中外著名音乐家像（教学挂图）

菅伟民

　　淘书时偶然淘到一些教学挂图，猛地看到想着是马恩列斯毛的伟人像，仔细看看是中外音乐家像。三十多年前，他们的音乐伴我度过了人生低谷。

这些音乐家中，有许多熟悉的名字，但也有一些陌生的。这套挂图是由人民音乐出版社于1996年出版的尺寸787X1002毫米，四开共35张，缺四张。中国的缺冼星海、聂耳，外国的缺贝多芬、莫扎特等。

李叔同（1880年10月23日－1942年10月13日），又名李息霜、李岸、李良，谱名文涛，幼名成蹊，学名广侯，字息霜，别号漱筒。

李叔同是著名音乐家、美术教育家、书法家、戏剧活动家，是中国话剧的开拓者之一。他从日本留学归国后，担任过教师、编辑之职，后剃度为僧，法名演音，号弘一，晚号晚晴老人，后被人尊称为弘一法师。

1913年受聘为浙江两级师范学校（后改为浙江省立第一师范学校）音乐、图画教师。1915年起兼任南京高等师范学校音乐、图画教师，并谱曲南京大学历史上第一首校歌。1942年10月13日，弘一法师圆寂于泉州不二祠温陵养老院晚晴室。

2023年5月5日，国家文物局公布了1911年后已故书画类作品限制出境名家名单，根据名单，李叔同作品一律不准出境。

李叔同的诗词在近代中国文学史上同样占有一席之地。他年轻时，即以才华横溢引起文坛瞩目。客居上海时，他将以往所作诗词手录为《诗钟汇编初集》，在“城南文社”社友中传阅，后又结集《李庐诗钟》。出家前夕，他将清光绪二十六至三十三年（1900—1907年）间的20多首诗词自成书卷。其中就有《留别祖国并呈同学诸子》《哀国民之心死》等不少值得称道的佳作，表现了作者对国家命运和民生疾苦的深切关注。出家前的五六年间，他还有30余首歌词问世。这些作品，通过艺术的手法表达了人们在相同境遇中大都会发生的思想情绪，曾经风靡一时，有的成为经久不衰的传世之作。

弘一法师对联语也有浓厚兴趣，并有极高的鉴赏和创作水平。尤其是出家后，大师为各地寺院和缁素撰写的诸多嵌字联语，更表现出他的奇思妙想和深厚的艺术功底。他在宣传佛法导引众生佛化过程中，将联语这一形式作为劝人为善的巧妙手段。他书写的那些内容深刻、极富哲理的名联，现也成为警示后人的一笔宝贵的文化艺术财富。

李叔同是中国现代歌史的启蒙先驱。接受了欧洲音乐文化的李叔同，把一些欧洲歌曲的现成曲调拿来，由他自己填写了新词。这些歌曾在全国范围内广为传播。曲调带着强烈的外来色彩，歌词带着浓重的旧体诗词的韵调，这便是最初的，也是宣告一个新的时代已经到来的歌。李叔同用这样的歌完成了启蒙者的历史任务。

李叔同不仅是中国“学堂乐歌”最为杰出的作者，而且较早注意将民族传统文化遗产作为学堂乐歌的题材。他于1905年编印出版的供学校教学用的《国学唱歌集》，即从《诗经》《楚辞》和古诗词中选出13篇，配以西洋和日本曲调，连同两首昆曲的译谱合集而成的。其中的《祖国歌》，还是当时为数较少、以中国民间曲调来填词的一首学堂乐歌，激发了学生的爱国热情。不久他东渡日本，学习西方音乐、美术、戏剧理论，主攻钢琴。曾创办中国第一部音乐刊物《音乐小杂志》，竭力提倡音乐“琢磨道德，促社会之健全，陶冶性情，感精神之粹美”的社会教育功能。同时发表了《我的国》《隋堤柳》等怀国忧民的乐歌。

李叔同的篆刻可谓独树一帜。他早年治印从秦汉入手，兼攻浙派。35岁那年入“西泠印社”。39岁在杭州虎跑定慧寺出家前，将平生篆刻作品和藏印赠与“西泠印社”。该社为之筑“印冢”并立碑以记其事。治印赏印论印，是终其一生未曾放弃的癖好。他在给友人的信中提道：“刀尾扁尖而平齐若锥状者，为朽人自意所创。锥形之刀，仅能刻白文，如以铁笔写字也。扁尖形之刀可刻朱文，终不免雕琢之痕，不若以锥形刀刻白文能自然之天趣也。”李叔同对印学的贡献还体现在他对近代篆刻事业的弘扬上。他亲自发起成立了继“西泠印社”之后的又一印学团体——乐石社，定期雅集，并编印印社作品集和史料汇编。这也是在近代篆刻史上领风气之.

李叔同是我国新文化运动的前驱，近代史上著名的艺术家、教育家、思想家、革新家。作为中国新文化运动的早期启蒙者，他一生在音乐、戏剧、美术、诗词、篆刻、金石、书法、教育、哲学、法学等诸多文化领域中都有较高的建树，并先后培养了一大批优秀艺术人才。名画家丰子恺、音乐家

他的书法犹如浑金璞玉，清凉超尘，精严净妙，闲雅冲逸、富有乐感，朴拙中见风骨，以无态备万态，将儒家的谦恭、道家的自然、释家的静穆蕴涵书艺之中，闻字犹闻佛法，爱而宝之者顿生欢喜心，得者珍如拱璧，堪称中国历代书法中的逸品。弘一和他的书法亦谓国之至宝，华夏之光。

李叔同一生迄今留存的乐歌作品70余首。编作的乐歌继承了中国古典诗词的优良传统，大多为借景抒情之作，填配的文辞依永秀丽，声辙抑扬顿挫有致，意境深远而富于韵味。加上他具有较为全面的中西音乐文化修养，选用的多为欧美各国的通俗名曲，曲调优美动人，清新流畅，词曲的结合贴切顺达，相得益彰，达到了很高的艺术水平。因此，他的乐歌作品广为青年学生和知识分子喜爱，像《送别》《忆儿时》《梦》《西湖》等，特别是《送别》，先后被电影《早春二月》《城南旧事》成功地选作插曲或主题歌。

弘一法师既是才气横溢的艺术教育家，也是一代高僧，“二十文章惊海内”的大师。他将中国古代的书法艺术推向了极至，“朴拙圆满，浑若天成”，鲁迅、郭沫若等现代文化名人以得到大师一幅字为无上荣耀。

他是中国新文化运动的前驱，卓越的艺术家、教育家、思想家、革新家，是中国传统文化与佛教文化相结合的优秀代表，是中国近现代佛教史上最杰出的一位高僧，又是国际上声誉甚高的知名人士。李叔同是“二十文章惊海内”的大师，集诗、词、书、画、篆刻、音乐、戏剧、文学于一身，在多个领域，开中华灿烂文化艺术之先河。同时，他在教育、哲学、法学、汉字学、社会学、广告学、出版学、环境与动植物保护、人体断食实验诸方面均有创造性发展。他把中国古代的书法艺术推向了极致。作为高僧书法，弘一与历史上的一些僧人艺术家存有差异，如智永和怀素，尽管身披袈裟，但似乎他们的一生并未以坚定的佛教信仰和恳切实际的佛教修行为目的，他们不过是寄身于禅院的艺术家，“狂来轻世界，醉里得真知”，这完全是艺术家的气质与浪漫。卓越的艺术造诣，先后培养出了名画家丰子恺、音乐家刘质平等一些文化名人。他苦心向佛，过午不食，精研律学，弘扬佛法，普度众生出苦海，被佛门弟子奉为律宗第十一代世祖。他为世人留下了咀嚼不尽的精神财富，他的一生充满了传奇色彩，他是中国绚丽至极归于平淡的典型人物。

