美加之行（十四）加拿大国家美术馆

崔

这里是位于加拿大首都渥太华的加拿大国家美术馆（National Gallery of Canada），从1880年在渥太华市就有它的足迹。于1988年正式成立，藏品涵盖加拿大艺术、本土原著艺术、欧洲和美国艺术、亚洲艺术等。收藏了从中世纪到现在近4万件艺术作品。 　　该美术馆为加拿大最好的艺术美术馆，是加拿大最重要的艺术展览馆之一，同时也是渥太华这座城市的地标之一。 　　美术馆外立有一只由美国著名艺术家路易斯·布尔乔亚（Louise Bourgeois）设计制作的青铜大蜘蛛（图7），被命名为妈妈（Maman)，高30米，宽33米，总重量6000千克。其腹部的网篮里放有20个白色大理石蛋，而它警觉的防卫姿势则向观众传达了母亲的天性——为了保护孩子，母亲都会变得坚韧又强悍，表示了母亲的力量，暗喻了勤劳、哺育和保护。这座向母亲致敬的巨型雕塑也已然成为美术馆的地标。 　　渥太华是加拿大的文化艺术中心，那么渥太华的国家美术馆就是加拿大文化艺术的“灵魂”中心。国家美术馆是加拿大艺术文化的珍藏库，文艺复兴时期的著名艺术家和世界上一流艺术家的作品都曾在此展出和珍藏。美术馆中展出的加拿大艺术品的数量在全球属第一，而欧洲及美洲艺术品的数量在加拿大则属首位。 加拿大国家美术馆的藏品涵盖加拿大艺术、本土原著艺术、欧洲和美国艺术、亚洲艺术等。收藏从中世纪到现在近40000件艺术作品及摄影博物馆的125000张摄影作品,包括著名艺术家诺瓦尔·莫里桑（Norval Morrisseau）, 达菲妮.奥迪耶(Daphne Odjig), Rebecca Bellmore, 卡尔Carl Beam和 Brian Jungen。 　　整个美术馆平面图像呈 L 形状，共三层楼高，整个建筑极富建筑美学，整个建筑就是一座艺术品，美术馆的建筑群从不同角度看会呈现出不规则的几何图形，外观具有立体几何美，进入这座艺术殿堂，入口和大厅的外观皆为亭子的造型，整个设计采用水晶体的构造，仿佛即将坠落的水滴，美术馆内由于设计师的巧妙利用，其空间感很强，利用馆内透明玻璃的材料以及光线的合理利用，使整个博物馆室内宽敞明亮，构造详略得当，使旅客充分体会感受艺术的每一处细节！ 加拿大国美术馆分为叁层楼，叁楼为亚洲艺术、现代艺术、欧洲艺术等展览室，二楼为加拿大艺术及爱斯基摩艺术（Inuit Art）等，在一楼则有一家很精致的书店。 　　这是格雷戈里奥·迪·洛伦佐（Gregorio di Lorenzo，意大利，1436～1504）创作的《圣母与圣子》（1485年，彩色镀金大理石），这位艺术家被称为“大理石圣母大师”，因为他繁忙的工作室为意大利和国外的客户制作了许多这样的圣母子图像。他现在已经被确认为在佛罗伦萨受训的Gregorio di Lorenzo。他的作品的特点是敏感的雕刻头部，窗帘和装饰细节，引入了活泼和深度浅浮雕。许多部分被涂漆和镀金，以澄清成分并取悦眼睛，纹饰表明它是为乌尔比诺的一个客户制作的。 　　Phero di Cosimo（意大利，1462～1452）于1490年创作的油画《文明的寓言》，受蛋彩画和媒染镀金受到古典作家的启发，皮耶罗想象了早期文明，当时人类与自然和谐相处。马被驯服了，金属加工被发明了，人们用粗糙的树干建造了一个原始的房子。这幅画是在对异国情调着迷的时代绘制的：人物部分裸露，长颈鹿和骆驼向皮耶罗的同时代人暗示了其他土地和文化。虽然设置已经完全构想，但确切的主题仍然不确定，但很可能展示了铁匠神瓦肯的故事，他教导了人类工艺。框架：木雕，彩绘和部分镀金。 　　巴瑟尔.贝汉姆（Banthem Beham，德国人，1502～40）于1531年创作的针叶树油画《Duke Ludwig X of Bavaria（巴伐利亚公爵路德维希十世（左图））》和《Ursula von Weichs（厄休拉·冯·魏斯）（右图）》，比汉姆为巴伐利亚公爵路德维希十世效力，他统治着从他哥哥的领土上划出的一个州。为了保护家族的遗产，公爵从未结婚，而是娶了乌苏拉·冯·韦奇斯为他的配偶。Beham在相同空间里创作的这两幅肖像画，连接两幅作品的是绿色窗帘。社会习俗规定，当他向外看时，她端庄地凝视着他。 　　卢卡斯·克拉纳赫，（Lucas Cranach，德国，1472～1553）于1518年创作的菩提树油画《维纳斯（Venus）》，克拉纳赫就这个主题创作了许多画作：一些描绘了维纳斯和她的儿子，顽皮的丘比特，手里拿着弓箭；另一些则警告说苦乐参半的爱情的危险。在这里，女神独自一人，她轻盈、略微摇摆的姿态和细长的比例提供了一种不同于当代意大利艺术的美感。克拉纳赫的许多维纳斯已经成为德国文艺复兴的象征。1953年购买。 　　汉斯·鲍尔顿·格里恩（Hans Baldung Grien，德国人，1484/85～1545）于1510～1515年创作的木头油画《夏娃，蛇和死亡（Eve, the Serpent and Death）》，在菩提树旁，夏娃把苹果藏在身后，撒娇地瞥了一眼亚当，亚当已经变成了一具腐烂的尸体。死亡本身，他从知识之树上摘下了另一个果实。与蛇-魔鬼-通过触摸，抓住，咬和拥抱紧密地联系在一起，给身体上表达的罪恶，使人类走向死亡。这个场景是双重的：Baldung假设男性观众喜欢夏娃的美丽，暴露了他的道德败坏。 　　卢卡斯·克拉纳赫（Lucas Cranach ，德国，1472～1553）于1533年创作的榉木油画《基督与淫妇（Christ and the Adulteress）》，耶稣责备那些男人，要求他定被控告的女人的罪。通奸的惩罚是用石头砸死；穿盔甲的人已经抓住了一块石头。这些人物向内挤——充满表情的面孔和眩目的混乱，左边是控告者，右边是基督的门徒。耶稣是平静的中心，保护性地握住女人的手。这种神圣怜悯的行为是一个最喜欢的主题；克拉纳赫和他的工作室画了许多变化。 　　汉斯·霍本（Hans Holbein，德国人，1497/98～1543）于1540年创作的纸上油画《一个贵族的肖像（Portrait of a Nobleman）》，画面上这位贵族摆出一种时髦而自信的姿势，双手叉腰，一只手抓住剑柄。