走进大都会博物馆（七）——绘画藏品（3）

崔

　　埃德加.德加（Edgar Degas，法国人，1834～1917）于1882年创作的《在Milliner的家》，是贴在浅灰色的编织纸（工业包装纸）上，铺在丝绸上的画。

Mary Cassatt是该作品中客户的模特，也是另一个女帽系列的模特（纽约现代艺术博物馆）。据称她说，她为德加摆姿势“只有在他发现动作困难，模特似乎无法理解他的想法时，才会偶尔为他摆姿势。“这种粉彩在1886年的最后一次印象派展览中展出。

埃德加·德加（Edgar Degas，1834年7月19日～1917年9月27日），印象派重要画家。他出身于金融资本家的家庭，他的祖父是个画家，因此他从小就生长在一个非常关心艺术的家庭中。

中学毕业后，德加报考了美术学校，他在意大利学习意大利的艺术，特别是文艺复兴时期的艺术。与此同时，他又在让-奥古斯特·多米尼克·安格尔（Jean-Auguste Dominique Ingres，1780-1867）的一位得意门生路易·拉莫特（Louis Lamott）的画室里学画。

1917年9月27日，埃德加·德加逝世于巴黎，享年83岁。

　　印象派中从来不缺少孤僻奇怪之人，比如梵高，比如高更，德加也算的上一个。从艺术审美上讲，莫奈画出了色彩的诗意，梵高画出了色彩的激情，塞尚执迷于色彩的力量，高更归宿了色彩的宁静，而德加的艺术却如焰火，强调生命在爆发一瞬间的绚烂。他笔下的舞女，每一次旋转，都是一次生命的开放，开放的时候，尽情的展现，尽情的挥洒，开放过后，寂然无声。这是舞蹈的瞬间，也是舞女的一生。 德加是一个复杂的人。

　　他不但在反犹主义上，一贯地政治不正确，而且，画了一辈子舞女的德加，竟然还是一个“厌女者”。他出身富裕，却终身不娶，热爱艺术，却疏于交际，更多的时候，他把自己隔离在繁华之外，以一种冷静的、自负的、甚至略带洁癖的目光，凝视着巴黎都市的繁华。在印象派的艺术家中，德加和雷诺阿是两个对立的典型，都善于人物尤其是群体人物的塑造，雷诺阿的形象皮肤光洁细腻，表情明艳动人，而德加的人物却显得疏离、孤独而遥远，他只关注舞女转起来那一瞬间的绽放。德加晚年曾经劝一位收藏家结婚，收藏家反问：“那你为何一直单身？”德加的回答幽默而耐人寻味，他说：“我害怕每画完一张画，太太就在旁边赞叹说：‘啊！多么完美的画！’”这个人，自负的骄傲的，连赞扬都不想要啊。所以，这是一位有极高极高精神洁癖的艺术家。

　　《舞台上的芭蕾舞排练》是德加创作的芭蕾舞系列中的一幅。

　　这么讨厌印象派的德加，最后还是被世人看作了印象派的创始人之一，也算上帝和艺术家们开的一个玩笑。但事实上，德加艺术的独特确实难于让他归于任何一个画派，其画风一直以来都是评论家争论的焦点。他深受古典主义，新古典主义与浪漫主义的影响，形体准确生动，线条朦胧流畅，色彩迷离变幻，他对瞬间动感的捕捉，让人怀疑在他的笔下是安装了快门的照相机。他创作出了绚烂的现代意象，却又倾心于古典大师的艺术成就，在他那儿，美术史每一次的演进不是反动与变革，而是传统、继承与创新。德加艺术上的复杂，以及他在色彩与瞬间动感上的创造力，让美术史学家大伤脑筋，或者这也是他最终被归为印象派的核心原因。

　　德加的画太有个性了，尤其是他画的芭蕾舞演员系列，德加一生中画了100多幅芭蕾舞演员题材的作品，他对芭蕾舞几乎到了痴迷的程度，那时候，他天天泡在芭蕾舞排练厅里，捕捉舞者的各个瞬间，迅速画出速写稿。

德加年轻时最崇拜的前辈是安格尔，他的素描非常出色，线条堪称完美。回到巴黎的德加已经30岁了，他喜欢泡咖啡馆，他在咖啡馆用素描画那些舞女，印象派先驱马奈也是咖啡馆的常客，德加画风的转变就是从认识马奈开始的。

