加拿大多伦多市安大略艺术馆（下）19世纪末期-20世纪西方艺术

Tieq lu （陆铁强）

上一篇讲的是从14世纪到19世纪的西方艺术。这篇是艺术馆中从19世纪末到现今的艺术品，从中可见其变化的跨度很大。 开头先放几张艺术馆的建筑与装饰，它本身就是一座现代化的艺术品。老实说，外形我并不太喜欢，但内部装饰还是相当不错。 下面这张照片是我摄的，自己感到取景还是蛮满意的。 　　这篇文章基本上按画家的出生年月的先后顺序排列的，这样可以更好地了解西方艺术在一百多年之内的变化。 新世纪：1900年的欧洲 世纪之交带来了政治动荡、快速的工业化和社会价值观的转变，这些改变彻底影响了日常生活。艺术家们对此作出回应，拓展了表达的语言，以全新的态度和大胆的风格处理传统主题——如风景和女性身体。尽管此次展出的艺术作品大多由男性创作，但其中许多作品表现出一种心理上的复杂性，反映了女性在社会中不断演变的角色。 一些艺术家被现代都市的城市景观所吸引，而另一些则选择远离喧嚣与污染，前往乡村在那里的阳光天堂中寻找灵感。 蒸汽：跨越大西洋的印象派绘画 蒸汽动力的交通改变了艺术家们在周围世界中的移动和互动方式。自19世纪70年代起，随着跨大西洋旅行的便利性提升，加拿大艺术家比以往任何时候都更有机会在欧洲学习和工作。价格实惠的蒸汽动力火车旅行使得欧洲主要城市的艺术家能够探索郊区及更远的地方，绘制遥远的风景画，同时仍能参与城市生活。本展厅展示了旅行对来自法国、英国和加拿大的艺术家的影响，这些交流激发并传播了我们今天称为印象派的绘画风格。 19世纪的欧洲与北美艺术 本展厅展示的艺术作品反映了19世纪各种不同的生活体验：从工人、模特到特权阶层的肖像，以及从城市到乡村的风景画。女性在这些作品中既是重要的表现对象，也是创作者，这些作品在性别歧视仍然普遍的时代，代表了女性艺术家的重大职业成就。 在加拿大1867年联邦成立的前后数十年间，加拿大艺术家经常在欧洲从事创作。本展厅中来自大西洋两岸艺术家的作品，展现了他们艺术创作的历史连结性，同时也与安大略美术馆所在的称为Michi Saagiig Nishnaabeg 原住民的土地紧密相关。 欧仁·布丹出生地：法国翁弗勒，1824年逝世地：法国多维尔，1898年《特鲁维尔附近的海滩》创作年份：1864年 布丹对这一社交场景的兴趣并不在于个别人物（画中人物面部模糊），而是在于他们的服饰，他以肖像般的细节描绘了服装。特鲁维尔海滩是巴黎上流社会成员度假的时尚场所，他们可以乘火车前往那里。白色帐篷用于更换泳装，而画中的人群则是前来社交的。【布丹是莫奈在艺术上的带路人，他最主要的画作都是在海滩上的景观，这幅画我觉得属于他作品中的上品，其构图与色彩很好。】 卡米耶·毕沙罗出生地：丹属西印度群岛圣托马斯岛夏洛特阿马利亚（现属美国维尔京群岛），1831年逝世地：法国巴黎，1903年《春天，灰色天气，埃拉尼》创作年份：1895年【这件作品是他72岁时画的，之前他曾画过一段时间点彩派的作品，后来又回到印象派，但细看，此画中还有一些点彩派的痕迹。】 毕沙罗：《博埃尔迪厄桥，鲁昂，雨天》 詹姆斯·提索出生地：法国南特，1836年逝世地：法国布永，1902年【他比马奈小4岁，比莫奈大4岁。他早年的作品题材以历史人物为主，但到了1864年，他改变了作品题材，开始描绘当时的人物，尤其是时尚女性，获得了巨大成功。提索一生中的大部分时间都与印象派运动保持着密切的关系，其中包括詹姆斯·阿伯特·惠斯勒以及导师埃德加·德加。这座艺术馆有两幅他的作品，其时间相隔16年之久，而这段时间正是新的画派（印象派）产生的时候，可以看出这两幅画风格的不同。】 《与扶手椅一起的女子》创作年份：1872年【还是蛮古典的。】 《店员小姐》（1878-1880） 《店员小姐》（La Demoiselle de Magasin）是詹姆斯·蒂索（James Tissot）创作的一幅画作，现藏于安大略美术馆。画中描绘了一位穿着优雅黑色服饰的女性，站在一家出售丝带和裙子的商店内。一只手拿着一包刚购买的物品，另一只手为观者打开商店的门。另一位女性站在窗边，似乎在观察窗外的景象。商店里堆满了各种丝带，透过商店的窗户可以看到外面繁忙的巴黎街景。一位衣着得体的男子透过窗户向内凝视。背景中的几个人物可能是路人，增加了画面的生动感。前景人物的从容和窗外的忙碌形成对比，表现了内外两个世界的对话。 此画以温暖的色调占主导，特别是桌上的红色和粉色布料，与黑色服饰形成鲜明对比，吸引了观者的注意。从窗外洒入的光线照亮了前景人物和物品，营造出强烈的立体感和空间感，同时也让画面显得明亮和细腻。桌面上的布料、椅子的雕刻，以及窗外建筑物的刻画，都显示了画家的精湛技艺，表现了对现实生活的高度关注。前景和背景通过窗户分隔开，但又通过人物的动作和视线联系在一起，使整个画面充满层次感 这幅画创作于1883年至1885年间，使用了蒂索独特的干颜料和小笔触风格。这种风格不同于印象派，但仍然是对学院派风格的重大突破。【法国画家索蒂，大多数人对他不熟悉。】 保罗·塞尚（1839年1月19日—1906年10月22日）《森林中》【漏了摄整幅画的照片，看得出来出是塞尚的风格！】 阿尔弗雷德·西斯莱出生于法国巴黎，1839年【早莫奈一年】逝世于法国莫雷-卢瓦因，1899年【西斯莱是莫奈的同学，他的画风与莫奈很像。】《圣马梅斯，灰色天气》（约1884年） 阿尔弗雷德·西斯莱的住宅位于连接圣马梅斯与巴黎里昂车站的铁路旁。从附近塞纳河的河岸，他可以看到正在修理和建造的船只，并经常坐在那里描绘这一景象。背景中的桥梁由石材和铁建成，西斯莱多次将其画入作品中——或许是被这种新旧混合的建筑风格所吸引。