金陵冬日漫行（一）——总统府、六朝博物馆、德基博物馆

Liuyans

2024年11月26日，在包头参加外甥女的婚礼后，应朋友之邀，直奔金陵而来。 朋友开着她的小白，接上到站的我，我们的家园金陵冬日漫行开始了！ 存好车，沿街漫步，一夜间从雪花纷飞、大地苍茫的西北来到了暖意浓浓，五彩斑斓的六朝古都，有种梦境般的感觉。 　　秋天的长江路两旁，高大的梧桐树的叶子已经变成金黄色，阳光照耀下，梧桐树枝间光影交错，人们穿行其间，仿佛沐浴在一片金色的海洋中。金黄的梧桐，飘飘悠悠地落下来，轻轻地踩在树叶上，发出清脆的破裂声，伴着秋风阵阵，整个人就像融入一幅秋色的油画里。 　　国民大会堂旧址，位于江苏省南京市玄武区长江路264号，始建于民国二十四年（1935年）。是民国时期规模最大、设施最为先进的大会堂。国民大会堂的造型属于西方近代剧院风格，但在檐口、门厅、雨篷等处，都巧妙地运用了民族风格的装饰。 国立美术陈列馆正在维修，遗憾错过。 　　南京总统府是中国近代建筑遗存中规模最大、保存最完整的建筑群，也是南京民国建筑的主要代表之一，中国近代历史的重要遗址。 南京总统府至今已有600多年的历史，可追溯到明初的归德侯府和汉王府；清代被辟为江宁织造署、两江总督署等，康熙、乾隆南巡均以此为行宫；太平天国定都天京后，在此兴建规模宏大的天王府；1912年1月1日，孙中山在此宣誓就职中华民国临时大总统，辟为大总统府，后为南京国民政府总统府。 而总统府给我印象深刻的是1949年4月23日，人民解放军进入南京城，将红旗插上总统府的画面。主席为此写下那首著名的豪迈七律。《七律.人民解放军占领南京》钟山风雨起苍黄，百万雄师过大江。虎踞龙盘今胜昔，天翻地覆慨而慷。宜将剩勇追穷寇，不可沽名学霸王。天若有情天亦老，人间正道是沧桑。 　　总统府是南京必来的景点，里面挤满了旅游团队，虽说庭院中斑斓的色彩，碧水中自在的鱼儿，百年的建筑，值得细细观赏。游人如织，我和朋友匆匆打卡走过。 大堂正中悬挂孙中山手书“天下为公”横匾。 林则徐 这人间的烟火成就了古老城池厚重的历史。 　　位于玄武区的六朝博物馆是南京市博物总馆分支机构，是目前中国展示六朝文物最全面的遗址博物馆，也是反映六朝文化最系统的专题博物馆。 南京是公元三至六世纪吴、东晋、宋、齐、梁、陈六个朝代的都城。始名建业，吴黄龙元年（229）孙权迁都于此，南京在历史上第—次被定为国都。西晋太康三年（282）改名建邺，建兴元年（313）更名建康。开皇九年（589）隋平陈统一中国，历经360年的建康都城宫阙荡为平地。 六朝建康城，宫室壮丽，人烟稠密，手工业、商业高度发达，是一座闻名于世的东方国际大都会。宋元嘉七年（430），诃罗隐国使臣来到建康，在国书中如此赞叹建康城：“城郭庄严，清净无秽，四衢交通，广博平坦。台殿罗列，状若众山，庄严微妙，犹如天宫。”进入21世纪，南京市博物馆先后对南京城区数十个地点进行发掘，获得了一批与六朝建康城密切相关的考古资料。与华北地区相比，南方地区的古代城址保存并不理想，但通过对这些遗址的发掘,笼罩在六朝建康城上的神秘面纱正被我们一点点揭开，带领我们去发现、认识、了解这座昔日的东方大都会。 六朝大事记·公元195年孙策率部过江，开拓江东。. 公元208年孙吴联合刘备在赤壁（今湖北蒲圻）击败曹操，天下三分局面初步形成.. 公元211年孙权将治所迁至秣陵（今南京）。·公元212年孙权改秣陵为建业。·公元220年曹丕在洛阳称帝，国号魏。·公元221年刘备在成都称帝，国号汉.公元222年孙权在武昌称吴王，首建黄武年号·公元229年孙权在武昌称帝，国号吴，三国鼎立局面正式形成。同年，孙权将都城从武昌（今湖北鄂州）迁至建业（今南京）。·公元280年西晋军队兵临石头城，吴主孙皓投降，孙吴灭亡。·公元307年琅邪王司马睿采纳王导的建议，移镇建邺，为晋祚南移奠定了基础。·公元313年为避晋愍帝司马邺之讳，改建邺为建康.·公元317年司马睿在建康即晋王位，次年称帝，史称东晋·公元346年桓温伐蜀，次年灭李氏成汉政权，益州纳入东晋版图。·公元383年东晋取得淝水大捷，稳定了南北对峙的局面·公元409年刘裕北伐。次年二月，灭南燕，收复了青州、兖州地区。·公元416年刘裕北伐后秦，次年攻克长安，灭后秦。·公元420年刘裕代晋称帝，国号宋。·公元424-453年刘宋文帝刘义隆在位，年号元嘉，史称“元嘉之治”。·公元450年年北魏太武帝拓跋焘南下攻宋，兵至瓜步（今南京六合区东南）。·公元479年3宋顺帝禅位给萧道成，宋亡齐建。·公元502年萧衍迫使齐帝禅位，建立梁朝。·公元547年东魏大将侯景叛降梁朝，次年发动叛乱，攻破建康，后又攻破“台城”（即宫城）。·公元554年西魏攻陷江陵，杀梁元帝萧绎。·公元557年陈霸先代梁，建立陈朝。·公元589年隋灭陈 　　记里鼓车又称为“记里车”、“司里车”、“大章车”，是中国古代用于计算道路里程的车，也是六朝的计程车。它是皇帝出行时必不可少的仪仗车辆之一。它利用齿轮机构的差动关系和一套减速齿轮系统，根据车轮转动距离，自动计算出车行里程，并通过车上方的木人击鼓报告行程。每行一里便击打一槌。 　　六朝青瓷以典雅的青色为时尚，并以此作为艺术追求的最高境界。“尚青”体现了一种人与自然的融合。六朝青瓷的釉色因釉料中氧化铁的含量不同，以及烧制时窑内温度和还原气氛的影响，呈现出的青色并不一致。这些不同色阶的青色，由浅入深、由暖到冷，浅绿如春，深绿如夏，青中泛黄者如秋，青中灰白者如冬，仿佛自然界的四季变化。 青瓷鸡首壶南朝南京栖霞灵山大浦塘出土 青瓷鸡冠壶三国吴南京红花砖瓦厂出土 青瓷香熏东晋南京雨花台区华为工地出土 青瓷扁壶三国吴南京铁心桥农花村出土 青瓷点彩带盖盘口壶东晋南京象山王氏家族墓出土 青瓷狮形插器|西晋南京江宁谷里出土 　　青瓷莲花尊，1972年出土于南京东郊麒麟门外灵山南朝墓。同时出土一对，为南北朝时期同类器物中最大最精美者。造型端庄宏伟，高达85厘米。堪称“青瓷之王”。通体莲花渗透着浓厚的佛教色彩，是罕见的佛教艺术珍品，更是六朝青瓷艺术中的瑰宝。 垂髻陶女俑东晋 石女佣石男佣南朝 高崧夫人墓志|东晋永和十二年（356）南京仙鹤观高崧夫妇墓出土 　　善弹琴的嵇康、嗜酒的山涛、喜弄如意的王戎、闭目沉思的向秀和挽袖拨阮的阮咸等，都放荡于竹林丛树之间，较深刻的表现了当时没落士大夫崇虚无，尚清淡、悲观、放达的一种思想感情。画面具有浓郁的装饰风，运线纤细有力，具有很高的艺术和历史价值。技法和风格，与流传至今的晋代绘画摹本非常相似，有学者推测是顾恺之或戴逵等名家的画本。 青瓷釉下彩羽人纹盘口壶三国吴 　　最吸引我的还是六朝博物馆的展厅设计，设计凸显园林风貌，移步换景。展厅内几乎没有实墙，而是用竹子、荷叶等植物置景进行隔断，再运用光影效果，使得馆内视觉通透、移步换景，而摆放文物的展柜也使用了不反光的玻璃，文物说明则使用铁艺雕花的铭牌。博物馆由世界著名建筑大师贝聿铭之子——贝建中先生领衔的贝氏资深设计团队担纲设计。展厅唯美而浪漫，赋有禅意的意境。是我见过的博物馆中最美的。 站在窗前，南京标志性建筑一览无遗。 　　午饭后来到德基博物馆，来这里享受一场全球顶级艺术家的盛宴。花花世界”现当代艺术典藏系列展览⸺ “动静⽆尽：花卉静物三百年。 “花花世界”现当代艺术典藏系列基于德基艺术博物馆近十年的系统性收藏，以中国及国际现当代艺术中的花卉静物作品为主体。“动静无尽：花卉静物三百年”作为“花花世界”现当代艺术典藏系列的首回展览，由纽约市立大学亨特学院荣休教授、曾任纽约现代艺术博物馆（MoMA）策展人的乔金·毕沙罗（Joachim Pissarro）博士策展。参展艺术家涵括莫奈、毕沙罗、塞尚、高更、毕加索、蒙德里安、莫兰迪、马格里特、乔治娅·欧姬芙等西方现代艺术各流派的里程碑式人物，常玉、潘玉良、吴大羽、吴冠中、赵无极、朱德群等中国第一、二代留洋艺术先驱，黎谱等亚洲其他国家的现代艺术开拓者，以及安迪·沃霍尔、草间弥生、大卫·霍克尼、杰夫·昆斯、奈良美智、村上隆、达明安·赫斯特等全球顶尖当代艺术家。 