画出了他的集中注意力和微妙的描述，构图简单，人物与框架的关系被计算到聚焦式注意力并创造出一种浅浅的深度感，他身体里的轻微扭力创造了一种静止的能量感——短暂的休息。 　　油画展厅。 　　Francesco Salviati (意大利, 1510～1563）于1555～1559年创作的木头油画《圣母、孩子和一个天使（The Virgin and Child with an Angel）》，这位艺术家和他的同时代人认为美是神圣恩典的类比，对宗教艺术来说是必要的。米开朗基罗激发了纪念意义和人物的雕塑处理。Salviati将宏伟与优雅相调和：醒目的配色方案、复杂的布料和景观景观都点缀了作品。结果是巧妙的，甚至是做作的，但萨尔维亚蒂也表达了母子之间的爱恋关系，以及沉睡的孩子的人性，让我们感动到同情。 　　Bartoloomeo Veneto（意大利人，1502～1531年）于1520～1530年采用在杨木上的油画创作的《一位年轻女士的肖像（Portrait of a Young Lady）》，女人被紧紧地框住在一个浅浅的空间里，集中了人们的注意力。一束光落在她身上，创造出一种三维形式的感觉，并将不同的颜色带入生活；结果几乎是显而易见的。肌肤和服饰的每一个细节似乎都是有意绘制的，技术研究显示，巴托洛梅奥在绘画时对该女子的服装和发型进行了重大改变——她大概想要最新的时装。 　　伯纳迪诺·鲁尼（Bernardino Luini，意大利人，1501～1532年）于1520年创作的木油画《基督的孩子和婴儿施洗约翰与羔羊（The Christ Child and the Infant John the Baptist with a Lamb）》，将耶稣和约翰在一起的婴儿场景在15世纪的托斯卡纳开始流行。由于莱昂纳多·达·芬奇的一幅作品，使得这样的主题在本世纪获得了新的生命力，这幅画显示了两个孩子拥抱在一起。Luini受此启发，选择用一只羔羊向人们展示对耶稣死亡的哀悼。场景的自然光线抵消了沉重的含义，好似只是两个小男孩在玩耍。 　　多米尼克.普利戈（Domenico Puligo，意大利，1492～1727）于1520～25年木板上的油画《Mary Magdalen》，画布上女人纤细的手指抓住一罐药膏，普利戈采用神圣和世俗意象的方式为人们提供了圣人的“肖像”。她是女性美的化身，她虽被表现得像一个理想化的保姆，但却传达了圣人的性格，风格精致典雅，色彩夺目。 　　霍布马（Meindert Hobbema，荷兰，1638～1709）于1670年创作的布面油画《两个水车风景画（Landscape with Two Watermills ）》，画面中心是两个水车，远景向两侧打开，提供了对树冠下的距离的一瞥，仿佛在图像中漫步。霍布玛喜欢简单的主题，如水车，田野和树木繁茂的乡村，展示荷兰乡村的景观。这幅画是1950年朱丽安娜女王代表荷兰政府赠送给加拿大人民，以纪念加拿大在1944～1945年荷兰解放运动中的参与和支持，以及加拿大在第二次世界大战期间对王室的热情款待。 　　Jan Both（荷兰人1618～1652）或许是Jan Baptist Weenix（荷兰人，1621-1660/1661）于1650年创作的布面油画《猎人的风景画（Landscape with Hunters）》，艺术家邀请我们漫步在宁静的金色乡村，探索蜿蜒的道路，半隐的溪流和远山的远景，背景和风格让人想起意大利，在那里两人都曾与其他艺术家合作，他们正在改变风景画。他们的兴趣在于通过光线和气氛传达一种地方感和情绪-提供完美的自然景色。两人经常呼吁其他画家在他的画布上添加人物和动物。 　　Nicolaes Maes（荷兰人，1634～1693）于1655年创作的橡木油画《The Lacemaker（蕾丝制作者）》，像他的老师伦勃朗一样，梅斯对光与影的的画法着迷，以及在有限的调色板中找到的可能性。他迫使我们重新审视那些平凡的事物，这些事物被他那专注的视觉所改变。女人——也许是房子的女主人——专注于她的工作，忘记了我们。为了获得更好的光线，她坐在靠窗的桌子旁，把账本和墨水台推到一边；后面，钥匙和钱袋挂在日历下面。商业和家庭生活经常形成对比，女人的行为巧妙地将两者结合在一起。 　　约翰·戴维兹.德海姆（Jan Davidsz. De Heem，荷兰人，1606～1683/84）于1652年创作的橡木油画《水果与蝴蝶（Still Life with Fruit and Butterflies）》，艺术家让人们停下来，审视平凡。感觉到时间的流逝，感觉到之前和之后的活动的流逝：成熟的果实被收集并堆积在一起供食用。樱桃正在腐烂；一只用过的现在放在一边柠檬已经变色了。不可避免的衰败警告我们自己的死亡，但这部作品也赞美了大自然的慷慨和人类的技能。它还评论了不同的视觉语言，将De Heem的幻觉主义与中国珍贵碗上绘制的风格化的水果和花朵形成对比。 　　简·韦尼克斯（Jan Weenix，荷兰人，1642～1719）于1668年创作的布面油画《浪子回头（The Return of the Prodigal Son）》，从画中可以看到浪子穷困潦倒，乞求宽恕，因为他的父亲张开双臂欢迎他回家。这个场景让人想起了意大利，一个欧洲文化的典范。 　　Jacob Jordaens和工作坊（1593～1678）于1640年创作的布面油画《老歌，年轻烟斗（As the Old Sing,So the Young Pipe）》，这个标题是一句谚语，意思是孩子们模仿成年人。一个家庭三代人狂欢作乐，老大穿得越差，显然没有树立最好的榜样。为了强调这个信息，一个傻瓜指着一个柳条笼子和里面的鸣鸟，一只以模仿而闻名的鹦鹉栖息在椅子上。他们唱着民谣“Die Geusen”（“The Beggars”），这是对1638年入侵弗兰德斯失败的荷兰军队的侮辱。