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东兴

在智能手机时代，摄影领域呈现出一种奇妙的两极分化现象。一方面，自拍文化以一种前所未有的态势蓬勃发展，众多人热衷于通过手机镜头捕捉自己的每一个精彩瞬间。他们精心挑选拍摄角度，巧妙运用各种滤镜和美颜功能，力求在照片中展现出最完美、最炫酷的自己。无论是在繁华都市的街头巷尾，还是在风景秀丽的旅游胜地，总能看到人们手持手机，摆出各种时尚又个性的姿势，随后伴随着“咔嚓”一声，一个专属于自己的精彩瞬间便被定格下来。这些自拍作品不仅是个人形象的展示，更成为了他们在社交平台上分享生活、表达自我的重要方式，通过一张张炫酷的自拍，他们吸引着他人的关注，收获着点赞和评论，在虚拟的网络世界中构建起属于自己的社交小圈子 。

另一方面，也有一些人选择在这个自拍盛行的时代退隐江湖。他们对过度追求自拍的潮流持一种冷静和疏离的态度，不再将过多的精力放在通过自拍来获取外界认可上。这些人可能认为，生活的意义不应仅仅局限于手机屏幕中的那一方小天地，真正的精彩在于亲身去体验、去感受现实世界中的点点滴滴。他们更愿意把时间花在阅读一本好书、与亲朋好友进行面对面的深入交流、投身于大自然的怀抱中，去探索那些未曾被发现的美好。在他们看来，退隐于自拍江湖之外，能够让自己更加专注于内心世界的成长和丰富，远离社交媒体上的喧嚣和浮躁，回归到生活最本真的状态 。

这种在智能手机时代下，有人热衷于自拍炫酷、有人选择退隐江湖的现象，深刻地反映出人们在数字时代背景下不同的生活态度和价值取向。它既体现了科技发展对人们生活方式和社交模式带来的巨大变革，也展现了个体在面对新潮流时的自主选择和思考，是多元文化和价值观相互碰撞的生动体现 。

玩摄影的人，为什么很少将镜头对准自己？这3个回答我听得最多。

在朋友圈里，总会有几个玩摄影的人，并不知道你有没有注意到，玩摄影的人，通常男性居多。

并且在他们偶尔发的朋友圈中，你几乎看不到他们的身影。清一色的风景或者别人。

有可能他们给自己拍了，但是没有展示出来。更有可能的是，他们就压根没有给自己拍照！

毕竟把镜头对准自己以外的地方，可比对准自己有乐趣多了？

所以背后我也在想，为什么大家都情愿做一个记录者，而很少站在自己的镜头中呢？

问过几个朋友，再结合自己的经验，总结了以下三点：

一、自己不愿意抛头露面

问：你说吧，为什么很少给自己拍照？

朋友A：自己长得不方便，拍照不上镜，就不丢人啦。

一句长得不方便，就把自己的自信否下去了。容貌焦虑，让他们在心理上不能正视自己。

玩摄影的朋友，大多性格内敛，喜欢独处，静静得享受周围的美好。他们对自己的长相是否适合拍照，其实早已心中有数。

所以面对镜头的时候，总会感觉不自在，从幕后走向台前，这个过程，心理上的不适应不习惯感，会特别强烈。

长得美的长得帅的男摄女摄，早已把自己拍成了作品。剩下一大堆素人摄影，就不去凑这个热闹了。

其实素人摄影也能脱颖而出。不知道你有没有在抖音上刷到过一个旅行博主，他叫蓝战非。

这是一位露脸的视频博主，从他的长相上看，矮和矬，黑且胖可能是你的初印象，但了解后你肯定会觉得这人真的牛。

二、自己喜欢记录生活

问：你说吧，为什么很少给自己拍照？

朋友B：我想做一个安安静静的记录者，不喜欢拍自己。

你看那日照金山多么美丽，民俗文化多么热闹，拍这对我来说更有意思。

从他的话里，似乎他就没有考虑过把镜头对准自己。从他的心理定位上看，他觉得359°比那1°更具有可拍性。

当然这是一些玩风光摄影之类的朋友的想法，还有玩人像摄影的朋友不是？他们能把别人拍这么好看，怎么拍自己就那啥了？

人像三要素是什么？朋友一句反问，又把答案转回到答案一了。

三、先人后己，一群人摆拍挺麻烦！

问：你说吧，为什么很少给自己拍照？

朋友C：很多时候，先人后己。一群人都在摆拍，特别是中国大妈，挺麻烦的。而且，在拍照时，朋友们争先恐后：“先给我拍”，一个姿势，一个景点，每个人都要拍一遍，这也挺麻烦的。