1870年代初期，芭蕾舞女是德加非常喜欢的主题。

　　德加创作的布面油画《穿粉色和绿色的舞者》。

　　1859年前，德加经常画一些人物肖像，如：他的家人、他的朋友以及一些历史主题的人物。

1874～1886年，德加虽然反对印象主义，但是他还是积极参加了历届印象派画展，除了1882年的那一届。与此同时，德加的作品也被官方沙龙所采纳，并且作品可以悬挂在相当显目的位置，但他却脱离了官方沙龙。

1893年，德加感到他有失明的危险，因此他急不可待、狂热的画起画来，这时的德加对人对已都很严历、苛刻，性情变得十分古怪。

1886～1917年，德加的作品已经不再展出。

　　爱德加·德加是印象派艺术中最具代表性和影响力的艺术家之一。他对绘画技巧和主题的创新贡献了许多重要的方面。

　　爱德加·德加在绘画技巧方面做出了重要贡献。他运用了一种特殊的色彩理论，将颜色与黑白相混合，以创造出更丰富的色彩效果。他的画笔技巧独特，能够用简洁而精确的笔触来表现细节和纹理。

　　爱德加·德加的主题选择也对印象派艺术产生了深远的影响。他以现实生活为主题，描绘了人物日常生活中的瞬间和细节。他在绘画中展示了人物的动作和表情，创造了更加真实和自然的形象。

　　爱德加·德加对后世艺术的影响还表现在他的创作风格上。他独特的观察力和敏锐的感知力，赋予了他的作品独特的美感。他通过绘画来表达对生活的情感和思考，展现了艺术家个性和创造力的重要性。

　　德加的一生都倾注于艺术，从早期的探索到中期的迷茫再到晚期的艺术成熟，每一步都见证着德加的艺术革新。在德加的绘画特征上，他与众多印象派画家有明显的不同。不论是莫奈、马奈、雷诺阿还是毕沙罗，他们在外形的勾勒上都不如德加精细，但是在用色明度上，他们还是比德加略胜一筹。在思想上，德加始终与印象派保持一致，在面临与印象派相左的观点面前，德加又能坚持印象派立场。这种对印象派的若即若离使德加始终游走在印象派的边缘，也正是因为如此，德加的作品才更有艺术探究的价值。

　　詹姆斯·蒂索（James Tissot，法国人，南特1836～1902 Chenecey-Buillon）约1881年创作的木头上的油画《In Full Sunlight (En plein soleil)在阳光下》。

层叠的阳光照亮了躺在草地上的那群人五颜六色的打开的遮阳伞和带丝带的帽子。这个田园诗般的场景的灵感来自天梭在维多利亚时代伦敦的私人生活，这在英国礼貌社会的标准中是相当不合适的。左边是凯瑟琳·牛顿，他与天梭作为伴侣和模特私生活。她自由奔放的浪漫生活导致了两个孩子，穆里尔（躺在她旁边）和塞西尔（站在墙边）。背景很可能是天梭在圣约翰伍德的花园，这位法国画家从1871年到1882年牛顿去世都住在那里。

　　奥诺雷·道米尔（Honoré Daumier，法国，马赛1808～1879瓦尔蒙多瓦）于1864年创作的布面油画《The Third-Class Carriage（三等车厢）》。

作为一名平面艺术家和画家，多米耶记录了19世纪中叶巴黎工业化对现代城市生活的影响。在这里，他放大了十年前制作的石版画的主题：三等火车旅行者的友好和安静的坚韧。沐浴在阳光中，哺乳的母亲，老妇人和熟睡的男孩散发出一种与公共交通不经常相关的宁静。未完成的和方形的转移，这幅画密切对应于1864年的水彩画（沃尔特斯艺术博物馆，巴尔的摩）和成品油画（加拿大国家美术馆，渥太华）。

　　油画展厅。

　　弗朗索瓦·约瑟夫·纳韦斯（François Joseph Navez，比利时，沙勒罗瓦1787～1769布鲁塞尔）于1824年创作的布面油画《The Massacre of the Innocents（无辜者的大屠杀）》。

正如马太福音（2:16-18）所记载的，犹太王希律大帝下令在伯利恒城内和附近屠杀两岁以下的男孩。希律王的目标是杀死婴儿耶稣，谁被传颂为犹太人的王。在这幅画中，纳维兹将这些暴力行为托付给背景，并在前景中填充了一群交织在一起的真人大小的人物，压缩成浅浮雕，以提高观众对他们的脆弱性的认同。1824年，这幅画在阿姆斯特丹和布鲁塞尔首次展出时，遭到了评论家的强烈批评。

