扮完美、露着粉红脸蛋、手拿玩具的女童在美丽的妈妈陪伴下，缓缓而行。同样是寻找光影与色的感觉，身处印象派的潮流中的雷诺阿，把画中的人物溶进光源之中，略感模糊但却更加迷人。这位妈妈丰满妩媚、娇丽动人；两人女童天真纯洁，令人无限怜爱。阳光、空气、水、鲜花、树木、原野、庭院光彩溢目，充满律动感，令人陶醉。

Ante Room 收藏室

看似房间小画作也不大，但千万不能忽视这里的藏品！

“圣母子和圣芭芭拉，圣伊丽莎白和扬.渥斯 The Virgin and Child with St. Barbara, St. Elizabeth, and Jan Vos”，扬·凡·艾克 Jan Van Eyck（1385-1441年)和他的助手，1441−43年，木板油画，47.3 × 61.3厘米，1954年购得。

这幅画可是被誉为油画发明者扬·凡·艾克 Jan Van Eyck（1385-1441年)的作品。扬 · 凡 · 艾克被冠以油画发明者，并非他真是发明油彩的画家，其实八世纪始就有人用油彩做画，而他改进了处理油彩的技巧，采用层层画法，以厚盖薄，可以精密地运用油彩作出细致入微的画作。曾听一位专业人士说，看到一幅中世纪作品，如果在照片上看像一幅大画，实物却是小画，那八九不离十，是他的作品。他绘画之精湛使得他占据了佛兰德斯绘画一哥的地位，曾任勃艮第公爵的宫廷画师。

这幅画可能是1441年4月由迦太基僧侣Jan Vos委托Jan van Eyck所作。技术检验表明，这幅画作是扬·凡·艾克设计构图和内容布局，但细节是在他去世后由助手严格按照他的风格完成。从这件作品中可以看出，他对空间、光线、细节、质感的高超把握。他的画作中既有用望远镜看到的景色，也有用显微镜看到的细节。在他的画作前，无不折服于这位油画之父的高超技艺。画作的木板可以考证是哪年砍阀的。

“男人头像 Portrait of a Man”，梅姆林（Hans Memling），1470年，33.3 × 23.2厘米，橡木板油画，1968年购得。

梅姆林（Hans Memling，1430-1495），德国出生的佛兰德斯(Flemish)画家，北方文艺复兴的杰出代表之一，创作了多组大型祭坛画，主要从事宗教画和肖像画的绘制。梅姆林的艺术风格恬静优美﹐带有油画鼻祖凡·爱克的技法。他的肖像画在15世纪享誉欧洲，即使在意大利群星璀璨的那个艺术大地上也很受追捧。

虽然这幅"男子肖像"的主人公身份不明，但它是感受梅姆林肖像画特点的代表作。放大的人物好像要从画中探出头来，严肃而庄重的神情略带一丝微笑，眼睛里的光芒透着智慧，让人猜测他身份的同时对他肃然起敬。梅姆林把这个放大的肖像置于窗框里，加上远景处的风景，展现了15世纪佛兰德斯肖像画的风格，笔触细腻、精准、一丝不苟。

"三个士兵The Three Soldiers" ，老·彼得·勃鲁盖尔（Pieter Bruegel the Elder），1568年，橡木板油画，20.3 × 17.8厘米，1965年购得。

老彼得·勃鲁盖尔（Pieter Bruegel the Elder, 1525-1569年）是16世纪尼德兰最伟大的画家，也是欧洲独立风景画的开创者，同时被誉为专画农民生活题材的天才。由于他的两个儿子也是画家，并有一子与他同名，故我们称他为老勃鲁盖尔。版画设计师，雕塑家，生活在安特卫普和布鲁塞尔，爱好描绘农民生活和大自然，因此被叫做农民画家。

身处文艺复兴兴盛时期，老勃鲁盖尔的艺术仍然继承了尼德兰的传统，他是在融入意大利艺术风格前的最后一位尼德兰风格画家。他的画作大部分反映了16世纪尼德兰的社会风貌，具有形象朴素、手法简括、高视点、平面、全景式的构图等特点，同意大利艺术那种形象优美、比例正确、立体感强、注意整体效果的绘画方式不同。