阿尔贝托·贾科梅蒂 瑞士,1901-1966灯笼果花束，约1963-1964年布面油画 瑞士超现实主义的关键人物阿尔贝托·贾科梅蒂，以瘦削细长的人物雕塑享誉国际，同时也是一位非凡的画家。他曾说“艺术藏于自然之中”，他的工作室桌面上时常摆放着鲜花，花卉是他最富意义的创作主题之一。《灯笼果花束》创作于他的晚年，在这幅幽灵般的静物画中，他以独特的松散笔触和浮动轮廓描绘了或凋落或生长的花朵，它们徘徊于生死之间，隐喻着二战后人类的生存状态与时代焦虑，反映了对生死命题的深沉思考。通过杂乱而不确定的描绘方式，他用难以捉摸的物象形态，实现了创作中对存在意义的普遍追问。 勒内·马格里特比利时,1898-1967花之诞，1929年布面油画 比利时超现实主义大师勒内·马格里特，以黑色圆顶帽、布满云朵的天空、烟斗和苹果等极具辨识度的母体构成了其独特的视觉语汇，将日常形象化为奇特、富有诗意的意象。1929年，正值艺术创作巅峰时期的马格里特，创作了《花之诞》。画面中精细的木纹与天空并置，蜿蜒的藤蔓穿行其间，将现实与幻想融合，所绘事物颠覆了空间关系与自然法则，引导着观众以新视角观察周遭的世界。彼时，马格里特正在拜访西班牙超现实主义大师萨尔瓦多·达利的旅途中他鲜有地在画布正面题上了作品名，很可能是赠予达利妹妹的礼物。 天空是经常出现在马格里特作品中的元素之一，日常元素在他的作品中被重塑，不合理的排列营造出一种奇异、静谧的超现实世界，挑战着观者对于现实的理解。马格里特因而也被认为是超现实主义中最具有哲学思维的艺术家。 乔治·莫兰迪意大利,1890-1964花，约1958年布面油画 乔治·莫兰迪被誉为20世纪最伟大的意大利画家，以静谧典雅的静物画著称。《花》是莫兰迪艺术生涯晚期一件特别的作品，作为他创作中常见的花卉主题，此件作品延续了他描绘瓶罐类静物的方式。莫兰迪以与容器相同的灰色调描绘画中的花朵，使它们呈现出静物的质感，又以罕见的活跃笔触描绘花瓶，呼应了花卉复杂的形态，成为了莫兰迪花卉作品中颇为独特的一件。20世纪50年代开始，莫兰迪正是通过对花卉静物题材进行反复的创作实验，得以探索描绘静物的不同寻常的表现方式。 乔治娅·欧姬芙美国,1887-1986红掌，1923年布面油画 被誉为“美国现代艺术之母”的乔治娅·欧姬芙，20世纪20年代就以其著名的纽约摩天大楼作品和独特的花卉作品闻名于世。她毕生研究和创作现代主义花卉静物画，通过特写处理，以抽象大胆的表现方式揭示花卉的自然之美。在这件作品中，她用明亮的绿色和红粉色细致而准确地渲染了红掌的蜡质纹理，放大的佛焰苞围绕着花序，引导着人们纯粹从其独特的颜色、线条和形状等易被忽视的形式特质，来观察和思考它们所蕴含的普适意义。 马克·夏加尔白俄罗斯，1887-1985情人与花束，约1935-1937年布面油画 20世纪最重要的现代主义大师之一、巴黎画派代表人物马克·夏加尔，在漫长又成功的艺术生涯中，创造了独特且情感丰沛的艺术语言和生动鲜艳、富于幻想与童真的作品，被毕加索赞誉为马蒂斯后世界上唯一真正懂得色彩的画家。这幅《情人与花束》是夏加尔创作中典型主题的典型风格,以抽象抒情的笔触和对比强烈的色彩，描绘了象征炽热情感的花束、紧紧相拥的恋人—夏加尔与妻子贝拉，二者比例悬殊，赋予了画作“超自然”的特征，营造出幻想般的氛围，象征了他对爱人的浓烈爱意，更是对人类爱与生命的赞美。 自20世纪20年代，夏加尔将自己与妻子贝拉描绘成一对恋人，开启了他著名的绘画系列，而这对恋人形象也成为了艺术家的标志。在夏加尔艺术生涯中，他通过一系列作品描绘了这对恋人，以表达对贝拉永恒的爱。二战之后，夏加尔颠沛流离，人生境遇发生了翻天覆地的改变，其作品之中充满了沉郁的蓝色，再难看见如早期这般浪漫明媚的风格。 张荔英中国,1906-1993三色堇,1940-1947年布面油画 被誉为“新加坡六大先驱画家”之一的张荔英，以静物画著称，融合西方美术技法与东方哲学韵味，开创出独特的个人艺术风格。20世纪40年代的中国战火纷飞，张荔英与丈夫被日军软禁于上海，她以绘画排遣，将日常生活呈现在艺术创作中，《三色堇》正是这一时期的重要作品。她以柔和色调与婉约笔触描绘，虽不苛求写实，但保留了物象的细节和质感，画面色彩和谐相融，呈现出典雅含蓄、温馨宁静的氛围。背景中古朴的床头板和案几堆叠出错落空间,在小景深中呈现出丰富的层次，在动荡的时局中开辟一方心灵的净土。 庞薰琹中国,1906-1985百花齐放,1978年布面油画 中国现代艺术先驱庞薰琹，是中国第一个现代艺术团体“决澜社”的创始人之一，现代工艺美术教育的开拓者。他一生追求自然之美，以花为题材探索中西艺术的融合。20世纪70年代，他重拾画笔，专注于小幅花卉静物创作，《百花齐放》即为其中杰作。粉色花朵以盛放姿态从花瓶中倾泻而出，在后印象主义厚重的色彩笔触与中国画的抒情装饰性之间达到了平衡。庞薰琹说：“如果我的作品能让你感受到一点点美，那将是我最大的幸福”，绚烂的花朵凝结着他的艺术理念与追求，传递着他的艺术人生之美。 1932年，庞薰琹发起了中国艺术史上首个现代艺术团体“决澜社”，期望以新的技法来表现新时代的精神。同年，在首届决澜社画展上丘堤与庞蕉琹邂逅，之后结为伉俪。20世纪50年代起，庞薰琹受任主持筹建中央工艺美术学院（现清华大学美术学院），夫妻二人自此专注于工艺美术教育。 丘堤中国，1906-1958两朵山茶花，1939布面油画 丘堤是中国第一代最为激进前卫的现代女画家，也是中国油画艺术的奠基人之一。她吸收借鉴印象派的观察方法，将中国古典美术元素融入油画创作，沉静抒情又反抗陈腐保守。《两朵山茶花》以堆叠色块和灵动线条营造朴拙却不滞涩的画面，清新与浓重的色彩对比融合，为作品注入蓬勃的生命力与典雅的中国意蕴。丘堤存世油画作品仅三十幅,这件作品创作于1939年，尽管战火纷飞、生活条件艰苦，但她仍坚持创作，探索中国艺术的振兴之路。 沙者中国,1914-2005生之奢华，1991-1993年布面油画 第二代留欧艺术家沙耆，一生保持独立而自由的艺术立场，他的作品始终是随心所欲、自然流溢的创作。20世纪90年代，晚年的沙者面临人生的挫折与病痛困扰仍笔耕不辍，以“诗性直觉”绘出具有强大共鸣的作品。《生之奢华》正是他晚年时期表现性手法与写实主义风格融合的佳作,坚实有力的笔触将具体的物像化作斑驳的色块，将内心汹涌激荡的情感寓于画笔之上，展现出极强的画面张力，歌颂着拙朴的自然之美与生命的壮阔。 苏天赐b.中国，1922-2006自有春晖满槐，1962年布面油画Su Tiancib.China, 1922-2006Locust-tree Flower, 19620il on canvas中国当代杰出的油画家、美术教育家苏天赐，一生致力于东西融合、贯通中外的油画艺术创作，发展出一种具有民族内蕴的现代中国油画。花卉是苏天赐钟爱的主题，《自有春晖满槐》融合中西绘画技法与趣味，以清丽的色彩和舒朗的笔触描绘了生机勃勃的槐花，带绿叶的枝条与槐花布局疏密有度，花瓣明亮厚实富有质感，极具诗意的艺术意境，饱含乐观的生命意象，堪称为苏天赐艺术生涯中最重要、最经典的作品之一。作品名取自其座右铭“自有春晖满怀”，“槐”和“怀”的巧妙谐音宣示了艺术家的人生与艺术理想。DEJI ART MUSEUM德基艺术博物馆 吴冠中中国，1919-2010丁香，1991年布面油画 中国第二代留法艺术家吴冠中，一生致力于油画民族化与水墨现代化的探索。《丁香》作于他艺术生涯的巅峰时期——获法国文化部授予法国文艺最高勋位的同年。这一年，因担忧重病的妻子而停下画笔的吴冠中看到了妻子早年绘制的丁香花旧稿，重燃创作的欲望，绘制了这幅他创作生涯中罕见的花卉静物画。画中以传统水墨画技法与留白，细腻而灵动地描绘了代表着忧愁、初恋与爱情的丁香,笔调错落有致、用色清新跳跃，将夫妻相互扶持45年的深切情感娓娓道来。 