然而，在这幅画作中，他却莫名其妙地将桥梁中铁制部分排除在构图之外。 阿尔弗雷德·西斯莱：〈莫雷附近的风景》1884年 阿尔弗雷德·西斯莱《马里勒鲁瓦景色：阳光》1876年 如画作标题所示，西斯莱利用这一场景来研究阳光对附近村庄屋顶和周围草地的影响。画中教堂的蓝色塔楼（至今仍存在）似乎与天空的蓝色相呼应。 西斯莱从前马里城堡公园的边缘绘制了这一景色。马里城堡曾是法国国王的乡村宫殿，但在法国大革命期间，城堡及其广阔的花园、喷泉和雕塑被拆除，场地被改建为工厂。19世纪，人们开始对西斯莱作画的公园进行保护工作。 克劳德·莫奈出生地：法国巴黎，1840年逝世地：法国吉维尼，1926年这里，莫奈的画有三幅。 《查令十字桥，雾气》 克劳德·莫奈：《木桥》 背景中的蒸汽船和在桥上通勤的人们象征着希望，表明法国在经历了一场毁灭性的战争后正在恢复日常生活的活动。这座带有脚手架的木桥是一座临时结构，用以取代在最近的普法战争（1870-1871年）期间被毁的常规人行桥。 莫奈在战争期间曾逃往伦敦避难，战后返回法国，并搬到了巴黎郊区的阿让特伊，这座桥就位于那里。桥倒影的对称性以及画作中柔和的银蓝色和灰色调，营造出一种与小镇平静而坚定继续前行的决心相呼应的和谐氛围。【这样的色彩，好像是马奈的风格，莫奈的画中不多。】 克劳德·莫奈《埃特勒塔：针岩与阿瓦勒门》1885-1886年 克劳德·莫奈创作了许多描绘诺曼底海岸线埃特勒塔小镇附近这些非凡岩石地貌的画作。这幅作品使用了一块来自他所住附近酒店卧室衣橱门的木板。莫奈或许被这块门板吸引，是因为其弧形面板在画作构图中发挥了作用：悬崖的弧线与门板的形状相呼应。【蛮有意思！】 罗丹（1840-1917年）《亚当》1875-1876年 罗丹深受米开朗基罗作品的影响。无论是他在1875-1876年间的意大利旅行历程中，还是在巴黎卢浮宫博物馆中获得的文艺复兴时期大师艺术的直接经验，似乎都为罗丹解开了米开朗基罗造型的许多秘密。在这里，它们被用来传达一个强大且根植于人体的内在痛苦。罗丹对米开朗基罗的借鉴甚至更进一步，因为亚当扭曲而又不舒服的姿势，被辨认出是罗丹融合了米开朗基罗两幅作品中的实际人物姿势：右臂是从在梵蒂冈的西斯廷教堂的《创造亚当》借鉴来的。左边是从佛罗伦萨大教堂的《耶稣基督之死》借鉴来的。用罗丹学者阿尔伯特·艾尔森的话说，“这个人物是由生命的开始和结束所构架的，在生与死之间，他的身体象征着他所经受的折磨。”【这段说明很好！】 皮埃尔-奥古斯特·雷诺阿出生于法国利摩日，1841年逝世于法国滨海卡涅，1919年《塞纳河畔的沙图》（约1871年） 雷诺阿在这幅画作的表面运用了厚重而湿润的笔触，同时让画布右下角若隐若现。他沉醉于颜料和画布不同材质的质感，通过材料的实验来表现光线的效果。画中建筑呈剪影状，阳光在水面的璀璨倒影成为画面的主导元素。 火车将周日的野餐者从巴黎带到塞纳河沿岸的各个公园和岛屿，而这些地方也是艺术家们常聚集进行创作的场所。这幅画是雷诺阿首次描绘沙图的作品，而沙图后来成为印象派画家们的热门目的地之一。【有意思，这幅画的色彩较暗，也不像雷诺阿惯常用的粉红色等鲜艳色彩。但寥寥几笔，水波纹理画得真好！】 保罗·高更出生地：法国巴黎，1848年逝世地：马克萨斯群岛希瓦瓦岛阿图奥纳，1903年《年轻的布列塔尼女子》创作年份：1889年【保罗·高更（Paul Gauguin）的作品《年轻的布列塔尼女子》（Young Breton Woman）是一幅描绘布列塔尼地区年轻女性的画作，这幅作品承载了高更对象征主义和精神世界的探索，同时也反映了他对传统与现代之间张力的关注。这幅画可能蕴含的象征意义：1. 布列塔尼的乡村与传统高更对布列塔尼地区的生活方式及其深厚的宗教与文化传统十分着迷。在这幅画中，年轻女子可能象征着布列塔尼纯朴的乡村生活，展现了一种未被工业化与现代化侵蚀的宁静状态。画中人物的装束通常带有宗教元素，这或许代表了当地虔诚的信仰和精神追求。2. 女性作为象征高更的画作中常常以女性为中心，赋予她们象征性的意义。这位布列塔尼女子可能代表了自然的纯洁、无辜，以及与土地和传统的紧密联系。她的形象也可以被视为一种灵魂的化身，连接现实与精神世界。3. 对现代性的隐喻虽然画作表面上展现了乡村生活的静谧，但高更的艺术往往通过隐喻表达对现代社会的批判。这位布列塔尼女子或许也象征了与现代性疏离的个体。她的存在表现出高更对逃离都市喧嚣、寻求更真实生活的渴望。4. 象征主义的探索作为象征主义艺术运动的重要代表，高更并不追求简单的写实，而是试图通过色彩、线条和构图传递内在的情感和意义。在这幅画中，人物的姿态、表情，以及背景的简单化处理可能象征了一种内省的精神状态，邀请观者通过视觉感受来理解更深层的意义。5. 精神与信仰的结合高更深受宗教和精神主题的影响，这在布列塔尼地区尤为明显。女子可能象征了一种宗教性的纯洁和信仰的力量，而布列塔尼特有的天主教文化为画作增添了一层虔敬与神圣的氛围。结论《年轻的布列塔尼女子》不仅仅是一幅乡村女性的肖像画，而是一种对传统与现代之间张力的艺术表达，也是高更对纯粹精神世界的探索。通过这幅画，他试图向观者传递一种关于生命、信仰和自然的深刻思考。】 约翰·威廉·沃特豪斯出生地：意大利罗马，1849年逝世地：英国伦敦，1917年【他是一位英国画家，以最初采用学院派风格作画而闻名，随后转向前拉斐尔派的风格与主题创作。他的画作以描绘古希腊神话和亚瑟王传奇中的女性形象著称。作品中大多描绘单一的年轻美丽女性，置于历史服装与背景中，但也有一些涉及东方主义和风俗画题材的尝试，这些作品同样以女性为主要表现对象】 《“我厌倦了影子，”沙洛特女士说道》（阿尔弗雷德·丁尼生勋爵，《沙洛特女士》，第二部分）》创作年份：1915年 沙洛特女士的故事源自亚瑟王及其圆桌骑士的古代传奇。