这幅"三个士兵"有悖于老勃鲁盖尔多彩的画风，采用灰棕两色完成，非常稀有少见，因此曾被英王查理一世收藏，后辗转至此。

"净化圣庙Purification of the Temple”，格列柯 El Greco，1600年，布面油画，41.9 x 52.4厘米，1909年购得。

"净化圣庙" 是圣经"马太福音"里提到的耶稣基督的一个圣举。基督将商人和货币兑换商赶出圣殿，这个主题在反宗教改革中具有特殊的意义，象征着教会从异端中得到净化。格列柯在神庙墙壁上的浮雕中，引入了亚当和夏娃被逐出天堂和以撒牺牲的主题，这两个主题都是旧约中关于神庙净化的预言。这幅画中的人物被分成两组：左边是惊恐的罪人，右边是以撒献祭浮雕下安静地观察着这一幕的信徒们。

格列柯以此主题创作了许多作品，大都会博物馆也有一幅类似的收藏。这幅画的尺寸比其他同类的要小，但表现的内容却一点儿都不少。

“复活 The Resurrection”，Francesco Botticini (1446−1498)，1465−70年，白杨木板蛋彩，28.6 x 33.7厘米，1939年购得。

West Vestibule

"四季 Four Seasons" 布歇，1755年，布面油画，56.5 x 73 厘米，1916年购得。

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布歇（Francois Boucher，1703-1770），是一位将洛可可风格发挥到极致的画家、版画家和设计师。毁誉参半的一个画家。

路易十四的统治，使巴洛克艺术在法国达到鼎盛，同时也由盛而衰。到了路易十五，变成萎靡的享乐主义，即"洛可可风"，是法国大革命前的宫廷艺术主流，崇尚富贵、华丽、繁复的装饰风。

布歇在西方美术史上是位有争议的画家，新兴资产阶级认为布歇所表现的优美雅致、风流倜傥、诱人的媚态和女性丰乳肥臀，都是低级趣味。这种过激的评论是基于对当时封建贵族的腐朽生活和艺术的深恶痛绝，但公正地评价布歇的艺术，作为色彩家和表现光的画家，他位于最大师之列。他以综合性，感官的绘画主题闻名，布歇的画作多为浪漫的，装饰风格的壁画。

"四季"由四幅小油画组成，春、夏、秋、冬。从尺寸上看，可能是用于装饰门上的那个小空间。提起布歇，就免不了想起路易十五的第一情人蓬巴杜夫人。有种猜测，布歇许多画中的女主人公都以她为原型。"四季"里会不会也是呢？

Boucher Room

"艺术和科学 Art and Sciences" ，布歇，1760年，布面油画，每幅217.2 x 77.5厘米，1916年购得。

"艺术和科学" 这套室内装饰画共有8幅，由布歇为蓬巴杜夫人所绘制。滑稽的是，题目和画的风格内容风马牛不相及，现在看来，正像当时的批评家所说，洛可可虽情调低俗，但却想附庸风雅😊 尽管如此，不可否定这套画作的装饰效果，整个房间因此而显得明亮、舒适、安逸！

Fragnard Room

"爱情的发展-四个阶段 The progress of Love" ，弗拉戈纳德，1771–72年，布面油画，317.8 x 215.6 厘米，1915年从J. Pierpont Morgan （1898年）拍卖购得。

弗拉戈纳德（Jean Honore Fragonard，1732-1806），法国洛可可风格画家，布歇的学生。

以调情为内容，在弗拉戈纳德的全部作品中占有一定优势，而且无论从内容与形式上看，比起他的老师布歇来，有过之而无不及。不过弗拉戈纳德他不象布歇那样甘为宫廷的雇佣画师，也不贪图官方的赞助，在整个18世纪画家中，他是第一个公然蔑视院士们的画家。1769年后，他避开了皇家美术学院。后来在法国资产阶级革命时期，被推举为国立美术馆馆长与美术展览会的评审委员。

"爱情的发展-四个阶段"是1771年前后，弗拉戈纳德为巴利伯爵夫人（老迈的路易十五的新情人）路维希安堡的新阁楼画的四副画："梦想"，"追求"，"约会"，"赠花冠"。这个"追求爱情"的题材也许是巴利夫人的建议。可是最后这些画并没有被挂出来，而在1773年被退回给弗拉戈纳德。巴利伯爵夫人退画的确切原因无法确定，但不管是什么原因，弗拉戈纳德为此感到心力交瘁，他拒绝了一万八千镑的巨额赔偿，将油画束之高阁。后来他又加了七副小画，用于装饰他表兄的房间。这些画因其精致的风格，常常被认为是弗拉戈纳尔最好的作品，是极美的装饰画。