　　尤金·德拉克洛瓦（Eugène Delacroix，法国，Charenton-Saint-Maurice 1798～1863巴黎）于1835年创作的布面油画《Madame Henri François Riesener（亨利·弗朗索瓦·里塞纳夫人，费利西特·朗罗瓦，1786～1847年）》。

德拉克洛瓦很少描绘任何人，除了他最亲密的家人和朋友。他对莱森纳夫人的感情，一个姑姑的婚姻，是通过这幅画的坦率温柔表达的。她曾经以她的美丽而闻名：大约在这幅肖像的日期之前三十年，她作为约瑟芬皇后的侍女，并引起了拿破仑的注意，与他进行了短暂的联系。在她死后，德拉克洛瓦写信给乔治·桑德，“我们生存所必需的每一个消失的人，带走了他的整个世界的感情，没有其他关系可以恢复。”

　　Jean Auguste Dominique Ingres，法国人，蒙托邦1780～1867巴黎，于1810年创作的布面油画《Joseph-Antoine Moltedo（约瑟夫·安托万·莫尔特多（生于1775年）》。

出生在科西嘉岛，莫尔泰多是一个有进取心的商人和发明家，代理法国神职人员在梵蒂冈，并从1803年到1814年罗马邮局主任。这幅画是在安格尔职业生涯中最富有成效的时期之一绘制的，属于他在拿破仑时期罗马从法国官员那里收到的一系列委托。它们的特点是将罗马的景色作为背景——在这种情况下是阿皮亚路和斗兽场——以及暴风雨般的灰色天空，一种浪漫的自负，作为描绘的男人平静和秘密的表情的衬托。

　　Jean Auguste Dominique Ingres（法国人，蒙托邦1780～1867巴黎）于1823年布面油画《雅克-路易斯·勒布朗夫人(Françoise Poncelle，1788～1839)》。

对于这张肖像，有超过二十几幅调查各种姿势的绘画（Musee Ingres,Montauban）。类似的研究并不存在勒布朗夫人的丈夫（19.77.1）的肖像。这两幅画-唯一的一对肖像Ingres生产-可能是打算面对面悬挂，因为光线在每一个不同，但他们是统一的视觉和谐的手，金链子，丰富的纺织品增强夫妇的黑色衣服。然而，这件作品在1834年的沙龙上展出时没有它的吊坠。

　　尤金·德拉克洛瓦（Eugène Delacroix法国，Charenton-Saint-Maurice 1798～1863巴黎）于1835年创作的布面油画《亨利·弗朗索瓦·里塞纳夫人（费利西特·朗罗瓦，1786～1847年）》。

德拉克洛瓦很少描绘任何人，除了他最亲密的家人和朋友。他对莱森纳夫人的感情，一个姑姑的婚姻，是通过这幅画的坦率温柔表达的。她曾经以她的美丽而闻名：大约在这幅肖像的日期之前三十年，她作为约瑟芬皇后的侍女，并引起了拿破仑的注意，与他进行了短暂的联系。她死后，德拉克洛瓦写信给乔治·桑德，“我们生存所必需的每一个消失的人，带走了他的整个世界的感情，没有其他关系可以恢复。

　　让·奥古斯特·多米尼克·安格尔和工作室（Jean Auguste Dominique Ingres and Workshop，法国人，蒙托邦1780～1867年巴黎）于1824-1834年创作的布面油画《格里沙耶的奥德利斯克（Odalisque in Grisaille）》。

这是1814年著名的大奥德利斯克（巴黎卢浮宫博物馆收藏的《大宫女》）的未完成的复制品，尺寸缩小，简化得多，一个想象中的中东后宫的妃子。这幅画是安格尔理想美概念的核心，其影响力因艺术家的长寿而得到加强：直到19世纪60年代，安格尔一直在画这样的裸体画。那时他已经培养了数百名追随者。在灰色阴影中的绘画通常是为了建立色调的变化，以指导雕刻黑白复制版画，但这项工作的预期目的仍然不确定。

让·奥古斯特·多米尼克·安格尔是一位新古典主义画家、美学理论家和教育家。安格尔强调绘画必须重视骨骼，而肌肉远在其次，他认为肌肉绘制得过分精确会成为造型纯真的最大障碍，甚至会造成独特构思的浪费使作品平庸化。这是发前人所未想的重要美学理论，1814年他应卡萝琳皇后的邀请创作的《大宫女》就是这种理论的最好佐证。