萧友梅（1884年1月7日-1940年12月31日），出生于广东广州府香山县，上海音乐学院创始人之一、作曲家、教育家、音乐理论家。萧友梅是中国首位音乐博士，被誉为“中国现代音乐之父”。1899年，就读于广州时敏学堂；1901年，留学日本，攻读教育学、钢琴及声乐；1906年，加入同盟会；1921年，担任国立北京大学“音乐研究会”导师；1927年，在教育总长蔡元培的支持下创办中国第一所高等音乐学府——国立音乐院（上海音乐学院前身），并担任教务主任；1929年，学校更名为国立音乐专科学校，并担任校长；1940年12月31日，在上海体仁医院病逝，享年56岁。 萧友梅在音乐教育、音乐创作和音乐学方面有显著成绩，编写音乐教材《风琴教科书》《钢琴教科书》《小提琴教科书》等；一生创作了100多首歌曲，代表作有《问》《国立音乐院院歌》《五四纪念爱国歌》《新霓裳羽衣舞》《国民革命歌》《国难歌》《从军歌》和大提琴曲《秋思》等，还创作了上海交通大学、北洋大学（天津大学前身）、湖南大学等大学的校歌。

萧友梅（1884年1月7日-1940年12月31日），出生于广东广州府香山县，上海音乐学院创始人之一、作曲家、教育家、音乐理论家。萧友梅是中国首位音乐博士，被誉为“中国现代音乐之父”。1899年，就读于广州时敏学堂；1901年，留学日本，攻读教育学、钢琴及声乐；1906年，加入同盟会；1921年，担任国立北京大学“音乐研究会”导师；1927年，在教育总长蔡元培的支持下创办中国第一所高等音乐学府——国立音乐院（上海音乐学院前身），并担任教务主任；1929年，学校更名为国立音乐专科学校，并担任校长；1940年12月31日，在上海体仁医院病逝，享年56岁。 萧友梅在音乐教育、音乐创作和音乐学方面有显著成绩，编写音乐教材《风琴教科书》《钢琴教科书》《小提琴教科书》等；一生创作了100多首歌曲，代表作有《问》《国立音乐院院歌》《五四纪念爱国歌》《新霓裳羽衣舞》《国民革命歌》《国难歌》《从军歌》和大提琴曲《秋思》等，还创作了上海交通大学、北洋大学（天津大学前身）、湖南大学等大学的校歌。

萧友梅，音乐教育家、作曲家。字思鹤，又名雪明。原籍广东香山（今中山县），童年随父亲寓居澳门。1901年赴日本留学，在东京音乐学校学习钢琴与声乐，并在帝国大学学习教育。1913年又到德国莱比音乐学院和莱比大学学习，取得博士学位后于1920年回国。前后达十八年。在日本时，曾参加同盟会，掩护过孙中山先生的革命活动。1920年回国后，先后在北京女子高等师范学校 音乐体育专科、北京大学音乐传习所和北京艺术专门学校音乐系任教，并担任领导工作。在蔡元培的支持下，1927年在上海创办了国立音乐院，这是中国第一所专业音乐院，为音乐教育事业与培养专业音乐人才涤讪了基础。萧友梅还致力于编写音乐教材，计有1924年的“风琴教科书”、1925年“钢琴教科书”、1927年的“ 小提琴教科书 ”等，著有“ 中西音乐的比较研究”、“古今中西音乐概说 ”和“ 中国历代音乐概略 ” 等学术论著，先在北京主持北京女子高等师范学校音乐科和北京大学附设音乐传习所，同时组织了我国第一支管弦乐队，自任指挥。

萧友梅，被誉为“中国现代音乐之父”。萧友梅早年加入同盟会并追随孙中山先生，曾赴日本东京帝国大学、东京音乐学校等学习。回国后，与蔡元培先生共同创办国立音乐院。代表作有歌曲《问》、《国民革命歌》、《国难歌》、《从军歌》等。

1901年到日本东京帝国大学教育系和东京音乐学校学习。 1912年入德国莱比锡国立音乐学院学理论作曲。

1920年归国，兴办专门化的音乐教育。

1922年任音乐练习所所长，这也是现代专业音乐教育的开端。

1927年在上海创办国立音乐院。1940年病逝于上海，萧友梅毕业从事高等音乐教育，为中国现代音乐的发展作出较大贡献。他创作了一百余首歌曲和其它体裁的作品。

《问》是其代表作。创作于1922年，收入在他的歌曲集《今乐初集》中，通过对人生山河的感慨和发问，抒发了一种忧国忧民的感情，表现了一种苦闷彷徨的心理，也反映了当时作者对北洋军阀的不满。乐曲形象鲜明，思想内容和艺术形式协调，旋律发展富于逻辑性，是一首较好的艺术歌曲。

萧友梅21岁在东京曾随孙中山干革命并经孙先生介绍加入同盟会，是该组织最早的成员之一。曾掩护过孙先生的革命活动，是中国第一位参加孙中山直接领导的同盟会的音乐工作者。

1912年民国成立，孙中山委以临时大总统府秘书要职。同年10月，赴德国专攻音乐。1916年以长篇论文《17世纪以前中国管弦乐队的历史的研究》获哲学博士学位，成为中国第一位获此种学位的音乐家。这篇论文也是中国第一篇研究民族音乐的学术著作。

1922年，协助蔡元培建立了北京大学附设音乐传习所，这是中国近现代第一所具有相对独立性的专门音乐教育机构。

次年，创办了中国现代第一个管弦乐队——北大音乐传习所附设小型管弦乐队，自任指挥。

1927年，他到上海创建了中国现代第一所完备的高等音乐教育机构——国立音乐院，后改为上海国立音乐专科学校。在长达20年的教育工作中，为中国培养了现代最早的一大批音乐专门人才，为中国现代音乐文化事业的发展奠定了良好的基础。

他是中国第一首室内乐、第一首管弦乐、第一首铜管乐的作曲者，是中国跨越业余作曲进入专业音乐创作的第一人。

1924年，“五四运动”五周年，他写出了合唱《五四纪念爱国歌》，这是我国第一首以“五四”为题材的歌曲。

1928年，写出了《国耻》等三首歌曲，是中国最早的抗日歌曲之一。

1931年“九一八”之后，写出了《从军歌》，是我国第一批以救亡为题材的爱国歌曲之一。

1922年写出了《问》，是萧先生最有影响的一首歌。“你知道今日的江山，有多少凄惶的泪”点明了“问”的主题是对于当时军阀混战，山河残破的祖国深沉的忧虑。

他的主要成就编撰了中国第一部实际应用于音乐教学的西洋音乐史教材和中国音乐史教材。

撰写了中国第一份介绍欧美音乐教育机构的调查报告。

萧友梅又是第一位用比较的方法对中西音乐进行研究的音乐学者。

提起萧友梅，那真是中山人的骄傲。实在可惜，1940年，他仅56岁就离开了人间，那真是中国音乐界的重大损失。

他在中国现代音乐史上留下了许多“第一”的纪录，他是中国现代音乐事业的拓荒者，是中国专业音乐教育的奠基者，还是专业音乐创作的先行者，音乐理论研究的探索者。萧友梅博士逝世60周年纪念音乐会在中央音乐学院礼堂举行，演出了他的代表作《问》、《秋思》等。在北京大学百年纪念讲堂举行了第二场演出。

萧友梅17岁时即自费留学日本，是我国第一位出国学习音乐的留学生。

萧友梅被人们称为“现代专业音乐的奠基人”。

他在教育家蔡元培的支持下创办了中国第一个音乐专科学校——上海国立音乐院（后改名为“国立音乐专科学校”），蔡元培任校长，萧友梅任教务主任。从此之后，中国有了独立的专业音乐教育机构。萧友梅在学校担任乐理、和声、作曲、音乐史等课程。这么多的课程，在现在恐怕要有四、五位老师才能教得下来。萧友梅还创作了九十多首歌曲和钢琴曲，如合唱《春江花月夜》、弦乐四重奏《小夜曲》、钢琴曲《新霓裳羽衣舞》，歌曲《国耻》、《五·四纪念爱国歌》、《卿云歌》等。由于他和一些人的努力，从此中国走上了音乐专业化的轨道。