罗尔纯中国,1930-2015鸡冠花王，1980年代布面油画 罗尔纯师从颜文樑，是中国第三代油画家的杰出代表，被誉为“当代中国油画的色彩大师”。他擅长在色彩的运用中表达浓烈的感情诉求，其油画具有强烈的表现主义风格。罗尔纯一生创作了许多花卉，因偏爱鸡冠花殷红持重的色彩和安于贫贱的性格曾多次描绘，《鸡冠花王》即为其中经典代表。画面中狂放的笔触铺就了海洋般波诡的背景沉静的蓝色衬托着浓郁的红色，鸡冠花似火苗般律动的线条展现着生命舒展的欢愉，恰似他热烈奔放的作品和沉静低调的为人。 乔治·莫兰迪 意大利,1890-1964花，1950年布面油画 作为20世纪最伟大的意大利画家，乔治·莫兰迪的艺术生涯晚期致力于对静物题材的实验性探索。创作于1950年的《花》，是其花卉静物的代表作品。莫兰迪以其广为人知的灰色调描绘了一束瓶中的玫瑰，以描绘瓶罐及建筑的方式塑造瓶花，背景或以对角线阴影塑造强烈的空间结构、或以平面的色块衬托，营造出非现实的静谧氛围。自1950年代起，莫兰迪以绢花和干花代替鲜花，将花卉这一日常物品升华为纯粹的体积和色彩，来捕捉它们的形态和本质，将这一题材下的艺术实验推向了极致。 丁衍庸中国，1902-1978兰芷,1971年油彩、纤维板 第一代留洋艺术家丁衍庸，是中国现代美术的重要倡导者中国现代水墨的先行者，致力于引入西方现代艺术并探索中西艺术融合。丁衍庸毕生以花卉为题的油画创作仅21幅，单以花束入画的唯《兰芷》这一件，作为丁衍庸晚年创作巅峰时期的作品，他以刚柔并济的老练笔法和大幅的画面留白凸显出兰芷的形态，又以鲜亮色彩使画面进发欣欣向荣的生命力，透露出野兽主义对他的深刻影响，更展现了他对中西艺术特质的成熟把握与融合。此作是丁衍庸赠予其弟子的佳作，蕴含着对弟子“芝兰有秀”的赞誉、期许和祝福。 费尔南多·博特罗哥伦比亚,1932-202谦逊的人 1982 青铜 2082费尔南多·博特罗b.哥伦比亚,1932-2023向日葵,1976年布面油画Fernando Boterob.Columbia, 1932-2023Sunflowers (Girasoles), 1976Oil on canvas费尔南多·博特罗从20世纪70年代开始以其夸张、圆润风格的主题绘画和雕塑享誉世界，形成了独树一帜的博特罗风格。他的静物作品稀少，极具吸引力。这件《向日葵》是博特罗风格的典型代表，凝视它会不由想起梵高的同题材杰作，但梵高的作品是用厚重的涂色、漩涡般的色彩来表现的，而博特罗的作品则强调了红、绿、黄意蕴的丰满，以及圆形、球状的花盘，相比之下花瓣就显得很小了。艺术家通过改变看似简单的物品构成比例，强化了生活中普通物体的感官性和荒诞感，为静物画的千年传统开辟了新颖独特的视角。DEJI ART MUSEUM德基艺术博物馆 大卫·霍克尼英国,1937蓝色绣球花，1996年布面油画 大卫·霍克尼是当今国际画坛最具影响力的大师之一。此件作品是艺术家重要的花卉静物作品，为了哀悼突然去世的知己好友，他开始创作花卉静物并在其中沉思生命的无常。画中郁郁葱葱的绣球花向上涌出，在华丽的金黄色背景衬托下静静在钻蓝色桌面上盛放，高饱和度的色彩对比凸显出花朵旺盛的生命力，展现了艺术家对于绘画、结构与用色的独到理解，直观地展示他“绘画的深刻不在于主题、而在于处理方式”的艺术理念。 贾科莫·巴拉意大利，1871-1958充满活力的自然，百日菊，1951年布面油画 贾科莫·巴拉，是未来主义艺术运动的奠基者之一，他在20世纪40年代以后，从崇尚速度和运动的风格，回归了更传统的绘画，创作了这件《充满活力的自然，百日菊》，堪称将奔放的未来主义精神与具象传统静物结合的典范。巴拉受到新印象主义点彩画风的影响，对艺术作品的光色变化产生了浓厚兴趣，在这件作品中花瓶、书籍和碗置于反光的桌面上，随着自然光在镜面表面与镜子中的反射，红橘色的花瓣与绿色的叶片相映成趣，花蕊处星星点点的紫色，捕捉了光在花瓣表面瞬时间的运动，赋予物体真实感和体积感。 草间弥生日本,1929花，2008年布面油画 草间弥生是20世纪先锋艺术的先驱，以其标志性的色彩鲜艳的波点与网状结构著称。花是她最为迷恋的主题意象之一，源自其童年时期见到花朵向她说话、桌布上的花纹变成活体花朵、大量增殖并将她吞没的幻视经历。在作品《花》中，草间弥生将小花朵放大到巨型尺寸，以她特有的破碎的、幻视的方式来描绘，画中的花卉被网状结构割裂为成千上万个细密的碎片，其形象却依然坚实地存在，波点如细胞般散落，传达着生命与自然的神秘力量。 克里斯托弗·伍尔美国,1955无题(P16).1987铝和钢上醇酸树脂 美国当代知名艺术家克里斯托弗·伍尔以其基于文字的大型后观念艺术绘画而闻名，他重新定义了绘画的意义，这在当今具有巨大的影响力。《无题（P16）》是伍尔首个成名系列绘画，相较于内容他更感兴趣的是制作过程，他运用手工绘制廉价壁纸的方法，用滚筒机械复制花卉图案，使原本的传统装饰花卉图样经由非传统的技术产生，这令作品兼具具象性特征和抽象表现主义元素。在这样的过程中，伍尔开始在“绘画可以做什么”和“绘画是什么”的问题上开辟了一条崭新的道路,极大地挑战了当代绘画的功能和定义。 卢西安·弗洛伊德德国,1922-2011窗外的花园，2002年布面油画 英国最伟大的当代画家之一卢西安·弗洛伊德，始终保持着对自然世界的热爱。20世纪90年代他定居伦敦诺丁山.创作了一系列作品来描绘他的花园，这幅《窗外的花园》即为其一。与古典花园绘画思路不同，弗洛伊德并不注重园艺技巧，也不暗示与自然的精神交流，而是希望植物遵循自然的规则随心所欲地生长、桔菱衰败或是奇迹般复活。他以植物学家的眼光观察它们生长的过程，并按照真实的样子去描绘，画面中的醉鱼草枝叶彼此缠绕，肆意生长，粗犷的笔触彰显了它们不被压制和修剪的野性与自由，原始而神秘。 亚历山大·阿尔基边克冥想，1938年 当你将一朵花拿在手里，细细地品味，那一刻它就是你的世界。我想把那个世界呈现给他人。城市里的人大多行色匆匆，没有时间停下来观赏一朵花。不管他们是否愿意，我想让他们看到 ——乔治娅·欧姬美村上隆日本广目 玛丽·罗兰珊法国,1883-1956花布面油画 在20世纪初，作为巴黎先锋派中鲜有的独具影响力的女性艺术家，玛丽·罗兰珊在与立体主义画家团体密切交流之外，发展出自己的独特美学。在这幅《花朵》中，她将花卉与容器的细节简化为淡雅的色块，与抽象的圆弧线条融合，形成流畅而令人愉悦的简洁构图，充分展现了独特的柔和的粉彩色调和隽永的女性气质。罗兰珊常在作品中借鉴象征主义诗歌，使画面极具装饰性，如梦似幻，令人心旷神怡。 马克斯·恩斯特德国,1891-1976贝壳-花，1932年布面油画 作为20世纪超现实主义绘画的代表人物之一，马克斯·恩斯特发明了“刮擦法”来创作其标志性的绘画，他先在画布上铺涂多层不同色调的颜料再将其刮掉，产生介于具象与抽象之间的图像。《贝壳-花》是恩斯特在创作生涯中非常紧张的时期里进行艺术实验的一个杰出和成熟的案例，也是最早运用“刮擦法”创作的作品之一，由此产生的图像呈现出极大的偶然性，创造出具有多重指涉的新图像。不同层次的颜料组合成的形状在花朵和贝壳之间来回漂移，为图像的解读带来了无限的可能。 朱德群中国,1920-2014花之系列之二，1957年布面油画 中国第二代留法艺术家朱德群，是法兰西艺术院首位华裔终身院士，闻名世界的“留法三剑客”之一。1956年朱德群初到巴黎，受法国抒情抽象主义影响，毅然摒弃古典写实风格，转向对抽象艺术的探索。他融会西方绘画与中国传统艺术精髓，创作出风格独特的自由而抒情的抽象绘画。《花之系列之二》，即为这一时期朱德群抽象艺术探索的重要代表，画中狂草般的笔势和变幻的色彩将花卉的蓬勃生命力转为抽象张力，具象形象溶解在跃动的光色组合中，呈现出音乐的韵律感。 西班牙雕塑家乔玛·帕兰萨《植物沉默》 费尔南·莱热法国,1881-1955多米诺骨牌的构图，1947年布面油画 费尔南·莱热作为20世纪立体主义的早期实践者之一。