她被施下诅咒，困在一座塔楼中，不得直接通过窗户看外面的世界。她只能通过身旁的一面镜子观察外界，并将所见织进她的挂毯中。当一对恋人经过时，她因自己的囚禁感到无比痛苦，悲叹道：“我厌倦了影子。” 这幅画捕捉了她在勇敢地看向窗外前的瞬间。随后，镜子破裂，最终沙洛特女士因诅咒而死。 乔治·克劳森出生于英国伦敦，1852年逝世于英国科尔德阿什，1944年《干草收割》1882年 【这位艺术家钦佩画家朱尔·巴斯蒂安-勒帕热（法国画家，雕塑家）的自然主义风格，并曾在1888年和1892年撰文探讨其作品。克劳森成为描绘风景和农民生活的最重要的现代画家之一，在一定程度上受到印象派的影响，与印象派画家们一样，他认为光线是风景艺术的真正主题。他的画作擅长表现物体在户外阳光斑驳照射下或谷仓和马厩阴影庇护下的状态。】 泰奥·范·莱塞尔贝赫出生地：比利时根特，1862年逝世地：法国圣克莱尔，1926年《有房屋的风景》 1894年夏天，泰奥·范·莱塞尔贝赫与画家卡米耶·毕沙罗一起在比利时海滨小镇克诺克作画。毕沙罗的作品（展于附近）几乎描绘了同一景观，包括沙丘、红屋顶房屋和远处的风车，这表明两位艺术家可能并肩支起画架同时创作。莱塞尔贝赫采用点彩画派的技法，用小点上色，捕捉了盛夏正午阳光的闪烁光芒，其中黄色的点状色彩表现了绿植表面的耀眼反射。 他与当时的艺术家罗丹，保罗·西涅克，惠斯勒等都是朋友。 皮埃尔·博纳尔出生地：法国枫丹欧玫瑰，1867年逝世地：法国勒卡内，1947年《秋日风景》1933年 博纳尔从自然世界中汲取灵感，在他的工作室中创作画作。他曾这样描述自己的创作过程：“我做笔记，然后回家。在开始绘画之前，我会沉思，会做梦。” 在这幅作品中，可以注意到他在画布表面重复使用了弧形的主题，以创造一幅动态且和谐的自然图景。【皮埃尔·博纳尔被形容为“二十世纪最伟大的另类画家”，而他的作品具有较少传统图案结构模式，但充满妖娆的色彩、诗意的视觉效果。】 爱德华·维亚尔出生地：法国屈索，1868年逝世地：法国拉博勒-埃斯库布拉克，1940年《寡妇的交谈》【让-爱德华·维亚尔（Jean-Édouard Vuillard）是一位法国画家、装饰艺术家和版画家。从1891年到1900年，他是那比派的一名杰出成员，他创作的画作汇集了受日本版画影响的纯色区域和室内场景，其中主题被融入了色彩和图案。他也是一名装饰艺术家，画剧院布景、室内装饰板、设计盘子和彩色玻璃。1900年后，那比斯派解体，他采用了更为现实的风格，用奢华的细节和生动的色彩描绘风景和室内。在20世纪20年代和30年代，他在熟悉的环境中为法国工业和艺术界的杰出人物画肖像。维亚尔受到保罗·高更以及其他后印象派画家的影响。 我常在艺术博物馆内见到这位画家的作品，不大懂究竟好在哪里？但是作为一个印象派画家，从这幅画中可见他与莫奈等人不同的是，他在画中讲故事，但是与学院派不同的是，他善于造成一种气氛，而不是具体的表像。 拉乌尔·杜飞出生地：法国勒阿弗尔，1877年逝世地：法国福卡尔基耶，1953年《勒阿弗尔港》创作年份：1905-1906年 在创作这幅画的时期，杜飞进入了他艺术生涯的新阶段。他打破传统，采用明亮生动的色彩，而这些色彩并非直接来源于自然，而是为了充分发挥色彩的情感力量。这种大胆而充满活力的风格为杜飞及其朋友赢得了“野兽派”（法语“les fauves”，意为“野兽”）的称号。在这幅充满生机的港口场景中，他用纯色块、大胆的笔触和鲜明的线条再现了他熟悉而热爱的景象——他的家乡勒阿弗尔的一瞥。勒阿弗尔至今仍是法国最繁忙的港口之一。【与莫奈是同乡人。】 巴勃罗·毕加索出生地：西班牙马拉加，1881年逝世地：法国穆然，1973年《坐着的女人》创作年份：1926-1927年 尽管标题暗示这幅画的主题是一位单独的女性，实际上画中描绘了三个人物：艺术家本人、他的第一任妻子奥尔加·霍赫洛娃，以及他们的儿子保罗。奥尔加穿着条纹连衣裙坐在椅子上，手持一本书；她的双手呈现出扭曲的形态。保罗位于画作的右侧，毕加索位于左侧，两人都以侧脸的形式面对奥尔加。这样的构图或许表达了一种心理上复杂的家庭动态。这些交叠的形态是象征深切的亲密关系，还是暗示不被期望的纠缠？【现代派不大懂，看起来像智力游戏（puzzle）一般。】 《汤》创作年份：1902-1903年 毕加索通过描绘这对女子与孩子，以显得僵硬而略带人工感的姿态，试图赋予他们的互动一种仪式般的庄重感。这种简化的表现手法贯穿于历史，从古埃及金字塔的墙壁和希腊神庙，到毕加索时代的公共壁画。 玛丽·罗兰森出生及逝世地：法国巴黎，1883-1956年《安德洛美达》 瑪莉．羅蘭珊出生於巴黎，1907 年開始，其作品在獨立藝術家作品展覽（ Independants ）上展出。1924 年，她為俄羅斯芭蕾舞團擔任裝飾和服裝設計，1928 年為法蘭西劇院擔任設計。 早期的作品中可看出印象派、新藝術甚至野獸派對她的影響，但是單純化形式與平面性畫風的嘗試，簡潔的線條更富表現力，以優雅和諧的顏色刻畫年青婦女和兒童而著稱。 配合獨特的銀灰、水藍、玫瑰色等水彩般透明度的用色，勾勒出肌膚雪白、身材纖細、雙眼澄澈黑白分明、表情憂鬱的女性人物典型，始確立其獨有的女性立體主義風格。【如果这幅画算立体主义的话，我也蛮喜欢。】 马克·罗斯科出生于俄罗斯德文斯克（现拉脱维亚陶格夫匹尔斯），1903年逝世于美国纽约州纽约市，1970年《第1号，白与红》1962年 马克·罗斯科于1913年随家人移民美国，童年时期定居在纽约市，并于1920年代开始绘画创作。与许多同时代艺术家一样，他最初主要创作具象图像，并在1940年代深受超现实主义影响。