大家都知道他是杰出的音乐教育家、作曲家，许多人却不知道他曾经从政，当过孙中山先生总统府的秘书。萧友梅1901年到日本留学，当时他正是一位热血青年，信仰孙中山先生的民主思想。1906年，他加入了孙先生组织的同盟会。由于他为人正直、善良和孙中山先生又是同乡，关系十分融洽。为了掩护孙先生从事革命活动，他把自己的寓所提供出来，供革命党人作为秘密会议的地点。孙先生举行会议时，他常常带着廖仲恺先生的孩子在屋外玩耍，实际上是在给开会的人放哨，一有动静就可立即通知他们。在长年的交往中，孙先生觉得萧友梅是一位十分信得过的人，对他很器重。1912年1月1日，孙中山先生在南京宣誓就任中华民国临时大总统时，任命萧友梅为总统府秘书，从此他们之间的关系更为密切。孙中山先生还赠给萧友梅一张个人照片，亲笔题写“友梅先生惠存”六个字。萧友梅非常珍惜这张照片，一直摆在自己的书房中。虽然已经从政，虽然与孙先生有着深厚的友谊，但他心中念念不忘的是音乐。当他听说有欧洲学习音乐的机会，就毅然辞掉了总统府的职务，奔赴德国学音乐。此后，他的一生都奉献给了音乐文化事业，一直到生命的最后一刻。

萧友梅凭借自己渊博的学识和艺术才华，编撰了一大批音乐教材、论著，并创作有多种体裁的音乐作品。

1920年出版了《乐学研究法》，

1920-1921年出版了《和声学纲要》，

1924一1925年出版了《初级中学乐理教科书》（六册），

1925年出版了《钢琴教科书》、《风琴教科书》，

1927年出版了《小提琴教科书》，

1928年出版了《普通乐学》与讲义《近世音乐史纲》。

20年代初，他陆续创作了一些配有钢琴伴奏谱的艺术歌曲，大都被收录在商务印书馆1922年出版的《今乐初集》

1923年出版的《新歌初集和1924一1925年出版的《歌集》1一3册中，这些都是我国早期艺术歌曲的代表作和最早出版的作曲家的个人专集。

他的创作，以反映青年学生的校园生活和对美好的大自然的心灵感受居多，如《中华好》、《南飞之雁语》、《新雪》、《登高》、《星空》、《杨花》等。有的作品则表达了作者对社会现实的关注和对祖国的深厚感情，如《五四爱国纪念歌》、《国民革命歌》、《国难歌》、《从军歌》，悼念黄兴、蔡锷的《哀悼引》，悼念孙中山的《总理奉安哀辞》等等。他在深研西洋乐理的同时，对中国的传统音乐也很重视，主张“古今中外的音乐都要学习”，“音乐的骨干是一民族的民族性”。他曾谱写了大型合唱曲《春江花月夜》、大提琴曲《新霓裳羽衣舞曲》等，虽不尽完善，却也不难看出音乐家于此所倾注的心力。

萧友梅先生在留德期间所作《D大调弦乐四重奏》是中国第一部弦乐四重奏。所作以中小学校学生为对象的《今乐初集》（1922）和《新歌初集》（1923），是中国最早出版的两本教材歌曲和个人作品专集；收入前者的《问》，为其最有影响的代表作，曾在当时的青年学生和知识分子中广为传唱，1924年为纪念“五四运动”5周年而作的《五四纪念爱国歌》，则是中国最早讴歌这场伟大运动的曲作。作于1930年的《秋思》则是中国第一首大提琴独奏曲。作为一校之长，主持校政也颇多具有远见卓识且为后人仿效的创举。学校成立之初即根据国情，于传授西方作曲理论及表演艺术的各学科组之外，增设传授我国民族乐器演奏技术的国乐组，并亲自主讲有关我国古代音乐史的“旧乐沿革”。从1930年起，又与黄自等先后发起成立乐艺社和音乐艺文社，组织力量编辑出版校刊《音》和《乐艺》《音乐杂志》《音乐月刊》《林钟》等定期或不定期刊物。学校工作之余，还从事著述和创作，编撰小提琴、和声学、普通乐学等教科书。

刘天华（1895年2月4日—1932年6月8日），原名刘寿椿，江苏省江阴市澄江镇西横街人，中国近代作曲家、演奏家、音乐教育家。

清末秀才刘宝珊之子，与诗人刘半农、音乐家刘北茂是兄弟。自幼受到家乡丰富的民间音乐熏陶。辛亥革命爆发后，回到江阴参加“江阴反满青年团”，执掌军号。

1912年随兄刘半农去上海，工作于开明剧社，业余加入万国音乐队，并学习钢琴和小提琴，开始接触西洋作曲理论。

曾任教于北京大学音乐研究会。1932年因猩红热病逝于北京，年仅37岁。代表作有《烛影摇红》《光明行》《良宵》《空山鸟语》《歌舞引》《飞花点翠》等。

1909年—1911年（14岁—16岁）：在常州中学求学时，参加校中军乐队，学习吹军号及军笛，开始接触西洋铜管乐。

1911年：辛亥革命，学校停办之后回到故乡江阴参加“反满青年团”军乐队，吹奏军号。从此时开始音乐工作。

1912年—1914年（17岁—19岁）：赴沪参加沪西开明剧社，任乐队工作。在这时期学习各种西乐器，举凡管弦乐器、钢琴等，均加学习，尤以铜管乐器多有深造，并对西洋作曲理论有所接触。

1914年：开明剧社解散，返里任教于华墅华澄小学。开始了他音乐教学的生涯。1915年（20岁）：是年春丧父，复贫病失业，心境恶劣，偶赴市购得二胡一把，每日拉奏，随产生《病中吟》旋律初稿，表达他当时的不得志和内心的抱负。秋任教常州母校，为母校建立了军乐队与丝竹合奏团，常至民间演出。

1916年（21岁）：与殷尚真女士结婚。被江苏省立五中聘为音乐教员，并在该校组织了丝竹部和军乐部两支乐队。

1917年（22岁）：向江南民间音乐家周少梅学习二胡及琵琶等。

1918年（23岁）：夏，从沈肇洲先生学习崇明派琵琶的演奏。开始创作《病中吟》《月夜》《空山鸟语》等曲。

1920年（25岁）：夏，赴河南学习古琴，沿途还一路寻访民间艺人，采集各处民间音乐。染癣疥，负病归。至此，刘天华比较深入地认识到中国传统音乐精致典雅的一面。 在此期间，他对各种传统民间音乐也进一步学习，他常和熟习音乐的好友澈尘和尚探索研究民间音乐及佛教音乐。

1921年（26岁）：到上海参加“开明剧社”乐队，在江阴组织暑期“国乐研究会”，授《病中吟》《月夜》《空山鸟语》等曲。

1922年（27岁）：赴北京，先后任北京大学音乐传习所国乐导师、北京女子高师和国立艺专音乐系科的二胡、琵琶、小提琴教授，结识了音乐家萧友梅、杨仲子等人。他的学生有曹安和、王君仪、韩权华、萧伯青、吴伯超等。

1923年（28岁）：从托诺夫学习小提琴，同时悉心钻研西洋音乐理论，得到了不错的成就。小提琴的学习，给予他对胡琴的改进十分大的启发，他又对西洋作曲方式，尤其西方和声学的进一步研习。

1924年（29岁）：《月夜》定稿。

1926年（31岁）：除北大与女师外，又任教于艺专。创作《苦闷之讴》。学习昆曲。在家中组织了学习昆曲的组织，和北大、及女子师范大学的学生共同学习研究，又学习三弦拉戏，并不时研究欣赏京剧，这些都对他以后的作曲有不小帮助。

1927年（32岁）：从北京燕京大学音乐系外籍教授学习理论作曲。因托诺夫去津，改从欧罗伯学习，6月，欧罗伯离京，停。创办国乐改进社，编辑出版了《音乐杂志》（共10期）。创作《歌舞引》《改进操》《悲歌》。