20世纪20年代开始，他便对社会平等和工人群体尤为关注，其作品以表现工人、建筑、汽车等现代工业对象著称。创作于莱热艺术风格成熟时期的《多米诺骨牌的构图》，以平实的笔触赋予画面主体近乎金属的质感，画中多彩的植物都被塑造为机械般的形态，与布尔球、多米诺骨牌等娱乐物品并置，共同营造出一幅现代工业时代的娱乐情景。自然的形象被规约为与之迥异的人工图像，反映出工业化飞速发展对物质景观与精神世界的影响。 谢景兰中国,1921-1995花之舞，1970年布面油画 谢景兰是20世纪杰出的女性艺术家，她的艺术创作综合了绘画、音乐、舞蹈等多个艺术门类，创造出了大量前卫而富有试验性的作品。作品《花之舞》中饱含着强烈的牙舞韵律，黑白交织的线条似是花卉卷曲的茎蔓，又如蹦跹起舞的舞者柔美的身躯，释放着蕴藏的力量，图像语言融汇着舞蹈的文法，堪称其1970年艺术转折的重要表征高度展现了谢景兰融舞蹈于抽象、将自我与创作相通的美学成就。柴可夫斯基，芭蕾舞剧《胡桃夹子》之《花之圆舞曲》，表现了糖果仙子与百花仙女的谢景兰是20世纪杰出的女性艺术家，她自幼就在声乐、舞蹈方面露出了极高的天赋，并于1948年赴法进行音乐与舞蹈的深造，这使她的艺术创作得以综合绘画、音乐、舞蹈等多个艺术门类，创造出了大量前卫而富有试验性的作品。1973年法国文化部特为谢景兰独创的“综合艺术”（L'art synthese）颁发研究与推广奖金，而这件《花之舞》就是其“综合艺术”的代表作品之一，其灵感源自俄罗斯作曲家柴可夫斯基的芭蕾舞名剧《胡桃夹子》之《花之圆舞曲》。 奈良美智日本,1959灯花女孩，1994年布面油画 奈良美智是当代最具影响力的日本艺术家之一，他的作品以天真、怪异又充满疏离感的儿童为标志性形象，并由此展开对人性的深入探讨。《灯花女孩》诞生于奈良美智著名的《拿刀的女孩》形象之后，是其标志性风格与绘画语言形成时期的作品。画中的女孩拿着一根长长的花茎，引导着观众的视线，这朵花变成了一盏灯，她眼睑下垂，显得顺从漠然，但花朵的光芒却暗含着乐观的情绪。女孩与花漂浮在空灵的蓝绿色背景中，强化了画作的永恒感，灯花女孩就这样处在一个与观者若即若离的状态中。 村上隆日本,1962绿意盎然的季节，2021年布面丙烯裱在木板上 作为广受欢迎的“超扁平”风格的奠基人，村上隆可谓当今日本最杰出的艺术家之一。他追求一种将强调平面性的方法与日本动漫美学以及御宅族文化相结合的艺术方式，常将笑脸融入花卉母题。《绿意盎然的季节》是围绕该主题的近年新作，以扁平的形式和艳丽的色彩构成了象征日本皇室，并曾专属于贵族与高雅艺术的菊花图案。无数花朵相互嵌套，配以生动的笑脸，在迷幻而令人愉悦的彩色图案中无限繁衍，抹平了高雅艺术与通俗文化之间的边界。 保罗·克利瑞士，1879-1940小型花卉静物，1926年油彩、水粉、木板 作为20世纪艺术风格语言变化最多的现代艺术大师之一，保罗·克利对自然的兴趣起始于童年，植物也一直是他创作中的重要主题。20世纪20年代克利任教于包豪斯学院,以对几何图形异想天开的运用著称，形成了徘徊于抽象与具象、叙事联想与象征主义之间的独特风格。创作于这一时期的《小型花卉静物》，是艺术家这一阶段艺术尝试的集中体现，他将植物的动态生长过程与基本几何图形联系起来，画面中具象的形象已然消失，只有摇曳的线条构成的几何形状象征着花卉的形态，表述着克利对现实寓言般的认知。 赵无极中国,1920-2013莲花,1952布面油画 这件创作于1950年代早期的作品，是留法艺术大师赵无极“克利时期”的典型代表作，是他受到保罗·克利的启发后对抽象形式探索的绝妙体现。《莲花》中，富有灵气和活力的线条与符号从大胆的明黄色背景中朦胧浮现，古朴的杯器置于两朵含苞待放的莲花一旁。张扬的色调、意味不明的符号与消弭了空间感的抽象形式，共同为画面增添了神秘的色彩和古典的韵味。赵无极自二十世纪五十年代起，便将传统水墨书法和古老文字元素融入抽象作品，逐步将具象图案升华为抽象的意蕴，将狂草的笔意融入油画创作。 1951年，赵无极在瑞士博物馆偶遇了保罗·克利充满诗意的抽象艺术。克利曾在埃及探寻洞穴中的原始表达，并从中汲取灵感进行创作。这无疑启发了赵无极从自身的传统文化之中汲取养分并进行超越。在对中国汉字的精神有了全新的理解后，赵无极创造性地在创作中借助甲骨文、青铜器铭文的符象性，开启了对抽象艺术的探索。 汤姆·韦塞尔曼美国，1931-2004乡村花束，1989切割钢上彩色珐琅 作为20世纪美国最伟大的波普艺术家之一，汤姆，韦塞尔曼一直以绘画、拼贴和雕塑等多元形式为载体进行创作，推动着波普艺术运动的发展。1970年代起，韦塞尔曼开始全面探索风景和静物等传统领域，对动植物展开观察研究，在传统静物画的基础上，开创性地利用工业技术创造激光切割的墙面雕塑作品。《乡村花束》即是这类作品的代表作之一，画面中鲜艳的花朵不仅质朴可爱，而且标志着他对绘画技术的全新探索。 杰夫·昆斯美国,1955墙面浮雕与鸟，1991年木雕彩绘 杰夫·昆斯是当代艺术界最杰出、最有影响力的艺术家之一。《墙面浮雕与鸟》属于其著名的“天堂制造”系列作品，汲取了巴洛克、洛可可和浪漫主义时期丰富的艺术传统，由德国和意大利工匠以传统的多色木雕技艺精制而成。色彩鲜艳的花朵从葱郁的绿叶中蓬勃而出，一只蜂鸟飞舞在花朵间采食花蜜，同时也帮助其完成了授粉。艺术家将自然界描绘成一个理想化的天堂，这是他对爱、生命与永恒的赞美。花卉是贯穿昆斯创作的重要意向和媒介，本件作品之后他使用活体花卉创作了《小狗》等经典作品。 苏伯德·古普塔印度,1964名字有什么意义呢？（XIII)，2019亚麻布面油画 苏伯德·古普塔，是印度最先锋、最具国际知名度的当代艺术家之一。他广泛运用不同素材，创作多种媒介的艺术作品，被誉为“印度当代艺术教父”。2019年以来，古普塔开始了《名字有什么意义呢？》这一系列的实验性创作。这幅作品中，他描绘了两朵完全凋零的花朵，花瓣摇摇欲坠、花蕊枯萎蜷曲。艺术家简洁的构图和精致的笔触，赋予了干枯的花瓣奇特的质感和形态，展现着他对生与死、自然与生命循环以及虚无主义的独特理解。 詹姆斯·罗森奎斯特美国,1933-2017无题，1990年亚克力、油彩、画布 詹姆斯·罗森奎斯特是波普艺术运动中的开创性人物，以大量截取广告与媒体图像碎片的拼贴画闻名。《无题》是罗森奎斯特自80年代起于佛罗里达工作室创作的代表作之一，画中的植物描绘精细、色彩浓烈，穿插其中、深浅不一的线条状画面是女性五官图像的碎片，构图既将二者紧密地关联，又营造了商业广告中女性形象与茂盛植物花卉之间的强烈反差，使他们相互干扰。罗森奎斯特将这一系列的花卉作品描述为”生态和政治绘画”，暗示着机械和技术进步下地球上生命的脆弱性。 陈逸飞中国,1946-2005静物-花卉,1996年 陈逸飞是最早在西方艺术界取得巨大成功的当代中国艺术家之一，在社会主义现实主义艺术和西方现代艺术的双重教育背景下，其作品呈现出独特的艺术风貌。《静物-花卉》是陈逸飞艺术生涯中唯一一幅花卉主题作品，也是他融合电影语言创下的史诗巨作，曾在中国美术馆、上海博物馆等多个陈逸飞重要个展中展出。这件作品中，陈逸飞摒弃了擅长的古典写实风格，转而采用印象主义的处理方式，以强烈而厚重的色块、斑驳而细腻的笔触，营造出朦胧的光影感。巨大的尺幅打破了人们对花卉常规的感知，极富冲击力。 1990 年代初，结束了十年旅美生涯的陈逸飞重新回到上海开启了创作新阶段，并开创了广泛涉足绘画、电影、设计、时装等领域的“大视觉”艺术实践。这一时期的他频繁前往纽约筹备展览事宜，透过临时居所的窗户，他能够俯瞰整个中央公园。他的灵感被纽约的秋季风景点燃，使他将中央公园秋季缤纷的色彩浓缩为这一幅在陶罐中盛放的花卉，这或许与他即将在阔别许久的祖国举办首个回顾展的心境有关。 