《大宫女》曾引起广泛争议，因为人们在惊叹描绘得如此之美的大宫女的同时，也会发现大宫女的臀部过于肥大，腿也太长了，脖子也有问题。正如一位评论家说的那样：“安格尔先生的画把优美推到了怪异的程度——从没有这么柔软这么颀长的脊柱，也从没有这么易于弯转的脖颈，从没有这么平滑的大腿，而身体的全部曲线也从没有这么操纵过视线……”当时的一位评论家德·凯拉特也曾对安格尔的学生说： “他的这位宫女的背部至少多了三节脊椎骨。”然而安格尔的学生回答说“你可能是对的，可是这又怎么样呢？也许正因为这段修长的腰部才使她如此柔和，能一下子慑服住观众。假如她的身体比例绝对准确，那就很可能不这么诱人了。”这幅画如果按严格的评判标准来看，确实是有点怪异的，大宫女的身体无疑是夸大了，是一种变形的美。安格尔显然无心于人体科学的解剖结构，他更关心的是怎样通过线条去诠释他笔下的人体美。他自己也曾说过： “假如我必须熟记解剖学的话，我就不会成为画家了。”但是这种夸大的身体显然也与他一贯坚持的新古典主义风格是背离的或者说是一种突破。也许这里体现的正是画家在自然面前一种独立的创作意识，是一种大胆个性色彩的探索。

多年前，在法国卢浮宫近距离欣赏过《大宫女》这幅画。

　　让·奥古斯特·多米尼克·安格尔是一位新古典主义画家、美学理论家和教育家。安格尔强调绘画必须重视骨骼，而肌肉远在其次，他认为肌肉绘制得过分精确会成为造型纯真的最大障碍，甚至会造成独特构思的浪费使作品平庸化。这是发前人所未想的重要美学理论，1814年他应卡萝琳皇后的邀请创作的《大宫女》就是这种理论的最好佐证。

　　安格尔崇尚自然，代表他最高成就的裸体创作往往不事雕琢，是自然形象洗练化与古典造型理性的结合。他笔下的裸女没有思想《土耳其浴室》、没有信仰《后宫佳丽》、没有任何时代的成分《维纳斯》，实际是他夫人的画像，完全是画家纯粹的艺术创作。《泉》是他最负盛名的作品，是他于1820年在意大利期间作为习作开始的，1856年才在巴黎完稿，据说原名是《维纳斯》，但画家经过数十年的世俗漂泊，修改了少女脚边的小天使，把整理秀发改为倒倾水瓶，使之成为一幅具有古典主义象征意义的名作。也许安格尔在寄托对青春的无限眷恋--少女充满活力的胴体正像她脚边的那朵含苞欲放的雏菊，散发着长久的魅力，给人以宁谧的思绪、无尽的隽永。少女是画家衰老年岁的产儿，她的美资超过了所有的姐妹，集中了她们的美于一身。安格尔的艺术形式美是成功的，他笔下的裸体屏弃了一切非自然的成分，因而她们的美是可供任何时代膜拜的典范。

　　1780年8月29日，安格尔生于蒙托邦，他的父亲约瑟夫·安格尔是蒙托邦皇家美术院院士，母亲是皇宫假发师的女儿，从小受到良好的艺术熏陶。1786年，安格尔被父亲送入教会学校学习，后转入图卢兹学院学习美术。1797年前往巴黎，进入新古典主义大师雅克·路易·大卫的画室，成绩突出。两年后，被美术学院（Écoledes Beaux-Arts）录取。1801年，以《阿伽门农的使者》一画获罗马大奖。由于拿破仑的战争使法国国库无法支付他在罗马的奖学金，安格尔被迫留在巴黎。他以肖像画家的身份脱颖而出，并于1804年接受了第一个官方委托。1805年，他在巴黎结识了司法官里维耶一家，创作了《里维耶夫人像》。两年后，在官方的沙龙展览中展出肖像画，引起了公众的关注。

　　1806年，安格尔启程前往意大利。1810年，他继续留在意大利，并成为了一名拿破仑官员和政要的肖像画家。1811年，应邀参与重新装修奎里纳尔宫的改造，安格尔创作了《罗穆卢斯，阿克龙的征服者》和《奥西恩的梦想》。随着拿破仑帝国的垮台和法国撤离罗马，这段相对繁荣的时期在1815年戛然而止。安格尔对工作感到绝望，并诉诸于游客创作小幅肖像。这些绘画的特点展示了安格尔对线条几乎不可思议的控制，通过人物姿势以及手势揭示了模特的个性，描绘精确，使人印象深刻。尽管这些肖像画成为安格尔最受推崇的作品系列，但他本人却轻视它们，认为它们不过是大杂烩。

