维也纳深度游：阿尔贝蒂娜博物馆

红萝卜

阿尔贝蒂娜博物馆（Albertina）位于奥地利首都维也纳中心城区，是世界上最著名的博物馆之一，自1805年起就成为藏品丰富的艺术博物馆。这座博物馆的第一任主人是阿尔贝特公爵夫妇。

阿尔贝特•卡西米尔•冯•萨克森•泰申（Albert Kasimir von Sachsen-Teschen，1738-1822），萨克森选帝侯及波兰国王奥古斯都三世（August III. 1696-1763）的第六个儿子；玛丽亚•克里斯蒂娜（Maria Christina von，1742-1798）则是奥地利大公国哈布斯堡王朝玛利亚•特蕾西亚女王和弗朗茨一世•斯蒂芬的第五个孩子。1760年阿尔贝特到维也纳拜访时首次遇到克里斯蒂娜便一见钟情。经过六年的恋爱，两人于1766年正式结婚，当时距弗朗茨一世•斯蒂芬驾崩不到一年，还处于守丧期，因此他们是身着黑衣完婚的。据说克里斯蒂娜是特蕾西亚女王最钟爱的女儿，这才成就了当时皇室中少见的自由恋爱，也是特蕾西亚女王的女儿们中非政治联姻的婚姻。他们就像普通夫妻一样，有着甜蜜的生活。不幸的是，他们没有自己的后嗣，唯一的女儿仅仅生存了一天便夭折了。由于难产，克里斯蒂娜也从此不育。

克里斯蒂娜不仅把西利西安（Silesian）公国带进婚姻，并且使阿尔贝特成为了匈牙利总督。阿尔贝特公爵通过他的匈牙利和奥属尼德兰总督的位置积聚起一笔巨大财富。他把他的金钱的主要部分，用在绘画艺术品的收藏上，其收藏的巨大价值是当时难以想象的。1776年7月公爵夫妇收到Giacomo Durazzo 赠送的将近1000 件艺术品；之后又从查尔斯•安托万王子处获得其收藏的800张绘画，其中最重要的是米开朗基罗、拉斐尔的作品，以及通过与画商交易所得的绘画，至此，著名的丢勒（Albrecht Dürer）作品进入阿尔贝蒂娜收藏。

在匈牙利领土丧失之后，阿尔贝特夫妇回到维也纳，弗朗茨二世皇帝在1794年向夫妇二人赠送了哈布斯堡宫殿的一部分—Tarouca 宫，即现今的阿尔贝蒂娜宫。

当两人步入老年后，克里斯蒂娜的哥哥把自己的三儿子过继给阿尔贝特夫妇，这位养子就是后来的卡尔大公——哈布斯堡帝国的大元帅，1797年曾在意大利迎击拿破仑，使拿破仑遭遇了生平的第一次失败。（有关卡尔大公在后面的美篇中将另有介绍）

1816年，阿尔贝特公爵宣布他的藏品永远不能转卖，永远是哈布斯堡家族的财产。1822年阿尔贝特公爵去世，阿尔贝蒂娜宫由卡尔大公继承，然后是卡尔大公的后代，直到第一次世界大战结束，奥匈帝国惨败，哈布斯堡王朝也随之覆灭。按照当时的法律，哈布斯堡家族离开奥地利，但要留下所有的宫殿和艺术收藏。

1919年这里被新成立的共和政府收归国有。1921年为了纪念阿尔贝特（Albert）公爵及其妻子克里斯蒂娜（Christina），连缀俩人的名字为Alber-tina，定名为阿尔贝蒂娜博物馆。

博物馆内展出的亚历山大•罗斯林（Alexandre Roslin，1718-1793）所绘的《公爵夫人克里斯蒂娜　Erzherzogin Marie Christine》，1778

网上下载的阿尔贝蒂娜博物馆全貌

建筑外墙是奥地利雕塑家Johann Meixner（1819-1872）制作的多瑙河神和文多波纳城女神。

弗朗茨•约瑟夫一世（Franz Joseph I，1830年8月18日—1916年11月21日）皇帝雕像，他是卡尔大公的长子。雕像后面是阿尔贝蒂娜博物馆的入口大门。

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阿尔贝蒂娜除了馆藏艺术品外，还不定期举办其他著名艺术家的作品展览，我们去时正好有一个罗伊•利希滕斯坦画展。