皮埃尔-奥古斯特雷诺阿法国，1841-1919花瓶中的玫瑰，1885-1890年布面油画 作为最具影响力的印象主义画家之一，皮埃尔-奥古斯特·雷诺阿一生钟情画花，他曾说：“印象主义最重要的是将绘画从主题价值中解放出来，我能自由描绘我眼中的花，而不必借助它们来讲故事。”创作《花瓶中的玫瑰》时雷诺阿已然功成名就，成熟的创作技法与风格在这幅作品中得以展现，蓝绿色背景衬托着梦幻绚丽的花束，在波浪般漂动起伏的桌布上投下灰蓝的阴影。柔和有光泽的笔法显示出他早年的瓷画创作功底，印象主义风格的模糊笔触也与荷兰黄金时代绘画和洛可可艺术的特征有机融合。 亨利·马蒂斯法国,1869-1954玫瑰花束-斜倚的女人，1920布面油画 亨利·马蒂斯是20世纪最具影响力的艺术家之一，他致力于运用鲜艳的色彩和肆意的笔触，是野兽派的创始人及主要代表人物。1917年，马蒂斯来到法国海滨城市尼斯，此后经常拜访住在附近的雷诺阿，与他一同写生、交流艺术，逐渐摆脱了严谨的创作风格，迎来了职业生涯的觉醒，也开始了自己关键性的绘画变革，形成了重要的“尼斯时期”。《玫瑰花束-斜倚的女人》即是他尼斯时期的典型作品，模特衣服上华丽精巧的蕾丝、扶手椅上缠绕的花纹、桌面波浪形的边缘与圆润的花瓶、饱满的玫瑰花，画中的每个细节都显示出他在画面布局和色彩应用上焕发的强大创造力。 尼斯因其与巴黎城市截然不同的特殊阳光与地中海气候，成为了当时艺术家们热衷前往创作的胜地。马蒂斯1917年前往尼斯，经常拜访住在附近的雷诺阿，并深受雷诺阿“舞台场景构图法”（stage sets)的影响，这件作品正是马蒂斯艺术生涯中这一至关重要转变期的代表之作：在精心设计的构图中，所有元素相互押韵、营造出一种非凡的凝聚力，雷诺阿彻底影响了马蒂斯在艺术上对现实主义风格的重新定位。 苏珊·瓦拉东法国,1865-1938一束玫瑰、矢车菊与蕨类，1930年布面油画 20 世纪杰出的后印象主义女性画家苏珊·瓦拉东，于巴黎现代艺术氛围的滋养下自学成才，她的作品总有着沉静的色彩、灵活的造型和独特的风格。1930年，晚年的瓦拉东以其创作成熟期的典型风格绘制了这幅《一束玫瑰、矢车菊与蕨类》。于她创作中频繁出现的花卉主题，在这一时期全面地展现了轮廓线勾勒、敷色手法和空间处理上的后印象主义特征，而瓦拉东自己也正如画中的花束，孕育于巴黎丰饶的艺术环境，最终绽放于艺坛。 奥迪隆·雷东法国,1840-1916芍药、丁香、玫瑰与树叶在1900年大花瓶中，约1907年布面油画 作为19世纪末象征主义的领军人物，奥迪隆·雷东在1900年之前以恐怖黑暗的风格和奇幻主题的版画著称，那时候他几乎只创作被称为黑色绘画的石版画和炭笔素描。然而20世纪起，生活境遇的提升与孩子的诞生使雷东转向了油画创作，回归了彩色的静物与花卉主题。这件作品正创作于这一时期，雷东用细致的笔法描绘了优雅活泼的花束，探索着浓丽色彩的表现力，画中的花瓶曾多次出现在雷东的花卉画作中，是陶艺家玛丽·博特金于1900年前后制作并赠予雷东的。 巴勃罗·毕加索西班牙,1881-1973瓶花,1901年布面油画 1901年，巴勃罗·毕加索在巴黎举办了首场个展，以“天才”之名崭露头角，《瓶花》正创作于同年，是他艺术发展关键时刻的一幅罕见的静物画。柔和的蓝灰色调，预示着毕加索即将到来的“蓝色时期”，彰显了他在巴黎印象主义大师云集的艺坛和思潮碰撞之中自己探索着的创作方法与即将开启的全新艺术实验。在1932年毕加索关键性的一场回顾展中，他亲自挑选了《瓶花》，与其他蓝色时期的标志性作品一同展出。事实上，从最早的“蓝色时期”到之后每一次艺术风格的转变，花卉始终贯穿在毕加素的艺术人生之中。 纵观毕加索的传奇人生，1901 年可以说是他至关重要的一年。这一年他的好友卡萨吉马斯为情所困自杀，失去好友的痛苦激发了毕加索的艺术灵感，展开了对色彩进行实践的重要的“蓝色时期”。也正是这一年，艺术家创作了这件蓝色背景的《瓶花》。 值得注意的还有画面右下角艺术家的签名。1901年毕加素将过去冗长的签名“PR Picasso”或“Ruiz Picasso”调整为简短的“Picasso”，希望世界能够以“毕加素”这个名字来认识他、认同他。《瓶花》这幅作品，见证了毕加索对自己艺术家身份的正式建构。 弗朗索瓦·吉洛法国,1921-2023玫瑰花丛，2013年布面油画 弗朗索瓦·吉洛作为广受赞誉的法国著名女性画家，早在21岁时便在法国艺术界崭露头角。她的风格徘徊于抽象与具象之间，既有立体主义的特征，又色彩丰富、棱角柔和、颇具活力，难以被简单归类，她曾说：“人们无法具体定义风格，就像香气之于鲜花，是一种无法分析的特质。”吉洛的艺术创作生涯极长，这件《玫瑰花丛》创作于其 92 岁高龄，是她极为重要的作品，也是吉洛用大胆饱和的色彩分割和表现自然的绝佳范例—将玫瑰花瓣分解成抽象的几何形状，并以她最喜欢的红色绘就。 克劳德·莫奈法国，1840-1926盆中花（玫瑰与满天星），1878年布面油画 作为印象主义的奠基人与领导者，克劳德·莫奈发展了以捕捉户外光影和色彩变化为核心的画面表现手法，奠定了印象主义绘画的基础。1878年，莫奈搬到维特伊居住这一年他重返静物题材，仅绘制了四幅静物作品，其中便有本作。作品以莫奈特有的短促笔触特征与丰富的质感展现了粉色玫瑰的生机与动势，通过法语中“雾”与“满天星”的语义双关，使静物花卉与其户外原生地点相互呼应。作品将印象主义室外风景技法应用于学院派的主题预示着莫奈在吉维尼花园中创作的一系列不朽名作。 1878年，即这件作品创作的同年，莫奈从巴黎市郊搬到了偏远的维特伊小镇（Vétheuil)，然而他却因此探索出了描绘光和色彩的新颖表现方式，成为了印象主义的开拓者。 塞纳河沿岸的维特伊小镇，因其明显区别于巴黎城市的自然风光吸引了许多艺术家，而莫奈在这里生活的两年中，从过去专注于描绘城市风景及建筑，转而关注自然光与空气对景观的影响。这种户外作画时对光影变化的体悟被莫奈投入到室内的静物创作之中，推动了印象主义理论和实践的创新。 吴冠中中国，1919-2010花卉,1992布面油画 被誉为中国画坛巨匠的艺术大师吴冠中，钟爱野花顽强的生命力，早在1970年代的乡土写实主义时期就开始以“野菊”为题创作。1992年是他艺术生涯的巅峰期，对抽象艺术探索渐入佳境之际，吴冠中重返这一题材。以缤纷浓重的油画色彩，诠释水墨画中“不似之似”的审美追求,以纯粹的色块表达花朵形态，繁茂的枝条张弛有度，背景与花盆都被隐去，使画面脱离物理世界，在抽象之中迸发出生命的蓬勃张力。 赵无极中国，1920-2013百合花，1953年布面油画 被誉为“留法三剑客”之一的赵无极，以融贯中西、极富生命力的作品风格，在20世纪世界抽象绘画领域独树一帜。20 世纪50年代，赵无极身处中与西、传统与先锋等多重艺术力量的碰撞中，受保罗·克利的启发投身于抽象形式的探索。在这一时期的转型之作《百合花》中，花瓣和茎干的线条透露出明显的国画用笔意味，沉静的色彩和旷阔深邃的背景空间则显示出克利与版画媒介特性对他抽象创作的影响。此后，赵无极不懈地寻找适合自己的创作方法，最终确立了将中国狂草入画的独特抽象表现形式。 常玉中国.1895-1966蓝色背景的盆花，1956年布面油画 中国第一代留法艺术家常玉以人体绘画、素描和花卉画著称，享誉国际。常玉一生追求艺术与精神的自由，晚年创作风格已臻成熟，他在艰难的生活条件下绘制了这幅作品。画中的白丁香与花瓶轮廓干净有力，融合中国书法变化有致的线条和早期现代主义大胆的简约形式,堪称常玉毕生所绘花卉之典范，也如自画像般象征着他在欧洲艺坛独自散发艺术光彩的一生，正如吴冠中所说：“常玉自己就是盆景，巴黎花圃里的东方盆景”。目前已知常玉以普蓝色为背景的“瓶花系列”只有六幅、此件作品更显弥足珍贵。 常书鸿中国,1904-1994阅尽人间春色，1975年木板油画 中国第一代留法艺术家常书鸿，是中国油画民族化的先驱。敦煌艺术研究院首任院长，为中国油画发展和敦煌艺术保护做出了杰出贡献。1975年，常书鸿带队前往新疆考察石窟，为表欣喜创作了这幅作品，他以壁画般明亮饱满的色彩、坚实有力的落笔，描绘了朴素陶罐中极富生命力的花束。