1928年（33岁）：创作《除夜小唱》（良宵）《闲居吟》，发表《空山鸟语》定稿。

1929年（34岁）：创作《虚籁》。

1930年（35岁）：3月，继续从托诺夫学习，直至罹病，未间断。听写《梅兰芳歌曲谱》一册。

1931年（36岁）：在高亭公司灌音二胡曲《病中吟》及《空山鸟语》，琵琶曲《歌舞引》及《飞花点翠》。

1932年（37岁）：创作《独弦操》及《烛影摇红》。6月1日赴天桥收集锣鼓谱，染猩红热，罹病仅一星期，6月8日晨5时20分逝世。享年整37岁。

刘天华的音乐创作成就，主要在民族器乐曲方面，共作有十首二胡曲：《病中吟》《月夜》《苦闷之讴》《悲歌》《空山鸟语》《闲居吟》《良宵》《光明行》《独弦操》《烛影摇红》[7] 三首琵琶曲：《歌舞引》《改进操》《虚籁》。[8] 一首丝竹合奏曲《变体新水令》、编有四十七首二胡练习曲、十五首琵琶练习曲，还整理了崇明派传统琵琶曲十二首，其中他改编的《飞花点翠》于1928年由高亭唱片公司录制唱片，已成为琵琶经典乐曲。当刘天华逝世时，在纪念会上有人用这十大二胡名曲标题的首位字联成过一幅便于记忆又颇有意境的挽联：“良月苦独病，烛光悲空闲”。

在乐器的制造改良上，他对于他所擅长的二胡、琵琶进行改革。他在二胡制造的材料、技术上进行改变及定制，以期达到好的音色及音量，对二胡二根弦的音准进行调整，又增加了二胡的把位，以提高其演奏的表现力。他又依十二平均律制作了新的琵琶，并增加琵琶的品和项，使琵琶能有准确的音准并能演奏半音阶，他这些音乐器的改进的进行，也和乐器制作厂商合作发展，以期达到推广的效果，他自己也曾于北京经营了一家音乐商店，名叫中华乐社，售乐器及谱等，可惜后来未能如其计划进一步成立乐器厂。

　　华彦钧（1893年8月17日—1950年12月4日），艺名阿炳，出生于江苏省无锡市，民间音乐家，正一派道士。

1893年8月17日，华彦钧出生在无锡雷尊殿旁“一和山房”，一岁丧母。1901年，8岁时从无锡乡下回到父亲身边，从小耳濡目染喜欢上拉琴操鼓[5]。1912年，正式参加道教音乐演奏，因长相俊俏，琴术高超，被无锡人称作“小天师”。20世纪20年代，因人引诱，吃上了鸦片。加上宿娼染疾，华彦钧数年间双目先后失明，无法再做道士。为了谋生，他以“瞎子阿炳”的名号开始了卖艺生涯。1933年，创作并开始演奏二胡独奏曲《二泉映月》。1938年，日军侵占无锡后，阿炳赴上海避难，在昆曲班仙霓社担任琴师，弹奏三弦。1939年重返锡城，再操旧业。1947年，原住房被收回，临时租住在盛岸里，曾到惠山卖艺。1948年，被送入“戒毒所”，释放后彻底停止卖艺。1950年暑期，中央音乐学院民族音乐研究所所长杨荫浏教授赴无锡，用进口携带式钢丝录音机为阿炳录制了3首二胡曲与3首琵琶曲[。同年12月4日，阿炳病逝，终年57岁。

华彦钧虽然只给后人留下了6道器乐曲，但这些作品继承和发展了中国传统音乐的优良传统。在中国近代音乐史的民族器乐创作中有着重要的价值与地位。

人们称阿炳是三不穷:人穷志不穷(不怕权势);人穷嘴不穷(不吃白食);人穷名不穷(正直)。作为民间艺人，不仅能够用自己的双手，用音符来表达，还能借助音乐这种工具来感染其他的心灵。

阿炳是源自草根的艺术家，他的传播途径是街头巷尾的谈唱，比较当下的网络歌手自由的传播模式，乔建中认为，这些有利条件是阿炳当年无法拥有的，但要再出现一个阿炳，却很难。"艺术要不得一点浮躁，阿炳艺术成就的萃成，有他丰富的人生阅历，有深入民间的体会体察，更有传统艺术的深厚浸润，所以研究阿炳"苦难"的成功才显得特别有意义，对现在的艺术人是一种启发。"

　　赵元任（1892年11月3日—1982年2月24日）， 汉族，字宣仲，又字宜重，原籍江苏武进（今常州）。清朝诗人赵翼后人。光绪十八年（1892年）生于天津。现代学者、语言学家、音乐家。

赵元任先后任教于美国康乃尔大学、哈佛大学、中国清华大学、中央研究院史语所、美国夏威夷大学、耶鲁大学、哈佛大学、密歇根大学，后长期（1947—1963年）任教于加州大学伯克利分校（UC Berkeley）并在伯克利退休。赵元任先后获美国普林斯顿大学（1946年）、加州大学（1962年）、俄亥俄州立大学（1970年）荣誉博士学位，加州大学“教授研究讲师”（Faculty Research Lecturer，1967年），中国北京大学荣誉教授（1981年）。1982年2月24日赵元任逝世于美国马萨诸塞州，享年90岁。

赵元任通英、法、德等外语，是中国现代语言学先驱，被誉为“中国现代语言学之父”，同时也是中国现代音乐学之先驱，“中国科学社”的创始人之一。赵元任在语言学方面的代表作有《现代吴语的研究》《中国话的文法》《国语留声片课本》等，在音乐方面的代表作有《教我如何不想她》《海韵》《厦门大学校歌》等，翻译的代表作有《爱丽丝梦游仙境》等。

杨荫浏（1899年—1984年2月25日），字亮卿，号二壮，又号清如，音乐教育家，中国民族音乐学的奠基者。对无锡道教音乐、青城山道教音乐、中国基督教圣乐、北京智化寺音乐、西安鼓乐、五台山寺庙音乐、湖南宗教音乐等进行了深入的调查研究，堪称宗教音乐研究领域的先锋。

建国后，杨荫浏任中央音乐学院研究部研究员、教授，音乐研究所副所长、所长，及中国音乐家协会常务理事。他用30多年时间和毕生心血编著了《中国古代音乐史稿》。完成专著20多种、论文近百篇。其中有《天韵社曲谱》《雅音集《文板十二曲琵琶谱》《古琴曲汇编》《关汉卿戏曲乐谱》《语言音乐学初探》等。

杨荫浏会多种乐器，尤擅竹笛，得到吴畹卿嫡传，夙负盛名。吹奏时，高音晶莹清澈，低音细若游丝，故被誉为“杨笛子”。

杨荫浏自幼酷爱音乐，从近邻道士颖泉学习笛、笙、二胡等民族乐器。12岁起加入无锡"天韵社"，从名曲师吴畹卿学唱昆曲及演奏琵琶、三弦等乐器。

1916年考入江苏省立第三师范学校，后入辅仁中学学习。

1920年至1930年间从美国传教士郝路易女士学英文、钢琴和作曲，后又得到丁燮林博士帮助，学习音响学。

1923年进上海圣约翰大学文学系学习，后转入光华大学(今华东师范大学)经济系。

1926年辍学回乡，先后在无锡、宜兴任中学教师。

1929年应基督教圣公会之聘从事赞美诗译制、编辑工作。

1931年任圣公会联合圣歌委员会委员、总干事。

1936年至1937年任北平"哈佛燕京学社"音乐研究员，并在燕京大学音乐系讲授中国音乐史。

1941年至1949年在重庆、南京任国立音乐学院教授兼国乐组主任、国立礼乐馆编纂和乐曲组主任、金陵女子大学音乐系教授。

1950年，他专程回锡抢救录制阿炳的6首名曲，并整理编成《阿炳曲集》出版。"文化大革命"期间，杨荫浏下放河北怀来县"五七"干校，1973年患突发性脑痉挛，肺气肿亦日趋严重。