大厅 售票处 罗伊•利希滕斯坦（Roy Lichtenstein 1923-1997），美国著名的波普艺术（Pop Art）大师，以其对流行文化图像的创新诠释和对商业艺术风格的再创造而广为人知。他出生于纽约，父亲是地产商人，家庭环境殷实，为他提供了选择自己喜欢事物的空间。他的艺术生涯与20世纪中叶美国艺术界的巨大变革紧密相连，与安迪•沃霍尔、贾斯珀•约翰斯等人一起推动了波普艺术运动的发展。 利希滕斯坦最标志性的作品特征是对连环漫画的直接引用，他将漫画中的对话气泡、黑白网点、鲜艳的纯色块以及简化的人物表情和动作等元素融入油画之中，创造出一种既熟悉又陌生的艺术语言。他还借鉴广告画中的简洁线条和明亮色彩，将日常生活中常见的视觉符号提升为艺术作品。此外，他模仿商业印刷中使用的本戴点（Ben-Day dots）技术，通过不同大小和颜色的网点排列来模拟色调和渐变，这种技法在放大后清晰可见，成为他作品中极具辨识度的视觉元素。 进展厅后醒目位置就见波普艺术女性头像，来个360 °全方位扫描。 利希滕斯坦的作品通常涉及爱情、战争、英雄主义、日常生活等广泛的主题，通过夸张的情节、戏剧化的场景和通俗文化的象征来探讨现代社会的情感与心理状态。他经常以女性角色为主角，如《哭泣的女人》（Crying Woman）、《吻》（Kiss）等作品，通过对女性情感的夸张表现，揭示消费社会中性别角色及其所要表达的情感。 《我宁愿沉没》，1963 《泪流满面的女孩》1977 为《美国艺术》杂志的封面而作《世界博览会的景色》1964 《小小的大画》1965 《手的研究》1980 《带有美洲印第安人景观的挂毯》1979-1985 《“艺术家工作室”的反思》1989 《有海星的海滩场景》1995 这幅类似于拼贴画，背景为大海，有帆船和海鸥。左半边是个巨大的畸形女孩头和一个前哥伦布时期的木制物品，以及一条干洗服务的领带广告。凭借她的生物形态洞，躺着的金发女郎融化了。一面镜子与一根古董柱子相撞。所有主题都可以追溯到艺术家自己早期的波普艺术作品，他把这些作品元素聚集在这一幅画上，就如同演出结束后的谢幕。 艺术家的思维总是突发奇想、令人意外的。这些画作和雕塑作品也让参观者驻足。 人头肖像

画家笔下的一头牛：从实体到抽象的演变 1973

“笔触雕塑试图赋予某物一种瞬间的外观，一种固体形式：赋予短暂的事物实质内容。青铜艺术家的笔触！我喜欢这个想法。它让它变得沉重、荒谬、矛盾和有趣。” 利希滕斯坦的这些看似简单的雕塑作品，同样表达出他的思想和情感。 孩子们在听老师讲解 看这样的展览真让人脑洞大开。

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阿尔贝蒂娜博物馆共有四层楼的展厅，内容丰富，名品众多，只能挑选部分精品来分享。我们的参观路线是：先坐电梯到２层看莫奈、毕加索，然后逐层往下走。

