张华洁老师微早课

宝家

2017微课（一）

1，个性是要发掘和保留的。但就绘画而言；个性需要恰当的绘画手段与语言体现出来。这就是我们要学习经典、开拓视野、磨练技巧的原因。

2，临摹经典与写生，是学习绘画艺术的一体两面：不学习不同时期、不同风格、不同作者留下来的经典作品，不知道前人所到达的高度和深度，不知道绘画还有多少可能性。

3，不写生，就无法让自己的眼睛对生活保持好奇心，不能让自己的意识与环境保持敏感的连接。无法让眼睛、心灵、手达到协调互动的发展。

4，对一类题材在一个单位时间里进行深入的研究，会积累经验，获得绘画能力的实质突破。掘井的道理就是集中力量突破一点。

5，艺不压身，材料只是手段，目的是得心应手地表达思想与情感。多种画材绘画的交替学习与演练，可以触类旁通，使自己的绘画品格灵活又独特。

6，急躁与荒疏，都是绘画学习需要警惕的不良态度：急进会忽略研究、

思考与积累。荒疏则寸进尺退，无法获得绘画技能的有效提升。

2017微课（二）

1、素描，是单一画材的单色、单纯描绘。素描既是绘画艺术的造型基础，也是独立的艺术形式。发展到今天，素描可以大致分为以下几个风格流派。

2、佛罗伦萨古典素描：尤以十五世纪文艺复兴三杰：达·芬奇、拉斐尔、米开朗基罗留下来的素描作品为主。它们大多以边缘曲线为主，辅助以立体感的主观“阴影”。讲究人体解剖与形体结构的转折。强调人体的量感与结构美感。有神性的理想主义美感追求。

3、欧洲古典素描：以古典主义大师赫尔拜因、安格尔、丢勒的艺术实践为主。讲究精简与准确，以一当十。充满人文主义的人性美感。

4、俄罗斯写实素描：以十九世纪末二十世纪中的巡回画派列宾、苏里科夫、谢罗夫等人为主，讲究线面结合的形体与神态捕捉，有现实主义的生活气息，与完整和深入的塑造。

5、德国的写实主义素描，以康伯夫、门采尔为主，有严谨与概括为长。注意动态瞬间的精准把握，有迅速又不失准确的协调统一。

6、契斯恰科夫素描体系：中国学院派主要的素描教学与实践。注意体积、快面的空间塑造，讲究描绘的完整性与五光俱全。要求尽可能还原空间中的物体的光感与质感。

7、梵高与佛洛依德、大卫·霍克尼式的素描：主观生动，是来自生活的写生，但更提炼线条的画意，注意现实中提供的线的韵律和对象的味道。不仅仅画人物，也多画风景、静物和生活环境。

8、尼古拉·费申的线性素描：俄国画家费申是素描大家，其素描造型精准，人物神态把握精微，线条自然又富于美感，气息自由又有内在张力。

当然，还有很多不同样式风格的素描。但无论怎样不同，都由观察生活、研究对象、组织画面、逐渐向概括性、感受性与绘画性方面发展。

画好素描要仔细观察对象、态度明确，笔法洗练，宁慢勿快。

2017微课（三）

1、绘画能力的组成大致有三个方面：天赋、训练、神秘。

天赋好理解，就是与生俱来的敏锐和感觉。

训练有些不好理解了，因为训练方法、渠道、步骤都需要详细解读。它涉及到训练方被训练方两个当面的互动机制。

神秘最难理解，它既不能简单理解为天赋，也不是单纯训练得来，它属于精神方面。有思考和领悟的意思，是一种先天条件加后天调配出的思维能力的结果。

2、陈丹青说，艺术家无法培养。他说得过于简单了。艺术家可以发现（慧眼）、可以培养（训练）、可以孕育（体悟）。第一需要伯乐，第二需要勤奋，第三需要思考和顿悟。

3、“人人都是艺术家”在今天有了全面的可能与条件。技巧的壁垒在降低，艺术的个性原创被突出，展示与沟通的平台在扩展。艺术家的标准在多元与重构。

4、画家侧重于绘画能力和画面经营，艺术家的表达方式更宽广，他超越架上要求，更注重思维的高度和深度。

艺术家的核心品质就是不断有新的表达。即便是杜尚没有物质作品，但他不断发声，不断有观念表达出来，这些就是他的作品。观念也是作品。

5、艺术可以呈现出复杂深刻，可以呈现出轻松明艳。前一类艺术家很多，后一类有马蒂斯的野兽派。但过程都要经过一定的训练、也需要思考与经营。

6、相信有天赋，也在训练之过程中。也要用阅读、思考、体悟生发出智慧，使神秘的力量出现在自己身上。思维能力的提高。

顿悟会唤醒潜在的天赋、使技能训练事半功倍。

20170103

2017微课（四）

1、一幅画的好，有时候很难说清楚，而有时候却有规律可循。通常一幅画的好，最主要的涉及到两大方面：构成、气息。

2、画面构成，是可视的物理元素。是建筑结构、是线条块面、是色彩搭配、是厚薄干湿等等。

3、画面气息，是可感的精神元素。是由面面所透露出的综合信息，它是结构关系的精神产物，也是个性的痕迹外化。是一种时间和速度的化学反应，是心迹，也是情绪。

4、画者，不但要演练构成，也要寻找和孕育气息。构成是画面的骨肉，而气息则是画面的精气神。前者的学习有规律性和范式可资借镜，后者需要知识、情感、精神的自我体认、自我挖掘、自我完善。

5、精彩画面的出现，有神秘性的偶然。大能，往往会逐渐将积累的偶然变为必然，在陌生化的过程中使佳作不断。

6、手的熟练不是画画的目的，它是为了提高获得佳作的概率。而佳作的获得需要手的熟练，更需要熟练之外的静默、思考和自我超越的勇气。

20170104

张华洁

2017微课（五）

1、速写，要随时随地，不论什么题材、画材都可以上手才行。可以炭笔、也可以毛笔、还可以手机。速写要有趣味追求才好。所谓趣味，就是最想画的是什么？不仅仅是对象，更主要是怎么理解对象、呈现出你眼中、手里的对象的一种方法。

2、速写的提高，与任何学艺一样，无出“临摹”、“写生”两大途径。而最重要的是笔不离手的勤奋。在一个系列一个样式的探索与实验中，速写在今天，可以严谨，也可以“胡画”。而胡画尤其宝贵。练速写都不能自由大胆，则难以打开绘画奥堂神秘的大门。

3、铅笔、炭笔、钢笔速写，都有很好的前人的范本，要尊重自己的趣味去直觉选择。门采尔、伦勃朗、科尔内留·巴巴、席勒等前辈的作品，都是我们阶段性学习的榜样。

4、每天都挤时间画速写的人，一两年以后必然有很强的绘画自信。而这一自信的突破会终生受益。否则，有可能永远是绘画的门外汉。具体说，没有一千张速写，是不能及格的。

5、速写是创作素材收集的手段、也是每天生活的记录，也是具有独立欣赏价值的艺术品。它与画者的生活最近，不加修饰，没有压力，赤裸裸地反应画者的审美情趣和美学品格。自然而然，最接地气。

6、速写，不存在错误和失败。可以画的极快，也可以慢慢画。可以细节清晰，也可以一团云雾。任何速写，都有存在的价值，这应该是一种自觉。

2017微课（六）

1、素描画的好的大师中，有一个罗马尼亚的科尔内留·巴巴，他的特点就是整体光感强烈，他强调“重点的暗面”。这样的素描有雕塑感和力量感。你们可以找来学习。

2、中国传统的线描，不太注意光感，但也是很好的一种素描形式。所谓“白描十八法”，是说用多种线的形式表现对象。不仅强调“画的是什么”，还强调“怎么来画”。对方法特别推崇。

3、白描十八法，其实就是说线描的手法多，不仅仅就十八种方法。但在一幅画中，通常只用一种，或两种，总之很少的方法来表现。说明单一画作中“语法统一”的重要。

4、“怎么画”，就是方法论，应该是每一个画者应该用心掌握和研究的。现代艺术始终认为，绘画是独立于客观对象的存在物，是自成一体的存在物。

5、简单说：绘画的对象，只是绘画的媒介。而绘画的主体，画家的一整套处理对象的手法，以至于形成的风格，才是绘画的重要课题。

2017微课（七）

1、绘画的秘密，不仅是正在画画的过程，也包括“前绘画”与“后绘画”两个阶段。尽管画画的过程才能产生绘画，但“前绘画”期之重要，乃是为画画过程做好充分的准备。它不可或缺。“后绘画”期，同样需要加以注意，不可虎头蛇尾。

2、就像盖一栋大楼，建筑过程的每一个环节固然影响和决定成品质量，但建筑环境的选择、勘探，基础的准备、图纸的规划与推敲以及完成后环境的打理与设施完备，则是保障这栋大楼高质量建成与运转的基础。体现在绘画的写生之初，就是光、角度、方法的预估和判断，就是有关方向的推敲与抉择。

