维多利亚和阿尔伯特博物馆雕塑中的希腊神话

我爱我家

忒提斯将阿喀琉斯浸入冥河 这件雕塑描绘了海洋女神忒提斯为了使她和凡人珀琉斯的儿子阿喀琉斯刀枪不入，将他倒提着浸入冥河的情景。然而，由于她握住了阿喀琉斯的脚踝，导致那部分未被河水浸泡，成为他唯一的致命弱点，即所谓的“阿喀琉斯之踵”。 这件雕塑展现了新古典主义风格，强调人体的解剖结构和优美的姿态。忒提斯的表情充满母爱的关切，而婴儿阿喀琉斯则展现出纯真的神态。雕塑的细节处理精致，体现了艺术家对希腊神话的深刻理解和对人类情感的细腻表达。 　　《忒修斯与弥诺陶洛斯》 这件雕塑由意大利新古典主义雕塑大师安东尼奥·卡诺瓦于1782年创作，是他早期的杰作之一。这尊雕塑以希腊神话为题材，描绘了希腊英雄忒修斯在杀死弥诺陶洛斯后休息片刻的场景。 在希腊神话中，弥诺陶洛斯是一个半人半牛的怪物，居住在克里特岛的迷宫中。迷宫是由著名的工匠代达罗斯为克里特国王米诺斯建造的，专门用来囚禁弥诺陶洛斯。 每年，雅典都会向克里特进贡七名男孩和七名女孩，作为祭品送入迷宫，供弥诺陶洛斯吞噬。为了结束这种惨剧，忒修斯志愿加入祭品队伍，前往克里特杀死弥诺陶洛斯。在忒修斯进入迷宫之前，国王米诺斯的女儿阿里阿德涅爱上了他，并偷偷给了他一卷线团。忒修斯用线团标记路径，从而在杀死弥诺陶洛斯后，能够顺利找到迷宫的出口。 雕塑中，卡诺瓦选择表现忒修斯杀死弥诺陶洛斯后的瞬间，这是一个罕见的选择。大多数艺术家倾向于描绘战斗的激烈场面，而卡诺瓦选择了胜利后的宁静时刻：忒修斯坐在弥诺陶洛斯的尸体上，神情坚定，表现出英雄在完成使命后的沉思与疲惫。 忒修斯的身体肌肉线条流畅、匀称，展现了卡诺瓦对人体解剖结构的精湛把握，这种风格深受米开朗基罗的影响。 弥诺陶洛斯的尸体被巧妙地处理成一个失去生命的野兽形象，尽管强壮但无力，象征着人类智慧战胜野蛮。 在忒修斯的脚边可以看到线团的线头，这是他用来标记路径、从迷宫中逃出的关键工具。这个小细节象征着智慧和策略的重要性，暗示忒修斯的胜利不仅靠勇气，更靠智慧。 忒修斯一手扶着膝盖，另一手垂落，身体微微前倾，似乎在沉思刚刚结束的战斗。他的姿态表现出一种内敛的英雄气质，没有夸张的胜利姿势，而是更接近现实中的疲惫和沉思。 弥诺陶洛斯被表现为一头倒地的半人半兽，肌肉发达但已经无力抵抗，象征着野蛮的屈服。 他的面部表情是痛苦的，但又透露出一种无奈的宿命感，暗示着他的命运早已注定。 　　《哺乳的农妇》 作者：法国雕塑家达鲁Aimé-Jules Dalou (1838-1902)，创作于1873年 材质：陶土 《哺乳的农妇》由法国雕塑家达鲁在流亡伦敦期间创作。达鲁因支持巴黎公社被迫离开法国，在伦敦生活了七年。这段时间，他专注于描绘普通人的日常生活，尤其是劳动者和农民的题材，反映了他的社会主义理想。 雕塑表现了一位农妇坐在椅子上，低头温柔地哺育怀中的婴儿。她的衣着简朴，象征劳动阶层的真实生活，而母亲与孩子之间的情感流露，体现了人类最原始的母爱。 雕塑脚边的细节、衣物褶皱的处理，展现了达鲁对细节和自然主义的关注。 《哺乳的农妇》是达鲁的代表作，体现了他对日常生活的关注和劳动者的敬意，具有革新意义。这件作品突破传统艺术主题，强调普通人的美和价值，为自然主义和社会现实主义雕塑开辟了新的道路。 　　