阿尔贝蒂娜宫保留房间中的一个

1、克劳德•莫奈 （Oscar-Claude Monet，1840年11月14日～1926年12月5日），法国画家，被誉为“印象派之父”。 莫奈的风景画打破了传统的绘画规则，更加注重对光影和色彩的表现，使得画面充满生机与活力。他的作品中常常出现的水域、花园、田野等元素，让人仿佛身临其境，感受到大自然的奇妙之处。 《睡莲池 The Water Lily Pond》，1917-1919 莫奈不愧是色彩大师，他的画放一百多年了，还和刚画完时一样鲜艳，这就是他高超的色彩功夫。 《玫瑰中的房子 House among the Roses》，1925 2、古斯塔夫•克里姆特（Gustav Klimt，1862年－1918年），奥地利知名象征主义画家。他创办了维也纳分离派，是维也纳文化圈代表人物，被誉为“奥地利历史上最伟大的画家”。克里姆特画作的特色在于特殊的象征式装饰花纹，主题常围绕着“性”、“爱”、“生”与“死”的轮回，且画中主角大多为女性。 这幅带有寓言的《美人鱼（银鱼）》同样以水为主题，与莫奈的作品形成鲜明对比。 过滤后的阳光以无数的金色色调呈现，与深绿色的水融为一体，形成了两个恶魔般的、像蝌蚪一样的美人鱼（正常与苍白的面容）和路过的银鱼组成了神秘画面。 《美人鱼（银鱼）Mermaids（Silver Fish）》，1899 3、保罗•西涅克（Paul Signac，1863-1935），法国新印象派(Neo-impressionism)点彩派(Pointillism)创始人之一，他主要画风景，且经常使用点彩派技法作画 。作品富于激情，善用红色作为基调。 《威尼斯的粉云　Venedig, die rosa Wolke》，1909 4、皮埃尔-奥古斯特•雷诺阿 （ Pierre-Auguste Renoir ，1841 - 1919），印象派重要画家。在创作上能把传统画法与印象主义方法相结合，以鲜丽透明的色彩表现阳光与空气的颤动和明朗的气氛，独具风格。
《Douarnenez的日落 Douarnenez (Sunset)》，1883 5、图卢兹•劳特雷克（Toulouse-Lautrec，1864－1901)，法国后印象派画家、版画家、插画家和海报设计师。他承袭印象派画家莫奈、毕沙罗等人画风，并受日本浮世绘之影响，其写实、深刻的绘画不但深具针砭现实的意涵，也影响日后毕加索等画家的人物画风格。可惜37岁早逝。
《名叫加泽尔的白马 Der Schimmel （Gazelle）》，1881 6、保罗•塞尚（Paul Cézanne，1839-1906），法国后印象主义画派画家，其最大成就是对色彩与明暗具有前所未有的精辟分析，主张不用线条、明暗来表现物体，而是用色彩对比。被誉为“现代艺术之父”。
《诺曼底的农场　Gohöft in der Normandie》，1885 7、埃德加•德加 （Edgar Degas，1834 - 1917），印象派重要画家。德加对素描有天生的爱好，他喜欢纤细、连贯而清晰的线条。有一段时间，芭蕾舞女是德加非常喜欢的主题。
《两个舞者 Two Dancers》，1905 8、马克斯•佩希斯泰因（Max Pechstein，1881-1955），德国艺术家，对客观现实中的事物具有生动的敏感性，作品中有较多的生活气息。他的风景画往往充满了诗意和浪漫气息，通过对自然元素的提炼和重组，创造出一种超越现实的理想境界。在这些作品中，佩希施泰因展现了自己对大自然的热爱和敬畏之情，同时也表达了对美好未来的憧憬和追求。
《晚霞中的鸢尾花 Iris im Abendschatten》，1925 9、莫里斯•德•乌拉曼克（aurice de Vlaminck 1876-1958），法国野兽派画家，其绘画风格以强烈的对比色彩著称，认为颜色本身就有强烈的感染力。他的作品色彩绚丽、富有表现力，每一笔都充满活力，这种狂野而冲动的绘画方式成为他的标志。
《划船　Ruderboot bei Chatou》，1906 10、利奥尼•费宁格（Lyonel Feininger，1871 - 1956)，美国画家。 《带有大轮子的机车 Locomotive with Large Wheel》，1910 1906年/07年，在巴黎学习并熟悉塞尚和梵高的作品，从一位插画家和漫画家演变成了一位欧洲现代主义画家。但在描绘人物时，为漫画而形成的特征占了上风。这个四口之家在巴黎郊区阿尔凯伊长廊，其荒谬性与其说是人物的扭曲和拉长，不如说来自他们的头部，用简单的点和笔触笨拙地描绘，仿佛他们是孩子画的。这种刻意的原始主义美学使费宁格成为最重要的表现主义艺术家之一。 《阿尔凯伊的长廊 Promenade in Arcueil》，1915 11、马克•夏加尔（Marc chagall，1887-1985）是一位白俄罗斯裔的法国画家、版画家和设计师。他的作品跨越了印象派、立体派和抽象表现主义等多个流派，以其独特的色彩运用和梦幻般的视觉效果而闻名。夏加尔善于使用红、蓝、绿等对比色彩，营造出一种充满幻想元素和诗意氛围的艺术风格。 《书面合同　Der Papierdrachen》，1926