3、所谓要有“非画不可的理由”，就是找到这幅画的趣味所在。就是这幅画与众不同的方方面面。就是对绘画语言的妥帖应用。就是绘画性的提炼与实践。

4、既要动情画，也要理性画。两者的有机结合，才是一幅画由表及里，层次丰满的保障。

5、自由与规范互为表里。画要有动人之处，自由的性灵固然重要。而科学性，严谨性则是一幅作品耐人寻味的的基础。

6、如果绘画不能被我们享受，不能让我们看的纯真做的热情，则人生就又少了一大令我们快乐的理由与途径。

20170108

张华洁

2017微课（八）

1、水彩画，非常注重步骤，写生的第一步就是选择。这与其他画种一样，选择那些有“可画性”的环境对象和角度范围。所谓的“可画性”，要有“光”的意识、“形”的意识、“色彩”的意识、“明暗”的意识，它要为未来完成的画面提供某种画面趣味与构成上的客观条件。

2、水彩画写生的第二步，是用铅笔“构图”，这一点很关键。再有经验的画者，都会在上色之前，认真、准确地确立构图。清晰、准确、概括的铅笔线划分了色彩区域，寻找到边界。水彩画的“边界”是水彩画的命门，没有水彩的边界，就没有水彩的自由。

3、水彩画色彩的涂布，可以从浅入深，也可以从深处画起。一般而言，是从区域相对比较大的地方开始，比如说风景写生，就是从天空，或者大地开始。根据画面的面积大小，一次性地在调色盘上准备好充分可用的调和水与色。

4、涂布水色的时候，在区域交界的部分，要特别小心把握，而区域中间部分则相对自由，但也要观察水色的深浅、干湿变化。注意区域边界，一方面是控制水色范围，另一方面是掌握干湿与“接驳”的最佳时机。是“界线分明”，还是“相互渗透”，则根据需要，在“适当时机”果断处理。

5、所谓“适当时机”，对水彩画而言，就是水份干湿的控制掌握。水份的多寡、色彩的浓度，最终都要通过利用其干湿程度来“逐步蚕食和渗透”。时机掌握的好，水彩画就灵动而又有节奏和气息。掌握不佳，就可能脏乱枯槁，丧失水彩画的魅力。

6、水彩画写生，原则上区域的水与色，要力争一次性完成，个别区域，可以有两到三次的水与色覆盖。但色彩的干净透明，是水彩画的魅力所在，通常而言，再次覆盖的时候要特别注意第一次色彩涂布后的干湿程度。没有干透的水色，第二次覆盖就可能“混合”第一次的水色，这一点可以利用，也需要警惕。

7、好的水彩画，在绘制之初，就应该有一个对最终画面效果的预估。虽然，水、色在绘制过程中的偶然效果非常宝贵，需要敏感和利用保留，但对未来效果的预估判断，则是绘制步骤的理性匹配与逐步推进，是水彩画成功的一大技巧。

20170109

张华洁

2017微课（九）

1、整体把握、局部入手、逐步蚕食、统领全局。是绘画写生的十六字原则。

2、“整体”的意识，既是观察的整体，也是表现的整体。观察客观对象的“形、色”整体关系，表现在画面“构成”上的整体关系。

3、“局部”入手，是画面的具体处理。所谓：饭要一口一口吃，事情要一步一步做。讲究按部就班。耐心处理“整体”之下的任何局部细节。

4、逐步蚕食，是循序渐进的步骤和完成的途径。如同盖房子，整体观察如果是建筑设计和建筑图纸。每一步就是一砖一瓦的“完成”设计图纸。任何一个完成，都是设计的具象化，都是实现整体的有效过程。

5、统领全局，是画面的最后完成，其实也是贯穿始终的一种思维和意识。协调画面的整体关系，是修正过程中的缺陷与不足。增减与完善，目的是为了让“精彩”服务于画面全局。

6、坚持写生实践的“十六字诀”，核心是“整体、局部、整体”的观察方法。既是精力集中反复对比，反复推敲。也是“整体、局部、整体”的表现方法，表现手段。要胸怀全局，要不惧细节，要就是“登堂入室”。

20170110

2017微课（十）

1、色粉笔画，也称为粉彩画。是一种硬笔绘画材料。要画好色粉画，首先要选择合适的色粉纸。通常色粉纸不要太光滑，能吃“粉”。并选择中性灰、淡灰、灰绿、灰黄绿、淡咖啡等。避免鲜艳的大红大绿，除非有特殊效果的追求。

2、色粉画人物写生，“做底”很重要，这好比是在脸部搭建一个色调、结构的基本“平台”，以便随后的“唱念做打”悉数登场。

3、色粉画人物写生的面部结构特征，通常用深褐色，或咖啡色在有底色的纸上画“速写”，在几乎百分之七十的绘画过程中，画面都是在“灰”的色阶中做文章。

4、色粉画的深色部分，比如，眼帘、眉毛、发髻、多采用黑色粉笔勾画。并用手指“涂搽”，以获得融合的色块结构与层次。

5、利用好除了捏笔的食指拇指之外的另三根手指，在色粉画的深、灰、浅色域涂搽，是色粉画的一大技巧。保持手指绘画过程中的相对清洁，如同适当清洁油画笔一样，是为了色彩既丰富又干净的画面效果。

6、色粉画最后的纯白色“高光“部分，比如眼神光、比如面部的高光、发稍等。要求大胆小心准确。如同舞台上主角的高音。响亮又不可或缺。

7、色粉画的笔触，何处保留，何处“涂搽”均匀，需要在结构、质感、表现性等几个方面考虑抉择。注意利用好色粉笔笔尖的不同侧面。总之，这些都需要在反复实践中熟悉和掌握。

20170111

张华洁

20170107

张华洁

2017微课（十一）

1、自由的心性与自由的手法，对一个画者而言，无比重要。但另一方面，严谨的步骤和科学的方法，也是一个优秀的画者必须具备的基本素养。

2、步骤的重要，是因为要完成一幅画作，需要一定的空间，更需要一定的时间。时间的持续，是绘画的一大特点。即便是所谓的“速写”，也不可能像照相机一样“秒拍”而成。

3、这就要求画者有自由激情之下的理性降温，要懂得逐步完成、懂得循序呈现。绘画在有效的尺幅中“推进”，不可能胡子眉毛一把抓，需要从基本的“点、线、面”做起。

4、以水彩画和色粉画为例，与油画的遮盖性相比，它们更讲究“秩序”的笔法和技巧。即便是传统水墨，也讲究在“勾、皴、染、点”的基本范式中完成画作。而现代水墨，即便打破了这一传统，也要探索出新的步骤、新的秩序。

5、有经验的画者，都是激情与理性高度结合的“老师傅”，他不会，也不可能怀疑“秩序”，破坏“规则”。这一秩序与规则，不是束缚人的条条框框，而是超越“风格”、“流派”的基本语法。绘画是讲究语法的，只是这些貌似严谨的语法，都为一个更高的目标：自由，而服务。

2017微课（十二）

1、绘画材料和绘画工具，只是我们表达自己的一种手段，绘画的主要目的是传情达意。当然，材料的美感追求，也可以成为我们绘画的目的之一。

2、认识到材料的属性、发挥材料的特长，使绘画饱满丰富，不论是坚守单纯还是跨界丰满都是绘画的吸引力之所在。

3、艺术家，可以丰富，也可以单纯。一些伟大的艺术家常常在限制中深挖，比如莫兰迪，又比如安德鲁·怀斯。他们终其一生，要么没有离开一种绘画题材，要么没有离开一种绘画区域，都能取得伟大的成就。那是一种对绘画“语言纯度”的不懈追求。

4、还有一些艺术家，喜欢不断转换绘画材料和绘画风格，他们总是在运动中和变化中寻求平衡，比如德加，又比如毕加索。他们相信，绘画艺术的魅力就是要在形式语言的超越中，不断探索绘画语言的多样性。

5、单纯和复杂，是画者艺术实践的一体两面。甚至说，好的艺术家，既可以是单纯如处子，也可是丰富如大海。

6、对“绘画性”的痴迷，对“艺术本体”的狂热，不论面貌是“热”是“冷”，都可以令人感动。艺术家要能通过艺术语言艺术形式挖掘个性中的共性，揭示出生活的本质。

20170113

张华洁

2017微课（十三）

1、在黄宾虹先生的故乡徽州，不由得不缅怀先生的艺术成就。在黄宾虹的画语录中，印象最深的是两句话。一句涉及到主观世界，一句涉及到客观世界。两者结合起来，对一个画者而言将会受益至深。

2、黄宾虹说：“有谁催我？三更灯火五更鸡”。这是先生晚年常说的一句话。先生深感光阴荏苒岁月飞逝。绘事如此有趣而又艰深，时间怎么不够用啊！平实的一句话，概括了一个艺术家在技艺日渐成熟之际，虽感垂垂老矣，但绝不服老反而加倍努力的志气。

3、黄宾虹又说：“中华大地，无山不美、无水不秀”。年轻的时候就投入火热生活的先生，一生上下求索，不知疲倦，历经千辛万苦，终于悟得大自然的鬼斧神工与大美。怎么看也看不完，怎么画也画不够啊……。

