<p class="ql-block">上周去了MoMA ，六楼是Thomas Schütte的特展。艺术家的名字对我来说有些陌生，迅速问了一下chatGPT。</p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">托马斯·舒特（Thomas Schütte）是德国当代艺术家，1954年出生于奥尔登堡。他以多样化的艺术实践而闻名，创作媒介涵盖雕塑、绘画、建筑模型和装置艺术。舒特的作品经常探讨人与社会、权力结构和情感之间的复杂关系。</p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">他最著名的雕塑作品包括《United Enemies》和《Woman on Chair》系列，展现了扭曲和夸张的人物形象，反映出脆弱性和权力冲突。此外，他的建筑模型作品如《One Man Houses》也受到了广泛关注，这些作品融合了实用性和乌托邦的思考。</p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">托马斯·舒特的艺术风格兼具批判性和幽默感，他曾获得威尼斯双年展金狮奖（2005年）等重要艺术荣誉，是当代欧洲艺术界的重要人物之一。</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block">自画像。1975 年 5 月 30 日</p><p class="ql-block">（自画像：1975 年 5 月 30 日-31 日）1975</p><p class="ql-block">荨麻布上的油画</p><p class="ql-block">艺术家收藏，杜塞尔多夫</p><p class="ql-block">自画像。1975 年 5 月 29 日</p><p class="ql-block">（自画像：1975 年 5 月 29 日）1975</p><p class="ql-block">荨麻布上的油画</p><p class="ql-block">德国私人收藏</p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">舒特在杜塞尔多夫艺术学院师从画家格哈德·里希特 (Gerhard Richter) 时创作了这些自画像，这是该系列中仅有的两幅，该系列曾有二十幅。舒特从一张图片开始，使用网格在严格的时间限制内将图像转移到画布上：每幅画都要在一天内完成，无论它看起来有多完整。他的方法既受到里希特的启发，又有别于里希特。就像里希特同时期的肖像画一样，舒特通过绘画重新诠释了头像画这一流派。但与他的老师不同，舒特改变了他的绘画手法，将自己作为主题，而他的老师则以照片写实风格为主，很少画自画像。</p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">Google translate 翻译</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block">托马斯·舒特</p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">不断变化。舒特的作品充满可能性和悖论，自信而温柔，直率而神秘，尖刻而有趣，畸形而美丽。在对艺术、个人、文化和政治历史的广泛探索中，他表现出对事物的敏锐关注以及将主题与形式相结合的超自然技巧。最重要的是，舒特是一位创造者。正如他所说，“我认为一幅画必须在墙上发挥作用，一个雕塑必须在空间中发挥作用。其他一切都是其他的一切。”</p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">“我试着从五个不同的角度看待一件事，并不断移动，围绕一个中心点工作，”托马斯·舒特说。“但我不知道它是什么。一旦你定义了它，它就结束了。”这次展览回顾了我们这个时代最具创造力的艺术家之一半个世纪的作品。尽管舒特首先是一位雕塑家，但他在其广泛的实践中融合了各种学科：素描、油画、版画、装置、设计和建筑。对于舒特来说，媒介没有等级之分。精致的水彩画和光彩夺目的釉面陶瓷与巨大的青铜器、建筑模型和完整的建筑并驾齐驱。他拒绝采用标志性风格，而是从多种来源中汲取灵感，包括概念艺术、古典雕像、现代主义雕塑、剧院设计和叙事电影。</p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">Schütte 于 1954 年出生于西德，在充满不确定性的战后环境中成长为一名艺术家。他创造的人物和他设想的建筑折射了历史并想象着未来，但大多数都遵循着生命的轨迹，有关相关内容和计划，请访问 moma.org/thomasschutte</p><p class="ql-block">Google translate 翻译</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block">舒特最早的纪念性雕塑创作是他自己的墓碑设计方案（《我的坟墓》，1981 年）和为一位在海上失踪的水手立的纪念碑（《阿兰·科拉斯》，1989 年），尽管这两项作品都未能实现。这些作品既恐怖又阴郁，颠覆了大多数公共场所纪念性艺术中典型的英雄主义和永恒的视觉比喻。</p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">人们如何与艺术共存的问题一次又一次地浮现在舒特的实践中——不仅在他为公共场所创作的作品中，而且在他为家庭领域创作的作品中。例如，在 20 世纪 80 年代初，这位艺术家开始为他的密友的公寓和办公室制作布艺花环。“观看作品十秒钟和与作品共存很长时间是有很大区别的，”舒特观察到。无论是在私人还是公共环境中，艺术发挥作用的方式仍然是艺术家关注的核心。</p><p class="ql-block">Google translate 翻译</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block">阿兰·科拉斯 1989</p><p class="ql-block">黏土、聚苯乙烯、油漆、泡沫、纸板、木材和金属丝，放在两个木制托盘上</p><p class="ql-block">瑞士卢加诺意大利艺术博物馆。收藏于提契诺州。捐赠方 Panza di Biumo</p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">阿兰·科拉斯是一名法国水手，他在 1978 年 11 月 16 日的一次横跨大西洋的比赛中在海上失踪，巧合的是，那天也是舒特的生日。十年后，这位艺术家应法国政府的邀请，提交了一份在科拉斯家乡克拉梅西建造纪念碑的提案。舒特设计了一个象征性的半身像，像浮标一样锚定在海湾中，定期被涨潮淹没。舒特的提议是将科拉斯作为重温死亡的纪念物，但由于显而易见的原因，这一提议被拒绝了，但这件作品为这位艺术家未来几年的纪念性雕塑创作奠定了基调。</p><p class="ql-block">Google translate 翻译</p> <p class="ql-block">失败，无论以何种形式出现，都影响着舒特的大部分作品。这位艺术家将国家、资本主义、西方文化或现代主义的缺陷和瑕疵带到了最显眼的位置。他的艺术作品中，失败的体现既有字面意义，如剥落的《大壁纸》（1975 年），也有隐喻意义，如《武士》（2012 年），这件雕塑中残缺的人物头戴瓶盖头盔，无法传达出武术的力量。</p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">作品《地下室 II》（1993 年）中也体现了不稳定和不连贯的相关主题。桌面上嵌有迷宫，里面有楼梯、走廊和违背逻辑的室内房间。《地下室 II》由原木建造，上面覆盖着锯末，仿佛是刚刚完工，让人联想到潜意识中未经打磨、难以驾驭的角落。</p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">Google translate 翻译</p> <p class="ql-block">Woman on table</p>