12、巴勃罗•毕加索 （Pablo Picasso ，1881 - 1973），西班牙画家、雕塑家，是现代艺术的创始人，西方现代派绘画的主要代表。毕加索绘画的主要趋势是丰富的造型手段，即空间、色彩与线的运用。他的作品和他的生活一样没有丝毫的统一，连续和稳定。他没有固定的主意，而且花样繁多，或激昂或狂躁，或可亲或可憎，或诚挚或装假，变化无常不可捉摸，但他永远忠于的是——自由。
尽管头部碎片化，但毕加索的最后一位女人杰奎琳通过她特有的面部特征很容易被识别。
《女人的头 Woman's Head》，1963 13、保罗•德尔沃 （Paul Delvaux 1897 - 1994），他自幼喜欢沉思和幻想，这位画家曾长期探索自己的艺术道路，直到1935年前后，他一直徘徊于新印象派和表现派之间。客观现实只有在作为他梦幻的环境时，才会引起他的兴趣。 这幅画可以被理解为对过去的忧郁、回顾：在中间，一个身穿黑衣服的女人看着一个进入画面深处的葬礼队伍。街灯照亮的小路上，两名男子抬着一具裹尸布的尸体向丘陵景观走去，那里升起了几座古代废墟。显然，这个死亡领域不再与现实世界相连，因为电线杆上的电缆已经被切断了。 《灯笼景观 Landscape with Lanterns》，1958

抬着尸体的男人和断了线的电线杆

14、阿尔贝托•萨维尼奥 （Alberto Savinio 1891 - 1952），意大利艺术家、作家、画家、音乐家、记者、散文家、剧作家和布景设计师，其作品更注重哲学和心理特征。萨维尼奥接受过音乐训练并担任过作家，于1926年开始画画。他的主题源于音乐和神话，以理想主义和象征主义的思想为指导。他不仅对可预示的现象感兴趣，还对它们身后的现象感兴趣。 《音乐纪念碑 Monument of Music》，1951 15、弗朗茨•塞德莱克（Franz Sedlacek ，1891 - 1945），奥地利画家，深受浪漫主义潮流的影响，是克里姆特主导的“维也纳分离派”成员。他的画中有超现实色彩和隐隐的令人不安的气息。二战期间应征入伍，1945年在波兰失踪。

这幅画中宁静的傍晚景观还有一个威胁性因素：前景以深色色调呈现，通向朴素的风景和一块突兀却坚不可摧的巨大岩石。左边光秃秃的、粗糙的树木无法为旅行者提供庇护所，旅行者只能隐约认出。在山后面，夕阳几乎不明显，因为乌云聚集在天空中。

《傍晚的风景 Evening Landscape》，1933 16、雷尼•马格利特(Rene Magritte,1898-1967)，比利时画家，超现实主义画派中的重要一员。他的作品常常赋予平常熟悉的物体一种崭新的寓意，或者将不相干的事物扭曲的组合在一起，给人荒诞、幽默的感觉。
《魔域 The Enchanted Domain》，1953 17、娜塔莉亚•冈察洛娃（ Nathalya Goncharova ，1881 - 1962），俄国女画家、雕刻家和舞台设计师。在主题和绘画方面，她以传统民间艺术和宗教圣像绘画为基础，畸形的人物、缺乏深度空间和虚幻的配色方案让人想起德国艺术家协会的蓝色骑士协会。 这幅《蓝牛》是名为《收获》的一部分。动物扭曲的身体看起来是静态的，没有模型的，让人联想到用于俄罗斯民间图像的木刻。 《蓝牛 The Blue Cow》，1911 《桨手 Kowers》，1912 18、亚历山大•德伊内卡 （Alexander Deineka ，1899 - 1969），著名的俄罗斯画家、平面画家和雕刻家，被认为是20世纪上半叶最重要的俄罗斯现代主义形象画家之一。其绘画作品通常描绘劳动和体育的场景，融合了现实主义与现代主义元素，通过其独特的艺术手法和对色彩的敏感把握，创作出一系列反映时代精神和社会生活的作品。 《足球运动 Football》，1924 《棒球比赛 Baseball》，1935 19、亚历山德拉•埃克斯特（Alcxandka Cxtek ，1882-1949），俄罗斯画家和设计师，是俄罗斯最闪耀的先锋艺术家。她的作品在构图、主题和色彩方面充满活力、俏皮和戏剧性。由于她融合了许多不同的流派，基本的未来主义和立体主义思想总是与她对色彩和节奏的关注相一致。她的作品使用了许多几何构图元素，强化了活力、鲜明对比和自由笔触的核心意图。
《颜色结构 Construction de Couleurs》，1921 20、弗兰西塞克•库普卡（ Frantis lek Kupka，1871 - 1957），生于捷克波西米亚的奥普诺，抽象主义的奠基人之一。库普卡对哥特式艺术着迷，大约在1920年，他经常去沙特尔研究其著名的大教堂，因此他的许多作品让人联想到高耸的礼拜场所。纯色垂直交错的主题将神圣建筑的愿景与植物生长相结合，与声学体验亦很相似。
《绿色和蓝色 Green and Blue》，1921-1923 21、保罗•克利 （Paul Klee ，1879 - 1940），出生于瑞士艺术家庭，为后来的艺术生涯奠定基础。克利的艺术是一个复杂的文化现象，他那变化多端的艺术语言令人眼花缭乱，捉摸不定。这是因为他的思想总是在现实与幻想、听觉与视觉、具象与抽象之间自由往来，因此人们视他为超现实主义画家。 《小雕像“傻瓜” Figurine“The Fool”》，1927 《书写 Script》，1940