4、时间多么的宝贵。一个有抱负，有理想的人，怎么可能虚度时光。世界多么美好，一个有情感，有追求的人，怎么可能不多看、多思、多表达呢？

5、过去常说：读万卷书，行万里路。不仅仅是读书走路。一个说的是人类间接经验的学习和掌握。一个说的是自身直接经验的积累和体悟。讲的都是学习方法的重要。

6、一个画者，首先是一个喜欢学习的人。学习，不单是学校里的课本知识，更多是生命力所需的宝贵精神营养。生于今世，前人的作品、思想浩如烟海，怎么可能无动于衷呢？一个画者，应该是感情细腻，行动果断的人，怎么可能不身体力行，勤勉努力，去表达自己的的所见、所闻、所悟呢……。

20170114

张华洁

2017微课（十四）

1、风景写生之前，要选择时间，判断环境状况。每天的早晚两头，对风景画写生来说，是“魔幻时间”。这时的太阳和地平面在十五度角上下。不论顺光、侧光、逆光，苍穹与大地的色彩都分外迷人。捕捉这一时段的色彩光影变化与特质，是一个画者幸福的工作。

2、画面构成，不仅由对象物的物理存在组成，光线的方向与强弱，也参与了画面的构成。客观环境，比如水平线，远山的轮廓、建筑、树木、船舶都是画面构成的“元素”。但是，光线的顺逆、浓淡、冷暖影响了我们对环境的认识和判断，在完成的画面中，它们都是画面构成的重要环节和“画意“所在。

3、透视的原理，解剖的原理是绘画的基本要素。但今天的绘画艺术，更加强调作者的主观认识，更加将透视、解剖的科学当成绘画可资借用的元素，而不是必须遵循和依赖的规则。

4、对光的认识，对色彩的认识，也是如此。光学中的色温，是彩色摄影者必须研究的课题，色彩的冷暖规律更是一个画者应该认识到的基本色彩原理。但绘画在今天，是有着“唯物主义”之外的“主观唯心主义”诉求的。

5、甚至，绘画必然是“主观”支配下的“客观”，这一强调主体意识的观念，解放了画者的眼睛和手，使他们觉悟：所谓的准确，只是感觉，离开了感觉，绘画就不是艺术的存在，而可能是医学的、物理的存在。

6、强调画者的“感觉”的重要，是将自信交给他们的眼睛，承认个体判断的合理性、有效性。强化这一判断在画面结构、色彩、明暗、线条等一系列构成上的“个性权威”，是新绘画新思维的核心观念。

20170115

张华洁

20170101

张华洁

2017微课（十五）

1、今天画纸本水墨，使用的依然是中国固有的毛笔、宣纸、墨汁。这在工具上虽然与“国画”几乎没有差别，但要说水墨画就是“国画”，其实是有误解的。传统“国画”有严格的范式，讲究诗、书、画、印相得益彰。而水墨画在表现技法上则自由的多。

2、如果将所有用笔、墨、纸、砚绘制的画作都当成“国画”来看，很可能降低国画的标准。国画讲究承传有序，就像传统戏剧一样，程式化，法度严谨都是它追求的要点。画好国画，必须有很扎实全面的古典文学素养和临摹的训练。意境、笔墨的追求是最基本的要求。

3、水墨画的着眼点在于借用笔墨工具，完成对现实世界的当下把握。如果硬要将水墨统统归类于“国画”范畴，不仅国画的标准稀释了降低了，也会使得水墨的精神流于刻板，影响它的自由发挥。

4、当今不少西方艺术家使用中国产的笔墨纸进行创作。比如南非女艺术家马琳·托马斯。她长期使用水墨绘制底层女性的裸体形象，在形式语言和画面气息的探索上，在艺术和生活的关系以及艺术精神的认识上极具前瞻与原创。能因为其使用了中国产的笔墨纸就认为她在创作“国画”吗？

5、无论是古代宫廷画家还是民间文人画家，他们的成就是建立在东方文化土壤中孕育出的一系列审美标准之上，这一套标准不论是传移摹写还是取意忘形，不论是吴带当风还是勾皴染点，在技法上都有严格的规范。水墨画的表达则更多借助素描在光的认识、形的理解、疏密空间上的现代意识上来完成。水墨画是今人思想的体现。

6、传统国画的范式，虽然有新一代人在努力创新与打破。也逐渐放弃了诗书画印四绝的理想追求。这在一定程度上改变了“国画”的边界，但这样的实践与探索进行下去，还是不是严格意义上的“国画”？恐怕“国画”界不认，新水墨画家也不愿意被归类于“保守”“封闭”的“梅兰竹菊”之类。与其这样两箱不爽，不如敬而有距。在大自然面前，在艺术的无限可能性面前，应该有更开放自由的思路和追求。

20170116

张华洁

2017微课（十六）

1、绘画再复杂，就是两件事：画什么和怎么画。画什么的问题涉及两个维度：看到的和想到的。怎么画自然涉及到“模拟”的和“虚拟”的。

这些在绘画的过程中可以是模糊懵懂的，但在绘画的前后要认真想一想。

2、评价绘画也有两个指标：画的像，画的好。画的像就是把绘画当成模拟外界的再现物，把空间的、瞬间的景象“复制”在两维画面之上。画的好，就是把绘画当成一个独立的事物和存在，它不是外界的仆从，而是画者对世界的认识、态度的心像外化。留在画面上的“痕迹”不必模拟视觉所见的客体，它强调的是绘画材料和作者心绪思想的融合。

3、今天的相当一部分画者，一定程度上会受到公众审美趣味的影响，在相当一批人群中，绘画依然是自然的附属品和模拟者。完成的画“像不像”被画者，成为评价画作质量的唯一标准。以这个“视觉”复现至上指导的绘画行为，必然是服务性的工作，而不是思想的独立与行为的创造。

4、画者作为一个有思想的人，尤其在绘画史的“后印象派”塞尚高更梵高诸君之后。在毕加索立体主义、马蒂斯野兽派、蒙德里安冷抽象、德库宁热抽象等等发生之后。画者除了学习，更应该思考和探索于绘画艺术的自主性。绘画应该是自由的个体，是个人对世界的勇敢表达。

5、写生的对象，不论是天空大海、花卉水果，这些都是引发绘画行为的种子和引子。它们可以是“模版”，也可以不是。它们可以被尽可能“逼真“地还原在画布上，也可以似似而非。画面的线条、色彩、布局都可以自成一体。而且应该和必需成为新的一体。

6、绘画的意趣，绘画的意义，就是创造。一个本来不存在的东西，起于一块白布，一张白纸，因为画者的创造性劳动，在一笔一划之间，在一段静默又激情的时间之后，产生出一件全新的作品。画者的自豪与画作的价值，就全部诞生于这一次次看似简单重复，实则全新的行动之中。

2017微课（17）

1、新的绘画思维，与学院教学体系有别。统考之下的美术训练，因为要评比，就要求有一个衡量“好坏”的标准。今天看这一套标准，已然违背艺术规律和社会需求。这种模式，没有正视人的DNA差异，希望像电脑输入程序前先清零再灌输的方法，不应该是学习艺术的正确方法。

2、艺术本来是追求差异性的。漠视先天差异的训练，企望在伤害个体差异之后再生产出有个人风格与原创力的艺术作品，是不是有点奇怪？这样的机制，造成大量不快乐的艺术学生，里里外外透着一种荒谬。

3、陈丹青说艺术家不能培养，那是他想矫枉过正，有对体制的绝望，也说明他没有找到办法。在尊重DNA差异之上的艺术学习和创造，还是有必要和可行的。教育的第一步，就是承认和挖掘个体的兴趣方向，随即寻找情投意合的先贤，体会他们的方法，站在巨人的肩膀上，用自己的眼睛观看，用自己歌喉咏唱。

4、儿童的绘画天赋值得尊重，所谓业余的新手的生涩感有可贵的天真。但仅仅停留在这个初级阶段是不够的。如何由不自觉变为自觉，由偶然成为必然。需要认识、学习、归纳、提高、最终完成艺术精神和艺术风格的自我构建。

5、自我构建需要掌握使用工具的能力，需要研究不同的范式和各种流派，更重要的是学会生活，并将对生活的全部感知转换为表达。表达，是有高低文野之别的。掌握的“武器”越多，表达也就越充分。这一过程，始终贯穿着对个体的全然尊重与自我确认。

6、睁眼看世界，开卷必有益。任何一个画者，都可以从心底呼喊“我是世界之王”。而一个“王者”，是不会拒绝学习的。从每天的生活中学，也从前人的经验里学。学着自信，学着表达。

张华洁

20170118

20170117

张华洁

2017微课（18）

1、新的绘画思维，与学院教学体系不同。统考之下的美术训练，因为要打分、要评比，就要求给出一个衡量“好坏”的标准。今天看这一套标准，已然违背艺术规律和需求，这种模式，没有正视人的DNA差异，希望像电脑输入程序前先清零再灌输的方法，不应该是学习艺术的方法。

2、艺术本来是追求差异性的。否认了珍贵的差异的训练，企望在伤害个体差异之后再生产出有个人风格的有陌生感与原创力的艺术作品，是不是有点奇怪？这样的机制，造成大量不快乐的艺术学生，里里外外透着一种无奈和荒谬。