到了这一年代，他的风格逐渐转向抽象，作品以大面积的浓烈色彩为特征，通常通过多层薄涂技法，营造出光辉而富有空间感的色域。 【这位画家非常有名，这样的一幅画要卖到几百万。我不太懂，查了一下网上说明： 这幅画属于抽象表现主义（Abstract Expressionism），风格，以下是对画作的解读：1. 视觉元素分析 • 色彩的运用画面以三个色块组成：白色、红色和深棕色（或黑色），它们呈水平排列。每个色块边缘模糊，与背景黑色融为一体，形成一种“漂浮”或“朦胧”的效果。 • 对比与平衡白色和红色的明亮对比与下方深色块形成强烈的视觉张力。红色占据中心位置，是画面的焦点，而白色和深棕色提供了上下的平衡感。 • 边界模糊色块的边界并不锐利，显得柔和且过渡自然。这种模糊处理使画面更具流动性和情感表达的开放性。2. 风格与技法 • 抽象表现主义特点画作没有明确的具体形象，而是通过色块、色彩关系和画面结构传递情感和精神体验。此类作品旨在唤起观众内心的情感，而非诉诸外在的叙事或符号。 • 色域绘画（Color Field Painting）这种风格强调大色块的运用，旨在通过色彩之间的微妙关系，引发观众对空间和情感的深层次体验。3. 情感与意义 • 情感解读画面传递了一种复杂的情感张力：白色象征轻盈或希望，红色可能代表热情、冲突或生命力，而深棕色（黑色）则传递了沉重、深邃或不安的情感。 • 冥想与精神性这样的作品通常被认为是冥想性质的，观众需要长时间凝视画作，通过对色彩和结构的感知进入一种内省或沉思的状态。4. 观看方式马克·罗斯科（如果是他的作品）曾说：“我的画不是为了装饰墙壁，而是要引发深层次的情感互动。” 因此，观看这类画作时，最好站在画前，近距离体验色彩和画面与自身情感的对话。总结这幅画的魅力在于它通过简单的色彩和构图，去激发观众的情感共鸣。它摒弃了传统的叙事方式，而是让每个人根据自身的生活经历和内心状态，赋予它独特的意义。这种开放性是抽象表现主义的核心，也是它触动人心的原因。】 照片中的那位女士大概正在冥想之中，我想起明朝的哲学家王阳明对着竹子格致世间的奥秘。 　　现代艺术更需要艺术家与观众的情感的互动，但是不得不说，其中虚无荒诞的成分也不少。如果这些作品都需要艺术评论家来讲上一通才能欣赏，是不是太“阳春白雪”了？如今现代艺术品展厅里常常是观众寥寥无几，这蛮说明问题的。下面再放几幅现代派的画作。 朱尔斯·奥利茨基出生于乌克兰苏维埃社会主义共和国斯诺夫斯克（现乌克兰），1922年逝世于美国纽约州纽约市，2007年《天堂中的帕图茨基》1966年布面丙烯 朱尔斯·奥利茨基的大型感官喷绘画作采用了一种与同时代艺术家截然不同的技法。《天堂中的帕图茨基》令人联想到一团薄雾，呈现出橙色、粉色、绿色和黄色交织的光辉画面。这件作品充满玩味的标题取自艺术家童年时的昵称。【也不懂！】 海伦·弗兰肯塔勒出生于美国纽约州纽约市，1928年逝世于美国康涅狄格州达里恩，2011年《自然的回应》1976年布面丙烯 路易斯·费伊托出生及逝世地：西班牙马德里，1929-2021年《第147号画作》创作年份：1959年材质：油画、沙子和卵石布面 路易斯·费伊托和他的朋友们经历了西班牙内战（1936-1939）和佛朗哥将军残酷独裁统治的动荡时期。为了反抗压迫的政权，这位艺术家和他的合作者共同撰写了一份宣言，宣称他们的艺术旨在促进所谓的“个体拯救”。费伊托通过抽象的空间和形式，试图表达一种能够超越他所目睹的政治和社会剧变创伤的现实。 格哈德·里希特出生于德国德累斯顿，1932年《河流》1989年 格哈德·里希特出生于德国德累斯顿，1932年《抽象画》1986年 查克·克洛斯出生于美国华盛顿州蒙罗，1940年逝世于美国纽约州奥申赛德，2021年《肯特》1970-1971年布面丙烯 下面是加拿大画家的作品 J.S.麦克林是一位慈善家和富有远见的人。他在20世纪20年代开始收藏艺术品时，主要的动机是打造一套引人注目的加拿大艺术收藏，展示艺术如何能够增强国家认同，同时捕捉加拿大独特的自然风光和人民的个性特征。 此次展览仅展示了安大略美术馆J.S.麦克林加拿大艺术收藏的一部分，旨在致敬这批收藏中的女性艺术家，同时展示一件近期新增的作品——劳伦·哈里斯的《科尔德韦尔港的入口》。凯瑟琳·芒恩和乔治亚·欧姬芙的画作为这一系列作品增添了背景和深度，使观众能够通过这些作品共同构建一次独特的、以艺术为导向的时间旅行之旅。 富兰克林·佩莱格·布朗内尔（Franklin Peleg Brownell，1857-1946）《冬日市场》1915年 威廉·布莱尔·布鲁斯出生地：加拿大安大略省汉密尔顿，1859年逝世地：瑞典斯德哥尔摩，1906年【威廉·布莱尔·布鲁斯（1859年10月8日－1906年11月17日）是一位加拿大画家。他曾在法国学习，并成为加拿大首批印象派画家之一。他的大部分时间都生活在法国和瑞典的哥特兰岛，与瑞典籍妻子卡罗琳娜·贝内迪克斯-布鲁斯共同创建了艺术家庄园布鲁斯博（Brucebo）。该庄园后来被设立为自然保护区。】 《有罂粟花的风景》创作年份：1887年 这幅充满生命力的写生作品捕捉了春季罂粟花盛开的短暂瞬间，其鲜艳的红色令人心动。与莫奈常描绘罂粟花田中悠闲的女性和儿童不同，布鲁斯在画作前景展示了劳作中的人群，而背景则有围绕干草堆工作的场景。 　　【保罗·皮尔（1860年11月7日－1892年10月3日）是一位加拿大人物画家。他于1890年在巴黎沙龙获得奖牌，成为首批在生前获得国际认可的加拿大艺术家之一。曾经是法国学院派画家杰罗姆的学生，后来画风又转向印象派，但蛮可惜，在31岁逝世。】 《年轻的生物学家》创作年份：1891年【这是一幅好画！】 