《垂死的克娄巴特拉》（Cleopatra Dying）作者：亨利·约瑟夫·弗朗索瓦·德·特里凯蒂男爵，创作于1859年材质：青铜、象牙、大理石、乌木，局部彩绘和镀金收藏于：维多利亚与阿尔伯特博物馆（V&A） 特里凯蒂是法国新古典主义雕塑家，因1848年法国革命后失去部分赞助人，前往英国寻找新的发展机会。他在英国艺术界很快受到推崇，成为备受欢迎的雕塑家。《垂死的克娄巴特拉》是他最著名的作品之一，完成于1859年。这件雕塑展现了古埃及女王克娄巴特拉七世也就是埃及艳后在自杀瞬间的场景，刻画出强烈的情感张力和悲剧气氛。 克娄巴特拉半躺在椅子上，表情平静中带有绝望，展现出对死亡的接受；她的左臂缠绕着毒蛇（asp），蛇已经咬下致命一口。 作品结合了青铜和象牙，创造出肌肤和金属的对比效果，象牙用于克娄巴特拉的皮肤，青铜用于她的服饰和蛇。 这件雕塑不仅表现出克娄巴特拉的美丽与高贵，更传达了强烈的情感冲突，象征着爱情、权力和死亡的交织。 克娄巴特拉七世是古埃及最后一位女王，以其智慧、政治手腕和传奇爱情故事闻名。她与尤利乌斯·凯撒和马克·安东尼的关系，使她成为罗马帝国政治权力斗争的核心人物。在安东尼战败自杀后，克娄巴特拉为了避免成为罗马皇帝奥古斯都的战利品，选择让毒蛇咬死自己，以维持她的尊严和自由。 克娄巴特拉的死亡被视为古埃及文明的终结，也是历史上最著名的女性悲剧之一。 　　《罗得的妻子》——哈莫·索尼克罗夫特1850-1925创作于1877-78年，大理石 《罗得的妻子》是描述的是一个圣经故事，表现了罗得的妻子在逃离所多玛和蛾摩拉时，因为回头一望而被变成盐柱的场景。 罗得的妻子身体扭转，呈现出回望的瞬间，象征她的不甘与留恋。她的表情流露出恐惧和悔恨，但也带有一丝不舍和犹疑。 雕塑强调了转身的动作，展示了身体肌肉的扭曲，带来一种动态的紧张感。 索尼克罗夫特通过精细的雕刻技法，使作品充满生命力和情感张力，超越了传统的理想化人物表现。 《罗得的妻子》取材于《圣经·创世纪》中的故事。 罗得（Lot）是居住在所多玛城的义人。当上帝决定毁灭所多玛和蛾摩拉两座罪恶之城时，他派天使通知罗得一家逃离。天使告诫他们：“逃跑时不要回头看”，但罗得的妻子违背了命令，回头看了一眼正在毁灭的城市，结果被变成了一根盐柱。 　　《真理与谎言》（Truth and Falsehood/——阿尔弗雷德·史蒂文斯（Alfred Stevens，1817-1875）创作于1857-66年 《真理与谎言》是19世纪英国雕塑的杰作，融合了新古典主义和象征主义的艺术风格。这件作品不仅展示了史蒂文斯卓越的雕刻技艺，还传达了维多利亚时代的道德理念，象征正义与真理战胜邪恶与虚伪的永恒主题 这件雕塑是为伦敦圣保罗大教堂的惠灵顿公爵纪念碑所设计的寓言雕塑之一。阿尔弗雷德·史蒂文斯是英国19世纪最重要的雕塑家之一，他负责设计这座宏伟的纪念碑，以纪念第一代惠灵顿公爵（1769-1852），一位在击败拿破仑的滑铁卢战役中立下赫赫战功的英国军事英雄。 雕塑表现了真理（Truth）与谎言（Falsehood）的激烈斗争： 真理是一位年轻女性形象，象征着纯洁和正义。她姿态坚定，毫不犹豫地揭露谎言。 谎言是一个丑陋、扭曲的男性，象征欺骗与伪装。他的面部被假面具掩盖，身体下方露出蛇形的尾巴，象征着阴险和背叛。 真理用一只手撕下谎言的面具，另一只手拔掉谎言的双舌，象征着揭穿虚伪，阻止谎言继续传播。 这件作品以激烈的肢体冲突和象征主义的细节闻名，表现了道德力量战胜欺骗的主题。 　　