Dining room 餐厅

此房间展示的收藏大部分是庚斯博罗（Thomas Gainsborough）的肖像画，可见Herry Frick 对英国肖像画的钟爱。

"Grace Dalrymple Elliott 肖像"，庚斯博罗（Thomas Gainsborough），1782年，布面油画，76.5 × 63.5厘米，1946年购得。

Grace Dalrymple Elliott身世非常复杂，聚记载，她美若天仙。画中人非常灵动，着装反映了当时的时尚。这幅肖像是威尔士亲王订制，她当时作为情人刚为亲王生了个女儿。

"Hon. Frances Dumcombe夫人肖像" ，庚斯博罗（Thomas Gainsborough），1777年，布面油画，234.3 x 155.3厘米，1911年购得。

这是庚斯博罗仿照凡.戴克的肖像画而制，连画中人的衣饰都是那个时代的样子。

"Peter William Baker 夫人肖像"，庚斯博罗（Thomas Gainsborough），1781年，布面油画，227.6 × 151.8厘米，1917年购得。

"圣詹姆斯公园的中心广场The Mall in St. James Park"，庚斯博罗（Thomas Gainsborough），1783年，布面油画，120.7 x 147厘米，1916年购得。

庚斯博罗为了生计不得不画一些肖像和迎合上流社会趣味的作品，但在闲暇时间里，他就尽可能描绘他一生都十分热爱的风景。他的风景画虽然在画室中完成，却并不逊色于他的肖像作品。这幅"圣詹姆斯公园的中心广场"是他的创意作品，一反往日的景作肖像背景或纯纯景物，他在这里展现的是像天堂般美丽人景交融的圣詹姆斯公园广场；天空蔚蓝、风吹树摆、一群美女悠闲自在、两只小狗嬉戏玩耍，整个画面就像一个在女士手中抖动的折扇，富有动感。人们猜测这幅创意作品是受华托60年前创作的一幅小型画作所启发，但庚斯博罗本人却说"虽然此景看似华托，但却远胜华托"。

需要说明的是，这个中心广场已成为女王白金汉宫主大道的一部分，此景只留存在了这幅画中！

"Henrietta - Warwick伯爵夫人和她的孩子 Henrietta, Coutess of Warwick and her children"， George Romney 乔治.罗姆尼，1787–89年，布面油画，202.6 x 156.2厘米，1908年购得。

罗姆尼一生创作了1700多幅精美肖像作品，络绎不绝的订单就能说明他当时受欢迎的程度。为了画好好友Warwick伯爵这幅订制，罗姆尼花了两年时间精工细作，可以说这是罗姆尼作品中的精品！

画中的Warwick伯爵夫人年方29，风韵卓绝，但身为两个孩子的母亲，举止投足都显露出足足的母爱！可爱的女儿依偎着妈妈，而需要顶天立地的小儿子却安排成独立而严肃的站姿，意味着他对爵位的继承和担当。

Portico Gallery 门廊

“狩猎女神 Diana the Huntress”，让-安托万·乌东（Jean-Antoine Houdon，法1741–1828)，1776−95年，泥塑，191.8厘米高，1939年购得。

让·安托万·乌东是法国新古典主义雕塑家。他生活在法国启蒙运动时代，乌东是法国古典主义向现实主义过渡时期具有承前启后作用的划时代的雕刻大师。雕塑“戴安娜”是他35岁时完成的惊世之作，但这尊泥塑可能是他后来做的复制件。19世纪末20世纪初，让·安托万·乌东的雕塑出现在美国邮票上，可见他的名声和成就之显赫。

“瓷花瓶Bottle Vase”，Meissen Porcelain Manufactory (德国 1710至今)，1730年，21.3厘米高，Henry H. Arnhold于2019年捐献。Henry Arnbold's Meissen Palace 瓷器收藏。

尽管瓷器在中国东汉就已出现，但直到16世纪中叶葡萄牙船只到达中国南海沿岸后才传到欧洲。之后的两百年的欧洲，瓷器被当成“白色的金子”对待，因中国一直对欧洲封锁制作工艺和配料，所有瓷器只能从亚洲进口。

直到1708年，德国化学家Johann Friedrich Bottger 成功配出类似高岭土的泥土成分，制成了精致如中国瓷器的物件。为了防止葡萄牙国王的使者偷去配方，他们把工厂建到了悬崖边的Meissen镇。

这个展览就是纪念Henry Arnbold捐献给Frick Collection的一百多件Meissen瓷器收藏。

谢谢女儿和先生的支持和鼓励，帮助我完成了这篇文章！