3、陈丹青说艺术家不能培养，那是他想矫枉过正，透出对体制的绝望，也说明他没有找到办法。在尊重DNA差异之上的艺术学习，还是有必要和可行的。教育的第一步就是承认和挖掘自己的兴趣方向，随即寻找情投意合的先贤，体会他们的方法，站在巨人的肩膀上，用自己的眼睛观看，用自己歌喉咏唱。

4、儿童的绘画天赋值得尊重与研究，所谓业余的新手的生涩感有可贵的天真。但仅仅停留在这个初级阶段是不够的。如何由不自觉变为自觉，由偶然成为必然。需要认识、学习、归纳、提高、最终完成艺术精神和艺术风格的自我构建。

5、自我构建需要掌握使用工具的能力，需要研究不同范式和各种流派，更重要的是学会生活，并将对生活的全部认知转换为表达。表达，是有高低文野之别的。掌握的“武器”越多，表达也就越充分，这一过程，始终贯穿着对个体的全然尊重与自我确认。

6、睁眼看世界，开卷必有益。任何一个画者，都可以从心底呼喊“我是世界之王”。而一个真正的王者，是不会拒绝学习的。从每天的生活中学，也从前人的经验里学。学着自信，学着表达。

20170119

张华洁

2017微课（19）

1、画画，要么是自己喜欢，要么是让别人喜欢，最好两者都能喜欢。说是只给自己画画，有，但不能全信。说不在乎别人看法的，也有，但我们看不见他的作品。一旦他让我们看见了他的作品，那就不是仅仅画给自己了。

2、作品，你“作”，他“品”，有了共鸣，这作品就完成了。但共鸣，可遇不可求。出手就奔掌声而去，刻意迎合，自会流于庸俗。但不论是甜是苦，个性样貌与品质独具，都需要极大的心血与时间的沉淀。

3、画者的能力成长，最初是不会，然后是会，然后又不会，最后是真会。除非天才，大致都会有这个过程。大多数画者，都阶段性地处在这其中的某个阶段，或停滞不前，或正在向下一个阶段行进。

4、有些人中间出去了，有些人，一直处于某一个阶段没有变化。极少数人，会进入最后那个阶段。这时的“会”与第二阶段的“会”，中间隔着一段巨大的距离。就是第一次“会”之后的那一段“不会”。所以，“会”难，“不会”更难。由“会”而“不会”再到“会”，难上加难。然，其中的甘苦欣悦，非常人可以体会。

5、画画的过程，阶段性聚合讨论，有益于调整提高，但终究，绘画是个人化的事情。一个人，喜欢画画，多半是喜欢甚至陶醉于那种个体的劳动状态。越个人化的创作过程，越会有品质和成色。

6、但是，作为艺术的绘画，终究要面对人们的欣赏与评判。或在创作期间，或在成品之后。或在当下，或在以后。作品始于个人，归于公众。

20170120

2017微课（20）

1、生活是绘画的源头，这一点永远不会改变。与生活的全面融合，反应在绘画中，最直接的就是速写。速写是今天的画者不能不研究掌握的基本技能。

2、速写可以有多种形式，有的追求“形”准，有的追求“意”达，有的形、意兼顾。千变万化的速写，都讲究一个方法的连贯性、统一性。哪怕是不完整的几根线条的速写。假如不连贯，不统一，速写的魂魄就会飘散。没有魂魄的速写是不成立的。

3、速写的魂魄，就是一以贯之的心中有数。也叫“成竹在胸”。不仅仅是看一笔画一笔，即便是看一笔画一笔，笔断也要意连。速写对物像的“意趣”的把握，是种全局性的，由内而外的。立意，必在动笔之前。

4、速写不怕“照抄”，但要抄的准确。这里的准确，可以是物象结构，是其形体的起承转合，是提炼了和简化了的线条化物象。也可以是观察之后的“杜撰”，是高度意像化的，借题发挥的明确形式。

5、速写的学习，最离不开临摹和实践。临摹掌握方法，并将方法运用于实践。反过来，实践可以是已有的方法，也可以突破方法的束缚。意临和默写，以形写神，得意忘形。

6、不要用“速写笔”画“宽窄线”速写。那是最难看的一种模拟性“习气化”速写工具。铅笔、炭笔、钢笔、毛笔、粉笔、甚至iPad绘图软件，手机备忘录绘图软件，都可以是日常的速写工具。

7、没有统一的“最佳”速写工具，只有符合每一个画者自身个性气质的速写工具。所有的好工具，都代替不了持续的观察，手的灵活。要达到“得心应手”，除了随时随地勤奋练习，目前没有更好的办法。

20170121

张华洁

2017微课（21）

1、今天的绘画学习，比以往任何时候都便捷，因为有更多的机会看到经典原作和精致的印刷品。开阔的视野，让我们有了提高鉴赏力的基础。但更加丰富的资源，也容易造成营养过剩。未经训练，也使选择比以往任何时候都更加困难。信息爆炸，容易让人无所适从，出现选择综合症。

2、开卷有益，在一个较短的时段里，艺术风格与艺术流派的多样性需要了解。但具体到实际操作，绘画是一个需要持续积累的技能。有想法是好事情，但想法太多，以致影响到脚踏实地的艰辛努力，会事与愿违，不利于健康成长。

3、解决好视野开阔与技能提高的辩证关系，是新绘画的课题之一。循序渐进是学院派的方法，显然有它科学的一面。可它忽略了画者原本就有的个性差异。但是，尊重差异之后的开放性学习，也需要不断甄别真伪，寻找到差异中的共性需求与规律。

4、举例来说，画什么和怎么画？在一个相对统一的题材面前，每个人的处理方法天然不同。判断优劣，一方面需要承认差异的合理，一方面也要洞见个体的不足。而弥补不足，寻找解决方法则既困难又艰巨。

5、除了有经验者的启发，也需要自修与自悟。这需要沉淀和耐心。想法可以瞬息万变，但绘画的实践却需要持续的安静与坚韧。绘画能力的培养，是一个渐变的发酵的过程。观念是酵母，时间是发酵的过程。没有“茧缚”，就没有飞蛾羽化破茧的升华。

6、绘画是眼睛、手的互动，但头脑指挥了它们彼此的协调。头脑的思考和判断，是绘画必不可少的环节。阅读的营养吸纳，模仿的经验累积，表达的独特有力，这些都离不开思考。

可以说，思想，才是决定绘画品质的关键。

20170122

张华洁

2017微课（22）

1、水墨画，要熟悉工具，了解笔、墨、纸的性能。过去讲笔有锋锐、墨分五彩，这种柔性的材料要能在使用中体会出“刚”的韵味。这既是材料属性，也是美学追求。柔中有刚、如锦裹铁。

2、画水墨，不能反复涂抹，这就要求画者“成竹在胸”、“意在笔先”。要做到这一点，就得观察第一，揣摩第二，动手第三。不看，则不知物象形色，不揣摩，则不能悟其意境，不动手，则难以抒己魂魄。

3、毛笔沾上墨汁，就有了在宣纸上的各种变化可能。体会运笔的浓淡、干湿，揣摩线条的粗细、疾缓，都需要反复实践。在练习的过程中，不要在意画面的“完整”和“出错”。多试多体会多总结，自然而然，水墨画的火候就能掌握。

4、像音域落差，水墨画的墨色也要有最重之墨与最淡之墨的层次。也要有干墨与湿墨的变化。这些都可以在传统书画中得到启发。书法中的楷、行、草、隶在用笔的方法上都可为水墨画的基本语法。

5、新水墨画，可以师经典书法之法，也可以摹大师素描之法。前者重笔意，后者重墨染。总之，水墨画是控制与自由的产物。是笔、墨、纸关系的发掘运用，也是造型、造境的有效表达。

6、先从认识工具性能入手，再从造型规律入手，更从传统水墨、西方素描中汲取营养和方法。有“法”可依，无法自法。最终：“法无定相，气概成章”。

20170123

张华洁

2017微课（23）

1、一幅画“非画不可”的理由，其实很简单，就像我们喜欢一个人一样。它首先是没有什么理由的，说不出的理由，就是喜欢。这个跟我们的感受、直觉有关，不是理性的产物，或者首选不是理性的产物。

2、要将感受表达出来，尤其是通过绘画的形式，在一定的尺幅、时空、借助一定的工具材料完成一幅作品，就需要适当的理性过程。研究和分析、学习与应用，都在这一过程中。感性是船、理性是桨与舵。

3、失去情感，失去一幅作品原发的激情魂魄，这幅作品不能成立。同样的，没有丰富的肌理、层次、内涵，一幅作品也缺乏成立的要素。任何绘画作品，形貌异常单纯或相对复杂，都离不开这两个方面。

4、不论是“极多”还是“极少”，表面上看只是形式，形式之下是所要传递的信息和思想。归结到它的源头，是作者对生活的感受，以及采取的方式方法。没有真切的感受，不行。没有一套传递感受的精湛技艺，也不行。

5、绘画是讲究技巧的，但技巧是为我们的情感服务的。说到底，绘画是一个人的精神独白，是一个人性情的呈现。是一个人真实的自己，全然的自我。

20170124

张华洁

2017微课（24）

1、书法的学习，起初是描红，把框架红线内的空白填满，以模仿摹本的字体形状。这个阶段的要点是“形”，暂时没有别的。绘画的临摹，也是这样，在没有得心应手之前，先提出一个比较单纯的“形似”的目标，训练自己对外“形”的认识和准确捕捉。