　　1825年，安格尔在巴黎开办自己的学校。1825年，被选为皇家美术院院士。1835～1841年，担任罗马法兰西学院院长，在担任法兰西学院院长的期间，他主要负责行政和教学工作。这六年的时间里，只完成了三幅主要的作品。1841年，安格尔回到巴黎，继续创作了多幅巨作。1856年，象征“清高绝俗和庄严肃穆的美”的最杰出的作品《泉》的诞生，标志着安格尔艺术达到光辉的顶峰。1863年，蒙托邦市赠予他黄金桂冠。1867年1月14日，因肺炎卒于巴黎，享年87岁。

　　作为19世纪新古典主义的代表，安格尔代表着保守的学院派，与当时新兴的浪漫主义画派对立，形成尖锐的学派斗争。安格尔并不是生硬地照搬古代大师的样式，他善于把握古典艺术的造型美，把这种古典美融化在自然之中。他从古典美中得到一种简炼而单纯的风格，始终以温克尔曼的“静穆的伟大，崇高的单纯”作为自己的原则。

　　埃德加.德加（法国，巴黎1834～1917巴黎）于1873年创作的绿色编织纸上的粉彩《艺术家的堂兄弟，可能是威廉·贝尔夫人（玛蒂尔德·穆森，1841～1878年）》。

现在变暗为棕色这张肖像的模特被认为是德加在新奥尔良的表兄弟之一玛蒂尔德·穆森。德加在1872～1873年秋冬期间访问了玛蒂尔德和她的两个姐妹时，制作了许多照片。女人很难区分，但倾斜的头和聪明的，侧视的目光在这里看到密切地类似于马蒂尔德在另一个，更完成的粉彩（Ordrupgaard，哥本哈根）。玛蒂尔德当时是一个新的母亲，和艺术家抱怨说，“让一个表亲坐在你谁正在喂养两个月的小鬼是相当困难的工作。

　　图中上是卡米尔.科罗特（Camille Corot，法国，巴黎1796～1875巴黎）约1835年创作的木材上的油画《Portrait of a Child（一个孩子的肖像）》。

这幅画曾被认为是画家罗莎·博纳（Rosa Bonheur,1822～1899）小时候的肖像，但它似乎代表了一个男孩。科罗特的肖像仅限于他的朋友和家人，但到目前为止，这个数字仍然不明。

　　西奥多·卢梭（Théodore Rousseau，法国，巴黎1812～1867巴比松蒙茨）于1852～1854年创作的木材上的油画《The Edge of the Woods at Monts-Girard，Fontainebleau Forest（吉拉德的森林边缘，枫丹白露森林）》。

正如卢梭的朋友兼传记作家阿尔弗雷德·森西尔（Alfred Sensier）所言，这幅画代表了枫丹白露（Fontainebleau）森林的一部分，那里的树木——大约有数百年历史——很容易被砍伐，这是艺术家强烈反对的做法。虽然构图反映了17世纪的荷兰原型，但其当代的共鸣通过左侧最近清理的树苗和右侧老化的标本之间的尖锐对比得到了阐明。在小组工作了两年后，卢梭给它写了日期，这是一个罕见的姿态，表明他认为它特别成功。这幅画被列入卢梭在1855年世界博览会上的展品。

　　西奥多·卢梭（Théodore Rousseau，法国，巴黎1812～1867巴比松蒙茨）约于1846-1967年创作的布面油画《The Forest in Winter at Sunset（冬日日落时分的森林）》。

由于其规模和雄心，这个不朽的场景始于卢梭的职业生涯早期，并在他去世时仍然完成，尽管米勒和其他艺术家朋友的鼓动完成并展出它有一种说法是，卢梭的意图是创造他在1845年12月在枫丹白露森林的一部分Bas Breao看到的日落的效果，那是树木的纠结的网，叶子被剥落，令人窒息以深沉的颜色，传达了一种对民族的敬畏感，这种敬畏感被两个弯腰的农民在中心的存在放大了。

　　西奥多·格里卡特（Théodore Gericault，法国，鲁昂1791～1824巴黎）于1818年创作的布面油画《Evening: Landscape with an Aqueduct（晚上：带渡槽的风景）》。