《特洛伊的海伦》（Helen of Troy）——安东尼奥·卡诺瓦（Antonio Canova，1757-1822）—-//1812年后：大理石 《特洛伊的海伦》是由新古典主义雕塑大师安东尼奥·卡诺瓦创作的一件大理石半身像。作品以希腊神话中的海伦为主题，她因倾国之美而成为希腊史诗和传说中最具象征意义的女性角色之一。 海伦是希腊神话中最美的女人，被认为是宙斯（Jupiter）与勒达所生的女儿。海伦因无与伦比的美貌被称为“世界上最美的女人”。她嫁给了斯巴达国王墨涅拉俄斯（Menelaus），但被特洛伊王子帕里斯（Paris）绑架，带回特洛伊。海伦的绑架直接导致了长达十年的特洛伊战争，在《伊利亚特》等史诗中被广泛描述。 卡诺瓦的《特洛伊的海伦》半身像以简洁、优雅和理想化的风格表现了海伦的美貌。 雕塑中的海伦拥有完美的古典面容，表现出一种宁静与高贵的气质，传递出古希腊理想的女性美。她的卷发整齐地束在头后，符合新古典主义对古典美学的崇尚。头部微微转向一侧，表情温柔而平静，展现出一种超凡脱俗的美。 这尊雕像很可能是表现古希腊神话中的人物，例如维纳斯（Venus）和丘比特（Cupid），或者象征爱情与友谊的寓意主题。 雕塑左侧人物手持火炬，象征光明与真理，可能代表爱神维纳斯或真理女神。右侧人物背后有一对翅膀，可能是丘比特（爱神）或象征友谊的天使。两人的姿态充满温情和依恋，雕塑注重人体的自然美，表现出亲密与依靠的情感。 这种风格追求古希腊与罗马艺术的复兴，强调理想化的美和人体的和谐比例。 　　《戈耳工（La Gorgone）》———-阿黛尔·达夫里，卡斯蒂廖内·科隆纳公爵夫人（Adele d’Affry, Duchess of Castiglione Colonna, 1836-1879） 约创作于1865年——青铜 《戈耳工》是达夫里创作的神话人物美杜莎（Medusa）的半身像，（戈耳工（Gorgon）是古希腊神话中的三位蛇发女怪的统称，她们的形象被认为是恐怖与神秘的化身，常常被用来象征危险、恐惧和女性力量。其中最著名的戈耳工是美杜莎（Medusa））表现了一个凶猛而充满力量的女性形象。美杜莎的表情极具张力，带有愤怒和悲伤的双重情感，她的嘴唇微微张开，似乎在发出呐喊或诅咒。她的蛇发生动而充满动态感，象征着混乱与恐惧。雕塑采用青铜，增强了作品的力量感和永久性，也赋予美杜莎一种神秘的阴影效果。 美杜莎的故事 美杜莎是一个凡人戈耳工，她的目光可以将人石化，头发变成了一群活蛇。 传说美杜莎原本是一个极为美丽的少女，她是雅典娜神庙的祭司，誓言保持纯洁之身。然而，海神波塞冬被她的美貌吸引，在雅典娜的神庙中强迫了她。雅典娜因神庙被亵渎而震怒，将美杜莎诅咒为蛇发女怪：她的头发变成毒蛇，她的目光能将人化为石头，她被驱逐，成为世人恐惧的象征。 美杜莎最终被英雄珀尔修斯（Perseus）杀死。 珀尔修斯受命去斩杀美杜莎，他借用了雅典娜的盾牌、赫尔墨斯的飞鞋和冥王的隐形头盔。他用盾牌反射美杜莎的目光，从而避免被石化，成功将她斩首。美杜莎的头颅依然保留了石化之力，被珀尔修斯带回，用来击败敌人。 美杜莎的故事反映了女性的被惩罚与妖魔化，她从一个美丽的凡人变成了一个可怕的怪物。美杜莎不仅象征恐惧与危险，也代表了女性力量的觉醒。她的形象常常被用来警告男性权力的滥用。 　　