2、“形”的问题的有效解决，就是使用“对比”的方法。这个对比法建立在科学的观察之上，用肉眼寻找物象之间的关系，包括距离、大小、轻重、虚实，然后将其全面“准确”地“复制”在两维的画面之上。

3、这种“科学性绘画”是写实绘画的精髓，但并不是所有绘画的铁律。就今天的绘画而言，可以遵循透视法则，也可以打破它，可以“复制”物象，也可以“重置”和“杜撰”物象的关系。区别在画者的个性与独立选择。

4、那到底什么是好的绘画形式呢？到底是建立在肉眼观察基础之上的“科学写实”，还是建立在心灵深处的、新造的形象呢？要回答这个问题，就要问我们的眼睛、问我们的心、问我们自己的个性、问我们要到哪里去。

5、目造之像，是尊重视觉的客观规律，可以向伦勃朗、安格尔、列维坦学习。心造之像，是将想像世界具象于画面。我们要向儿童画学习、也向康定斯基、夏加尔、毕加索们学习。

6、无论怎么选择，怎么做，最终都是在不违背自己“初心”情况下的研究与表达。初心，就是真我不伪，是自己心情舒畅的心手一致。是对自己性格与判断的坚持。绘画是画者的独步，要相信自己的直觉。绘画是训练直觉的，学习与吸收前人的经验，都是为锐化我们的直觉与实现真我的自由服务的。

20170125

张华洁

2017微课（25）

1、关于“艺术的秘笈”，德加告诫我们：“从大师的作品中获取营养，但不重复他们走过的路”。艺术史上有明显的师承脉络，即便风格完全不同，也可能是师生关系。乔尔乔纳和提香都是贝利尼的学生。塞尚对毕沙罗执弟子之礼。马约尔师从罗丹并自立门派。梵高从临摹米勒的画作中走出自己的绘画风格。基佛是博伊斯最后的关门弟子，并走向全新的高度。

2、显然，这种师承关系打下了这些大师坚实的基础，并使他们从一个更高的起点成就自我。从生活中学习，更从前辈大师处学习。正如德加所说，学习一种精神，学习一种方法论。这样的学习并没有压抑他们的个性，反而激发出更加鲜明的自我。齐白石说：学我者活，拟我者死。

3、所有的大师都有偏爱的题材。德加喜欢画浴室里的裸女、舞池里的舞女。米勒偏爱画田野里劳作的农民。塞尚痴迷家中的水果与周边的风景。这些既是他们熟悉的生活，也是他们灵魂的载体。具有生命力的焦灼与孤寂，在一种貌似狭窄的范围内的深挖细磨，反而成就一种前所未有的深刻洞察。

4、除了题材，他们都有自己的“腔调”。“腔调”的形成自然而然，又神秘莫测。这些可称为“符码”的差异，几乎就是他们各自的识别码。可以说，艺术史几乎就是不同风格“符码”的谱系。它只记录某种唯一性，它的生命力，具在原创。经典，聚焦于某种题材，更在全新的“腔调”。

20170126

张华洁

2017微课（26）

油画风景写生，有几个要点请注意：

1、准备画材。2、选择时机。3、选择地点。4、选择风格。5、组织构图。6、铺大关系。7、分出层次。8、掌握节奏。9、最后调整。

1、准备画材：包括颜料给够，调色油、油画笔、画框、擦笔纸等都要一一检查。

2、选择时机：研究一下太阳的方向，天气的阴晴，选择对象的色彩关系。确定整幅画的色彩调性。

3、选择地点：考虑画面组成的物理构成要素。注意天地之间的各种层次关系，确立一个最佳写生点。

4、选择风格：是快是慢，是写实是表现，在每一次写生开始的时候，要根据对象做一个新的判断。突出此幅趣味重点，调动写生激情。

5、组织构图：选择竖画幅或横画幅，要有新的判断。地平线是高是低，考虑画面各环节的比例比重。

6、铺大关系：找出画面各个区域的色彩基色，迅速地确立并协调各部分的关系。

7、分出层次：写生是对环境的概括表达，色彩准确（视觉的、心理的），素描关系清晰（设想黑白灰的效果），主次虚实的判断调整。

8、掌握节奏：注意点、线、面的范围与彼此的关联。用笔的轻重缓急，用色的厚薄干湿要有起承转合的意识。

9、最后调整：全局的协调，看有没有疏漏与误判的局部。收拾好画面整体。清理画笔、调色板，妥善安置画好的画框和画箱。

这些步骤，每次写生的时候都在头脑里过一遍，根据自身情况养成良好习惯。

20170127

张华洁

2017微信（27）

1、绘画时，眼睛看哪里，结果是不一样的。看一眼对象的局部就描一笔，和看一眼对象“整体中的局部”，再画出“整体里的局部”，是不一样的。前者见木不见林，后者是“成竹在胸”才动笔。

2、观察方法的训练，是一个画者“专业性”的指针之一。画的不准确，多半是观察方法不正确。有的画，是瞥着纸的四个边框画的。这就是着眼于“画面”结构的整体。有的画，是盯着对象的轮廓起伏画的。这是着眼于对象的特征的模拟。

3、也还有些画，说不清楚，到底是怎么画的。画的时候是透过望远镜、显微镜、放大镜、窥镜、凹凸镜、魔镜、平镜、反光镜、回光镜等交叉投射，在跨越时间、空间在某一个点上闪烁了几下，留下如同灼伤的痕迹。

4、好的画作，应该既单纯又深刻。单纯在人人似乎都一目了然。深刻在，能越看越觉得有味道。发人未发之情，打动人心皆在不动声色之间。

5、绘画能力的提好，不仅练手，还要练眼睛、练头脑。随时随地观察、比较、揣摩有关物象的形体、色彩，如何有效转化为感人的画面。这种“默化”建立在“潜移”之中。所谓“功夫在诗外”。

6、绘者在心中的揣摩推敲，与毫无准备的抬手就画，落实在画面上的效果是不一样的。有人说，你在一幅作品上花了多长时间，你的作品就会在人们心底留存多久。酝酿与沉潜，是一个画者作品“味道”形成所必须的要素。

20170128

张华洁

2017微课（28）

1、画一幅画，要有动机。以前我称之为“非画不可”的理由。这个理由可以是带感情色彩的，作者被什么东西打动了。也可以是具有学理色彩的，出于研究的目的，在绘画方法上进行不断实践。

2、一幅画能解决一个问题就很好，能解决两到三个问题就更好了。通常，解决好构图的问题，是基本的。还有素描的、色彩的问题。构图的稳定和变化，是一个画者要通过阅读名作，经过不断揣摩和实践才能掌握的技能。

3、素描关系问题、色彩对比和统一的问题。画面趣味中心的问题，气氛营造的问题。这一系列问题中，“语法统一”是非常重要的。每一幅作品都有一套自己的语法，且不能矛盾混淆。

4、绘画中的“语法”指的是什么呢？比如伦勃朗，他的肖像画，通常只有一个主光源，这是在电灯发明之前的烛光效果使然。是来自生活的，观察与选择的结果。聚光，就是他的主要语法。

5、安格尔的素描就与伦勃朗素描在语法上明显不同。安格尔更注重对象本质的型的线化处理。明暗少而经济，除了对象的固有形体不会多画阴影。伦勃朗则热衷于“光线作用下”对象描绘。所以他的画总是黑乎乎的环境托出亮着的主体。

6、一幅画的构思要贯彻到底。没有贯彻，就只能是“点子”，不能称之“构思”。绘画的构思，如同写文章的构思一样。后者用文字，想说什么，又怎么去说，用什么方法、步骤去说，文眼在哪里，最终落实构思于文章全篇。绘画亦然。

7、好画让人看了还想看，有挥之不去的魅力，那一定是有一个明确的实现了的构思，有一套统一鲜明的语法，有独特的立意和丰富的层次。这些，不是多多益善，而是不可或缺。所以，绘画是视觉的，也是思想的结晶。

20170128

张华洁

2017微课（29）

1、我们学说话，是为了和别人沟通，让别人知道我们对外界的愿望和需求，让别人了解我们的思想和情感。一个聋哑人，听不见周边的声音，说不出自己的梦想，他也努力用手势来表达。表达如此重要，它是我们跟世界沟通的桥梁，没有了这些桥梁，我们就成了一座可怕的孤岛。

2、世界是这样的丰富多彩，我们的内心又是这样的激情澎湃。我们感时伤怀，继而托物咏志。我们无非想让世界知道我们来了一趟，我们有自己的态度，有自己的情感，有自己的思想。面对同样的生活，有人能说出美妙的句式，有人会唱出细腻的情感，有人却能画出感人肺腑的华章。

3、绘画，是我们表达自己的手段。正如语言、文字，都是我们独立的声音，都是我们丰富的内心世界的自然流露。色彩、结构、层次、线条、笔触，这一切组成的视觉交响，都是我们的信使，它们传递给别人以我们生存的意义和希望。