在集体出行或聚会的场景中，拍照往往变成了一种繁琐的任务。大家都希望在美丽的景点留下自己的身影，于是便会出现排队拍照、争抢最佳拍摄位置的情况。

对于玩摄影的人来说，他们更注重拍摄的质量和时机，这种混乱的拍摄秩序，会让他们感到烦躁和无奈。而且在这种情况下，想要给自己拍出满意的照片，变得更加困难，因为他们需要花费大量的时间和精力去协调和等待，这与他们追求高效、自由的拍摄理念相违背。

当玩摄影的人独自出行，想要给自己拍照时，操作上的不便也成为了一大阻碍。摆弄三脚架、调整相机参数、寻找合适的拍摄角度，这些都需要花费一定的时间和精力。而且在这个过程中，可能会因为各种突发情况导致拍摄失败，比如相机设置不当、光线突然变化等。

例如，在拍摄日出时，光线的变化非常迅速，如果为了给自己拍照而花费过多时间在设备调试上，很可能就会错过最佳的拍摄时机，无法捕捉到那一瞬间的美丽。

先人后己，一群人摆拍挺麻烦，也是一个原因。

这三种答案，代表了三类人，其实觉得自己长得不方便的摄影朋友，应该是大多数，我想，他们大多只会在有意义的时刻，会留下自己的影像。

这种有意义的时刻，可以理解为大合照，或者难得的到此一游。在拍照时，应该是先人后己，如果遇到有一群人都在摆拍，确实有点麻烦。

当然，也不排除有些玩摄影的朋友，为了保护自己的隐私，不喜欢在图像或者网络上留下自己的痕迹。在日常生活中，他们还是更倾向于将镜头对准外部世界。

总而言之，言而总之。尊重每一位玩摄影的朋友的想法，鼓励大家多多把镜头对准自己，记录自己。毕竟，花有重开日，人无再少年。年龄上，我们不会比今天更年轻了。

每一个当下，都是独一无二的，通过镜头记录下自己的成长、变化和生活中的点点滴滴，多年后再回首，这些照片都将成为珍贵的回忆，见证我们走过的人生旅程。

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虚实对比：摄影艺术中的独特表达

摄影，绝非仅仅是简单地按下快门，记录影像。从更深层次来讲，它拍的是知识，是摄影师对光学、构图、色彩等多方面知识的运用；拍的是阅历，每一张照片都可能蕴含着摄影师在生活中积累的经验与感悟；拍的是思想，是摄影师对世界、对生活独特的思考方式；拍的是每一个人的世界观，透过镜头展现出摄影师眼中的世界模样。

摄影从时间的长河中精准地截取一个瞬间，让它永远静止不动，而这一瞬间却足以改变我们对生活的认知。在摄影师的眼中，照片所呈现的内容就是他们所认定的真实，那是经过他们视角筛选和艺术加工后的真实世界。在拍照时，摄影师往往需要屏住呼吸，将全部的精力都高度集中在一个点上，全神贯注地捕捉那稍纵即逝的现实场景。就在那个瞬间，当成功抓住一幅影像时，摄影师会收获巨大的身体和心灵的快乐。一张好照片，无疑是技术和艺术的成功融合，缺一不可。

虚实对比，是摄影艺术中一种极为重要的表现手法，主要是巧妙地利用光学镜头的造型特性，精准地控制光学镜头的景深范围，从而使画面呈现出有虚有实的效果（一般情况下是主体实，背景虚），最终达到突出主体的目的。

在摄影技术的范畴里，虚，指的是焦点不实，影像呈现出模糊不清的状态。而实，则代表清晰的图像。在一般情况下，摄影画面确实应该是清晰的图像，因为清晰的图像能够准确地传达信息。但如果整个画面都没有焦点，成为无焦画面，从技术层面来讲，这样的画面无疑是废品。然而，在实际拍摄中，根据内容的表达需求以及叙事抒情的需要，让画面一部分影像清晰，另一部分模糊，这不仅是被允许的，而且是摄影中常用的表现方法。