这一时期，常书鸿的艺术观念与创作手法开始向民族艺术文脉回归，形成别具一格的油画语言。作品名取自毛泽东主席的《念奴娇·昆仑》：“横空出世，莽昆仑，阅尽人间春色”，常书鸿将其赠与儿子，饱含了对子辈的祝愿与激励。 1933年4月，常书鸿携一批志同道合的留法艺术家成立了著名的“中国留法艺术学会”，是已知成员最多、时间最久、影响最大的中国留学生艺术团体，为中国现代艺术的发展做出了重要贡献。1936年，已在艺术界有所成就的常书鸿,在塞纳河畔的旧书摊上偶遇了一本伯希和的《敦煌图录》,敦煌艺术之深厚底蕴带给常书鸿极大的震撼。在吉美博物馆近距离目睹了敦煌的大量文物以后，常书鸿放弃了在法国的优渥舒适的生活，毅然决然地回到国内投身于敦煌的勘察与研究。 在致力于推广和保护敦煌艺术的50余年后，传统文化对常书鸿艺术创作的浸润促使他成为最早提出油画民族风格的艺术家之一，并开始向深沉的民族艺术文脉回归，而这件作品就是常书鸿这一时期的典型之作。 颜文梯中国,1893-1988金蕊流苏，1963布面油画 颜文樑是中国现代美术教育的奠基人，是中国美术界“四大校长”之一。《金蕊流苏》创作于颜文樑在油画民族化方面探索最为深入、艺术造诣到达巅峰之成熟期。画面背最以不同饱和度的绿色构成通透的空间感，前景耀眼的黄色菊花完全舒展绽放，花瓶灵动而透亮。颜文樑花卉静物题材作品目前可见仅三幅，本件作品即为其一，极为珍罕。雾黑色的纯手工雕花木框为颜文樑先生亲手选配，足见艺术家对这件作品的重视与喜爱。 1922年创办之初的苏州美术专科学校（现苏州沧浪亭）。怀着对艺术的挚爱与热情，颜文樑与两位同样满怀热饮的青年朱土杰、胡粹中于1922年共同创办了苏州美术专科学校（今南京艺术学院)，与同时期由徐悲鸿创办的南京中央大学艺术系（今南师大美术学院）、林风眠创办的杭州艺术专科学校（今中国美院）、刘海粟创办的上海美术专科学校（今南京艺术学院）并称为当时中国四大美术院校。 1952年全国高等学校院系调整时，苏州美专与上海美专、山东大学艺术系合并，成立华东艺术专科学校，后改名为南京艺术学院。赴法留学归来的颜文樑多年来秉持着“纯粹美术与实用并重”继续在中国现代美术教育事业上砥砺前行,为中国艺术走向现代之路做出了不可替代的贡献。 潘玉良中国,1895-1977青瓶红菊,1944年布面油画 中国第一代留洋女性艺术家潘玉良，她坚持将西画与中国传统结合，创造出独特的艺术风格，被时人誉为中国西洋画家中第一流人物”。菊花为花中四君子之一、具有高雅纯洁的象征意义，为潘玉良最钟爱的题材之一。《青瓶红菊）是潘玉良创作成熟期的作品，时值中国抗战存亡之秋，潘玉良受战火波及滞留海外，她以概括性的笔触和浓郁的色彩描绘了瓶中虽已无根系却仍旧灿烂盛放的菊花，清新隽永尽显高洁姿态，展现了她面对困境凌然无惧的心境与意志，以及对家国和亲人的深厚情思。 方君璧中国,1898-1986长安花，1963年布面油画 方君璧是我国20世纪留洋先驱中首位考入巴黎高等美术学院的女艺术家，也是第一位作品入选“巴黎美术展览会”的中国女性画家，被誉为“东方杰出的女画家”。为探索中西艺术风格交融，方君璧创作了许多花卉作品，包括这件旅居海外时创作的《长安花》。画中笔触质感透着清澈从容，微妙老练地把控色调与氛围，以油画媒介绘出传统“留白”，火红的芍药在素白的瓷瓶和背景下显得耀眼夺目，而散落的花瓣也体现凋落后意犹未尽的落寞。通过作品，方君璧引导人们在艰难低谷中正视生活严峻，感受艺术的美好。 汤姆·韦塞尔曼美国,1931-2004静物与Liz.1992年切割钢上醇酸油 作为最重要的波普艺术家之一，汤姆·韦塞尔曼常将日常生活元素与高雅艺术并置于作品之中，以大胆明亮的色彩和平面化的造型为标志性特征。20世纪80年代开始，韦塞尔曼投入了以切割钢材为基底的创作，到了90年代则在作品中致敬同时代艺术家的作品。《静物与Liz》兼有这两个时期的特点，作品中以波普艺术先驱安迪·沃霍尔的名作《Liz》为背景，以颤动的色彩笔触描绘了花瓶中的红色玫瑰、蓝色花束和两只橙子。通过保留笔触与线条感，他消除了切割钢材的金属质感与工业性，凸显了绘画性。 卡特夫妇英国,1968/1969改变静物绘画，2009-2012年3小时循环电影，电脑，框架 当代先锋艺术家组合卡特夫妇，以将传统艺术与数字媒体结合的《转换（Transforming）》系列闻名。他们从古典艺术中汲取灵感,将虚空派静物画大师大安布罗修斯·博斯查尔特1618年的传奇名作《瓷瓶中的花》，耗时三年制作成长达三小时的动态影片，画面中日夜缓缓更替，昆虫飞舞、花朵灵动，以更为生动的形式和当代先进的数字技术，让人在不经意间体悟“动”与“静”的辩证关系，也体现了虚空画派所传递的命题——虚荣的易逝与生命的轮回。 朱利安·施纳贝尔美国,1951在斯-羌富的胜利III，2021年术板、颜料，盘子、邦多修补剂 作为当代新表现主义的重要艺术家和知名电影导演，朱利安·施纳贝尔擅长运用非常规的艺术媒材创作情感饱满、表现力非凡的作品。2020年，他受纽约寓所车道上的玫瑰花丛启发，回忆起曾在梵高墓前看到的玫瑰，回归了标志性的盘子画形式，以盘子和陶瓷碎片塑造肌理，创作了一系列花卉作品。《在斯-羌富的胜利III》中，充满活力的天蓝色、郁郁葱葱的绿色和盛放玫瑰的粉红色代表着艺术家对国家未来的乐观态度，玫瑰作为梵高笔下重生的象征，也隐含着艺术家对艰难时期即将过去的殷切希冀。 欧仁·布丹法国,1824-1898花束（对画）,约1860-1865年布面油画 被称为“天空之王”的风景画家欧仁·布丹作为莫奈的启蒙老师，是法国最早推行外光画法的艺术家之一，他将这种绘画方法介绍给了18岁的莫奈。《花束（对画)》是艺术家静物主题探索晚期的重要代表作，受到荷兰静物画传统的影响，又融入了外光画法的技巧，使画中花卉兼具严谨的细节和生动的形象。这组对画，一幅呈冷蓝色调、隽永含蓄，一幅呈明黄色调、斑斓热烈，布丹娴熟运用色彩,笔力精妙，以对话的方式阐释精巧的立意。 古斯塔夫·卡耶博特法国,1848-1894小热讷维耶花园中的阳光，1885年布面油画 印象主义运动的领军人物和重要赞助人古斯塔夫·卡耶博特，与莫奈一样对借助园艺来探索绘画抱有极大的热情，两人经常互相分享自己的园艺经验。《小热讷维耶花园中的阳光》绘于卡耶博特在小热讷维耶的房产中修建的花园，画面描绘了由树叶、灌木丛组成的蓝绿色森林和映衬其中的倾斜杂乱的向日葵。快速而密集的笔法和松弛自由的笔触展示了他成熟的艺术风格，对构图的刻意裁切显示了摄影技术对他的影响，大胆的画面形式彰显着卡耶博特对现代艺术的独特探索。 1885年，印象派的领军人物的卡耶博特，以突破常规的方式创作了两幅向日葵作品，即本次参展作品与另一件被收藏于奥赛博物馆的《小热讷维耶花园里的向日葵》。他受到摄影术的启发，在作品中强调画面的构图，并选择描绘在花园中依然生动的向日葵，为观者带来了身临其境的视觉感。正如奥赛博物馆所说，卡耶博特这种在当时极具创新性、现代性的创作方式让梵高为之着迷，也启发了梵高创作出著名的向日葵作品。不仅如此，卡耶博特还是印象派最重要的收藏家和资助者，直接支持包括莫奈及毕沙罗在内的重要印象派艺术家。在其生命的最后一年，他把个人收藏的印象派画作—包括爱德华。马奈《窗台》在内的近百件重要作品，全部捐赠给法国政府，奠定了印象派艺术家在艺术史上的重要地位。 乔治·布拉克法国,1882-1963鲜花篮,1925布面油彩、沙子 与毕加索共同发起立体主义运动的乔治·布拉克被誉为20 世纪西方现代艺术史上最具影响力的艺术家之一，“立体主义”这一名称正来源于他的作品。1920年代，布拉克放弃了严谨的立体主义风格，转而从自然与静物中汲取灵感，探索更多的艺术可能性。创作于此时的《鲜花篮》以独创的油彩混合沙子的方法，将花朵与音乐这两个贯穿布拉克绘画生涯的主题结合在一起，描绘了桌面上形态拙朴、郁郁葱葱的菊花，一旁翻开的乐谱体现着布拉克此时对音乐的痴迷。 