1979年起任中国艺术研究院顾问，兼任民族音乐委员会主任、第三至第六届全国政协委员等职。

1984年2月25日在北京逝世。他一生致力于民族音乐遗产的搜集整理和中国音乐史、乐律、音韵、古谱的研究。

1984年2月25日杨荫浏在北京逝世，终年84岁。

杨荫浏自幼酷爱音乐，每当道士做法事时，总要去听他们的演奏。七八岁时，便同哥哥杨荫溥一起向三清殿年轻道士颖泉学习箫、笛、 笙、胡琴等民族乐器，后来又跟雷尊殿道士阿炳学习琵琶，可惜他父亲不喜欢阿炳，阿炳仅教了他两个半天。12岁时，他由老师黄绪初介绍入天韵社，师从吴畹卿学习。天韵社是江南著名民间音乐(昆曲)团体，社友皆无锡音乐界名流，社长吴畹卿的笛、三弦、琵琶功力深厚，并精研音韵之学。杨荫浏入社后，除学习乐器外，对音韵、音律、乐器构造等发生了浓厚的兴趣，曾参予天韵社与来访的美国音乐家亨利爱希姆在圣公会的中、西音乐交流。

1916年秋，杨荫浏高小毕业后考入江苏省立第三师范学校(今无锡师范)，22岁时以优良成绩毕业，任石塘湾县立第五高等小学国文教员。一年后，入无锡辅仁中学学习英文、数理。1923年毕业。同年入上海圣约翰大学，先后在经济系(1950年8月并入上海财经学院，即今上海财经大学)、文学系学习。在校期间，担任该校国乐会会长，经常参加各大学举办的音乐会。

民国初年，美国人郝露易女士来无锡圣公会做传教士，她有较高的 音乐修养，杨荫浏曾从郝露易学习英文、钢琴和西洋音乐乐理。1921年，又向她学习和声、对位、复调等西洋作曲法。

1925年"五卅惨案"发生后，杨荫浏因积极参加反帝爱国运动，遭校方压制，愤而离校，入中国人自办的光华大学经济系学习。为了示威游行宣传需要，他将《金陵怀古》曲调填以宋代民族英雄岳飞的《满江红》词，用以鼓舞人心，这首歌曲影响深远，迄今还在全国广泛流传。1926年2月因家贫辍学。回乡后，先后在辅仁中学、工商中学、县初中、荣氏女校、无锡美专、宜兴中学任教。其间曾短期担任无锡通俗教育馆馆长。

1929年，杨荫浏应基督教圣公会之聘，先后在南京、杭州做赞美诗的编辑工作。1931年，基督教成立六公会联合圣歌委员会，杨任委员、 总干事。1932年赴北京与燕京大学刘廷劳博士编译修订赞美诗，并共同主编宗教期刊《紫晶》及《真理与生命》刊物中的"圣歌与圣乐"专栏。这项工作一直延续到1941年。杨所编辑出版的赞美诗集《普天颂赞》，获国际圣经展览编辑优良奖，所载赞美诗在国内外教徒中广为传唱。

杨荫浏在北京期间，在燕京大学音乐系旁听作曲、西洋音乐史和音乐欣赏课;并在该校图书馆阅读了大量英、法等国有关音乐的专业书籍。

1936年，任哈佛燕京学社研究员，同时在燕京大学音乐系讲授中国音乐史。1937年暑假回无锡度假，后因"七七"卢沟桥事变发生，不能北上。8月下旬去南京，暂代中央机器厂总务主任，12月，随厂迁湘潭，翌年8月迁昆明。

阿炳原名华彦钧。拉二胡的"瞎子阿炳"，在当年的无锡是人人耳熟能详的传奇人物。他3岁丧母，8岁随父在雷尊殿当小道士，学习鼓、笛、二胡、琵琶各种乐器，12岁就能熟练地演奏各种道教音乐，以后被誉为"小天师"。

有一天，流芳声巷杨宅请他们去做道场。当天，杨宅门外临时用毛竹搭了个高台，一个穿鲜艳龙袍图案的拜忏道士手拿宝剑在台上挥舞作法，下面穿黑色道服的道士们在打鼓、合钹、吹管、敲木鱼，有的拉二胡、弹琵琶奏出美妙动听的道教音乐，热闹非凡。在人群中，杨宅的两个小男孩很好奇地看着。大人告诉他们，这是道士在降妖驱魔，为死者超度亡灵，祈求上天赐福。小家伙对大人的话一句也没听进去，反而关注道士手中的乐器，美妙的道教音乐很吸引他们。而两个孩子中年龄小一点的弟弟，就是后来成为中国民族音乐奠基人与开创者的杨荫浏。

在学习中，杨荫浏了解到，阿炳为何有如此功力。原来，在冬天，为了弹好琵琶，阿炳用冰块摩擦双手锻炼指功。夏夜练二胡时，将脚泡在水里，以防蚊虫叮咬。他还了解到阿炳父亲教他迎寒击石，模拟击鼓，练习各种节奏，成为当地有名的司鼓手。杨荫浏悟出了一个道理，一切都是勤奋啊!而这一段学习，使杨荫浏的琴艺水平有很大的提高，学到了不少民间乐曲。

但杨荫浏的父亲没有看到这一方面。他看到的是阿炳缺少礼貌，处事随便，没有颖泉老成，更不愿看到自己的儿子和小道士一起，于是就中止了儿子和阿炳的学习。可杨荫浏还是深深地思念着阿炳--这位埋没在民间的道教音乐家，给他留下了深刻的、不可磨灭的终身影响。

1937年春天，杨荫浏回无锡度假。这时阿炳已44岁，双眼早已失明，他从雷尊殿的当家道长变成一个潦倒不堪的街头艺人。族人看他孤单一人，难以生活，便介绍江阴农村贫穷善良的寡妇董彩娣同居照看。于是，无锡街头巷尾，人们经常看到蓬头垢面的董彩娣牵着身穿破旧长衫、戴一副墨镜、腋下夹着的一根小竹竿的阿炳，在无锡的大街小巷走着。阿炳背上背着一把琵琶，胸前挂着笙、笛，二胡在他手中咿咿呀呀地拉着。顿时，空气中飘扬着卖艺乞讨所奏出的凄厉欲绝的二胡声，仿佛诉说自己遭受磨难的悲歌。人们听到这断肠之音，也都忍不住感叹。

不过，阿炳虽然穷困潦倒，仍然坚持他的"三不穷":"人穷志不穷"，"人穷嘴不穷"，"人穷名不穷"，他为人正直厚道。

回到家乡的杨荫浏自然忘不了启蒙老师。阿炳虽看不见他身影，但记得他的声音。异常激动地握着他手。而谈话自然三句不忘本行，又谈起民族音乐。当阿炳知道琵琶曲《将军令》，便要杨荫浏拨着他手指，在琵琶上摸到了《将军令》曲调"澈鼓"的弹奏方法，直到熟练了才罢休。

随着时间的流逝，阿炳生活越来越艰难，身体也越来越虚弱。1947年，他的肺病发作了，剧烈地咳嗽，再也不能到街上卖艺求乞了，无锡的街头小巷人们也不再听到阿炳那凄惨、悲凉的二胡声了。

他曾多次去云南、河北、广西、江苏等地，对民族民间音乐进行深入调查，搜集了许多珍贵的音乐资料。同时在戏曲音乐和宗教音乐方面也作了大量的研究。

杨荫浏在研究中国音乐史方面具有杰出的成就。早在1925年他就用英文写出了《中国音乐史纲》论文。1981年又完成《中国古代音乐史稿》，该书65万字，人民音乐出版社1981年出版。这是他在音乐历史与民族音乐、音律学等方面综合研究的丰硕成果，使我国音乐史成为有乐谱的音乐历史。