虚实对比在摄影中主要有以下几方面重要作用：

一、突出主体

把主体拍清晰，把环境拍虚，能使画面简洁突出主体。这是基于人的视觉特性，人眼往往容易被清晰的影像所吸引。在拍摄近景、特写画面时，运用虚实结合来突出主体是最为常用的构图方法。例如，在拍摄一朵娇艳的花朵特写时，将花朵清晰对焦，使其每一片花瓣的纹理都清晰可见，而背景则通过大光圈虚化处理，呈现出模糊的色彩和光影，这样观众的视线会第一时间被花朵吸引，花朵成为画面的绝对焦点，周围的环境则起到了烘托和陪衬的作用，整个画面简洁而富有表现力 。

二、表现动感

用虚实结合表现动感的构图形式主要有三种：

（一）动体大部分部位较清晰，动感强烈的部位虚糊

以奔跑的运动员为例，运动员的面部和身体大部分可以保持清晰，这样能够展现出运动员的表情和姿态，而他们快速摆动的四肢则可以呈现出虚糊的效果，这种虚糊强化了四肢运动的速度感，让观众仿佛能看到运动员在快速奔跑，感受到那种强烈的运动活力 。

（二）动体本身清晰或较为清晰，背景、前景呈现强烈虚糊的效果

当拍摄一辆飞驰而过的汽车时，汽车本身可以保持清晰，让观众能够看清汽车的品牌、车型等细节，而汽车周围的背景和前景，如路边的树木、建筑物等，由于汽车的快速移动和相对运动，会在画面中呈现出强烈的虚糊效果。这种虚糊的背景和前景与清晰的汽车形成鲜明对比，更加突出了汽车的动感，让观众能深刻感受到汽车行驶的速度之快 。

（三）动体本身均呈现虚糊感，让环境相对较为清晰

比如拍摄烟花绽放的瞬间，烟花在夜空中快速绽放和变化，很难将其每一个细节都清晰捕捉。此时可以适当降低快门速度，让烟花呈现出虚糊的光影轨迹，而周围的夜空、建筑物等环境则相对清晰。这种表现方式通过虚糊的烟花轨迹展现出其瞬间的动态美，同时清晰的环境又为烟花提供了背景参照，使整个画面既有动感又有稳定感 。

三、加强画面空间感和纵深感

被摄的景物，具有三度空间（长、宽与纵深），而照片本身只具有两度空间（长和宽，没有纵深）。景深是指纵深方向的清晰范围，对焦的目的是突出主体，使被摄主体在景深的范围之内。如何利用人的视觉错觉，使两度平面的照片，反映出三度空间的被摄对象，这是摄影构图十分重要的目的之一。虚实结合就是常用的手法之一。例如，在拍摄一条蜿蜒的山间小路时，将前景的石头清晰对焦，而远处的山峦和小路逐渐虚化。清晰的前景石头给人一种距离感很近的感觉，而虚化的背景则让人感觉空间在不断延伸，从而在二维的画面上营造出了强烈的空间感和纵深感，让观众仿佛能够走进画面，沿着小路深入探索 。

四、表现意境

一幅画面虚虚实实、虚实结合，有助于广拓思路，引入意境。这种虚中见实、实中见虚的景象会使画面的意境油然而生。比如在拍摄一幅江南水乡的夜景时，将水中的灯光倒影虚化处理，呈现出模糊而梦幻的光影效果，而岸边的古桥、房屋等则保持相对清晰。虚化的灯光倒影营造出一种朦胧、静谧的氛围，清晰的古桥和房屋则展现出水乡的古朴与宁静，两者相互结合，让观众仿佛置身于一个充满诗意的梦境之中，感受到江南水乡独特的韵味和意境 。

光圈、焦距及拍摄物的距离是影响景深的重要因素：

（一）光圈对景深的影响

光圈越大（光圈值f越小）景深越浅，光圈越小（光圈值f越大）景深越深。大光圈能够让更多的光线进入相机，同时也会使焦点前后的清晰范围变小，从而产生浅景深的效果，适合突出主体，虚化背景。例如在拍摄人像时，使用f/1.8等大光圈，人物清晰，背景虚化得非常柔和，能够营造出浪漫、唯美的氛围。而小光圈，如f/16等，景深较深，适合拍摄风景等需要前后都清晰的场景，能够展现出整个画面的丰富细节 。