这幅作品是Gericault在他的巴黎工作室中描绘的四幅巨大的风景画之一。(只有三个完成。)这些画作被认为是一种装饰性的合奏，融合了艺术家在1816年和1817年访问过的意大利乡村废墟的纪念品，其宏伟的风格以过去的大师尼古拉斯·普桑和约瑟夫·韦尔内为例证。这幅画的暴风雨天空和动荡的情绪体现了崇高的概念和新兴浪漫主义运动的美学。

　　让-弗朗索瓦·米莱（Jean-François Millet，法国人，Gruchy 1814～1875巴比松）约1846年创作的布面油画《Retreat from the Storm（从风暴中撤退）》。

即将到来的风暴对这位妇女和她的孩子构成了真正的威胁，他们的生存依赖于他们收集的流浪木柴。在整个19世纪40年代，法国无家可归的农民数量急剧增加，在1847年的经济衰退中达到了危机，并促成了1848年革命中路易-菲利普国王的倒台。小米独特的形象，在情感深度上与德拉克洛瓦相媲美，在图形经济上与多米耶相媲美，可能代表了小米对这个主题的第一次处理。他重新创作了一幅现在在丹佛艺术博物馆的画作。

　　奥诺雷·道米尔（Honoré Daumier，法国，马赛1808～1879瓦尔蒙多瓦）于186[3?]年创作的木材上的油画《The Laundress（洗衣妇）》。

这幅画描绘了一个从Daumier在巴黎码头上的工作室中可以看到的主题：从停泊在塞纳河上的洗衣船上返回的洗衣女工。尽管她的笨重负载，女人温柔地伸出她的手帮助一个孩子上堤岸的台阶。在明亮的背景下，她坚固的身体轮廓，谦逊的工人获得了某种纪念性。这张照片是最大的，也可能是三个绘画版本中的最后一个；Daumier的颜料已经恶化，模糊了左下方日期的最后一位，但在1893年被记录为1863年。

　　朱尔斯.布列塔尼（Jules Breton，法语，库里埃1827～1906巴黎）于 1868年创作的布面油画《The Weeders（杂草）》。

这是在1860年绘制的布列塔尼作品的一个较小的变体（约斯林艺术博物馆，奥马哈），并在1861年的沙龙和1867年的巴黎世界博览会上展出广泛好评。在他的自传中，布雷顿描述了农民拔起蓟和杂草的黄昏场景——“他们的脸被他们的紫色兜帽的粉红色透明光晕，好像在崇拜一颗生育的星星”——并指出他有在他的家乡法国北部的库里耶尔附近发现了这个主题作为“完成的照片”。

　　让-弗朗索瓦·米莱（Jean-François Millet，法国人，Gruchy 1814～1875巴比松）约1874年创作的布面油画《Haystacks: Autumn（干草堆：秋天）》。

这张图片来自一个系列，描绘了1868年由工业家弗雷德里克：哈特曼委托的四季。在接下来的七年里，小米断断续续地创作这些画作。秋天，收成结束了，拾荒者走了，羊群也去放牧了。在干草堆的后面是Chailly平原和Barbizon的屋顶。这件作品的松散、草图般的完成是小米晚期风格的特征：深紫色-粉色底色的补丁被故意暴露，并且底图可见，特别是在干草堆和羊的轮廓。

　　让-弗朗索瓦·米莱（法国人，Gruchy 1814～1875巴比松）于1872年创作的木材上的油画《Calling the Cows Home（呼唤牛群回家）》。

1872年8月，小米在给他的朋友兼传记作家阿尔弗雷德·森西尔的信中提到了这幅画：“我的呻吟比我工作的还要多，因为我除了素描几乎什么都没做。你知道这个主题，一个牛郎在一天结束时吹响号角收集他的牛。“小米在1857～58年的木炭画和1866年的粉彩画中处理了这个主题。

　　让-弗朗索瓦·米莱（法国人，Gruchy 1814-1875巴比松）可能是1856～1957年创作的布面油画《Woman with a Rake,（拿着耙子的女人）》。

小米首先在木刻中处理了这个主题，这是1853年在一本流行期刊上发表的《田野的劳动》系列中的十个之一。艺术经销商Martinet，在他的画廊中展出了库尔贝和马奈等前卫艺术家，他在1860年的展览中包括了这幅画。

　　Christen Købke（丹麦人，哥本哈根1810～1848哥本哈根）约1838年创作的布面油画《Valdemar Hjartvar Kobke (1813～1893)，the Artist's Brother（艺术家的兄弟）》。