Jordaens策划了这首曲子，并执行了其中的大部分，但将部分委托给他的助手，包括静物画专家。 　　彼得.莱利（Peter Lely，荷兰人，活跃于英国，1618～1680年）于1674年创作的布面油画《米斯伯爵夫人（The Countess of Meath）》，莱利在伦敦经营着一个大型工作室，制作肖像，其中可以使用标准的姿势，手势和服装来描绘被画对象。在这幅画中，伊丽莎白·布拉巴松，内伦纳德（1644/45～1701）展现了一种自信和轻松的形象。这部作品之所以人性化，是因为画中人决定用箭尖指着自己的身体，仿佛在测试它——这是对贞洁的狩猎女神戴安娜的奉承。为了满足需求，莱利经常将被画对象的服装和布景委托给他的助手，这些助手是有能力的画家。 　　贝尔纳多.贝洛托（Bernardo Bellotto，意大利人，1721～1780）于1743年创作的布面油画《威尼斯的兵工厂（The Arsenal, Venice）》，这幅画是贝洛托的早期作品，他的叔叔卡纳莱托教授。它描绘了兵工厂的宏伟大门，象征着威尼斯的海军力量；也显示了政府的所在地。兵工厂为舰队提供了巨大的车间和码头——在贝洛托的时代，与其说是一支强大的力量，不如说是提醒人们威尼斯的英雄历史。对面的建筑物通过它们投射的强烈阴影感受到它们的存在，放大了仔细观察和时间暂停的感觉仿佛被城市包围。 　　卡纳莱托（Giovanni Antonio Canal，意大利人，1697～1668）于1740～60 年创作的布面油画《里亚托教堂和圣詹姆斯教堂，威尼斯（The Campo di Rialto and the Church of Saint James, Venice。）》，Campo di Rialto是威尼斯的主要市场。几个卖家点缀在铺路的地方，与广场上整齐的店面形成鲜明对比，并继续穿过右边著名的里亚托桥。卡纳莱托巧妙地改变了视角，创造了一个比我们所能看到的更广阔的全景；他还“整理”了教堂的正面，实际上远非对称。他的目标是一个繁荣和繁忙的城市的理想化视图。 　　PietroI Rotari（意大利人，1707～1762）于1754～56年创作的布面油画《带扇子的年轻女子（Young Woman with a Fan）》，Rotari在前往德累斯顿和圣彼得堡法院之前在意大利工作。在德累斯顿，他开始专门研究年轻女性的奇特“角色头像”。这是一个早期和精心制作的画作：她似乎没有防备，放松，但意识到她的观察者。罗塔里反复回到同一个公式，探索他有限的题材可能的多样性：一些人物在行动中被抓住；一些姿势风骚；大多数人回望我们，少数人漠不关心。他的男性顾客欣赏这些照片中精心设计的亲密和技巧的结合。 　　GIUSEPPE BALDRIGHI（意大利人，1723～1803）于1751～56年创作的布面油画《艺术家和两个朋友（The Artist and Two Friends）》，画面表现了三个朋友进行热烈的讨论；由于他们富有的表现力和无声的手势，人们仿佛身临其境，Baldrighi谦虚地站在左边。中间的人物凝视着我们，承认我们的存在；他可能是画家亚历山大·罗斯林（1718～1793）。显示公司的气氛融洽，环境亲密。与其他人不同的是，Baldrighi戴着一顶帽子，而不是公众展示的假发，这表明三人在他的家中会面。油漆的灵动涂抹与心情相匹配。这种非正式的肖像画在18世纪变得越来越重要。 　　贝尔纳多.贝洛托（Bernardo Bellotto，意大利人，1721～1780）于1743年创作的布面油画《The Piazzetta，威尼斯》，这幅画把我们放在Piazzetta（“小方块”）的边缘，朝向威尼斯象征性的心脏圣马可广场。总督府就在右边。贝洛托的两幅画呈现了对现实的巧妙重新诠释：城市的紧密切割碎片，看起来就像我们站在地面之上，更好地观察。Bellotto大胆地强调垂直元素，如塔楼、旗杆和悬崖般的墙壁。光与影是清晰的，几乎可以触摸到；调色板强调了被天气污染的建筑物柔和但复杂而和谐的颜色。 　　卡纳莱托（Canaletto，Giovanni Antonio Canal，意大利人，1697～1668）于1735～37年创作的布面油画《圣马可和钟楼（Saint Mark's and the Clock Tower ，Venice）》，卡纳莱托帮助创造了威尼斯的形象，仍然主宰着我们的想象力：一个非凡的美丽，但锚定在世俗的城市。灰泥和石头因天气而变暗，市场摊位在圣马可广场的这个角落设立，这是最大的空间。客观性是虚幻的：卡纳莱托根据现场精心绘制的图纸进行创作，但在他的工作室绘画时，他会巧妙地改变细节，视角和比例。在这里，他强调了建筑的规律性和逻辑结构，并通过均匀的光线加强，从而引起了人们对画面的关注。 　　海辛那.里高德（Hyacinthe Rigaud，法国人，1659～1743）于1699年创作的布面油画《Jean Le Juge和他的家人》，里高德画了这幅肖像作为礼物送给他的朋友。丈夫稍微分开，符合他的地位，但凝视和手势在坐者之间以及他们和我们之间建立了关系，里高精心设计了坐姿者的自我呈现，以艺术性和浮夸的肖像画呈现，精心制作的服装和装饰道具。里高德后来嫁给了勒朱格的遗孀伊丽莎白。他很重视这幅画，多年后，他画了一幅自画像，展示了他创作这幅画的过程。 　　油画展厅。 　　乔治·罗姆尼（George Romney，英国人，1734～1802）于1776年创作的布面油画《Thayendanegea（Joseph Brant）》，Mohawk Thayendanegea，也被称为Brant(1742-1807)，是一个重要但有争议的人物。在美国革命的刺激下，1775-1776年，他随代表团前往伦敦，在不断变化的政治格局中捍卫他的人民的主权。罗姆尼特别关注他的被画者的衣服，这表达了Thayendanegea复杂的身份：植根于他的土著遗产，也反映了他与英国人的联盟。在他的脖子上挂着一个小十字架和一个银峡谷，或盔甲，乔治三世的礼物。他手里拿着一个斗斧——一种强大的仪式物品，用来纪念不同民族之间的战争与和平框架。 　　