《青铜时代》（The Age of Bronze）———奥古斯特·罗丹（Auguste Rodin, 1840-1917）———约1876-77年完成模型，1880年首次铸造————青铜，由亚历克西斯·鲁迪埃（Alexis Rudier）铸造 《青铜时代》是罗丹的第一件大型雕塑，也是他成名之作。这件雕塑在1877年首次展出时引起了极大争议，因为它过于逼真，以至于许多批评家认为他是直接用真人进行翻模，而不是手工雕塑完成的。为了回应这些指责，罗丹不得不邀请公众参观他的工作室，证明作品是通过观察和手工雕刻完成的。 这件雕塑最终确立了罗丹作为现代雕塑奠基人的地位，标志着传统雕塑向现实主义和现代主义的过渡。 《青铜时代》描绘了一个全裸的男性青年，他呈现出一种姿态优雅、情感内敛的姿势： 雕塑中的男子左臂抬起，右臂下垂，身体略微扭转，表现出一种轻微的张力和矛盾的情感。男子的表情平静却若有所思，似乎陷入沉思或迷茫，表现出人类意识的觉醒。 雕塑展现了极为真实的人体解剖细节，包括肌肉、骨骼和皮肤的自然起伏，表现了罗丹对人体结构的深刻理解。 《青铜时代》不仅是一件写实雕塑，更富有哲学和象征意义： 青铜时代象征人类文明的早期发展，人类从蒙昧状态中觉醒。沉思的姿态表现出人类意识的觉醒，象征精神与身体的平衡。裸露的人体强调自然与真实，摆脱传统雕塑中过于理想化的形象。 罗丹通过这个作品探索了人类存在的意义，以及人类从原始状态到文明状态的过渡，表现出一种对人性和意识觉醒的深刻思考。 《青铜时代》是奥古斯特·罗丹的代表作之一，标志着传统雕塑向现代雕塑的转折点。这件雕塑不仅展现了罗丹卓越的雕刻技艺，还表现了他对人类意识和情感的深刻思考。作品以其写实的表现手法和深刻的象征意义，奠定了罗丹在艺术史上的重要地位，并深刻影响了后来的现代主义雕塑发展。 这件作品提醒我们，艺术不仅仅是表现美和力量，更是对人类内在精神世界的探索。 　　《施洗者圣约翰》（St John the Baptist）作者：奥古斯特·罗丹（Auguste Rodin, 1840-1917）———1879-80年———-青铜 《施洗者圣约翰》是罗丹于1879年至1880年创作的大型青铜雕塑。这件作品在巴黎沙龙展首次展出后，迅速引起了广泛关注，被认为是现代雕塑的里程碑之一。 罗丹选择圣经中的施洗者圣约翰作为主题，但他的雕塑摆脱了传统的宗教雕塑模式，呈现出一个赤裸行走的普通人。这件作品强调人体的自然运动和精神力量，表现出写实主义与象征主义的结合。 座雕塑表现了一名赤裸的男子，以大步行走的姿态，头部微微抬起，嘴巴张开，仿佛在传达某种讯息。 男子大步向前，身体微微扭转，表现出动态的张力。他的表情既有坚定与信念，又流露出一种狂热的精神力量，仿佛在传递预言或警示。 罗丹精确地刻画了肌肉的起伏和肌肤的质感，表现出一种原始而真实的力量感。 《施洗者圣约翰》是奥古斯特·罗丹的标志性作品，也是现代雕塑的里程碑之一。它通过自然的动态姿态和强烈的精神力量，表现了人类的信念与探索精神。 罗丹摆脱了传统宗教雕塑的限制，创造了一个超越圣经人物的形象，象征着人类不断前行的旅程。这件雕塑不仅展现了人体的力量与美感，更传达了人类精神的觉醒与追求 　　《蹲伏的女人》（Crouching Woman）作者：奥古斯特·罗丹（Auguste Rodin, 1840-1917）——约1891年——-青铜 罗丹在创作这件雕塑时采取了拼接创作法——将单独构思的头部、四肢和躯干拼接成一个完整的雕像。