（二）焦距对景深的影响

镜头焦距越长景深越浅、反之景深越深。长焦镜头具有压缩空间的效果，同时也会使景深变浅，更容易将主体从背景中分离出来。比如使用200mm的长焦镜头拍摄鸟类，能够清晰地捕捉到鸟的细节，而背景则会被虚化得很模糊，突出了鸟的主体地位。而广角镜头的景深相对较深，适合拍摄广阔的场景，如大场景的风光摄影，能够让前景到背景都保持相对清晰 。

（三）拍摄物距离对景深的影响

主体越近，景深越浅，主体越远，景深越深。当我们靠近被摄主体拍摄时，比如拍摄一朵微距下的小花，由于距离很近，景深会变得很浅，只有花朵的部分区域是清晰的，这种浅景深能够突出花朵的细节之美。而当拍摄远处的群山时，由于距离较远，景深相对较深，整个群山都能在画面中保持相对清晰 。

（四）快门速度对景深的影响

除此之外，影响景深的三要素之外还有一个很重要的因素就是快门速度。虽然快门速度主要控制的是曝光时间和运动物体的清晰度，但在一些特殊情况下，它也会间接影响景深效果。当使用较慢的快门速度拍摄运动物体时，可能会导致物体在画面中出现模糊，这种模糊与景深的虚化效果相互配合，能够创造出独特的艺术效果。例如在拍摄流动的瀑布时，使用较慢的快门速度，瀑布会呈现出如丝般的虚化效果，同时如果在构图上利用好景深，将前景的岩石等清晰对焦，就能营造出动静结合、虚实相生的画面效果 。

虚实对比作为摄影艺术中一种强大的表现手法，能够让摄影师在有限的画面中创造出丰富的视觉效果和深远的意境，为摄影作品增添独特的魅力，使其成为传递情感、表达思想的有力载体。

虚实对比：朦胧美的含义和特点

“朦胧”这个词，在字典里的解释是：月光不明，不清楚，模糊。意思指物体的样子模糊，看不清楚或者人所表达的感情思想不太清晰。

“朦胧美”表现的效果，应是看似有，但又看不清楚，不是完全看不到，而是只能看出隐隐约约的轮廓或模糊的影子。

在日常生活中，常会遇到朦胧的场面，这种场面常会令人感到一种神秘的美的意境。

譬如：一个女人的眼睛，不说是明亮的，而说是“一汪清水”；杏花盛开时不说是红彤彤的一片，而说是“红杏枝头春意闹”。这些表达方式看起来是模糊的，似乎还有点扑朔迷离，但却很好地表达出了美的意境。这种模糊并非是表述的缺陷，反而是一种艺术化的处理，它给予了人们更多想象的空间，让每个人都能根据自己的生活经验和情感认知，去解读其中蕴含的美。

我国古代艺术作品中，不乏大量这样朦胧美的例子。红楼梦中写道：“遮不住的青山隐隐，流不断的绿水悠悠”。“遮不住”就表现出隐约可见，然而又不甚清楚的“青山”，这就是一种朦胧美的效果。在这句诗中，青山被赋予了一种神秘的色彩，它若隐若现，仿佛在与观者捉迷藏，激发着人们想要一探究竟的好奇心。而绿水的“悠悠”二字，也营造出一种悠远、绵长的意境，让整首诗充满了朦胧而迷人的韵味 。

再如，“问君能有几多愁，恰似一江春水向东流”。这句诗抒发了亡国之君的无限的哀愁，“几多愁”就是个模糊的数，不能定量，也不必定量，反而这种悠长的愁思却十分确定清晰地表达了出来，并引起了不同时代万千人的共鸣。如果将这个“愁”用确定的数定量来表示，“愁得吃不下半碗饭”，“愁得睡不了两个小时的觉”，则毫无意境可言。所以，数量虽模糊，却引起无穷的想象，朦胧是大量存在的，朦胧是可以传递美的。这种模糊的表达，突破了具体数字的局限，让愁绪变得更加抽象、更加宏大，每个人都能在其中找到属于自己的那份情感寄托 。