弗雷德里克·巴齐耶法国，1841-1870花、约1870年布面油画 弗雷德里克·巴齐耶是与莫奈同时代的印象主义绘画天才，在他短暂的一生中仅创作了不足100幅油画作品,其中花卉与花园一直是他最重要的绘画主题之一。1870年，29岁的巴齐耶在人生的最后一年创作了这幅《花》。画面中的牡丹花束既展现出现实主义的视角与风格，又令人赞叹地融合了印象主义的主题与技法，画中花束繁茂盛放的姿态正是巴齐耶对绘画事业满怀激情的表征，彰显着他作为印象主义先驱的探索。 爱德华·马奈法国,1832-1883漫步者，1879布面油画 爱德华·马奈是印象主义的奠基人、现代主义绘画之父。作为艺术史上最具有重要影响力的画家之一，马奈以极具革新精神的艺术主张和对现代巴黎生活的犀利描绘著称。1879 年，晚年的马奈以老辣的笔法绘制这幅《漫步者》,几抹明亮的橙色、鹅黄和焰火般的红色笔触点出充满活力的花朵，点亮了晦暗的天色和积雪的街道，而波德莱尔诗中资产阶级的典型形象“都市漫步者”正低头经过，现代巴黎生活的富足奢靡和纵情欢闹便跃然纸上。 保罗·高更法国，1848-1903乐谱上的牡丹花束，1876年布面油画 保罗·高更被公认为后印象主义三大巨匠之一，为现代艺术的理论形成与对绘画本质的探索作出了重要贡献。1876年，高更结识众多印象主义大师，首次参加了艺术沙龙展，这幅兼具现实主义和印象主义特征的《乐谱上的牡丹花束》，正创作于此时。花瓶中精心搭配的牡丹花束置于乐谱之上，展现了艺术家高雅的生活格调与趣味，而盛放的花朵似乎预示着他未来在艺术道路上即将取得的成就与辉煌。画中柔和的笔触、明亮的色彩与光影，无不体现着这一阶段印象主义对他产生的重要影响。 19世纪70到80年代，初出茅庐的高更结识了“印象派之父”卡米耶·毕沙罗，并时常造访他的花园，与毕沙罗交流艺术、共同创作。《乐谱上的牡丹花束》绘就的同年，毕沙罗也创作了两幅牡丹主题作品，它们很有可能都是创作于毕沙罗的花园之中。在毕沙罗的指导与鼓励下，高更全心投入绘画事业之中，并探索独树一帜的富有装饰感的创作方式，成为继印象主义之后在法国画坛上产生重要影响的艺术革新者。 卡米耶·毕沙罗法国,1830-1903丁香花束，1876年布面油画 卡米耶·毕沙罗是唯一一位参加了全部8场印象主义画展的艺术家，堪称印象主义团体的“中流砥柱”。他因启发了年轻同侪们的创作理念，被尊称为“印象主义领袖”。19 世纪70年代是他创作生涯的巅峰时期，与塞尚的频繁合作，使他密切关注几何形状的运用和自然主义的细节。这些尝试也为后世抽象绘画的探索奠定了基础。这一时期毕沙罗极为罕见地以花卉为主题创作了《丁香花束》。他以标志性的重叠色彩与娴熟笔触，塑造出厚密的肌理，描绘了一瓶充满力量感的花束，彰显出日常生活的质朴之美。 亨利·马蒂斯法国,1869-1954布列塔尼的卡巴莱入口，1896布面油画 1896年，尚未成长为野兽派领袖的亨利·马蒂斯还是一位著名的传统佛兰德画派画家，为远离巴黎都市喧嚣，他来到布列塔尼的海边，结识了约翰·皮特·罗素，并受他的色彩理论指导，接触了印象主义和当时还未成名的梵高的作品,自此开始了一系列关键性的绘画实践与转折。《布列塔尼的卡巴莱入口》正是创作于这一时期，画面描绘了一处海边花园，明媚斑斓的色块铺涂出一片花圃。画面色彩不再注重写实，而是进入了想象和情感的领域，标志着马蒂斯向野兽派转变的重大进展。 安德烈·德朗法国,1880-1954瓶花，1910年布面油画 安德烈·德朗在与马蒂斯共同创立野兽主义之后，吸纳了立体主义运动的精神，随后不断探索与转型，在第一次世界大战后被视为二十世纪古典主义的领袖，这件《瓶花》则见证了德朗从立体主义向古典主义过渡的重大转折性探索。画面使用棕红色调的灰暗背景衬托着白色和红色的花朵，花瓣造型与构图都十分简约而又富有张力，带有野兽主义残韵的笔触密集粗犷，具有很强的装饰性与概括性,同时也展现了德朗对古典艺术中理想美的探索。 莫里斯·德·弗拉曼克法国，1876-1958灰色瓶花静物布面油画 莫里斯·德·弗拉曼克同亨利·马蒂斯、安德烈·德朗被视为野兽主义运动的三大领导人物。1907年受到塞尚回顾展的深刻影响后，弗拉曼克开始了独特风格的尝试，从追求极致的画面表现力转向兼顾理性与画面张力的艺术风格，这幅《灰色瓶花静物》就是很好的例证。花瓶中蓝粉相间的花朵由直接挤在画布上的厚重颜料堆叠而成，笔触强烈而浓郁，下方的花瓶则呈现出与之相反的稳定沉静这幅作品是他风格转换时期的重要实验性作品。 基斯·梵·邓肯荷兰,1877-1968山茶花，1920年布面油画 基斯·梵·邓肯是20世纪初巴黎野兽主义运动的领导人物之一，以多变的长线条、强烈率直的色彩和浓郁的笔法著称。他最具个人特色的作品是描绘奢华的上流社会女性形象的绘画，此外他还创作了许多静物画，包括这幅《山茶花》。画面运用了他往常描绘女性形象相近的笔法，以其典型的浓烈色彩与厚重笔触勾勒出华丽丰盈的山茶花，体现着邓肯的审美情趣。他曾说：“我喜欢一切流光溢彩的东西……在绘画中，我最为彻底地拥有这一切。”这些独特风格的作品也记录下了特殊时代背景下巴黎的社会情绪与审美偏好。 拉乌尔·杜菲法国,1877-1953花,1908年布面油画 野兽主义的重要代表人物拉乌尔·杜菲开创了独有的色彩缤纷的装饰风格，这幅作品《花》诞生于他创作生涯的转折时期，展现了他从早期的印象主义转向野兽主义，并对立体主义产生兴趣的实验阶段。花朵用厚实平涂的笔触进行渲染，呈现出层次丰富的暗红色调，背景中大面积的钴蓝色体现了杜菲的个人色彩偏好以及他对非自然色彩的独特运用。花卉与背景之间创造出一种延伸至画面外朦胧的抽象节奏，使画面呈现出装饰性的基调，激发着观者的视觉愉悦感。 路易·瓦尔塔法国，1869-1952杜鹃花与绿植,约1918年布面油画 路易·瓦尔塔作为从传统印象主义向现代艺术转变的承前启后性的关键人物，其作品揭示了现代艺术运动进程的一个关键环节。不同于艺术家早期作品中的印象主义或新印象主义风格，《杜鹃花与绿植》中鲜艳的色彩展现出一种克制的野兽主义倾向，扁平的敷色方式和色块之间的分隔线则显示出高更的综合主义对他的影响，独特的色彩与构型方式，使画中绿植繁茂的角落超脱真实世界，成为对植物蓬勃生机之记忆的再现。 埃米尔·诺尔德德国，1867-1956鸢尾花和三色堇，1929年木板油画 埃米尔·诺尔德是20世纪最重要的德国艺术家之一，对他而言花卉象征意义非凡，在他的一生中花卉主题总是无处不在。1927年，他和妻子艾达搬到了希必尔小镇，设计了他们姓名首字母E和A形状的花坛。在这里，他创作了《鸢尾花和三色堇》，以丰富浓重的印象主义笔法和深重饱和的色调，传达强烈的梦幻氛围，赋予作品充沛的情感表现力。他曾说：“我爱花盛开之色与色之纯净，我也爱花的命运：向上生长，缤纷而令人愉悦，而后倾倒枯萎，最后零落入尘。人生却并不总如此美好。” 埃米尔·贝尔纳法国,1868-1941静物，1889年布面油画 法国后印象主义艺术家埃米尔·贝尔纳被视为19世纪末兴起的“景泰蓝主义”和“综合主义”的创始人之一，他实现了从印象主义破碎的笔触转向以深色轮廓分隔的平面化风格，对现代艺术发展产生了巨大影响。《静物》创作于他艺术生涯的巅峰时期，以典型的“景泰蓝主义”手法描绘了绿色藤蔓衬托之下、花瓶中盛放着的鲜花，倾斜的视角和厚重的颜料透露出朋友塞尚对他的影响，而他标志性的深色轮廓也尤为突出地体现在对画面中织物的细致描绘上，这些典型性特征让这幅《静物》成为贝尔纳最引人注目的作品之一。 亨利·方丹-拉图尔法国,1836-1904白水仙、风信子和郁金香，1864布面油画 被誉为“花的视觉诗人”的亨利·方丹-拉图尔是19世纪后期法国艺术发展的重要人物，凭借尤为精美的花卉作品首先在英国名声大噪，而后声名远播至巴黎。这件创作于.1864年的作品，以传统古典绘画的灰调为背景，以简朴写实的构图与技法描绘了一束瓶中鲜花，色调清新脱俗,花朵姿态优雅，清透的圆形玻璃瓶展示了他深厚的写实功力，画面兼具浪漫主义和印象主义的特征。