这种方法打破了传统雕塑的连续性和完整性，使人物形象更加自由，不再受制于具体情节或叙事背景。 《蹲伏的女人》表现了一名赤裸的女性，身体蜷缩成蹲伏的姿态，双臂紧紧地抱住身体，头部略微低垂。她的姿势和表情表现出内在的情感冲突，既有痛苦和不安，也有力量和自省。 女性的身体姿态呈现出一种防御和保护的状态，表现出心理上的脆弱与不安。雕塑刻画了强烈的肌肉线条，同时保留了未打磨的粗糙表面，使得作品具有一种未完成的、原始的美感。 雕塑表面粗糙和光滑区域的对比，增强了作品的视觉冲击力，强调了身体的自然性和手工雕刻的痕迹。 相比于传统雕塑注重人体的完美形态，罗丹更加关注情感和心理的表达。这件作品表现了内心的挣扎与不安，使观众感受到人类的脆弱和内在力量。 《蹲伏的女人》传递了多层次的象征意义： 蹲伏的姿态象征自我保护和内心挣扎，表现情感的孤独与不安。 未完成的表面强调创作过程的真实和人性的复杂性。 身体的力量感象征脆弱中的坚韧，体现出人类的内在力量和生存本能。 雕塑的姿态和情感表达，让人联想到人类在面对困境时的防御姿态，同时也暗示着自我保护和重生的可能性。 《蹲伏的女人》是奥古斯特·罗丹探索人类情感与身体表现的重要作品之一。这件雕塑通过动态的姿态、未完成的表面处理和拼接创作法，打破了传统雕塑的美学观念，展现了人类的脆弱与力量、挣扎与希望。 罗丹的这件作品不仅是现代雕塑的先驱之作，也是对人类心理状态的深刻洞察。它提醒我们： 即使在困境和脆弱中，人类也能找到内在的力量，重新站立起来。 　　《西贝尔》（Cybele）——奥古斯特·罗丹（Auguste Rodin, 1840-1917——-约1904-05年——青铜 《西贝尔》是罗丹首批“截断雕塑”之一，也被称为“片段雕塑”。这是罗丹探索人体不完整之美的一次重要尝试，他将一个没有头部和四肢的女性躯干当作独立的艺术作品来展示。这种对不完整人体的表现，在20世纪现代雕塑发展中具有重要影响，推动了抽象和概念化的雕塑风格。 西贝尔（Cybele）是古代小亚细亚的地母神，被视为自然、生命力和生育的象征。在希腊和罗马神话中，她被尊为众神之母，代表着大地和自然的力量。虽然罗丹的这件作品未明确引用西贝尔的神话形象，但其强大的生命力和母性象征，与西贝尔的神话意义不谋而合。雕塑中表现的圆润的女性躯干，象征生育与繁衍的力量，展现出一种原始的自然美感。 《西贝尔》是一件没有头部和四肢的女性躯干雕塑，呈现出沉重、稳固且充满力量的形态。雕塑中的女性躯干略微前倾，展现出稳定而坚实的姿态，仿佛与大地融为一体；雕塑表现出圆润的曲线和丰满的体态，象征母性和生命的力量。雕塑表面保留了罗丹粗糙的雕刻痕迹，让人感受到创作过程的真实和材料的质感。 罗丹的《思想者》开创了截断雕塑（truncated figures）的先河。这种艺术手法受到了古代残损雕像的启发。罗丹在参观卢浮宫时，深受损毁的古希腊雕像启发。他认为，这些不完整的雕像依然充满生命力和情感。他认为身体的每个部分都能独立传达力量和情感，不需要依赖完整的人体来表现意义。 《思想者》是奥古斯特·罗丹开创现代雕塑新方向的重要作品之一。这件雕塑通过不完整的女性躯干，表现了大地母亲的形象和生命的原始力量，象征着自然的永恒与持久性。 罗丹通过这件作品突破了传统雕塑的形式限制，为现代雕塑的抽象化和概念化探索开辟了新路径，影响了20世纪的诸多艺术家，成为雕塑史上的重要里程碑。