4、人生一场来去，或匆匆迷茫，或坚实清亮。延续或传递，有的是血脉，有的是基因，有的是情感，是震撼灵魂的审美力量。是价值取向，是生命质量，是精神与思想。

5、一张画，可以卖钱换粮，但它首先让作者自娱娱人。若问我们每天为何辛苦劳作，一定会有人说，是为了明天更好，为了人生幸福，为了快乐和舒畅。

6、所有的职业劳动，都为了获得生活的报酬，然后用报酬去买回快乐。唯独艺术，尤其绘画，它省略了中间环节，它直接获得快乐。报酬是生活的手段，不是目的，快乐才是。而快乐的深度，取决于我们表达的自我是否清晰，是否充分，是否完整。

7、学画的过程，就是学会快乐清晰地表达。就是呈现真实美好的自己。所以，魂魄与绘画的手同行，思考与绘画的手同行，感恩的心，高贵的灵，与绘画的手同行。

20170130

张华洁

2017微课（30）

1、三十而立，微课分享到第三十讲，我其实越发诚惶诚恐。昨夜看到一位学员发来他喜欢的临摹样板，竟没有一幅是我熟悉的名家经典，顿时觉得孤陋寡闻。直觉告诉我，我们俩之间一定有一个人错了。

2、艺术，有没有绝对的对错？要有，那什么是区分艺术“对错”的标准呢？有道是：开卷有益、兼容并包、杂食养人。也有话说：近朱者赤、孟母三迁、潜移默化。

3、艺术是学的，更是养的，所谓要有“学养”。起初，是学，没有太多的选择，遇到什么学什么，看到谁学谁，所谓“饥不择食”。但解决了温饱以后，进食就不再是为了果腹，而是为了品赏，为了感受食材的精良，烹饪的乐趣。精神上的需求当然有个效能问题。

4、或登高望远，或一叶障目。或见多识广，或固步自封。前者是目标，是理想。后者是过程，是无奈。如果我们因为无法感受到丰富而粗浅，我们当然只能接受现实。如果我们已经知道外面的世界很精彩，我们又怎么能够拒绝阳光灿烂，广采博取呢……。

5、衣带渐宽终不悔，为伊消得人憔悴。独上高楼，望尽天涯路。暮然回首，那人却在灯火阑珊处。王国维的审美三境界，要常思之，笃信之，践行之。

6、所以，什么是艺术的“好坏”标准呢？看山是山，看山不是山，看山又是山。路漫漫兮其修远兮，面壁十年图破壁！

20170131

张华洁

2017微课（31）

1、安格尔是古典主义大师，素描言简意赅，追求型的准确和画面的文雅气息。他的学生德拉克洛瓦是浪漫主义大师，素描追求动感活力和戏剧性。库尔贝是德拉克洛瓦的学生，素描追求现实感与真实性，他是现实主义开拓者。三人有前后师承，也有变化革新。

2、每一个人都可以有自己的“风格”，有自己喜欢的题材和处理画面的方法。但这个是逐渐形成的，着眼点首先是生活，以及对生活的感动与发现。通常，人们只是生活着，而画家却将生活有意识地加以观照。观照，是一种思想和态度的介入，它赋予生活一种仪式感和庄重感，而不仅仅是生活本身。

3、绘画的形式，是一种对生活观照后的升华。可能唯美、可能纪实、可能浪漫，可能批判，它都是人的意识的产物，它是强化了某种“认识”的变造“对象”，而不是对象本身。这种强化，是与作者的性格、经历、思考、表达紧密相关的。是作者的独特又深刻的面貌。

4、绘画，首先是对自己负责，其次才是对读者负责，这个顺序不能颠倒了。对自己负责，是要令自己信服，若眼高手低或言不及义，这就需要弥补其间的差距，需要达到“我写我心”。对读者负责，就要对艺术史、对生活现实、对文化环境有一个基本判断，做到有的放矢。

5、绘画作者的心，应该经常清理，绘画工具在使用前后也要清理，但思考的过程，以及绘画过程之中，则不能“太干净”，“太理性”。比如，水墨写生中，毛笔，它一开始是要很顺滑的，安妥的，而在绘制过程中，它可能随心所欲而“体无完肤”，乱毛扎起而“面目全非”。专注的画者可以顺势而为，借力打力，利用好这“偶然”的，“可遇不可求”的变化。这，就是绘画的某种“不可复制性”。它不是刻意的，是自然形成的。

20170201

张华洁

2017微课（32）

1、 我们接触绘画，或者通过原作，或者通过画册、书籍等印刷品。通常看原作的时候，收获的信息量更大一些。而印刷品相对来说就简单的多。但开卷有益，看印刷品有一个突出的特点，就是看构图，看画面构成，看它的整体形象和关系。

2、整体关系的有无，是区别画者“专业”与“业余”的一个分水岭。无论画面内容的多与少，有机地组织起彼此之间的关系，花力气处理好整个画面的构成是一个画者不断提高的功课。这是从经典杰作的印刷品和原作中都能学到的经验。

3、就油画而言，对原作的阅读，有比看印刷品更多更关键的信息获取。色彩、笔触、肌理、体量等等。这些信息提醒我们；绘画的工具、材料、步骤、方法、尺幅大小对一幅作品艺术效果的重要。

4、临摹，油画与素描有些不同。要画好油画，寻找摹本非常重要。在没有好的原作观摩，好的印刷品阅读的情况下，临摹更应该侧重于画面整体布局，画画整体构成。尽量减少将精力放在印刷品的色彩、笔触等技巧的处理上。而这些，都应该在博物馆，展览会上，从大量原作，从经典中寻找正确的答案。

20170204

张华洁

2017微课（33）

1、莫奈画的教堂，是在一个角度下不同的时间段画出不同的色调。他的荷塘也是如此。他关注的是物象上的光。

2、后印象派的塞尚，他画了不少水果和台布，他研究的是物象的结构，尤其是这些原本孤零零的物件放在一起，组合成的一种关系。

3、德加是既研究光色，也研究结构，他还注意整个画面的光的逻辑与气氛。他很兼顾色、光、型的整体关系。

4、梵高的画很注意整体的趋势，他分得清各个区域的主色调，也注意各个物象的形态。重要的是，他将这一切都控制在他编织的旋转的线的矩阵里，他用个性鲜明的强调，统领了这一切，这统一的色域、物象、以及彼此的关系。

5、高更的画画的很薄，很多都能看见画布底色，但画面效果不拖泥带水。型、色是肯定的。他对物象外形特征与整个画面的色域布局以及鲜明对比有明确态度。

6、从以上几位印象派和后印象派代表画家的作品可以初步看出一下几点：1、强调一点。2、统一方法。3、贴近生活。4、用自己的方法，画自己的画。

20170206

张华洁

2017微课（34）

1、写实是一种坚实观察的训练，它得到的是眼和手的高度统一。抽象是一种思维方式，它实现了头脑中的风暴、沉静与哲思。

2、写生是与自然的平等对话，有了写生的准备、实施与总结，我们与客观世界有了无缝对接。我们会睁大眼睛，为了留住看见的一切，我们也学会捕捉所见的精微。

3、临摹是体会巨人的方法，跟着一个有经验的向导亦步亦趋，这并不丢人，它让我们少走弯路。尤其是不善于总结的弯路，是精力的浪费。本来可以感受风景最好的高度，思辨最深的维度。临摹不仅仅是看，它还有手的跟进。

4、创新是可遇不可求的，一切初出茅庐就想一鸣惊人的想法，对儿童是可爱的天真，对成人就是愚蠢的幻想。所有精彩与独特都是自然生长出来的果实。激素过量，会影响内在分泌，造成紊乱。

5、不要急躁，绘画是长跑，除非你已经觉得不需要学习，不需要思考，不需要实践。爆发力请在冲刺的时候呈现。

6、爱是不自夸，爱是恒久忍耐。

20170208

张华洁

2017微课（35）

1、克利姆特是维也纳“分离派”的主将。他最初有很坚实的古典写实基础。与学院派“分离”的过程中，他吸收了日本版画，中国民间版画的构成法则。画面的平面“构成”意识，是维也纳分离派从东方绘画中学到的，又有别于西方传统的鲜明特征。

2、空间意识向“扁平化”转换。注重物象的边缘形态，注重这些形态与画面四边的平行关联，把相关形象“摆在”合适的位置，并在其区域内处理好平面肌理与色彩对比效果，是“维也纳分离派”所着重实践的。

3、席勒是克利姆特的学生，但他更加强调了这一“画面构成”。席勒痴迷于“外形线”的走向与“波动”。画面的四个边框对他如此重要！而形体内的质地肌理又如此浑然有机。席勒的敏感全在“平面造型”上。独立的区域“笔意”质感是他的品格。外轮廓是他的生命线。

4、空间“深远”的消失，将“高远”“平远”的意识探索到极致，将绘画完全落实在画框内到“平面构成”与“区域肌理”的趣味上，绘画终于成了独立的“平面结构”的存在，这是“分离派”从东方版画中受到启发，发扬光大后又贡献给我们的新观念。

20170211

张华洁

2017微课（36）

1、色粉画肖像，画的时候要利用好原画纸底色。也要处理好平抹的色域与高光处的笔触关系。通常在亮色部分，也就是形体突出的部分，要留一些笔触。用平滑与笔触的对比拉出远近关系，这一点与油画类似。