这幅Kobke弟弟穿着水手服的肖像是在艺术家离开哥本哈根前往意大利逗留之前不久绘制的。这是一个深刻的相似之处，以其心理强度而着称。Kobke被广泛认为是哥本哈根美术学院最伟大的丹麦画家，他为他的老师Christoffer Wilhelm Eckersberg的自然主义美学带来了独特的清晰度和亮度。

　　François Marius Granet（法国人, Aix-en-Provence 1775～1849 Aix-en-Provence）于1808年创作的布面油画《Monks in the Cloister of the Church of Gesù e Maria, Rome（修道士在盖苏和玛丽亚教堂的回廊，罗马）》。

这幅画首次在1808年的巴黎沙龙展出。它结合了对17世纪荷兰橱柜图片的欣赏，自18世纪末以来一直在法国收藏家中流行，并对当代意大利人的日常生活产生了新的兴趣。在格拉内特的许多罗马场景中，标志性的设置被传递给了爱的观察，但被忽视的那些，如这个回廊，位于Via del Corso tud。在这些风俗画最早的崇拜者中，是格拉内在罗马最亲密的同事，历史画家J.A.D.安格尔。

　　Léon Bonnat（法国人，巴约讷1833～1922蒙希-圣埃洛伊）于1869～70年创作的布面油画《An Egyptian Peasant Woman and Her Child（埃及农民妇女和她的孩子）》。

据说博纳特在1869年在埃及参加苏伊士运河开通仪式时，研究了这位农妇和孩子的生活。这幅画在次年的巴黎沙龙上受到了赞扬，并于1876年在纽约首次展出。当凯瑟琳·洛瑞拉德·沃尔夫（Catharine Lorillard Wolfe）将这幅画遗赠给大都会时，它被认为是“两个明显意识到的人的真实而重要的肖像，他们有着美妙的尊严，清醒，力量和美丽。“在巴约讷的博纳特博物馆（Musee Bonnat,Bayonne）有这幅画的全长油画研究。

　　亨利.雷格诺特（Henri Regnault，法国，巴黎1843～1871 Buzenval）于1870年创作的布面油画《Salomé（莎乐美）》。

雷诺特最初将这个意大利模特描绘成一个非洲女人，但后来在底部和右侧扩大了他的画布，并将其转化为圣经中的诱惑者萨洛梅的代表。头发打皱，衣服凌乱，她刚刚为她的继父希律跳舞，犹太总督。盘子和刀暗示着她的奖赏：施洗约翰的头颅被砍下。就在这张照片在1870年的沙龙上轰动一时的几个月后，年轻的雷格诺特在普法战争中丧生。他死后的名声如此之大，以至于当这幅画于1912年离开法国前往美国时，引起了强烈抗议。

　　安妮·路易斯·吉罗德-特里奥森（Anne Louis Girodet-Trioson，法国，蒙塔尔吉斯1767～1824巴黎）约1807年创作的布面油画《Study for "Portrait of an Indian（研究“一个印第安人的肖像”）》。

这幅完成得很好的油画素描是蒙达吉斯吉罗代博物馆现在一幅肖像画的模型。当那幅真人大小的画布在吉罗德特工作室的遗赠拍卖会上被拍卖时，它被归类为印第安人肖像，日期为1807年。然而，服装是奥斯曼帝国的，不是印度的。Girodet是从Jacques-Louis David工作室中脱颖而出的最有天赋的画家之一。1795年回到巴黎后，他在罗马的法兰西学院，吉罗德发展了一种风格，其特点是文学的珍贵，想象的绘画效果，异国情调的主题和设置。

　　卡米尔.科罗特（Camille Corot，法国，巴黎1796～1875巴黎）于1843年和1857年创作的布面油画《The Burning of Sodom (formerly "The Destruction of Sodom")（焚烧所多玛（原名“毁灭所多玛”））》。

这个圣经场景显示了一个天使在天空中投掷火和硫磺在所多玛，摧毁城市的邪恶。在左边，另一个天使带领罗得和他的两个女儿安全。在他们身后，罗得的妻子，尽管受到警告，但遗憾地回头看了看，已经成为一根盐柱。科罗在1844年的巴黎沙龙展出了这幅画多年后，他大幅削减了这幅画，减少了天空和右边的风景。他用较暗的调色板重新绘制了前景，并在1857年的沙龙展出了修改后的画布。到那时，他的地位确保了批评家更好的接受。