他通过运算和实验，先后发表了有关乐律方面的专著和论文，把我国民族音乐实践中经常遇到的乐律问题及乐律史的研究提高到一个新的水平。

他对我国民族音乐遗产包括民间音乐、戏曲音乐、宗教音乐的发掘、抢救、搜集、整理、研究工作，都有相当成就和贡献。

他对家乡的音乐事业十分关心，每次回无锡，总要对民间音乐团体华光国乐团进行指导，不厌其烦地进行示范;兴之所至，甚至同意领衔演出。

他曾为无锡乐器店排老红木优质琵琶品位，解决竹笛音准问题，提高乐器质量。并根据大量实验结果，制成笛尺，可以按尺开笛孔。

杨荫浏毕生著述除巨著《中国古代音乐史稿》外，先后出版著作27种，论文近百篇，在我国民族音乐学术的思想宝库中占有重要的地位。

杨荫浏对无锡瞎子阿炳的乐曲进行了抢救和整理，并编成《阿炳曲集》，他在这方面的功绩是举世公认的。

黄自（1904年3月23日～1938年5月9日），字今吾，江苏省川沙县（今属上海市浦东新区）人。是中国30年代重要作曲家，音乐教育家，早年在美国欧伯林学院及耶鲁大学音乐学校学习作曲。1929年回国，先后在上海沪江大学音乐系、国立音专理论作曲组任教，并兼任音专教务主任，热心音乐教育事业，培养了许多优秀音乐人才。黄自是中国早期音乐教育影响最大的奠基人。

1938年5月9日，黄自因患伤寒病逝于上海红十字会医院，终年34岁。黄自是中国著名现代作曲家和音乐理论家，他从小显露音乐天赋，打破家人的成见后，从清华到欧柏林学院，再到耶鲁大学音乐学院，为音乐理想一路奋发向前。

他留学美国的毕业作品——管弦乐序曲《怀旧》成为我国第一部交响音乐作品，也是最早在外国演出的一部中国交响作品。他所作的《长恨歌》是我国最早的清唱剧。

作为我国最早的抗日救亡歌曲，《抗敌歌》、《旗正飘飘》、《热血》等反映了那个年代中国人民日益觉醒的民族意识和爱国民主情怀的歌曲。除了创作之外，黄自还是最早全面、系统地传授西方近现代作曲理论，最早为进步电影写片头曲的音乐教授。

他是上海音乐专科学校初创时期集教务和教学于一身的顶梁柱。他还兼授西洋音乐史和音乐领略法两门全校性的共同课，培养出贺绿汀、陈田鹤、江定仙、刘雪庵等近代音乐先驱。

他明确地提出了建立“民族化的新音乐”的口号，把几乎所有的时间都用来撰写中国人自己的《和声学》与《音乐史》，试图完成这个没人要求他完成的使命。

此外，他发起组织了中国第一个全部由中国演奏家组成的交响乐队——上海管弦乐团。

　　约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（Johann Sebastian Bach，1685年3月21日15—1750年7月28日），出生于德国图林根州的埃森纳赫，巴洛克时期德国作曲家、键盘演奏家。

1700年，赴吕内堡，进入米歇尔学校唱诗班学习。1703年至1707年，先后在阿恩施塔特和米尔豪森任职。1708年，到魏玛任宫廷教堂管风琴师；在职的9年期间，创作了大量的管风琴曲与康塔塔，并钻研法国古钢琴音乐与意大利弦乐作品4

。1717年，转而受聘于科腾，在列奥波德亲王府邸担任宫廷乐长和键盘演奏家；在此期间创作了大量的世俗器乐作品，如小提琴协奏曲、各类奏鸣曲、组曲、创意曲、《勃兰登堡协奏曲》及《平均律钢琴曲集》第一集。1723年，赴莱比锡，在该城工作的27年时间里，任圣托马斯教堂合唱指挥和音乐总监等职；在此期间，创作了其重要的宗教和世俗音乐作品，包括《马太受难曲》《约翰受难曲》《b小调弥撒曲》，以及康塔塔、经文歌、圣母颂歌等。1749年，视力减退，后双目失明。1750年7月28日，巴赫在莱比锡逝世，享年65岁。

巴赫的音乐作品体裁丰富，其声乐作品以宗教音乐为主，器乐作品则涵盖独奏曲、协奏曲、管弦乐合奏曲、重奏曲在内的各类体裁及其大量作品。因巴赫的作品对欧洲近代音乐的发展产生了积极影响，故被称为“西方音乐之父”

　　乔治·弗里德里希·亨德尔出生于德国哈勒城的一个小市民家庭，是著名的英籍德国作曲家。亨德尔少年时期曾跟随当地风琴师、作曲家学习音乐，后来担任了哈勒礼拜堂的风琴师，并开始创作。1703年，亨德尔迁居汉堡，并担任了汉堡歌剧院的提琴师。1705年，他的歌剧作品《阿尔米拉》和《尼罗》在汉堡歌剧院上演并获得成功。1706年至1710年，亨德尔在当时世界歌剧中心意大利四处游历，广泛接触了意大利的音乐文化，开阔了艺术眼界。1709年他新创作的歌剧《阿格里皮娜》在威尼斯上演，得到了意大利歌剧界的一致好评，但亨德尔并没有感到满足，不久他又远走英国。1712年定居英国后，对英国音乐产生了深远的影响。亨德尔从30年代开始创作清唱剧。他的清唱剧使用英文歌词，由英国人演唱，是一种为英国观众而写的新型作品，但上演之初并不成功，只是经过了十多年时间，才受到普遍的欢迎，亨德尔在英国也获得了极高的声誉。亨德尔的曲风雄伟、崇高，所创作的清唱剧是戏剧性的英雄史诗。作为一位多产的音乐家，其主要作品有：清唱剧《以色列人在埃及》、《参孙》、《弥赛亚》、《犹大马卡白》等三十二部，歌剧四十六部，管弦乐《水上音乐》、《森林音乐》、《烟火音乐》各一套，管弦协奏曲十一首，大协奏曲四十二首，还有室内乐、组曲、序曲、恰空等器乐曲。他的代表作有管弦乐曲《皇家水上音乐》、《皇家焰火音乐》、《清唱剧》、《弥赛亚》等，《弥赛亚》中的《哈利路亚》流传最为广泛。

弗朗茨·约瑟夫·海顿（Franz Joseph Haydn，1732年3月31日～1809年5月31日），出生于奥地利南部的罗劳，古典主义时期作曲家，维也纳古典乐派奠基人。

1740年，成为圣斯蒂芬大教堂唱诗班的童声合唱团成员。1751年至1753年，创作首部歌剧《狡猾的魔鬼》。1755年，创作了首批弦乐四重奏。1759年，担任费迪南·莫尔金伯爵的音乐主管，这是他职业生涯的首个正式任命，并于同年创作《第一交响曲》。1761年至1791年的30年间，任职于艾斯特哈奇宫廷，创作了他一生中大多数的音乐作品，体裁包括交响曲、器乐协奏曲、弦乐四重奏、钢琴奏鸣曲、歌剧等。1792年至1794年，两次赴英国伦敦访问，在此期间创作了12部“伦敦交响曲”。1798年，创作清唱剧《创世纪》，在维也纳皇家话剧院首次公演。1801年，创作清唱剧《四季》。1808年，为庆祝76岁生日，最后一次在公开场合出现。1809年5月31日，海顿在维也纳去世，终年77岁。

海顿是一位多产的作曲家。一生共创作了100余首交响曲、80余首弦乐四重奏、30部左右的歌剧，以及弥撒曲和宗教礼仪曲、康塔塔、清唱剧等。因为在交响曲和四重奏领域作出的贡献，获得“交响曲之父”、“弦乐四重奏之父”的头衔。同时，因其性情温厚、热爱儿童、关心下属，获得了“海顿爸爸”的别号。

　　焦阿基诺·安东尼奥·罗西尼（Gioacchino Rossini），于1792年2月29日出生，1868年11月13日逝世，意大利作曲家。

焦阿基诺·安东尼奥·罗西尼的父亲是一个小号手，母亲是一个歌手。六岁时他就在他父亲的乐队中演奏三角鐵3自1806年起开始得到正规的音乐训练。了一生创作三十多部歌剧及其它作品。罗西尼的生活和主要创作活动处在欧洲封建复辟的年代，同时也是意大利民族运动兴起的时期。1815年，焦阿基诺·安东尼奥·罗西尼成为博洛尼亚两个歌剧院的领导人。1816年1月，焦阿基诺·安东尼奥·罗西尼用13天《塞维利亚理发师》。1807年，罗西尼开始学作曲，此后不久他考入博洛尼亚音乐学院学大提琴 。1816年至1823年为罗西尼创作生涯的第二期正歌剧时期，他创作出《奥赛罗》《灰姑娘》《湖上女郎》《塞密拉米德》《贼鹊》等作品。