本贾明.韦斯特（Benjamin West，美国人，生活在英国，1738～1820）于1770年创作的布面油画《沃尔夫将军之死（The Death of General Wolfe）》。 1759年，沃尔夫在征服魁北克的战斗中去世，当韦斯特画这幅作品时，他的死亡仍然引起了人们的共鸣，这幅作品是它的标志性形象。沃尔夫周围的人包括其他军官的肖像沃尔夫周围的人包括军官和代表性人物的肖像——入伍士兵、穿着绿色衣服的定居者、土著战士。姿势，手势和表情，从坚忍的矜持到眼泪——雄辩地讲述这个故事。不寻常的是，韦斯特通过仔细观察当代服装和武器的细节，并将现实描绘到画面里，从而与他的观众建立联系。他的目标不是说服观众相信他的画作的字面真实性，而是让他们效仿沃尔夫的自我牺牲。这幅油画使这位艺术家声名鹊起。 　　约瑟夫.威尔顿（Joseph Wilton，英国人，1722～1803）约于1760年创作的大理石雕塑《詹姆斯·沃尔夫将军（General James Wolfe ）》，沃尔夫占领魁北克使他成为英国人的英雄，威尔顿应邀为死去的士兵创造一个可识别和鼓舞人心的形象。在检查了沃尔夫的尸体后，带回埋葬，威尔顿让一个像沃尔夫的人坐在他身边。这位艺术家还研究了他能找到的任何肖像，并迅速为将军绘制的草图。也许是因为威尔顿面临的困难，沃尔夫的表情固定，他的五官奇怪地明显。盔甲——狼头是一个视觉双关语“rebus”，威严的姿势让坐着的人显得更有尊严。 　　约瑟夫·诺勒肯斯（Joseph Nollekens，英国人，1737~1823）于1806年创作的大理石雕塑《马克·赛克斯爵士（The Reverend Sir Mark Sykes）》。 这尊半身像是他的孙子委托制作的，先画了肖像，再制作雕塑。 Nollekens强调了Sykes的平凡，甚至展示了他已经失去了牙齿——表明这尊半身雕像非常真实。赛克斯（1711～1783）在他的孙子委托制作这尊半身像时早已去世。Nollekens先绘出一幅肖像之后才开始雕塑，强调了Sykes的平凡，甚至展示了他已经失去了牙齿-表明半身像描绘了一个真实的肖像。雕塑家显然是在没有模特的情况下创作的，似乎是为了补偿，非常注意赛克斯老式的假发和衣服。 　　约瑟夫·奇纳德（JOSEPH CHINARD，法国人，1756～1813）于1805-08年创作的大理石雕塑《约瑟夫皇后（Empress Josephine）》。 在法国大革命和旧君主制的权力象征被摧毁之后，拿破仑的帝国转向了像奇纳德这样的人物来创造一种表达其野心的艺术。约瑟芬的小说服装呼应文艺复兴时期新政权的象征——一只带有雷电的鹰，星星和蜜蜂——参考了遥远的过去。在她的头饰上挂着拿破仑的肖像。值得注意的是，Chinard感性地刻划了皇后的个性，拒绝平淡的理想化。 　　弗朗西斯·钱特里（FRANCIS CHANTREY，英国人，乔丹索普，南约克郡1781～1841伦敦）于1817年制模型、1818年雕刻的大理石雕塑《约翰.胡克姆.弗雷尔（John Hookham Frere）》。 Chantrey有条不紊地工作，从精确绘制对象的全脸和轮廓开始，然后他的助手制作了粗略的粘土半身像。艺术家在与拍摄者的会面中修改了这些内容，鼓励他的拍摄对象走路和说话，这样他就可以捕捉到他们的性格，这位雕塑家的非凡敏感性在弗雷尔松弛的肉体的柔软雕刻中是显而易见的。 约瑟夫·诺勒肯斯（JOSEPH NOLLEKENS，英国伦敦，1737～1723）于1807年创作的大理石雕塑《路易莎.格雷斯.曼纳斯（Louisa Grace Manners）》。 保姆-可能是圣奥尔本斯公爵夫人路易莎·格雷斯·曼纳斯(Louisa Grace Manners)(1777～1816)-转向她的左边，以便我们更好地欣赏她优雅的轮廓。Nollekens夸张地说，他花了16个小时为肖像画制作粘土模型，其中包括与模特进行的多次90分钟的会面。通常，他把大部分雕刻工作交给助手做，尽管花费了时间，诺勒肯斯的女性半身像往往缺乏其男性的鲜明个性，而这尊半身像既是对古希腊和罗马雕塑的致敬，也是可识别的肖像。 　　费雷奥·邦内马森（FERRÉOL BONNEMAISON，法国图卢兹 1766～巴黎1826）于1795年创作的布面油画《惠特菲尔德，人行道上的作家（Whitfield, the Writer on the Pavement）》。 Bonnemaison在法国革命期间逃离巴黎后在伦敦画了这幅作品。惠特菲尔德靠上下颠倒优雅地写作来取悦路人，以此谋生。他夸张的姿势是在写完“这就是我的能力”之后的一种鞠躬。日常生活和被社会边缘化的人的场景经常被嘲笑，但这位画家传达了惠特菲尔德戏剧性的自我展示和对自己技巧的自豪感。 　　安东尼奥·卡诺瓦（ANTONIO CANOVA，意大利人，1775～1822）于1818～22年创作的大理石雕塑《舞者（Dancer）1818-22》。 1812年，当卡诺瓦将他的第一个舞者送到约瑟芬皇后那里时，引起了轰动。一位评论家写道：“生活的魅力和运动的幻觉，在这种最简单的构图中，却轰动了整个巴黎.......我怀疑这位戏剧界最著名的舞者从未得到过如此多的崇拜者和如此热烈的掌声。卡诺瓦经常在雕刻作品时有多个版本，既要随着每次重复而改进，又要满足人们对他标志性作品的无尽需求。这是为英国收藏家西蒙·克拉克爵士（Sir Simon Clarke）制作的第二个版本。 　　让-巴蒂斯特·弗雷德里克德马拉（JEAN-BAPTISTE FRÉDÉRIC DESMARAIS，法国人，1756～1813）于1788年创作的布面油画《牧羊人帕里斯（The Shepherd Paris）》。 帕里斯手里拿着金苹果，他将把它送给最美丽的女神。这是一所“学院”，对人体进行研究，旨在测试学生的技能。当Desmarais在罗马法兰西学院学习时，这是一个“学院”，研究人类的形象，旨在测试学生的技能。这幅画是德斯玛莱在罗马法兰西学院学习时绘制的，随后，这幅油画被送往巴黎接受长辈们的批评。