保罗·皮尔：《巴黎卢森堡花园》1890年 这块小而耐用的木板使艺术家能够轻松离开画室，在乡间或城镇中进行写生。在这幅作品中，皮尔背对卢森堡花园中标志性的喷泉和雕塑，转而专注于一棵繁花似锦的树以及在树荫下休憩的一对人物。一位年轻的母亲或保姆一边看护着正在玩耍的孩子，一边通过阅读书本沉浸在自己的世界中。 劳拉·芒茨·莱尔出生地：英格兰拉德福德，1860年逝世地：加拿大安大略省多伦多，1930年《东方罂粟》创作年份：约1915年 劳拉·芒茨·莱尔，RCA（1860年6月18日－1930年12月9日），是一位加拿大印象派画家，以她对女性和儿童的细腻刻画而著称。 弗洛伦斯·卡莱尔（Florence Carlyle，1864–1923） 【她是一位加拿大艺术家。她19岁时就在现在的加拿大国家展览会上展出作品，其中一件作品被维多利亚女王的女儿、加拿大总督洛恩侯爵的妻子路易丝公主购得。1890年，她搬到巴黎学习和工作，并于1893年在巴黎沙龙展出作品。之后，她在伦敦生活了一段时间，随后返回加拿大，并当选为加拿大皇家艺术学院的准会员。这幅画创作于这一时期：1903年完成，并于当年4月在加拿大皇家艺术学院的展览上展出，以25美元售出。之后，她在纽约工作了几年，并于1913年搬到英国生活。】 《画室》（The Studio） 弗洛伦斯·海伦娜·麦吉利夫雷出生地：加拿大安大略省惠特比，1864年逝世地：加拿大安大略省渥太华，1938年【弗洛伦斯·海伦娜·麦吉利夫雷，RCA（1864年3月1日－1938年5月7日），亦称为F.H. 麦吉利夫雷，是一位加拿大风景画家，以后印象派风格著称。她的家族住所位于加拿大安大略省惠特比。她于1914年至1928年间居住在渥太华，同时也是一位教师。1916年，在一次参观汤姆·汤姆森画室时，她曾鼓励过这位画家。】 《静物》1917年 马克-奥雷尔·德·福伊·苏佐尔-科特出生地：加拿大魁北克省阿尔塔巴斯卡，1869年逝世地：美国佛罗里达州代托纳海滩，1937年 【马克-奥雷尔·德·福伊·苏佐尔-科特，RCA（原名：伊波利特·威尔弗里德·马克奥雷尔·科特，1869年4月6日－1937年1月29日）是一位法裔加拿大画家和雕塑家。他是第一批受到法国印象派和后印象派直接影响的加拿大本土艺术家之一。他是一名男中音歌手，1890年曾在巴黎音乐学院学习音乐，但在1890年代晚期转而在巴黎美术学院（École des Beaux-Arts）学习绘画和雕塑，师从莱昂·博纳（Léon Bonnat）。】《紫与金》创作年份：约1912年 在《紫与金》中，苏佐尔-科特将魁北克的冬日景色简化为辐射的金黄色光线与深紫色阴影之间的抽象对比。他选择模糊地形细节，更多地突出色彩和情感氛围。画家使用厚重的笔触叠加涂抹，使画面充满动感，仿佛雪花仍在这片流光溢彩的冬季景色中纷纷扬扬地飘落。 J.E.H. 麦克唐纳出生于英格兰达勒姆，1873年逝世于加拿大安大略省多伦多，1932年《雪后清晨，高公园》1912年 与许多世纪之交的艺术家一样，居住在多伦多的J.E.H.麦克唐纳从他周边的社区中汲取灵感。这幅画中，层叠的触感笔触形成了覆盖着积雪的树木屏幕，而蓝色、紫色和黄色的交响曲则唤起了清晨的光线在雪面上反射的情景。画面被一条足迹小径对角线分割，这幅浪漫的作品展现了城市公园中黎明前散步的静谧氛围，一对人物几乎隐藏在画布中央那棵高大树干的后方。高公园位于阿尼希纳贝（密西沙加）民族的领地内，同时也是休伦-温达特、中立族和塞内卡民族的领地。 詹姆斯·爱德华·赫维·麦克唐纳 (James Edward Hervey MacDonald) RCA（1873–1932）是一位英裔加拿大艺术家，以作为“七人画派”成员而闻名。“七人画派”在20世纪初期结合欧洲早期现代主义传统，确立了具有独特民族身份的艺术风格。麦克唐纳是插画家、平面艺术家兼设计师梭罗·麦克唐纳（Thoreau MacDonald）的父亲。 下面专门介绍一位伐木工人兼艺术家，汤姆·汤姆森（1877-1917），他接受的正规艺术训练有限。他的大部分时间都在安大略省阿冈昆省立公园度过，该公园位于传统且未割让的安大略阿冈昆原住民土地上。汤姆森使用一款可折叠为画架的便携式画箱，现场创作了数百幅速写作品，展现了他短暂艺术生涯的高产和热情。 这些作品充满活力和色彩，带有强烈的即时感，反映了他与这片土地之间深厚的情感联系。他从这种创作激情中汲取灵感，捕捉了阿冈昆公园中的各种活动场景，包括伐木、露营和钓鱼。他的冒险精神和充满激情的创作视角，塑造了“加拿大艺术家”这一浪漫化的传奇形象——勇敢、大胆、自力更生，并与自然深度相连。 汤姆·汤姆森出生地：加拿大安大略省克莱尔蒙特，1877年逝世地：加拿大安大略省独木舟湖（阿冈昆公园），1917年《西风》创作年份：1916-1917年冬 汤姆森：《斯库戈湖的沼泽》创作年份：约1913年 还有一位加拿大的重要画家哈里斯 劳伦·S·哈里斯出生地：加拿大安大略省布兰特福德，1885年逝世地：加拿大不列颠哥伦比亚省温哥华，1970年 哈里斯曾穿越加拿大各地，通过户外绘画捕捉自然的美。他在风景中找到了灵性与宏伟感，这在这幅作品的三联画形式中得以体现，令人联想到基督教的祭坛三联画。他的风景画展现了广袤而无人居住的景象，这些风景在他眼中是“灵性流动的源泉”。然而，这片土地自古以来就是原住民的家园，自17世纪以来又有毛皮贸易定居者的存在。 在欧洲和北美，艺术家对风景的表现——无论是法国里维埃拉、比利时的运河还是巴黎的城市景观——不可避免地反映了他们自身的视角与土地的关系。哈里斯的画作虽以其雄伟景象著称，却在一定程度上强化了加拿大作为“未被触及且可利用的土地”这一殖民叙事。 