1824年，焦阿基诺·安东尼奥·罗西尼定居巴黎，就任巴黎意大利歌剧院院长。1826年，在巴黎被授予王室首席作曲家和法国声乐总督学的称谓。1828年，他完成四幕歌剧《威廉·退尔》的创作后，基本停止了歌剧创作。

1816年，创作新的《塞维利亚的理发师》。1829年，创作《威廉·退尔序曲终曲》

弗朗茨·舒伯特(Franz Seraphicus Peter Schubert，1797年1月31日-1828年11月19日)，奥地利作曲家，早期浪漫主义音乐的代表人物，也被认为是古典主义音乐的最后一位巨匠。他为不少诗人如约翰·沃尔夫冈·歌德、弗里德里希·席勒、海因里希·海涅、威尔赫姆·穆勒等的作品写了大量歌曲，把音乐与诗歌紧密结合在一起。他的歌曲中既有抒情曲、叙事曲、充满战斗性的爱国歌曲，也有源于民间音乐的歌曲，其中重要的有《魔王》、《鳟鱼 》、《菩提树》、《美丽的磨坊少女》、《野玫瑰》、《流浪者》(2首)、《普罗米修斯》、《致音乐》、《迷娘之歌》、《纺车旁的格雷欣》、《牧童的哀歌》、《战斗中的祈祷》、《剑之歌》、《战士之歌》等，主要歌曲汇有3部歌曲集：《美丽的磨坊少女》、《冬之旅》和《天鹅之歌》。

舒伯特的交响曲中较重要有第四、第五、第八、第九交响曲，其中第八交响曲是一部浪漫主义抒情交响曲，因只写 了两个乐章而被称为《未完成交响曲》，第九交响曲气势磅礴，充满英勇豪迈的气概，被称为《伟大交响曲》。他的作品还有d小调弦乐四重奏《死与少女》、钢琴五重奏《鳟鱼》、C大调弦乐五重奏、钢琴曲《流浪者幻想曲》、《音乐的瞬间》 、降E大调即兴曲、A大调奏鸣曲和配剧音乐《罗莎蒙德》等。舒伯特以抒情的旋律闻名，而且总是能够自然流露、浑然天成。

舒伯特在生的时候，大众对他的认识和欣赏只是一般，但在逝世前已经有一百首著作被出版。他早年担任父亲学校里的教师，辞去职位后一直没有固定的工作，经常靠朋友接济。

舒伯特在短短31年的生命中，创作了600多首歌曲 ，18部歌剧、歌唱剧和配剧音乐，10部交响曲，19首弦乐四重奏，22首钢琴奏鸣曲，4首小提琴奏鸣曲以及许多其它作品，被誉为“歌曲之王”。

柏辽兹 埃克托·柏辽兹 Hector Berlioz (1803-1869)

法国作曲家，法国浪漫乐派的主要代表人物。

1803年12月11日生于法国La Côte-St-André, Isère，1869年3月8日死于巴黎。

1803年，柏辽兹出生在法国南部一个小镇的医生家里，小时家住乡下，农村的生活给他留下深刻而难忘的印象。他自幼并未受过专业音乐教育，只是喜爱吹笛子和弹奏六弦琴。柏辽兹最早接触的是教堂音乐，他不信神，但教堂音乐那种宏伟的气派和极其深厚的表情力量深深地打动了他。

1821年，柏辽兹尊从父命去巴黎学医，但他对医学殊无兴趣， 最后还是不顾父母的坚决反对，以与家庭脱离关系为代价，毅然离开医学院于1826年考进了巴黎音乐学院并受教于曾为法国大革命谱写过不少作品的勒须尔。但是，更为吸引他的是当时集中在巴黎的国内外进步知识分子，如雨果、巴尔扎克、海涅、乔治·桑，他尤其喜读魏吉尔的诗和听赏李斯特、帕加尼尼和肖邦等人的作品。

1830年对柏辽兹来说是最有意义的一年，正是这一年，巴黎 发生了三起轰动欧洲的革命，一场政治革命把路易·菲立浦推上 了法兰西"平民皇帝"的王位，一场文学与戏剧的革命，成功地 演出了浪漫主义戏剧《欧那尼》，把雨果推上了法兰西的精神王 位;再就是《幻想交响曲》，的演出成功引起了一场音乐革命，确 立了柏辽兹作为法国激进的浪漫主义乐派之父的地位。正是在这一年，柏辽兹获得了巴黎音乐学院的罗马大奖，但获奖作品叫《莎丹那怕尔》，大合唱并不代表柏辽兹的创作风格，这是他为了得奖而迎合保守的学院派准则创作的。真正代表柏辽兹风格的是这年春天演出的《幻想交响曲》，它标志着具有历史意义的交响乐的革新。不过，据说巴黎音乐学院的这次评奖是在革命炮火下进行的，当柏辽兹领到奖走出校门时，卢浮宫已被革命军占领，他当即加大了起义者的行列，为《马赛曲》配器，还将它献给"一切有一条声带、有一颗心在跳动和有热血在血管中流淌的人"。从此，柏辽兹和革命时期的群众音乐有了密切联系，他从不放过任何一个面向广大人民群众的机会，他经常参加或组织群众性的音乐活动。

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柏辽兹 埃克托·柏辽兹 Hector Berlioz (1803-1869)

法国作曲家，法国浪漫乐派的主要代表人物。

1803年12月11日生于法国La Côte-St-André, Isère，1869年3月8日死于巴黎。

1803年，柏辽兹出生在法国南部一个小镇的医生家里，小时家住乡下，农村的生活给他留下深刻而难忘的印象。他自幼并未受过专业音乐教育，只是喜爱吹笛子和弹奏六弦琴。柏辽兹最早接触的是教堂音乐，他不信神，但教堂音乐那种宏伟的气派和极其深厚的表情力量深深地打动了他。

1821年，柏辽兹尊从父命去巴黎学医，但他对医学殊无兴趣， 最后还是不顾父母的坚决反对，以与家庭脱离关系为代价，毅然离开医学院于1826年考进了巴黎音乐学院并受教于曾为法国大革命谱写过不少作品的勒须尔。但是，更为吸引他的是当时集中在巴黎的国内外进步知识分子，如雨果、巴尔扎克、海涅、乔治·桑，他尤其喜读魏吉尔的诗和听赏李斯特、帕加尼尼和肖邦等人的作品。

1830年对柏辽兹来说是最有意义的一年，正是这一年，巴黎 发生了三起轰动欧洲的革命，一场政治革命把路易·菲立浦推上 了法兰西"平民皇帝"的王位，一场文学与戏剧的革命，成功地 演出了浪漫主义戏剧《欧那尼》，把雨果推上了法兰西的精神王 位;再就是《幻想交响曲》，的演出成功引起了一场音乐革命，确 立了柏辽兹作为法国激进的浪漫主义乐派之父的地位。正是在这一年，柏辽兹获得了巴黎音乐学院的罗马大奖，但获奖作品叫《莎丹那怕尔》，大合唱并不代表柏辽兹的创作风格，这是他为了得奖而迎合保守的学院派准则创作的。真正代表柏辽兹风格的是这年春天演出的《幻想交响曲》，它标志着具有历史意义的交响乐的革新。不过，据说巴黎音乐学院的这次评奖是在革命炮火下进行的，当柏辽兹领到奖走出校门时，卢浮宫已被革命军占领，他当即加大了起义者的行列，为《马赛曲》配器，还将它献给"一切有一条声带、有一颗心在跳动和有热血在血管中流淌的人"。从此，柏辽兹和革命时期的群众音乐有了密切联系，他从不放过任何一个面向广大人民群众的机会，他经常参加或组织群众性的音乐活动。

1382年，柏辽兹从意大利留学回到巴黎，他在意大利以及 1845年在德国和奥地利都接触了当地的风土文化和民间诗歌、民 间音乐，对他后来的创作起到一定影响。这一时期开始了他创作上的旺盛时期，1834年他完成了第二交响曲《哈罗尔德在意大利》（中提琴与乐队），1839年写完了第三交响曲《罗密欧与朱丽叶》（独唱、合唱与乐队），1840年完成了第四交响曲《送葬与凯旋交响曲》等等许多著名的浪漫主义作品。