他的主题陷入沉思，思考最终将引发特洛伊战争的决定。这位画家精心展示了他对解剖学的掌握、摆姿势的技巧和有纪律的技巧。 　　查尔斯·梅尼尔（CHARLES MEYNIER，法国人，1763～1832）于1810年创作的布面油画《智慧保护青春免受爱情之箭的伤害（Wisdom Defending Youth from the Arrows of Love）》。 这位年轻的英雄在空虚的感官享受和以爱（沉睡的维纳斯）和智慧（密涅瓦）为代表的斗争和荣耀之间徘徊。丘比特攻击青年，只有智慧的盾牌保护他，我们可以感觉到他的欲望和他的选择的困难。一个人为履行职责而牺牲的想法在拿破仑帝国引起了共鸣，因为拿破仑帝国崇拜军事美德和为国家服务。然而，这部作品也带有色情色彩，与Meynier的客户、当时最伟大的私人赞助人Sommariva伯爵的品味相匹配。 　　安妮-卢瓦·吉罗德·德·鲁西-特里奥森（ANNE-LOUIS GIRODET DE ROUCY-TRIOSON，法国人，1767～1824）于1807年创作的油画《Erneste Bioche de Misery（Erneste Bioche的痛苦）》。 吉罗代（Girodet）是模特的朋友，在这里以时尚的方式展示画作，她的发型和服装灵感来自古罗马雕塑。她的白色连衣裙暗示着一种善良的朴素，同时也透露出她的美丽。艺术家将画中光滑、精心塑造的肉体与窗帘的优雅褶皱和过于清晰的树叶轮廓进行了对比。整体效果是平衡，也许是技巧，无论是画中人还是画家。吉罗德是大卫最有才华的学生之一，也是最任性的，他坚持走自己的路。他的作品很精致，甚至很有风度，而且很感性。 　　安托万-让·格罗斯（ANTOINE-JEAN GROS，法国人，1771～1835）于1821年创作的布面油画《巴克斯和阿里阿德涅（Bacchus and Ariadne）》。 阿里阿德涅被忒修斯抛弃了。她的手势将人们的注意力吸引到她的旧情人即将离开的船上。用格罗的话说，阿里阿德涅被酒神巴克斯温柔地说服，并从她用眼泪浸湿的岩石上离开。酒神巴克斯将把她变成北方王冠，一个星座——由她持有的星冠唤起。格罗，大卫最喜欢的学生，在他以前的老师的要求下创作了这篇画作。第一个版本是与大卫的一部作品配对的，第二个版本是公开展示的，以断言在艺术变革时期大绘画的“正确”风格。 　　伊丽莎白·路易斯·维格勒.布朗（ÉLISABETH LOUISE VIGÉE LE BRUN，法国巴黎1748～1825布鲁塞尔）于1796年创作的布面油画《伯爵夫人安娜·伊万诺夫娜·托尔斯塔（Countess Anna Ivanovna Tolstaya）》。 Vigee Le Brun在革命之初逃离法国，她在接下来的十年中流亡，大部分时间是在圣彼得堡，在那里她画了《托尔斯泰亚》（Tolstaya,1774～1825年）。她的肖像画以一种明显的直接感和亲密感为标志——仿佛我们平等地与坐着的人见面，分享着理解的纽带。伯爵夫人似乎与狂野的风景融为一体，她的衣服打破常规，异常简单。这幅肖像画展现了一种摆脱社会束缚、更加享受自然的生活，这是启蒙思想的重要组成部分。 　　托马斯.劳伦斯（THOMAS LAWRENCE，英国布里斯托尔1769～1830伦敦）于1812年创作的布面油画《托马斯·泰勒（Thomas Taylor）》。 绰号“柏拉图主义者”或“异教徒”的泰勒（1758～1835）是希腊哲学的学者，他对古代思想神秘元素的信奉引发了争议。他的作品吸引了自由思想家，尤其是浪漫主义诗人。英国著名肖像画家劳伦斯以同情的态度对待他的拍摄对象，泰勒回头望去，几乎像在质疑我们。右下角的书和雅典卫城的景色唤起了画中人的兴趣，这些都是他个人的主题。 　　托马斯.劳伦斯（THOMAS LAWRENCE，英国布里斯托尔1769～1830伦敦）于1800～01年创作的布面油画《Sir Alexander Mackenzie （亚历山大·麦肯齐爵士）》。 在加拿大定居后，麦肯齐（1764～1820）被卷入毛皮贸易，通过与土著民族建立商业、劳动力和土地知识的联系而扩大。1789年，他通过德乔河或库帕克河（现在也被称为麦肯齐河）前往北冰洋。后来，他越过落基山脉到达太平洋。劳伦斯的肖像迎合了当时时尚的男性形象——呈现出年轻、活跃、随意的气息。 　　亨利.雷伯恩（HENRY RAEBURN，英国斯托克布里奇1756～1823爱丁堡）于1794/98年创作的布面油画《雅各比娜·科普兰（Jacobina Copland）》。 科普兰（1776～1807）穿着一件简单而时尚的连衣裙，灵感来自法国时尚，这些时尚摒弃了形式，转而追求刻意的自然。雷伯恩的风格补充了这一选择：画得很宽，显然是毫不费力的。活泼的触感和戏剧性的灯光与科普兰深思熟虑的表情形成鲜明对比，雷伯恩的风格补充了选择：广泛绘制，营造出浪漫主义典型的心理复杂性。这幅画可能是为了纪念这位科普兰1794年的第一次婚姻，也可能是四年后的第二次婚姻。 　　约瑟夫·马洛德.威廉·特纳（JOSEPH MALLORD WILLIAM TURNER，英国伦敦1775～1851）于1836年创作的布面油画《水星和阿格斯（Mercury and Argus），1840年部分重画》。 仙女洛被当作众神的玩物，变成了一头奶牛，由警惕的阿格斯看管，木星派水星来抓她。绑架者很快就会用他的音乐哄阿格斯入睡，然后用他隐藏的刀杀死他。特纳创造了一个完全实现的世界，作为神话的背景，充满活力的阳光。暴力的威胁是这片田园诗般的风景的亲密部分-就像大自然本身一样，强大，超出我们的控制。 　　詹姆斯·蒂索（JAMES TISSOT，法国人，1836～1902）于1870年创作的布面油画《方形部分（The Partie Carrée）》。 蒂索敏锐地观察到四人的着装和自由甚至放荡的行为，为我们提供了一场礼仪喜剧。这些服装让人想起18世纪90年代末的法国，一个社会动荡的时期和享乐主义被认为预示着画家自己的时代。