1913年，哈里斯迈出了将一群志同道合的艺术家共同资助了多伦多工作室大楼的建设，为艺术家们（包括汤姆·汤姆森）提供了廉价的创作空间。1915年，哈里斯在工作室大楼后面为汤姆森修建了一间小屋。汤姆森的艺术作品和他对艺术事业的专注，成为了哈里斯的重要灵感来源。 《秋日森林与冰蚀基岩，乔治亚湾》创作年份：约1914年【这是一幅尺寸很大的画作，很有气势！】 达芙妮·奥吉格出生于加拿大安大略省马尼图林岛，1919年逝世于加拿大不列颠哥伦比亚省基洛纳，2016年 【她作为北美最杰出的现代主义艺术家之一，达芙妮·奥吉格出生并成长于马尼图林岛（休伦湖）上的Wiikwemkoong未割让保留地。在其超过60年的职业生涯中，她运用多种媒介和技法，将其奥达瓦族/波塔瓦托米族/英国血统的文化背景融入创作，混合了原住民和欧洲的艺术表现手法。奥吉格是“职业原住民艺术家协会”（一个通过共同价值观和联合展览而联系在一起的松散艺术家网络）的共同创始人，也是该联盟中唯一的女性。通过其艺术实践和积极行动，奥吉格在将原住民艺术融入国际当代艺术界方面发挥了重要作用。】 《拼贴》1969年板上拼贴 亚历克斯·科尔维尔 本次作品选集展现了加拿大艺术家亚历克斯·科尔维尔在其40年创作生涯（约1950年至1990年）中的多样风格。在科尔维尔那井然有序、具象化的场景中，想象与现实之间弥漫着一种诡异的悬念感。 艺术家对日常生活的神秘场景描绘与他自己的感知、经历和记忆息息相关。在画作中可以发现这些反复出现的主题：面对分离时的爱与渴望；女性的内在世界；以及时间坍缩为空间的表现形式。 科尔维尔的魔幻现实主义——画面中逼真的质感、对细节的执着以及主题的神秘感——与展览中许多抽象艺术作品形成了鲜明的对比。 亚历克斯·科尔维尔出生于加拿大安大略省多伦多，1920年逝世于加拿大新斯科舍省沃尔夫维尔，2013年《游泳者》1962年蛋彩画于未调和硬纸板上 亚历克斯·科尔维尔《霍顿登陆处的榆树》1956年 　　我很喜欢在名地的艺术博物馆看当地画家的作品。一方水土养一方人，不同国家自有它的特点。我曾在挪威看了好几座艺术博物馆，挪威画家的作品很吸引人，我曾专门写过一篇美篇来介绍。同样，上面加拿大的画家也很有特色。但是到了20世纪之后，那些现代化的作品也出现了，下面也放了几幅。 罗伊·肯齐·清冈出生于加拿大萨斯喀彻温省穆斯乔，1926年逝世于加拿大不列颠哥伦比亚省温哥华，1994年《气压计2号》1964年布面聚合物 【罗伊·肯齐·清冈，画家和诗人。罗伊·肯齐·清冈具有日本血统，在加拿大草原地区长大。他才华横溢，涉足多个领域，包括雕塑、摄影、电影制作、音乐和写作。】 丽塔·勒唐德尔出生于加拿大魁北克省德拉蒙德维尔，1928年逝世于加拿大安大略省多伦多，2021年【20世纪60年代，勒唐德尔的作品风格发生了巨大转变，她开始放弃使用厚重的油画颜料，转而使用丙烯颜料，偏爱几何色块。这些作品最终成为勒唐德尔的标志性风格：精心描绘的光亮色带，唤起了光线与运动的感觉。 在20世纪70年代，包括勒唐德尔在内的许多艺术家开始使用喷笔创作。这个工具让艺术家能够更精确地控制颜料的涂抹，从而呈现出纯净、平坦的色块效果。在《阿福里姆》中，她使用喷笔软化了作品上下部分的硬边线条。而《破晓》中富有氛围感的色彩场则彰显了勒唐德尔喷笔技法的进步与演变。好像她与上面提到的现代著名画家罗斯科的风格相似。】 《阿福里姆》1975年 丽塔·勒唐德尔《破晓》1983年布面丙烯 余珍妮出生于韩国首尔，1976年《密不可分的我们》系列 G232023年7件作品：纸上水粉画 余珍妮出生于韩国首尔。她于1988年移民加拿大，并定居在蒙特利尔。余珍妮在道森学院学习美术，于1995年获得美术学位，随后于三年后在康考迪亚大学获得美术学士学位。 诺瓦尔·莫里索出生于加拿大安大略省桑德波因特第一民族（现称Bingwi Neyaashi Anishinaabek），1932年逝世于加拿大安大略省多伦多，2007年《无题（密西佩舒）》约1965年布面油画 诺瓦尔·莫里索的祖父是一位萨满，他教给这位年轻的艺术家阿尼希纳贝的文化传统和祖先智慧。莫里索从这些神圣且文化意义深远的故事中汲取灵感用于创作。他创立了森林画派（又称“传说画”或“药画”），这种艺术风格通过当代媒介建立在原住民图像的基础之上。莫里索使用鲜艳的色彩和黑色书法线条来突出人物、物体和生物的轮廓，形成了他标志性的扁平化象形风格。 密西佩舒（Mishipeshu）是奥吉布瓦文化中的一种灵兽，呈现为一种巨大的、有角的水猞猁。密西佩舒的象形图广泛出现在莫里索的作品中，此处用深橙色、蓝色和绿色加以描绘。 诺瓦尔·莫里索 对于阿尼希纳贝人来说，灵性深深扎根于大地。艺术家诺瓦尔·莫里索来自“雷鸟之地”。他的名字意为“铜雷鸟”，象征着保护、疗愈、神秘和力量。雷鸟是大地之母的守护者——它们净化大地，为她带来清水，并为她的森林带来重生之火。它们的翅膀带来雷声，眼睛闪耀着闪电。转化也是阿尼希纳贝哲学的核心，莫里索将他的艺术视为一种将灵性转化为颜料与色彩的形式。 【诺佛尔·莫里素（Norval Morrisseau）CM RCA（1932年3月14日-2007年12月4日），也被称为铜雷鸟（Copper Thunderbird），是来自土著民族（Bingwi Neyaashi Anishinaabek First Nation）的加拿大土著艺术家。他被称为“北方毕加索”的，其创作的作品中描绘了他的人民的传奇、加拿大本土和欧洲传统之间的文化和政治紧张局势、他的生存斗争，以及他深刻的灵性和神秘主义。他的风格特点是厚实的黑色轮廓和鲜艳的色彩。