2、素描肖像的细节，不一定都要“画”出来，也可能是留出的。细节，也不是要画的越“细致”越好，比如耳廓、牙齿、发梢。看是否有必要。细节是一种画面中的趣味中心，一种由明暗、转折、对比出的准确关系。它只是不含糊其辞，而不必“画”出很多影响全局的“细枝末节”。

3、素描或水彩，色粉或油画。一直要思考“整体与局部”的关系。构思一幅画与最终调整一幅画，都要从“整体”上思考“局部”，在“整体”上处理“局部”。一切影响大局的、破坏大局的“局部“都应该让它消失，不要舍不得这种表面的“精彩”。如同罗丹砍掉的巴尔扎克雕像的手。

4、不要完全照抄对象，不论是写生还是画照片。所谓不要“完全照抄”，就是要有选择地处理画面关系。一个美女，画了每一个清晰牙缝，是不可能美的。一个老汉，画了一排齐刷刷的胡须，也是过于跳跃的。不要忘记让声音最好的歌手领唱合唱中的华彩，让形象和位置最好的歌手主唱最美的乐章……。

20170214

张华洁

2017微课（37）

1、绘画从感知到呈现，大致分两种：眼睛里的和心理的。但眼睛不能直接画画，它要通过思想的过滤。心理也不能直接画画，它要通过眼睛观察，经过眼睛感知与检验。

2、但是，这种融合与眷顾，并不影响绘画的两种大的倾向性。侧重于视觉的，或侧重于心理的。强调这一点，会帮助画者明确绘画手段、组织和方向。综合的统一，综合的侧重。便于绘画语法和“风格”的统一。

3、一切好的绘画作品，一定是语法统一的。这里的语法，包括色彩、构成、线面以及画面构成。最主要的，是要在一个构思，并用这个构思统领这一系列语法。

4、无论是画静物、风景、人物、场景，都要像画人一样。人是都有自己独特的形貌与气质。画也是有这样的气质。有气质的画总能抓住读者的眼球，并给人留下强烈的印象引起人们的思考。

20170216

张华洁

2017微课（38）

1、绘画的尺幅有大有小，小画幅可以有大的格局，大画幅也可能很空洞。决定一幅画的不仅仅是尺幅，主要是它的容量。容量不一定在信息的多少，而在于信息和意图的力量与质量。

2、构成一幅画的力量与质量，涉及到很多方面，但基本上有：立意、构成和气息。立意的有无，是可以感知到的，它相当于文章的主题思想。构成是直观的，相当于文章的段落和结构。气息往往是在此基础上自然形成的。

3、看一看大师的素描手稿。比如达芬奇、米开朗基罗、门采尔、徐悲鸿的素描稿。与完成的大幅创作相比，即便在一幅小画里，我们也可以看到那怕最简单的线条，最简单的色块，都在一个逻辑秩序之下。这些小草图和创作手稿都有明确的支点和诉求。

4、强调小画的价值，是针对当下生活的节奏，鼓励我们画出精彩的有内涵的小画。看一下美术史，几乎每一个重要的艺术家，都有大量高质量的小画幅小手稿存世。麻雀虽小 ，五脏俱全。艺术精神和艺术品质不因画幅尺寸而改变。甚至自然而随机的勾画反而更加真切生动。

20170221

张华洁

2017微课（39）

1、在今天这样的社会环境，个人绘画的“范式”与所谓的“风格”应该是自然形成的。期间有阅读、学习、临摹、借鉴的介入。总体上让自己处在一个开放的环境中。的确需要形成绘画的方式方法，但这也需要一个相对封闭的稳定过程，这就是所谓的“茧缚”。

2、太多“成功”的绘画样式影响到我们的思考和判断，如果这些“成功”恰好与我们的认识与理解又有一段陌生的距离，我们是不是就会有焦虑和茫然，担心我们这样的学习是否“有效”，是不是应该改弦更张，立即“学习”这些“成功”的经验？不是说“开卷有益”吗！没错，但绘画技能的提高与思维的积累，是需要过程的，固步自封当然不可，瞬间摇摆更是不行。

3、为什么画要一组一组地画？就是要研究方法。不成系列，则方法不能积累，不成系列则体会不出个中三味。冰冻三尺非一日之寒，若要有效，则不可浅尝辄止。掘井之成，功在不舍。

20170224

张华洁

2017微课（40）

1、绘画的题材可以有很多，但它主要应该来自于我们个体的经验。包括直接的和间接的经验。直接的是我们亲眼看到的、亲身经历的。间接的是读到的、听到的。不论是直接经验还是间接经验，要转换为画作，都应该越小越好。因为只有小景、小事、小角度，才是属于我们个人的、真切的、别人所没有的。要画出属于自己的画作就应该从挖掘别人所没有的个体经验出发，这是优秀画作的奥妙之一。

2、个体的经验和个体的视角，是画者绘画题材无比珍贵的源泉。历史上所有伟大的画者，无不深刻尊重自己的感受和经验。我们的自我感觉和个体经验是形成绘画风格独特性的根本。之所以要绘画，是因为我们能看见，我们看见了我们自己的世界，我们就要把我们自己的角度记录下来，表现出来，传递出去。

3、一颗树，一朵花，一个人，被我们遇见了，我们被打动了。我们被我们眼睛里的这棵树、这朵花、这个人的这一属于我们的角度和特质吸引了。他们如此特别，如此独一无二，我们要记录下来，这是我们写生的动机和理由。

4、绘画当然要有想象力，我们有自己的思想，思想可以靠口头语言和文字记录下来。绘画给了想象发挥的巨大空间。想象力丰沛是优秀的非写实绘画的重要特征。甚至也是当今现代绘画的主要特征。但是，这一想象的空间与想象的纬度，要求我们从尊重自己的眼睛、自己的记忆的独特性开始。

5、绘画的技能，是为了画自己，画属于自己的画服务的。同样一个客观世界，最终绘画要成为一个“主观”世界的结果。这个结果属于一个一个完全不同的绘画个体。只有那双看穿了平凡世界的慧眼，画出了众人眼里没有的那个角度、那个光、那个色、那个氛围。这个，是我们画画的理由和目的。

6、绘画学习的阶段性任务，可以循序渐进，也可以缠绕前进，也可以跳跃前行，但根本上要杜绝抛弃了个体观察和个体经验的所谓“想象”。这种“初级”想象，最容易雷同于众人的一般化经验。如何避免雷同呢？请回到你自己的眼睛、你自己的经验。而可为借用的，仅仅是方法，是规律性的手段。但请尊重和唤醒自己。没有自己，就没有绘画的好感受，好题材，好气息。

20170226

张华洁

2017微课（41）

1、画一幅画，如果是写生，总得有一个视点。

视点决定了，我们要把大千世界那一个眼前小小的组合关系，放进小小的画面。这个视点的选择，是最初的兴趣加随后的思考。因为我们或站、或坐、或俯、或仰，都有一个“视平线”。地平线要放在哪里？这，是要选择的。

2、写生，是选取三维空间后的两维再造。这就需要在视平线之外考虑“立体”世界的“平面”处理问题。这既可以遵循物理透视的客观原则，也可以自行改变，以使它“符合”我们希望它存在于画面中的主观需要。所谓的“乾坤大挪移”，是可以的，毕竟我们不是在摄影。但挪移到哪里，如何“再造”三维世界于两维平面，是要选择和判断的。

3、除非特殊情况，比如“高调”或“低调”，正如阳光下的晨雾与黑夜中的旷野，我们的画面即便不是“全因素”，也应该是有“黑、白、灰”的色度间距的。我们毕竟画的是空间中的立体存在物。有光的方向，也有存在物本身的内在结构。有光的向背，也有物的转折起伏。要画出我们的观察，也要画出我们的认识和判断。

4、整体，如果是宽广的天空和大地，如果是我们的身体和比例。那细节，就是天上的星辰，地上的树屋。就是骨骼的转折，肌肉的穿插组合。皮之不存，毛将焉附？没有整体的所谓“细节”，是无法存活的偶然存在。轻飘飘，风一吹，就荡然无存了。

5、自行车能够行进而不倒，是因为力学的惯性，视觉上的“均衡”与变化，首先建立在我们的视觉感受之上。舒服不舒服，相信自己会知道。要有平衡力，才能站定与行走而不摔倒。要有均衡感，就要多看名作是怎么经营大千世界里的点滴与恢宏的。平面上的构成决定了两维绘画的视觉平衡。纵深方向的有机选择，落实于画面，就要服务和尊重我们的平衡感。

6、绘画无非就是画出眼前的世界和心中理想的世界。这个世界并不大，我们都能在一个时间段里用心经营好。孕育需要时间，成长需要时间，表达需要时间。时间的合理分配和有效运用是保障一幅看似不复杂，实则要有“内容”的画作按合理步骤完成的关键。

7、绘画，是一个人智力和专注力的凝聚。

20170328

张华洁

2017微课（42）

1、画不好，一定画的少。技巧的学习，非反复勤奋练习不足以掌握，所谓熟能生巧。思维的拓展，非多看多想不足以提高。所谓开卷有益。手到，心到，两者呼应不脱节，绘画才会日日新。