这些花卉作品不仅为方丹-拉图尔带来了远播海外的名誉，更使他对画面和谐的排布构图原则有了愈发深刻的理解。 保罗·塞尚法国，1839-1906瓶中花，1872-1873年布面油画 保罗·塞尚作为后印象主义三大巨匠之一，为绘画的形式和色彩的运用带来了颠覆性的巨变，为现代艺术和先锋派奠定了基础，因而被誉为现代艺术之父。《瓶中花》是塞尚狂热而具探索性的早期绘画实验作品，这一时期他往往采用深色高饱和的色调，用调色刀营造鲜活生动的显著效果.在这幅作品中，塞尚大胆地放大了玻璃花瓶，借此探索反射和扭曲的光影效果。这幅具有开创性的作品也预示着他以色彩对比表现物象立体深度、以几何元素构造形象的绘画技法探索。 皮特·蒙德里安荷兰,1872-1944有镜子，柜子，银扇草和水果的静物，1905布面油画 出生于荷兰的皮特·蒙德里安是20世纪抽象主义运动先驱，“风格派”创始人。深受荷兰17世纪黄金时代风格影响的蒙德里安，在其艺术生涯的早期接触到了印象主义、象征主义与表现主义艺术，开始对光影效果进行实验。画面中，镜面反射出的瓶罐高光与物体本身反光的明暗对比,体现着艺术家深厚的写实功底与细致入微的观察，一束在欧洲被认为能带来繁荣与财富的银扇草，在瓶中如银元般熠熠闪光，显示着荷兰黄金时代的文化元素对蒙德里安创作的深远影响。 皮特·蒙德里安荷兰,1872-1944菊花，1909年布面油画 荷兰“风格派”运动领袖与先驱皮特·蒙德里安以其个性鲜明的几何抽象主义绘画闻名于世。花卉在蒙德里安对抽象形式与结构的探索中充当了重要角色，他一生中绘制了数百幅单枝花卉作品，其中100余件是以菊花为主题，这些作品成为了他向“风格派”转变的重要研究基础，这幅《菊花》正是创作于蒙德里安关键的转折时期。单枝菊花的简练构图突显了画面主体，蒙德里安使用薄涂的笔触探索花卉本身的精妙结构，而脱离现实的花卉色彩成为了他表达更深邃的神智学理念的手段，启示着蒙德里安后来的几何抽象主义作品。 蒙德里安通过描绘花卉的方式来探索和研究绘画的结构，尤其是色彩简单、结构复杂的单支菊花，并用炭笔画下了百余幅菊花手稿。其中一件同样创作于1908-1909年的菊花手稿，与本件作品《菊花》在构图和光影塑造上高度相近，这为我们研究蒙德里安的早期艺术的实践提供了极为珍罕的史料。 苏天赐中国,1922-2006水仙，2004年布面油画 苏天赐晚年长住于南京汤山，醉心于江南自然风光，常在家中花园侍弄花草。苏天赐的一生中不止一次地以水仙为题绘画。这幅《水仙》创作于苏天赐艺术生涯晚期，画中以轻柔灵巧的笔触和浓重的碧绿色，勾勒出水仙枝叶柔韧的质感和纤薄柔软的白色花瓣。苏天赐以柔和的色块与流畅的线条，营造了花卉的芬芳。而朦胧空灵如江南烟雨的背景,使一盆水仙如飘浮在空气中那样轻盈，文人情怀和诗歌画意也流动于画面当中。 戴泽中国，1922-2023白芍璧无暇，1960木板油画 戴泽是新中国美术教育奠基人，中国第二代油画家代表人物。作为徐悲鸿的爱徒，戴泽是其写实主义艺术思想的实践者与坚定捍卫者。1949年戴泽协助徐悲鸿等人建立中央美术学院，为中国美术事业培养了大批优秀人才。1960 年代，戴泽先后到辽宁、山东、黑龙江等地写生,以画笔捕捉自然之美，这幅《白芍璧无暇》正作于此时。画中笔触精妙入微，细腻地勾勒出芍药花的宁静淡雅，完美展现了“徐派色彩语言”的魅力。戴泽的艺术饱含着对万物的无限热爱，充满着源于自然的明媚之光和别有韵味的盎然诗意，他用画笔和油彩歌咏生活、赞美生命。 余本中国,1905-1995向日葵布面油画 余本作为中国岭南地区第一代留洋艺术家的代表和香港西画艺术的先驱，其作品富有强烈的生活气息。20世纪50年代，余本回到内地定居，艺术实践也进入了新的阶段，他通过尝试墨画了解民族绘画传统，为油画民族化发展作出卓越贡献。创作于这一时期的《向日葵》，以热烈的色彩和豪放的笔触描绘了瓶中盛放的向日葵花束，兼具了西方古典油画和现代艺术的特征，背景大面积的红绿对比模糊了花卉所处的真实场景，赋予了画面强烈的视觉冲击力，热烈的情感从画面中喷涌而出。 关良中国,1900-1986瓶花，约1970-80年代布面油画 关良是最早将西方现代主义绘画理念引入传统水墨的艺术家之一，以丰富饱满的色彩为特征，认为色彩极富感情应以色彩扣动观者心弦。他的花卉静物画兼具野兽派的粗犷与传统国画的细腻，践行着“大巧若拙”的艺术风格。1970年代后，静物成为关良创作风格演进的重要板块创作于这一时期的《瓶花》中，花朵明丽的黄色与蓝色背景形成鲜明对比，线条肆意豪放却饱含东方水墨的审美情趣。在西方艺术手法中构建中国写意精神，堪称关良个人风格鲜明的代表作品。 吕斯百中国,1905-1973瓶花，1940年代布面油画 1934年，中国留法艺术先驱吕斯百学成归国，自1940年起先后于中央大学艺术系等院校任教，为现代中国艺术教育做出了杰出的贡献。《瓶花》是吕斯百创作黄金时期的作品，以现实主义与印象主义前期艺术为基调，吸收民族艺术技法，他以浑厚有力的笔触与明快热烈的色调，呈现了生机勃勃的花束和颇具民间艺术趣味的孔雀羽毛图案花瓶，画面洋溢着朴实诗意的田园气息，展现了他对日常生活的积极态度和对蓬勃生命的珍视。 黎谱越南,1907-2001牡丹和鸢尾花,1958年绢面油画 黎谱是 20 世纪最杰出的越南艺术家之一，以花卉和女性题材绘画见长，他成功地将中国和越南传统绘画与西方印象主义、超现实主义风格融合。《牡丹和鸢尾花》是黎谱又-幅绢本油画作品，与《静物》相比，这件作品的画面质感更为厚重，融合了印象主义明朗的色彩和活泼的笔法，又以灵活的色块和细腻的线条信笔勾勒出未端颤动的枝叶。艺术家细致塑造了极具东方韵味的青花瓷瓶、中国独有的牡丹，是他对东方传统文化的诗意表达。 祝大年中国,1916-1995花团锦簇,1973年木板油画 祝大年是中国现代工笔重彩的开拓者、清华大学美术学院(原中央工艺美术学院)的创始人之一。1972-73年间，袁运甫先生为北京饭店绘制壁画《长江万里图》，邀请祝大年与吴冠中、黄永玉一起沿长江写生，旅途的壮美景观和乡村的淳朴至美，点燃了艺术家们的创作激情，这件《花团锦簇》正诞生于这一时期。作品以1972年的钢笔稿《大理菊》为底稿，吸收了传统工笔重彩的特点，通过对花瓣的精心刻画，画面深沉浑厚、体积感强，花朵全无媚态，淋漓尽致地彰显了祝大年所追求的“既要有深度又要是平面的”的美学原则。 黄永玉中国1924-2023繁花似锦，1973年布面油画 中国画院院士黄永玉，以广泛的创作媒介与高深的艺术造诣著称，是一位颇具传奇色彩的艺术家。1972-73年间.袁运甫先生为北京饭店绘制壁画《长江万里图》，邀请黄永玉、吴冠中、祝大年一同到长江流域写生，《繁花似锦》正创作于此时。他以布面油彩的形式呈现国画的白描墨线.结构严谨、赋色染绘结合，画面主体沿袭清供图的绘画传统，将月季、百合和野菊置于锈迹斑驳的古器中，以流畅的线条搭配诗意清丽的色彩，展现了黄永玉对大自然深沉的凝视和对生命的颖悟。 <a href="https://www.meipian.cn/5afcy3wj" target="_blank">金陵冬日漫行（二）——南京博物院</a> <a href="https://www.meipian.cn/5ahrrok9" target="_blank">金陵冬日漫行（三）——南京池杉</a> <a href="https://www.meipian.cn/5asucyg8" target="_blank">金陵冬日漫行（四）—钟山、玄武湖、夫子庙</a> <a href="https://www.meipian.cn/5ao2mq1p" target="_blank">金陵冬日漫行（五）—栖霞山红叶</a> <a href="https://www.meipian.cn/5av0ovnh" target="_blank">金陵冬日漫行（六）——牛首山</a>