朦胧美，在中国传统画论里总结了一条颇为重要的创作原则:“景愈藏，境界愈大;景愈显，境界愈小”。这个论述关键在于一个“藏”字，就是说在画面里“景”是存在的，只是其被“藏”起来了，这种“藏”是一种隐隐约约的“藏”，似有似无，似能看出轮廓，但又不易看得很清楚。

《松峰晓霭图》是张大千的泼墨山水巨作，但细细一看，山势的边界是模糊的，然而这种表现手法，使山势更显雄伟，别有意境。在这幅画中，朦胧的山势仿佛被一层神秘的面纱所笼罩，它的边界在云雾的缭绕下若有若无。观者无法确切地知晓山的全貌，只能凭借着那模糊的轮廓去想象它的巍峨与壮阔。这种朦胧不仅没有削弱山的气势，反而为其增添了一份神秘而深邃的美感，让整个画面的意境更加深远 。

传统国画如此，古诗词如此，摄影创作也是如此。

摄影作品《长城云海》充分利用云海造成朦胧的效果。画面中云雾缭绕，将低洼处的长城遮掩，只隐隐约约显示出长城的轮廓，云雾外清楚显露的仅是其局部，即显露的是前部的长城敌楼和远方山顶处的长城，这样的效果使得长城犹如一条巨龙藏身云海之中，只露出首尾。这种云海的表现使人感到朦胧的美，如果将长城从近及远全部清清楚楚地展现出来，反而失去了意境。在这幅摄影作品中，云海成为了营造朦胧美的关键元素。它像一层薄纱，轻轻地覆盖在长城之上，让长城在若隐若现中展现出一种别样的魅力。观众的目光被那神秘的轮廓所吸引，不禁想要去探寻云雾背后的长城究竟有着怎样的雄伟身姿，这种好奇心让作品充满了吸引力 。

为什么“朦胧”能产生美？原因就在于朦胧美有三个特点：

一、展示方法上“表现优先于再现”

“再现”的意思，是对现实场景的复制，是对其外形不走样的复制；而“表现”的含义更丰富，它还有一种意境的传达，而外形上的准确与否退居第二位。前者，侧重以真服人；后者，侧重以情动人，在客观景物中注重表现作者主观的感情。

透过玻璃窗的雨滴，拍摄雨天里撑伞的路人，虽然画面的清晰度整体降低，却很恰当地表现出大雨天的意境。在这个例子中，摄影师并没有追求将路人的每一个细节都清晰地展现出来，而是通过雨滴模糊的画面，传达出了雨天那种潮湿、朦胧的氛围，以及在雨中行走的人的那份孤独与匆忙。这种表现方式，让观众能够更深刻地感受到作者想要表达的情感，而不仅仅是看到一个简单的雨中场景 。

二、事物的形象上“在似与不似之间”

当事物的形象处于似与不似之间时，它既保留了一定的现实基础，让观众能够产生一定的认知和联想，又突破了现实的束缚，给观众留下了广阔的想象空间。比如中国传统绘画中的写意画，画家往往不会拘泥于物体的真实形态，而是通过简洁而富有表现力的笔触，勾勒出物体的神韵。观众在欣赏画作时，能够从那似是而非的形象中，感受到画家对事物独特的理解和感悟，这种独特的审美体验正是朦胧美在形象塑造上的魅力所在 。

三、“多像合并”造成新的体验

“多像合并”意味着在朦胧的影像中，可能蕴含着多种不同的形象或者意义，它们相互交织、融合，给观众带来全新的体验。就像在一些抽象的艺术作品中，模糊的线条和色彩组合在一起，观众可以从不同的角度、不同的心境去解读作品，每个人都可能看到不同的画面，感受到不同的情感。这种多元的解读方式，让作品具有了更丰富的内涵和更持久的生命力，也正是朦胧美所带来的独特魅力 。

可以看出，朦胧的特点就是模模糊糊，隐隐约约，朦胧的影像是可以传递“美”的，而且还能表现得更有意境、更深刻。它不仅仅是一种视觉上的感受，更是一种能够触动心灵、引发思考的艺术境界。无论是在文学、绘画还是摄影等艺术领域，朦胧美都以其独特的魅力，为作品增添了无尽的韵味，让人们在欣赏艺术的过程中，感受到那份神秘而迷人的美 。