幽默是广泛的，场景是上演的，似乎有些不对劲——就好像这是一场装扮游戏。蒂索利用传统和前卫的技术来引导我们的视线：零件被广泛地涂漆；在其他地方，他沉迷于精心描述的折叠织物图案。 　　让-莱昂·杰罗姆（JEAN-LÉON GÉRÔME，法国人，1824～1904）于1850年创作的布面油画《一个女人的肖像Portrait of a Woman）》。 在他的职业生涯的早期，杰罗姆画了几幅时尚女性的肖像，包括这张不知名的被画者。虽然他不喜欢肖像画，但他把他的技能作为一个绘图员的任务：注意到深色衣服的微妙细节，被花边和浮雕的光彩所抵消。专注于姿势和面部表情，杰罗姆对被画者进行了一项复杂的心理研究。 　　古斯塔夫.多雷（GUSTAVE DORÉ，法国斯特拉斯堡，1832～1883巴黎）于1877年制作模型、1879年铸造的青铜雕塑《Fate and Love（命运与爱情）》。 1877年，天才图书插画家多雷在巴黎沙龙展出了这件作品的纪念版，这是他第一件展出的雕塑。阿特洛波斯是命运女神中最年长的一个，三姐妹决定了一个人的一生。多雷根据自己的性格改编了这个神话：她剪断的不是姐妹们编织和测量的生命之线，而是丘比特弓的绳子，他的爱象征，以及青春和美丽的象征，就是飞翔。 　　朱尔斯·达卢（JULES DALOU，法国巴黎，1838～1902）于1876年创作的彩陶作品《布洛涅的年轻母亲喂养她的孩子（A Young Mother from Boulogne Feeding her Child）》。 这个真人大小的人物展现了达卢非凡的泥塑天赋。一个农妇和她可爱的孩子体现了一种优雅的贵族气质，让人联想到文艺复兴时期的圣母和儿童场景。细节非凡——从褶皱斗篷上精致的模制扣到女士的纹理帽子，再到鞋带。达卢用明显的温暖和温柔捕捉到了一个亲密的时刻。 　　雄性荷尔蒙的展示。 　　爱德华·沃兹沃斯（EDWARD WADSWORTH，英国人，1889～1949）1919年创作的布面油画《利物浦干船坞的炫彩船（Dazzleships in Dry Dock at Liverpool）》。 在第一次世界大战期间，战列舰被涂上大胆的几何图案作为一种称为“炫彩”的伪装形式。“不规则的形状打破了舰艇的形状，使敌方潜艇难以准确确定其航线。沃兹沃斯描绘了一艘停在干船坞刚上过漆的船，高耸在完成油漆工作的人身上。这幅画以其清晰的线条、强烈的轮廓和柔和的机器力量，体现了英国艺术和文学运动漩涡主义的关注。 　　雅各布·爱泼斯坦（JACOB EPSTEIN，美国/英国，1880～1959）于1913年开模、1916年铸造的青铜雕塑《Torso from the Rock Drill（来自凿岩的躯干）》。 Rock Drill是爱泼斯坦最具创新性的作品。艺术家受到Vorticism的影响，这位艺术家受到了漩涡主义的影响，漩涡主义是一场英国运动，通过呈现具有机器般棱角的形式来庆祝时代的活力。最初的雕塑结合了一个真正的风钻。在他的创作中，他写道：“这是今天和明天的武装、险恶的人物”。没有人性，只有我们自己变成了可怕的弗兰肯斯坦的怪物。爱泼斯坦对机器感到失望，放弃了钻孔，只铸造了雕塑的顶部。 　　El Lissitzky（俄罗斯人，1890～1941）于1923创作油画和水粉与金属箔帆布《Proun 8 Positions（Proun 8 个位置）》 从1919年开始，俄罗斯建筑师兼画家El Lissitzky将他所有的几何抽象画命名为Proun（发音为“pro-oon”），这是他乌托邦式的“肯定新计划”的首字母缩写。“他的革命性思想表达了将艺术、设计、建筑空间和时间元素动态地结合在一起的愿望。正如其标题所暗示的那样，这个Proun可以悬挂在八个位置中的任何一个，反映了Lissitzky对改变观众对传统空间的体验的兴趣。 　　费尔南德·莱格（FERNAND LÉGER，法国人，1881～1955）于1920年创作的布面油画《机械师（The Mechanic）》。 在这项色彩和形式对比的铆接研究中，机械师的管状身体与复杂、清晰的几何形状相对立，面部和四肢的雕塑渲染与金属黑线和色块形成对比。他强健的体格和静态的姿势传达出一种机器般的精确度。在艺术家职业生涯的关键时刻作画，这是莱格现代生活愿景的典型形象，也是机器时代的象征。 　　巴勃罗·毕加索 ( Pablo PicassoI，西班牙/法国，1881～1973）于1919年创作的布面油画《The Small Table（小桌子）》。 在这幅立体主义作品中，毕加索通过抽象物体碎片的统一组合，改变了静物画的风格。可解读的静物元素包括吉他的音柱、旋钮和琴弦、葡萄蜜饯；木纹标识了桌子的表面和桌腿他在里维埃拉的同一个暑假期间所做的其他渲染表明，这幅画的背景是一个面向大海的阳台；水面上的波浪线与唤起的波浪和海鸥的表意文字交替出现。 　　与名画合个影。 　　LIUBOV POPOVA（俄罗斯，1889～1924）于1915年创作的布面油画《钢琴家（The Pianist）》。 波波娃的艺术实践是通过她在俄罗斯和欧洲的广泛旅行形成的。在这里，立体主义和未来主义的影响创造了动态的人物形象碎片。这种完成的相交曲线和直线平面的结构反映了她对形式和运动的兴趣，以及她对她的作品的亲和力。 　　OSSIP ZADKINE（法国，1890～1967）于1952年制模、1957年铸造青铜雕塑《浪子回头》。 　　马克查.夏加尔（MARC CHAGALL，生于白俄罗斯，1887～1885年生活于法国）于1924年创作的橡木油画《童年的回忆（Memories of Childhood）》。 在他永远离开祖国之后，夏加尔回忆起他在维捷布斯克（现在的白俄罗斯）作为哈西德犹太人的青年时代。依据生活经验，尺度和视角的分离将这些记忆呈现为一系列图像，如梦似幻。山羊在画布上占据主导地位，因为它捕捉到了孩子的视角；它漆得很好的表面几乎可以触摸到。在这些房屋中，有一座绿色圆顶教堂，是维捷布斯克的地标，微妙地反映了犹太人在俄罗斯社会中的困境。