他创立了加拿大伍德兰艺术学院（Woodlands School）。】 帕西塔·巴萨纳·阿巴德（Pacita Barsana Abad，1946年10月5日－2004年12月7日） 她是一位伊瓦坦裔和菲律宾裔美国艺术家。她的绘画生涯持续了30多年，始于她前往美国攻读研究生期间并前往西班牙学习。她的作品曾在全球200多个博物馆、画廊及其他场所展出，包括75场个展。阿巴德的作品现收藏于全球超过70个国家的公共、企业和私人艺术收藏中。 我没有注意，以下大厅里几幅大型的画作是否是她的作品？ 社会现实主义作品 从孟加拉国熙熙攘攘的城市生活到她在多米尼加共和国一次艺术驻留期间，阿巴德通过绘画记录了她周围的世界。 1979年，当阿巴德移居泰国时，该国及其周边国家正处于人道主义危机中。柬埔寨大屠杀（1975-1979年）期间红色高棉政治政权的暴行，以及随后越南对柬埔寨的干预，导致数百万难民的死亡和流离失所。她在此期间的画作包括一些肖像画，生动地描绘了泰柬边境难民营中的人们所经历的痛苦、贫困和流离失所。作为一名政治难民，阿巴德决心让被压迫群体获得更多关注。她曾说：“当媒体报道结束后，我希望我的画作能继续直视着你们。” 移民的经历 1983年，阿巴德（Abad）开始了一系列绘画作品，揭示了她在美国的移民同胞的日常现实。1990年代的社会环境紧张且政治上存在分裂，特别是在多样性增加和高移民率的问题上。阿巴德于1994年首次将这些作品作为一个整体展出，同年她成为了美国公民。 一些作品聚焦于权力边缘人群的胜利与苦难，而另一些则涉及具体事件，例如1992年的洛杉矶暴动、1991-1994年的海地难民危机，以及整个1990年代美国边境上对墨西哥和中美洲移民工人的拘留。 通过将有色移民工人描绘成超乎现实尺度的形象，阿巴德为那些因种族主义态度而常被忽视的人们开辟了表达的空间。 。 　　《菲律宾艺术博物馆》1984年板上油画帕西塔·阿巴德艺术遗产 1984年，阿巴德亲手绘制了一幅海报，用于宣传她在菲律宾艺术博物馆举办的个展（《帕西塔·阿巴德：一位菲律宾画家的世界观》，由艺术家阿图罗·卢斯策展）。 在这幅作品中，她将自己描绘成一个戴着面具的人物，体现了面具如何让佩戴者拥有多重身份。从此以后，阿巴德将这幅自画像印在名片、信纸，甚至是她的衣服上。 下面是她的一些作品。 《巴刚果 III》1986年亚克力、丝网印刷、塑料纽扣、镜面玻璃、羊毛、丝带、线，布面泰特美术馆：2019年由亚太收藏委员会提供资金购藏《巴刚果 VIII》1988年亚克力、贝壳、塑料纽扣、镜子，缝制、丝网印刷及衬垫布面明尼阿波利斯沃克艺术中心收藏巴特勒家族与克林顿及德拉·沃克购藏基金，2022年《巴刚果 VI》1986年亚克力、丝网印刷、塑料纽扣、镜面玻璃、羊毛、丝带、线及纺织品，布面泰特美术馆：2019年由艺术家遗产赠送 1983年，阿巴德（Abad）利用她的陷缝画技法创作了一系列8件大型面具作品。她将这一系列称为《巴刚果》（Bacongo），以此指涉如今包括刚果共和国和刚果民主共和国在内的中非地区。这些作品与19世纪和20世纪属于松叶族（Songye）和鲁巴族（Luba）的Bifwebe面具相似。这些面具在神圣仪式中使用，用于祈求生育或确保权力的和平过渡。阿巴德在1986年的第二届哈瓦那双年展中展出了该系列最早的《巴刚果》作品，与来自近60个国家的艺术家作品共同展出。该展览是首次代表全球南方艺术家的展览之一。“全球南方”这一术语用于指代拉丁美洲、非洲、亚洲和大洋洲的国家和地区。 《逃向自由》1980年亚克力、油彩，布面新加坡国家美术馆收藏这幅15英尺长的画作最初构想为一幅巡回壁画，是阿巴德**《柬埔寨难民》系列**中最大且最具历史意义的作品之一。它的灵感来源于《曼谷邮报》中刊登的照片以及她一些摄影记者朋友的作品。这幅全景画描绘了被迫迁徙的家庭携带财物穿越艰难地形的情景。画作展现了冷战时期东南亚代理战争对人们的影响，当时此类影像开始充斥全球媒体。通过紧迫的笔触以及难民们充满情感的面孔，阿巴德希望这幅作品能够传达流离失所者的非凡挣扎，并促使观者从同情转化为行动。 《生命之水》1980年布面油画帕西塔·阿巴德艺术遗产 尽管阿巴德这一系列中的许多作品描绘了难民的日常挣扎，但它们也强调了人在极端逆境中的坚韧不拔。女性和儿童构成了难民人口的主要部分，她们的处境深深打动了阿巴德，她经常描绘母亲与孩子之间的亲密纽带。 这幅作品的灵感来源于一张广为流传的泰国与柬埔寨边境难民营的照片，展现了母亲温柔地倾斜孩子的头让他喝水的动人时刻。尽管这一画面基于特定家庭的经历，但这种母爱的场景却具有广泛的共鸣。 《马科斯及其党羽》1985-1995年综合材料绘画新加坡美术馆收藏 这件作品是阿巴德融合艺术形式的典范，采用她称之为陷缝画（Trapunto Painting）的技法（来自意大利语“trapungere”，意为“刺绣”）。这一技法结合了手工缝制、填充和装饰，将画布处理为具有立体感和触觉质感的表面。这幅综合材料画作是她**《面具与灵魂》系列**（1981-2001）中最具雄心的作品之一。 这件陷缝画大胆地表达了对菲律宾独裁者费迪南德·马科斯的反对意见。马科斯于1965年至1986年担任菲律宾总统。阿巴德将马科斯、他的将军及其他党羽描绘成恶魔形象，正在吞噬菲律宾人民的身体（以塑料娃娃为象征）。 作品的构图灵感来自阿巴德1984年在斯里兰卡接触到的传统僧伽罗面具，这些面具用于tovil（治疗仪式）。在这一仪式中，舞者戴着象征各种疾病的恶魔面具，用以驱除导致人类痛苦的原因。这幅作品捕捉了推动独裁者于1986年下台的日益壮大的反抗运动。 