展厅一角

22、阿尔贝托•贾科梅蒂（Alberto Giacometti，1901－1966），瑞士存在主义雕塑大师，画家。
2010年2月3日，拍卖师在英国伦敦苏富比拍卖行拍卖贾科梅蒂的雕塑作品“行走的人”，最终以6500万英镑（约合1亿多美元）的价格成交，刷新了艺术品拍卖成交价格的世界纪录。
《四个女人坐在台座上 Four Women on a Plinth》，1950 23、贾科莫•曼祖（Giacomo Manzù，1908—1991），意大利雕塑家。他的作品富有生命力，能将人体的协调之美、人物的感染力，在雕塑上发挥得淋漓尽致。 在作品的形象上尽显个人风格和雕塑语言。贾科莫如魔术师一般，将自己眼中的世界人物用雕塑生动地呈现出来，极具感染力。
《站立的红衣主教Standing cardinal》，1978 24、弗朗茨•格拉马耶（Franz Grabmayr ，1927-2015），他的经历很不平凡。1948年在南斯拉夫边境附近一个村庄任中学教师，后转到维也纳担任教师并在美术学院学习 。1964年快40岁时放弃教学成为一名艺术家。20世纪60年代末开始，他越来越多地探索法国画家 Jean Fautrier的抽象画和Otto Muehl 的物质画。四十多年来他与艺术市场隔绝，创作了数百幅最强大、最美丽的材料画作：郁郁葱葱的颜料和奢华的分层颜色，在火、贫瘠的棕色沙坑或涌出的山溪的元素印象下被立体地展现在画布上，不仅通过颜料进行着色，还给了它们真正的体积、高度以及深度、山脊和峡谷，这些由颜料构成的物体超越了传统的油画概念。 《火灾图像 Feuerbild》，1988 《火灾图像 Feuerbild》，1992