虽然夏加尔的风格可能看起来很天真，但它是对立体主义等当代前卫运动的深思熟虑的回应，他将其翻译成自己的语言，创作了一部极具个性但普遍共鸣的作品。 　　亨利.马蒂斯（HENRI MATISSE，法国，1869～1954）于1907年制模，1930年铸造青铜雕塑《Reclining Nude I (Aurora)（躺着的裸体（奥罗拉））》。 马蒂斯只制作了数量有限的雕塑，女性裸体是一个反复出现的焦点。三维的形式是一种有形的催化剂，使他在绘画实验中取得了进展。在这里，他的身影斜倚在地上，一只手臂在她的头后面以流畅的动作举起。这是一项关于空间对比的研究，雕塑展示了正负形状之间经过计算的游戏。首先在粘土中建模，然后在青铜中铸造，从而产生强大的影响力。 　　Curtis Talwst Santiago，加拿大人埃德蒙顿，于2019年在画布上用铅笔，喷漆，木炭，粉彩和丙烯颜料创作的画《Leave the Carnival of Time（离开时间的狂欢节）》。 圣地亚哥通过回忆来思考家的概念，他的父母从特立尼达移民到加拿大的童年旅行中的一个场景。圣地亚哥回忆起嘉年华开幕式J'ouvert的辐射能量，描绘了为当天的庆祝活动盛装打扮的亲戚。鲜艳的猩红色圆圈遮住了这对夫妇的脸，表明代际知识和记忆可以回避。通过模仿他父母那一代人的快乐，艺术家向他的家乡致敬，尽管时间和地理距离遥远。 　　PAMELA PHATSIMO SUNSTRUM（加拿大人）于2022年创作布面亚麻油和铅笔画《Lambsheart（兰姆谢尔特）》。 Sunstrum's的作品反映了她在全球南北美洲不同地区生活的经历，追求“家和整体性”。在这里，一束光从围绕这位艺术家在博茨瓦纳祖屋的轻度渲染地基的景观中升起，抓着一只似乎夹在两个时刻之间的羔羊，一个女性形象威胁要从视线和记忆中消失。这部作品是对一个深深珍惜的地方短暂本质的有力回忆。 　　莎拉.安妮.约翰逊（SARAH ANNE JOHNSON，1976年生于加拿大温尼伯），2021年创作的《MBFR》，是将喷墨打印在纸上，涂上油漆，固定在铝复合板上。 约翰逊在她的照片中使用了金属叶子、全息胶带和照片点墨，这反映了她对非人类社区景观和欣赏的个人体验。增强的图像反映了生态系统的复杂性，唤起了人类感知之外的神奇、精神和崇高的世界——人类、植物和林地生物感受到的景观。 　　大卫·博伯格（DAVID BOMBERG，英国人，1890～1957）于1919年创作的布面油画《工兵在工作：一家加拿大隧道公司（Sappers at Work: A Canadian Tunnelling Company）》。 工兵们挖掘了用于向敌方推进的隧道。1915年，一群训练有素的矿工组成的加拿大第一隧道公司被派往法国与与加拿大皇家工程师军团一起工作。Bomberg将自己描绘成右下角携带大梁的工兵。这是他的第二幅，也是更自然主义的画作版本；第一幅因其立体主义建筑和大胆的调色板而被拒绝。 　　约翰·贝尔-史密斯（JOHN BELL-SMITH，1810年出生于英国伦敦，1883年在安大略省多伦多去世。）于1845年创作的布面油画《阿米莉亚·博迪小姐（Miss Amelia Boddy）》。 　　中厅。 　　亨利·高迪尔-布热斯卡（HENRI GAUDIER-BRZESKA，法国人，生活于英国，1891～1915年）于1913铸膜，1956年铸造的青铜雕塑《霍勒斯.布罗兹基（Horace Brodzky）》。 　　雅各布·爱泼斯坦（JACOB EPSTEIN，美国/英国，1880～1959）于1907年创作的青铜雕塑《Romilly》。 爱泼斯坦出生于纽约，最初在纽约接受培训，在1905年定居伦敦之前，他住在巴黎，在那里他很快赢得了重要的佣金，但也引发了争议。画家奥古斯都·约翰（Augustus John）委托爱泼斯坦（Epstein）为他一岁大的儿子罗米利（Romilly）创作了雕塑作品。这位艺术家从根本上重新想象了传统的主题，剥离了预期的情感心态。他强调广泛的形式而不是细节，并把婴儿的帽子变成了一个教学，抛光的表面，其抽象的形式主导了工作。 　　亨利·摩尔（HENRY MOORE，英国人，1898～1986）于1930年创作的绿色霍恩顿石雕塑《斜倚的女人（Reclining Woman）》。 斜倚的裸体的主题采取了这里的景观质量，暗示山和山谷。石头的颜色和质地增添了永恒的气息。摩尔解释了他的选择：“我喜欢霍恩顿石的原因是，当雕刻完成时，它看起来不像新的。大理石是如此的干净和纯净，它总是看起来像新的。我不想让一个人的雕塑看起来像昨天才做的。 　　雅各布·爱泼斯坦（JACOB EPSTEIN，美国/英国，1880～1959）于1915年创作的青铜雕塑《Billie Gordon（比利·戈登）》。 从19世纪后期开始，许多雕塑家对以碎片形式展示人物越来越感兴趣。在这里，爱泼斯坦改编了肖像半身像的传统形式，创造了类似面具的东西，在任意选择的部分和缺失的整体之间创造了张力。这项实验工作故意未完成，其表面未抛光，在空心背面可见铸造过程的痕迹。戈登本人是一个音乐厅表演者。 　　特里.弗罗斯特（TERRY FROST，英国，1915～2003）于1950年创作的梅森石上的油画《蓝色和黄色（Blue and Yellow 》。 　　展厅。 　　威廉.斯特朗（WILLIAM STRANG，英国人，1859～1921）于1920年创作的布面油画《Portrait of Lucien Pissarro（卢西恩·毕沙罗肖像）》。 　　Maxime Maufra（法国，1861～1918）于1894年创作的布面油画《Cape Beg-an-Hebrellec（希伯莱角）》。 这张位于布列塔尼Guimaëc的希伯莱角的照片描绘了海浪撞击紫色岩石的海岸线。这些令人回味的颜色让人想起日本版画的大胆，这些版画在当时的艺术家中很受欢迎。这种风格也反映了莫夫拉与阿文桥学派成员的互动，尤其是保罗·高更；高更在使用高调色彩方面表现出了极大的自由度。 　　