　　Odilon Redon（法国，波尔多 1840～1916巴黎）约1906年创作的布面油画《Vase of Flowers (Pink Background）（花瓶（粉红色背景））》。

雷东几乎只在黑白工作了二十多年，他在1895年之后的发光粉彩和绘画中展示了他作为调色师的天赋。在这束花中，像罂粟花和矢车菊这样可识别的花朵，他仔细研究过，出现了幻想的再创造，在模糊的、不确定的领域中，宝石般的颜色斑块。晚花图片，如这一个仍然忠于雷东的艺术目标：“把可见的逻辑为无形的服务。

　　古斯塔夫.库尔贝（Gustave Courbet法国人，奥尔南斯1819～1877年La Tour-de-Peilz）于1868年创作的布面油画《The Woman in the Waves（海浪中的女人）》。

在1864年至1868年间，库尔贝进行了一系列女性裸体画。他不可能没有目睹亚历山大·卡巴内尔的维纳斯诞生（1863年巴黎奥赛博物馆）在沙龙的胜利，以及卡巴内尔的院士们的类似代表的流行。在这里，库尔贝唤起了维纳斯的神话，这位诞生于海中的女神，但通过描绘模特的腋毛，狡猾地颠覆了传统——这是一种现实主义的元素，因为她几乎可以触摸到的肉体质量而放大。

　　古斯塔夫.库尔贝（法国人，奥尔南斯1819～1877年La Tour-de-Peilz）约1859年创作布面油画《After the Hunt（狩猎之后）》。

在风格、规模和构图上，这部作品与库尔贝的第一个狩猎场景《采石场》非常相似，《采石场》在1857年的沙龙（波士顿美术博物馆）上取得了巨大成功。目前的画布是由一个穿制服的仆人和各种死的游戏的包括：野猪，鹧鸪，鹿，和兔子，所有呈现的方式让人想起17世纪的佛兰德绘画。作为一个狂热的运动员，库尔贝最终为狩猎的主题创作了大约80张照片。

　　古斯塔夫.库尔贝（法国人，奥尔南斯1819～1877年La Tour-de-Peilz）于1851-1952年创作的布面油画《Young Ladies of the Village（村庄的年轻女士）》。

这幅画开创了一系列关于女性生活的画作，描绘了库尔贝的三个妹妹——泽莉、朱丽叶和佐伊——在公社漫步，靠近他的家乡奥尔南斯村的一个小山谷。其中一个女孩向一个年轻的牛郎施舍。库尔贝对这部作品寄予厚望，但当它在1852年的沙龙展出时，批评家们抨击它无味和笨拙。他们斥责模特们的共同特征和乡村服装，“荒谬”的小狗和牛，以及整体缺乏统一性，包括传统的视角和规模。

　　古斯塔夫.库尔贝（法国人，奥尔南斯1819～1877年La Tour-de-Peilz）于1858年创作的布面油画《Madame Frederic Breyer (Fanny Hélène Van Bruyssel, 1830～1894)（弗雷德里克·布雷耶夫人（范妮·赫莱娜·范·布鲁塞尔）》。

库尔贝在1858年前往布鲁塞尔期间创作了这幅画，旨在为他的作品开拓比利时市场。它是由模特的未婚夫作为订婚肖像委托制作的，这位医生最初来自德国，属于进步的政治圈子，就像库尔贝自己一样。1858年夏天在安特卫普展出，这幅画因其对一个女人的直率描绘而赢得了赞誉，她不是传统上的美丽，但似乎“意志坚强”。充满了精神。“这幅画一直在模特的家庭中，直到1907年在玛丽·卡萨特的推荐下。

　　Rosa Bonheur，法国人，波尔多 1822～1899 Thomery）于1852～1855年创作的布面油画《The Horse Fair（马市）》。

这幅Bonheur最著名的画作展示了巴黎林荫大道上举行的马市，靠近Salpètrière避难所，在左侧背景中可见。在一年半的时间里，Bonheur每周两次在那里素描，打扮成一个男人以减少注意力。Bonheur是一个很好的动物画家，当这幅画首次在巴黎沙龙1853年，在那里它得到了广泛的赞誉。在最终的方案中，艺术家从乔治·斯塔布斯（George Stubbs）、泰奥多尔·格里柯（Théodore Gericault）、尤金·德拉克洛瓦（Eugène Delacroix）和古希腊雕塑中汲取灵感：她将马展称为她自己的“帕台农神庙楣”。