另外一件作品 马克·帕迪乌出生于喀麦隆梅隆，1990年《感恩的贫者》2021年布面丙烯 马克·帕迪乌通过描绘一名男子和一名女子坐在餐桌前，在用餐前低头祈祷的场景，展现了一刻私密的交流时刻。背景中可以看到香蕉树的顶部，这象征着上彭贾地区的种植园，在那里香蕉主要用于出口至欧洲。通过他描绘喀麦隆乡村日常生活的具象画作，帕迪乌探讨了劳动、贸易和经济问题，尤其是这些问题与消费主义和全球化之间的关系。 亨利·摩尔雕塑中心 1967年，英国雕塑家亨利·摩尔访问多伦多，当时他的青铜雕塑**《三向作品之二：弓箭手》**（1964-1965）已被安置在市政厅。次年，他向安大略美术馆捐赠了许多雕塑、素描和版画作品。 亨利·摩尔雕塑中心于1974年10月26日正式开放。这一专门空间包括艺术家模型工作室的重现、轮换展出的版画与素描作品、石膏作品，以及他的青铜铸件和雕刻作品的例子。同年，摩尔还将其作品**《两大形态》（1966和1969）**赠予美术馆，目前该作品位于格兰奇公园内。【可能大家对亨利. 摩尔还是比较熟悉，在西方很多的公众地方都有他的雕塑。我不太懂他的作品，但是，但觉得在那些大型线条清晰明快的现代建筑之前，放上亨利. 摩尔的雕塑蛮配的。 亨利·摩尔（Henry Moore, 1898–1986）是20世纪最重要的英国雕塑家之一，以其抽象而有机的雕塑作品闻名。以下是他艺术特点的详细解析：1. 主题与形式 • 有机形态（Organic Forms）亨利·摩尔的雕塑作品多以自然形态为灵感，形状类似岩石、山脉、骨骼、植物或人体，强调自然界的流动性和生长感。他的作品展现了自然与生命的相互关联。 • 人体主题（Human Figure）摩尔的大部分雕塑以人体为核心，尤其是母与子、躺卧人体（Reclining Figure）和家庭主题。他并不追求写实，而是以抽象的方式表现人体的动态和结构。 • 空洞与空间（Void and Space）他的作品常在雕塑中加入空洞（void），使空间成为作品的一部分。这种形式既增加了雕塑的透视感，又强化了内外空间的相互对话。。2. 灵感来源 • 自然与生物形态摩尔受到自然界形态的启发，例如海滩上的鹅卵石、骨骼、贝壳、树根等。这些元素常常出现在他的作品中，成为雕塑的有机基础。 • 原始艺术（Primitive Art）摩尔深受非洲、南美洲、太平洋岛屿等地原始雕塑的启发。这些雕塑通常具有抽象、简单而直观的形式感，为他的创作提供了重要的参考。 • 现代主义运动摩尔的艺术受到了现代主义雕塑的影响，尤其是雕塑家康斯坦丁·布朗库西（Constantin Brâncuși）和巴勃罗·毕加索（Pablo Picasso）。他借鉴了他们对形态简化与抽象的探索。3. 规模与环境 • 大型雕塑（Monumental Sculpture）摩尔的雕塑常以宏大的规模呈现，适用于公共空间。他的许多作品被安置在公园、广场和建筑周围，与自然或建筑环境相融合，增强了雕塑的空间感和公共性。 • 环境关系他强调雕塑与环境的互动，使作品看起来仿佛从环境中自然生长出来。这种结合让他的雕塑更具生命力和和谐美感。4. 象征与情感 虽然摩尔的作品是抽象的，但它们总能唤起强烈的情感和象征意义。例如，母与子的主题象征生命的延续与关怀，空洞形态表达内外的平衡和张力。5. 艺术影响 • 公共雕塑的开拓者摩尔改变了人们对公共雕塑的传统认知，将抽象艺术引入到城市和自然环境中，推动了现代雕塑的发展。 • 现代雕塑先驱他通过对形态、空间和材料的探索，奠定了20世纪现代雕塑的基础，并影响了后来的许多艺术家，如芭芭拉·赫普沃斯（Barbara Hepworth）。 亨利·摩尔出生于英国卡斯尔福德，1898年逝世于英国佩里格林，1986年《直立的内部与外部形态工作模型》1951年青铜编号：51/14由女性委员会基金于1951年捐赠摩尔曾将这件雕塑比作“一种被外形保护的胚胎，一个母与子的概念，或者花中的雄蕊——即某种年轻且正在成长的事物被外壳保护着。”这件作品于1951年购入，是摩尔的第一件进入永久收藏的三维作品，也是艺术家1974年向安大略美术馆捐赠的杰出作品系列的先导之作。 《女性》设计于1957-1958年8件青铜雕塑系列的原始石膏模型亨利·摩尔于1973年捐赠编号：73/65 《锁定片的工作模型》设计于1962年9件青铜雕塑系列的原始石膏模型，配玻璃纤维底座亨利·摩尔于1974年捐赠 《椭圆与尖点的工作模型》设计于1968-1969年12件青铜雕塑系列的原始石膏模型亨利·摩尔于1974年捐赠 《三向作品之二：弓箭手的工作模型》设计于1964年7件青铜雕塑系列的原始石膏模型亨利·摩尔于1973年捐赠 《斜倚人物》1951年石膏铸件（原始石膏模型收藏于伦敦泰特美术馆）亨利·摩尔于1974年捐赠 《联合国教科文组织斜倚人物的工作模型》设计于1957年5件+1件青铜雕塑系列的原始石膏模型亨利·摩尔于1973年捐赠 《直立动机1号：格伦基尔十字架》设计于1955-1956年6件青铜雕塑系列的原始石膏模型亨利·摩尔于1974年捐赠 芭芭拉·赫普沃斯出生于英国威克菲尔德，1903年逝世于英国圣艾夫斯，1975年《母与子》（左）1927年 亨利. 摩尔《坐姿人物》（右）1930年雪花石膏 这两件作品是直接雕刻技法的例子。与根据比例模型或草图进行创作不同，直接雕刻的艺术家通过凿刻和剔除材料，直到最终形式显现。这种方法已有数千年的历史，而摩尔和赫普沃斯将其视为一个值得尊敬并应延续的重要传统。 直接雕刻艺术家忠实于他们的材料。他们认为，雕塑的形式应源于艺术家的手与所雕刻木材或石材特性之间的张力。在赫普沃斯的雕刻中，母亲与孩子的紧密拥抱受到了英国产霍普顿伍德石厚重感与坚固性的启发。而摩尔的坐姿裸女则展现了雪花石膏的柔美质感。