Barthel Bruyn the ELDER（德国，1493～1555）于1544年创作的橡木油画《Christian von Conersheim和他的妻子Elisabeth von Brauweiler 》。 布鲁因是科隆精英最喜欢的肖像画家，符合他们共同的期望。重点是这对夫妇的尊严和社会地位——他们的徽章被醒目地展示出来，他们的服装昂贵，但很朴素。这些肖像画遵循了当代描绘性别的传统：从他的角度来看，丈夫在右边，地位更高贵，他抓着手套，这是男人的常见手势，而她则端庄地摆姿势。它们之间的相互联系在铰链板上得到了物理表达，铰链板可以折叠起来存放。 　　Circle of JÖRG LEDERER（德国，记录从1499年，1550年去世。）于1520年采用多色镀金木材创作的《The Magdalen（从良的妓女）》。 手握一罐香膏是Mary Magdalen的象征，她早些时候在宴会上抹了基督的脚；她后来埋葬他的尸体。这很可能是一件精心制作的祭坛画的碎片。彩绘和镀金的木雕在整个讲德语的欧洲很常见，是艺术创造力和信徒虔诚的焦点。作为一名雕塑家和经纪人，Lederer安排了包括雕塑家、画家和木匠在内的工匠团队，在他的指导下创作作品。 　　GERMAN, FRANCONIA于1500年采用多色、镀金和镀银的菩提树创作的《The Virgin and Child on the Crescent Moon（新月上的童贞女和孩子）》。 《圣经启示录》描述了一个预兆——“一个女人身披太阳，脚下有月亮，头上戴着十二颗星的冠冕”——被理解为圣母玛利亚。基督的孩子拉起他母亲的长袍，露出她脚下的月亮；他的另一只手拿着一个球体，象征着他统治世界。圣母被描绘成天堂的女王；她戴着王冠，曾经拿着权杖。 　　这是意大利人苏莫娜，阿布鲁佐（SULMONA, ABRUZZO）于1440～67年采用木制底座上的银、镀金银、珐琅和黑金创作的《游行十字架（Processional Cross）》。 一张被钉在十字架上的基督的脸被圣母玛利亚抹大拉和福音传道者约翰哀悼，并由天父看顾。另一张脸描绘了基督救世主和四个福音传教士。十字架上刻着阿布鲁佐的苏尔莫纳。这些人物的高浮雕模仿了当地金匠尼古拉·达·瓜迪亚格雷的作品，他被认为曾在佛罗伦萨与伟大的洛伦佐·吉贝尔蒂一起接受过培训。 　　通道。 　　俯瞰展品。 　　摄影和INUIT纹身，因纽特人的纹身妇女的历史照片表达了土著和非土著人民之间互动的复杂性。面部、手臂和腿上的图案可能是真实的，并表达了主体的文化背景，也可能是完全虚构的。例如，摄影师有时会要求女性在脸上画线以模仿纹身，导致图案不代表女性的社区或地区。在其他情况下，摄影师用化妆品覆盖纹身或通过暗室过程将其擦除。因为他们的相机很难记录皮肤上的细微纹路，摄影师有时也会用油漆增强褪色的图案，导致更粗的线条和更重的图案。今天的因纽特人希望重新获得纹身的做法必须注意这些不尊重的干预和他们文化的不准确的表达。 　　马塞尔·巴博（MARCEL BARBEAU，蒙特利尔，魁北克，1925～2016）于1960年创作的布面油画《托马克（Tomac）》。 与Automatistes合作，Barbeau还签署了《拒绝全球》（1948），1960年7月，在访问魁北克省的Pointe-au-Père时，他受到了在圣劳伦斯河岸上发现的黑色鹅卵石的启发。它们成为1961年和1962年在蒙特利尔首次展出的一系列黑白画作的基础。诗人克劳德·高夫劳鼓励他为自己的标题发明新词，经常唤起失落的文明或语言。 　　KIUGAK ASHOONA（因纽特人，1933年出生于安大略省渥太华，2014年去世）采用石头创作的《男人和女人（Man and Woman）》。 　　西奥菲尔·哈梅尔圣福伊（THÉOPHILE HAMEL，魁北克，1817～1870年）1847年创作的布面油画《Dominick Daly O'Meara（多米尼克·戴利·奥米拉）》。 这位艺术家选择捕捉一个转瞬即逝的时刻：这个坐在户外自然景观中的男孩打断了他的游戏，时间刚好够画他的肖像。骨弓和箭起着能指的作用，将儿童与该国的土著居民联系起来-这种联系可能是为了强调主体与他的祖国的牢固联系。事实上，奥米拉是这个爱尔兰移民家庭的第一代成员，出生在魁北克。 　　汉密尔顿.麦卡锡（HAMILTON MacCARTHY，1846年出生于英国伦敦，1939年安大略省的渥太华去世）1890年创作的石膏水彩画《L.奥布莱恩，加拿大皇家艺术学院第一任院长。（L.R. O'Brien, First President, Royal Canadian Academy of Arts）》。 　　伊曼纽尔.哈恩（EMANUEL HAHN，1881年出生于德国的鲁特林根，1957年安大略省多伦多去世。）于1913年创作的青铜雕塑《雷云（Thunder Cloud）》。 1872年至1876年，雷云在西印度群岛战争期间担任美国陆军侦察员，后来为几位艺术家担任模特和演员。拥有黑脚和法国血统的他在多伦多为画家乔治·a·里德拍照时遇到了雕塑家哈恩。 　　迈克尔.贝尔摩尔（Michael Belmore，1971年出生于Anishnaabe桑德贝，安大略省）于2015年采用铜和钢创作的《失落的新娘面纱》。 《失落的新娘面纱》是一部荣誉作品。血液从中心流出，向外流动，自由流动；她是我们生命的载体。曼哈顿，像曼尼托林一样，像美洲一样，是我们的岛屿，充满了能量，提供了可持续的繁荣、野心、关怀，培养了一切可能。Michael Belmore这件作品选择铜是意义重大的，代表了一种既珍贵又实用的纯自然元素。在Anishnaabe宇宙学中，这种媒介也具有文化意义，因为铜起源于雷鸟的血液。 　　弗朗西斯·福尼尔（FRANÇOIS FOURNIER，1790年出生于圣伊格纳斯角，魁北克，1864年在圣托马斯-德-蒙马尼，魁北克去世。）于1832～1937年采用镀金和清漆木材创作的《基督的洗礼（The Baptism of Christ）》。