从下面这幅画中看到了山脉、森林、河流和峡谷。

《拉比施峡谷 Rabischschlucht》，1994 这样的油画第一次欣赏，很有立体感，相当震撼。 25、阿尔布雷特•丢勒（Albrecht Dürer ，1471—1528），生于纽伦堡，德国画家、版画家及木版画设计家。其画的动植物素描之精确完全可以同达芬奇所留下的相媲美，如兔子、鸟的翅膀。丢勒不仅是画家，而且还是雕刻家、炼金术师、数学家、机械师、艺术理论家、哲学家、神秘学家、解剖学家、建筑学家，他曾创立了筑城学理论。 丢勒自画像，图片来自网络 《13岁时的自画像 Self-Portrait at the age of thirteen》，1484 十五世纪时，在德国的一个村庄住了一个有14个孩子的家庭。父亲是一名冶金匠，为了维持一家生计，他每天工作十几个小时。
生活尽管窘迫逼人，然而这个家庭中有两个孩子却有着同样的梦想，希望可以发展自己在艺术方面的天份。不过他们也知道父亲无法在经济上供他们俩同时外出求学。俩兄弟经过多次讨论后，以掷铜板决定：胜者去学艺，败者则到附近的矿场工作赚钱；四年后，再倒过来，由学成毕业的赚钱支持后一个去学艺。星期日早上做完礼拜，他们掷了铜板，结果，弟弟阿尔布雷特Albrecht Dürer 胜出，哥哥阿尔伯特Albert则去了危险的矿场工作，为弟弟提供经济支持。
阿尔布雷特在学习期间表现很突出，他的画作简直比教授的还要好。到毕业时，他的作品已经能赚不少钱了。
当这位年轻的艺术家返回家乡的那一天，家人为他准备了盛宴，庆祝他学成归来。宴席快要结束时，伴随着音乐和笑声，阿尔布雷特起身答谢敬爱的哥哥几年来对他的支持，他说：“现在轮到你了，亲爱的哥哥，我会全力支持你去学习，实现你的梦想！”所有的目光都急切地转移到桌子的另一端，坐在那里的阿尔伯特双泪直流，只见他垂下头，边摇头边重复说着：“不……不……”终于，阿尔伯特站了起来，他擦干脸颊上的泪水，看了看长桌两边他所爱的亲友们，把双手移近右脸颊，说：“我去不了了，太迟了。看看我的双手──四年来在矿场工作，毁了我的手，关节动弹不得，现在我的手连举杯为你庆贺也不可能，何况是挥动画笔或雕刻刀呢？不，好兄弟……已经太迟了……”
近五百年过去，丢勒有成千上百的杰作流传下来，他的速写、素描、水彩画、木刻、铜刻等可以在世界各地博物馆找到；然而，大多数人最为熟悉的，却是其中的一件作品。为了补偿哥哥所做的牺牲，表达对哥哥的敬意，若干年后，丢勒饱蘸着自己的眼泪和心血，深情地画下了兄长这双历尽艰辛和磨难的、几乎已经变形的手。他把自己一颗感恩的心，融化在了动人心弦的画面里。当时，丢勒只是简单地把这幅作品命名为《手》。可是，当这幅画展现在世人面前时，每一个观众都被这幅画深深地感动了。他们为这幅不朽的作品重新命名为《祈祷的手》。
《祈祷的手 Praying Hands》，1508 《两个女孩 Two girls》，1506 《一个93岁老人的画像 A Ninety-Three-Year-Old Man》，1521 丢勒在 1502年完成的作品 《野兔 hare》，被认为是艺术史上第一幅动物肖像画。看过这幅作品的人都会惊叹于这只栩栩如生的兔子，机敏地高高竖起耳朵，炯炯有神的眼睛，以及柔软光滑的皮毛，眼睛里甚至还映射出画室窗户的十字窗框。它向人们真实再现了自然的原貌，开创了一种革命性的美学理念。

这只兔子太珍贵了，虽然是阿尔贝蒂娜的镇馆之宝，却很少展出，因为光线会对水彩造成损伤，所以每次经过最多3个月的展示后，兔子就需在黑暗、控制湿度的保管室内存放几年。我们很幸运，见到了真迹。

这幅创作于1503年的水彩画《大草坪 The Great Piece of Turf 》，丢勒以细腻的笔触和精准的观察，描绘了一片生长在地面上的野草。画面中的每一根草叶、每一片叶子、每一个茎干都被细致入微地刻画出来，仿佛可以触摸到它们的质感。画中的植物种类繁多，可以识别的有果园草、车前草、早熟禾、雏菊、蒲公英、维罗妮卡、舌苔、千叶蓍草等，展示了自然界的丰富与多样。 丢勒另一幅水彩画《蓝鸟的翅膀 Wing of a Blue Roller，1512》，同样以细腻、精准的笔法和色彩，画出了最漂亮的一只蓝鸟翅膀，堪比高清镜头下的摄影照片。

26、最后，在大厅边展出的现代画家伊娃•贝雷辛（Eva Beresin，1955- ）的个展，印象也很深刻。这是一位在布达佩斯视觉艺术学院学习后移居维也纳的女艺术家，她的作品以一种机智而诙谐的方式探索了过去的记忆。

《浓密的空气》是一幅画的标题，也是伊娃•贝雷辛个展的名字。画面中挤满了混合人物，有人类也有动物；一个戴着显眼面具的裸体女性坐在放着水杯的桌子上，前面有个花瓶，开满了五颜六色的鲜花。把画与2021联系起来，艺术家要告诉我们的就是新冠流行时，人们被隔离：艺术家同样独自在工作室——一个创造性自我的回声空间里反思着。

《浓密的空气 Thick Air》，2021 半天的游览，看到这么多大师级的真迹和作品，太值得了！

临出博物馆前看到这尊雕塑，可乐吧？

注：介绍性文字来自博物馆或网络

　　阿尔贝蒂娜博物馆门票19.9€（不含讲解器），除了总馆，在维也纳还有两个分馆，因时间关系没去参观。

维也纳金色大厅旁边的一个分馆