2、画不好，一定是见的少。取法乎上 仅得其中。看的多，还要看的好。大师经典的阅读，是我们进步必不可少的营养，一天都不能停止。经典的好，是经历过岁月洗礼的，要带着问题看经典。知其然，也要知其所以然。

3、画不好，一定是想的少。思想打不开，想问题不能举一反三，不能触类旁通，不能辩证思维，进步就有限。人们的时间都是一样的，进步大的人，都是动脑子有创意的人。

4、画不好，一定是胆子小。于右任讲书法，要“才大胆大”。李可染讲绘画，说“可贵者胆”。都是说艺术学习要有胆量。所谓“艺高人胆大”，要互为因果，其实是“胆大才艺高”。不敢画，怕画错，寸步难行。

5、画不好，一定是没有爱上。即便是包办婚姻，也要培养出感情。对绘画的爱，应该是无条件的。绘画不当吃，不当喝，但它就是养眼养心养情操。画都不爱，很难说爱上别的什么，很难说是一个有情有义的人。

20170330

张华洁

2017微课（43）

1、把现实中的景象“移植”到画布上，这是写生的工作。而要完成这个工作，总也离不开“移植什么”和“怎么移植”的问题。

2、“移植什么”，是画的内容。可以笼统粗放，也可以细腻入微。可以是物体、光线、色彩的视觉关系的客观记录，也可以是这些关系的主观的重新组合。

3、“怎么移植”可以是尊重透视的客观规律，也可以是打破透视的随心所欲。它不论是从眼睛，还是从心智，都要具体落实在画布上。都要通过每一笔、每一块、每一片最终形成一幅完整的画作。

4、注意写生中思路的连贯，“语法的统一”。绘画在写生中的语法，目前阶段并不存在原创，所有语法都来自于规律，来自于对前人经验的学习和体会。所谓画者的“个性”，既是物像选择的角度，也是语法在学习中的个人偏爱。

5、画好写生，涉及视觉修养和技能训练。看的少，表现在写生中的毛病，一定是没有办法、缺少方法。画的少，一定是表现不准确，塑造不从心。

20170409

张华洁

2017微课（44）

1、如果害怕画不好而不动笔，可以理解成对绘画的敬重。一个人，对另一个真心喜欢的人往往不敢表白。如果仅仅停留于欣赏，可以一直不动笔，如果想幸福地和喜欢的他长厢厮守，不行动则只能看着他属于别人，只能默默祝福别人幸福了。

2、万事开头难，一旦有了第一步，则后面或调整，或深入就会接续进行。孩子几乎都会画几笔，因为他心思单纯，因为他没有功利心，因为他对世界、颜色、铅笔、纸张的变化充满好奇，因为他是不可替代的他自己。

3、凡事都有规律，都有门径，方法得当，举一反三。不得其法，事倍功半。所谓“失败是成功之母”，如果做好准备、胆大心细、超越成败，则不存在失败的问题，都可在实战的过程中学习和完善。

4、绘画的工具、方法、与我们的实践勇气要紧密结合，每天动一动，工具会慢慢得心应手，像伸展出去的手指。方法一要学，二要练，三要想才能融化进我们的血液。

5、不积跬步，无以至千里。不积小流，无以成江海。骐骥一跃，不能十步，驽马十驾，功在不舍。一勤可以解万愁，一篙松劲退千寻。

20170410

张华洁

2017微课（45）

1、一个体的形成，总是从一个点开始。先有点，再有线，再有面，然后才有体。

2、一幅画要追求整体。这个整体是由几个体、一些面、许多线、无数点组成的。

3、所谓的点、线、面，不仅是物体的形态，也是色彩的秩序、更是画面层次的引申与关联。

4、视觉的传达，始于看的方法。会看，还是不会看，对一个画者而言，就是绘画的基础。

5、手的灵活可以训练，多画就可以。但趣味的养成，则是从多看会看开始的。

6、经典之永恒，乃是在一切基本的方面都做到了精彩。精彩的观察，精彩的表现。

7、致广大、精细微。思维和眼界要高，手下要细腻又精准。“细”在何处，“精”在哪里，也许可以用眼睛看到，也许只能靠精神感知。

20170411

张华洁

2017微课（46）

1、一幅画，从哪里开始，在哪里停住，中间持续多久，都要有一个判断。感觉、理性、感觉。通常速写要一次完成，长期作品也要有速写的感觉。

2、画画除了表面舒服，还要有“内容”。内容不是情节，是绘画本身的方方面面。是构成、纵深、比例、色彩与平衡主次。

3、先是画“准”形，再是画“对”形，再是画“好”形。准是客观复制，对是优化选择，好是非此不可。

4、好的绘画和好的文章一样。都要信、达、雅。最后都是通过表面的色、型、线，进行精神层面的传递。

5、要尊重自己的生活，它是独一无二的。要训练自己的视觉判断，使它可以在多看、多想、多练中自信和明确。

6、自己的风格是在实践中长出来的，是学习前辈、磨练自己、举一反三中或明或暗浮现出来的。风格就是人格。

20170413

张华洁

2017微课（47）

1、绘画被表述为“视觉的表象”，由来已久。但绘画也是“感觉的遗存”。纽约画派的罗斯科说：绘画要追求“意识的灵性雕塑”。这就明确超越了表象，开始追求灵魂的外化凝聚。

2、绘画在印象派时期，对外光的意识与强调，有其先进性的一面，但它很快就显示出它的局限，以至同时期的塞尚跟莫奈、西斯莱是生活中的朋友，他也在精神上更认同德拉克洛瓦。

3、浪漫主义并没有终结绘画，它只是打开绘画通往强调意识和超现实的自由大门。塞尚的价值是超越视觉的表面，画出“内在逻辑”，也就是要画出事物的“本质”。

4、事物的本质，如果建立在科学上，那就接近一种趋同的理性逻辑。但如果建立在艺术上，那就是个体精神的内视挖掘。呈现出的“灵魂”在艺术家手中，是他自己的逻辑。是他一个人的“灵性雕塑”。

5、抽象艺术不是视觉的，或者说，它不停止在视觉。抽象艺术明确解构人视神经呈现的世界。它呈现的是理智的结果，甚至是思想的结果。

6、抽象艺术的结果，一定不会有穷尽的统一答案和标准答案。人的科技发展，带来的艺术变革，落在了视觉上，是经过精神与意识的发酵，它体现出个体的认知，它也成了个体与环境本质的全新印痕。

20170521

张华洁

2017微课（48）

1、随机性，是画者不太注意，也不太善于利用收纳的一种状态。随机性在时间上和空间上提供了多种可能，但被画者的理智所控制。这种控制发展到最后，竟然是一整套逻辑排列。绘画继续靠理智来推进，这在今天看来是匪夷所思的事情。

2、我们能设计自己的梦境吗？梦境是有剧本的吗？无头无尾、或隐或现，时而彩色、时而黑白。时而有声、时而默片。有过梦境经验的人，都不可能靠理智完整叙述梦的延续逻辑。

3、凯奇和康宁汉各自在音乐和舞蹈上解放了旋律和舞蹈化动作，他们各自打散各自的“专业”架构，又在事先不沟通的情况下“合并”音乐和舞蹈。甚至段落排序都以掷硬币的方式尊重随机。黑山学院走出的他们和大画者托姆布雷，都是将“随机”上升到神圣的高度，才完成自己的一系列作品。

4、随机是严肃的，严肃到不允许理智和经验染指。随机是深刻的，它拒绝科学性逻辑，而推崇在经验世界里的梦境与下意识呈现。与弗洛伊德心理分析，萨特存在主义相映照，黑山学院之后的西方艺术实践，突出了行为过程的随机质感和时空荒谬性。

5、行为和绘画过程的随机，触摸到人性中最复杂最神秘的领域。释放了被机械工业秩序化了的社会捆绑了的性灵和非意义的意义。无论是行为艺术还是绘画，过程被放大和尊重。一种对应于再现世界的逻辑，让位于呈现人的身形质地之无序状态。随机的表达是一种反逻辑惊心动魄的全新与全息视像。

20170531

张华洁

2017微课（49）

1、艺术在今天，不再是简单的来于生活、高于生活。而是与生活一体，以一种有意识地生活艺术态度，有觉悟的艺术生活精神不断地拓展自身的边界和内涵。

2、作品不仅是生活的抽离，更可能是一种生活的回归。往往将艺术当成生活的浪花，当成生活的点缀，这是不够的。艺术精神是生活的光源、是生活的动力源。

3、美化生活的任务是艺术很小的一部分，它还揭示出生活的实质，思考生活的方法，改变生活的态度，丰富生活的内涵。也就是说，在今天，没有艺术精神的生活几乎是不失败的。

4、艺术精神，超越并远离名利，它有自己独立的品格。如花之香、火之热、光之亮，它有自在不羁的品格。艺术可以带给我们快乐，但更带给我们生活的意义，就是创造。

5、创造是自由组合，更是无中生有。是改变形貌，更是转换方式。将自然的存在赋予人的气息与施加人的影响，就是艺术的成果。也是艺术的价值。它在思想上、视觉上越具有创造性，它的意义就越大。

20170618

张华洁