在柏辽兹身上也反映了法国资产阶级、小资产阶级革命性衰颓时期的精神面貌，但这并不占主导地位。柏辽兹作品的主导方面是他对民主、自由的追求、对幸福的向往和对革命的炽热感情。 当然，对柏辽兹来说，理想和生活的前途毕竟是渺茫的，在他的作品中，也常常流露出对丑恶现实的不满、怀疑、愤慨以及对黑 暗的揭露和讽刺。

赫克托·路易·柏辽兹是法国最有代表性的浪漫派作曲家和优秀的指挥家之一，他在评论工作中也显露出卓越的才华。但是，柏辽兹的一生是在物质生活困难和精神上极为悲惨中度过的。

在十九世纪的法国，没有哪位音乐家的命运比柏辽兹更为悲惨了!吃人的资本主义制度残酷地摧残着柏辽兹以及他的艺术创作。他不得不进行一种艰苦的生存斗争，他必须亲自筹划自己的音乐会而进行商务谈判，他必须为报纸副刊写杂文和评论文章来补充他微薄的、不定时的收入，他须忍受逼人最甚的金钱的苦痛。柏辽兹说：“有一天夜里，我在梦中听到一首交响乐……当我 第二天早晨醒来，我还记得它的第一主题……我很想把它记录下来，但我一考虑:如果我把这个主题写下来，它会使我激动地要把整个交响乐作完，那么，我就无空再写什么副刊杂文了，我的收入就会减少，……而且写完之后，我就得找人抄写这首交响乐的乐谱，这样我将会负上l2OO法郎的债;……我还会举行一次音乐会演出，它的收入不够开销的一半，……那么，我将丧失掉我根本没有的、无法筹措我可怜的病妻必要的东西以及儿子的膳食费和我个人的生活必需品。因而我克服了它的诱惑，我一再强迫自己将它忘掉，……第二天早上，对于这首交响乐的记忆就让它永远地消失了。

“资本主义的社会矛盾，在法国比任何其它地 方都更为尖锐，艺术家的困苦和孤寂也更加悲惨！有一次，柏辽兹曾这样写过："我感到我要大叫，为了拯救自己而大叫，…… 哦，残酷的病(我把这种病叫做道德的、神经的、虚构的、一切人们都可能有的孤立病)总有一天它少不了要把我弄死。……" 柏辽兹深刻地感到一个事实，如果说梅特涅反动政权在奥地利将舒柏特禁锢在一幅冬天严酷的图景里，那么柏辽兹的外界在他心目中就好象是一个住满魔鬼的地狱。柏辽兹曾有一度怀疑过他对革命的信仰，并丧失了赢得这场斗争的信心，他和革命人民的关系疏远了，过分沉溺于宗教信仰中去寻找出路。然而柏辽兹在本质上仍是一个现实主义者，尽管他此时已不再表现斗争的欢乐与胜利的信心，但他没有给自己的孤寂披上神化的外衣，也没有陷入悲观厌世和绝望，他对生活始终抱着积极的态度，他对“命 运”一直在进行着斗争。

从1842年开始，柏辽兹长期旅居欧洲各国，先后在德国．意大利、俄罗斯、英国和奥地利等国奔波，他既搞音乐创作，又当新闻记者，也曾先后担任伦敦歌剧院和新兴爱乐乐团的指挥。直至1868年还负病前往摩纳哥和突尼斯两地演出，返回巴黎后病重，于1869年3月8日在巴黎病逝。

在柏辽兹的音乐遗产中占首要地位的是交响乐。他写了四部交响曲，其它管弦乐作品也不少。理论方面他的《管弦乐配器法》 很有影响。在他的作品里，直接继承了贝多芬交响乐的传统，同时又表现了他的大胆革新，创作了自己新型的交响曲即在交响曲的开头和每个乐章都加上标题(有时标题写得很详细)，使 音乐与文学更为接近，力图将文学中所描写的生动而具体的形象，用音乐语言表达出来，使器乐的表现力更加具体和深刻，这就是常被人们称道的"标题交响乐"。

柏辽兹以标题交响乐与古典交响乐相区别，强调音乐的标性内容，他认为标题是一种民主的要求，能使音乐得到普遍的理解。对他来说，没有内容，没有标题的音乐是没有的。为此，他以进步的艺术思想对狭隘、庸俗的艺术见解进行斗争，以新颖的艺术形式深刻反映了当时法国激进的小资产阶级知识分子复杂而矛盾的精神面貌，表现了他们的"叛逆精神"，他大胆地扩大了乐队的配备，使交响乐获得新的音色和乐队效果，并在旋律、和声上踏出了一条新的道路。这一切，对日后欧洲的音乐文化产生了很重要的影响。

柏辽兹一生致力于标题音乐创作，并创造“固定乐思”的创作手法。代表作有《幻想交响曲》、《葬礼与凯旋交响曲》，管弦乐《罗马狂欢节序曲》《李尔王序曲》《海盗序曲》，歌剧《本维努托·切里尼》，传奇剧《浮士德的沉沦》等。所著《配器法》被世人推崇为近代作曲技术理论的典范。

柏辽兹创作了很多音乐作品，但他的一生却是在贫困饥寒中度过的，老年时又不幸丧妻丧子，终于悲惨地病逝于巴黎。但柏辽兹的名字同法国浪漫主义文学大师--雨果及浪漫派画家德拉克洛瓦相提并论，堪称法国浪漫主义三杰。

米哈伊尔·格林卡(Михаил Иванович Глинка，1804-1857)俄罗斯作曲家，民族乐派。1804年生于斯摩棱斯克之诺沃巴斯科伊，出身于富裕地主家庭。在圣彼得堡受普通教育期间，于1817年师从约翰·菲尔德学钢琴，同时还学小提琴与和声。1833年赴维也纳与柏林，师从西格弗里德·德恩学作曲。返回圣彼得堡后，创作歌剧《为沙皇献身》，1836年首演获得成功。1837年被委派为帝国圣堂乐长。1842年第二部歌剧《鲁斯兰与柳德米拉》首演。1844年访问巴黎时与柏辽兹相识，后继续旅行至西班牙，那里的民间舞蹈节奏使他心醉神驰。1847年回国，之后又多次出国旅行。1857年，格林卡在柏林去世，享年53岁。

米哈依尔·伊万诺维奇·格林卡于1804年诞生在斯摩棱斯克省诺沃斯巴斯克村的一个庄园地主的家庭里。这是一个有着辽阔 田野、森林和充满优美音乐的地方，格林卡从小在这个迷人、静 谧的环境中，受到了俄罗斯大自然美的熏陶，熟悉了俄罗斯民间 的生活习俗，经常从农村歌手和乳娘那儿听到娓娓动听的民歌。 尤其是舅父家的农奴乐队，对格林卡的音乐才能以至未来音乐道 路的发展，都有着深刻的影响。

这个农奴乐队经常演奏西欧的音乐作品，格林卡从中接触到 海顿、莫扎特、贝多芬、梅雨尔、凯鲁比尼的序曲和交响乐，受 到了音乐的启蒙教育，并对音乐产生了强烈的兴趣。开始他只是 听众，后来在学习钢琴的同时，他向农奴音乐家学会了小提琴，于是就成了乐队的一员。农奴乐队不仅是他“欢乐的源泉”，而且 成了哺育未来民族音乐家的摇篮。最使小格林卡着迷的是俄罗斯 民歌。他经常一连几小时，心往神迷地坐在一劳倾听;忘掉了周 围的一切，并发出这样的感叹：“音乐就是我的灵魂”。这些朴 素优美的俄罗斯民歌深深地打动着格林卡，使他从电吸取了丰富 的养料，为他一生的创作奠定了深厚的民族音乐基础。后来，格林卡在自传《札记》中谈到，童年时代听到的民歌，成了后来他 以绝大部分精力钻研俄罗斯民间音乐的首要原因和创作的主要依 据。这些民歌引导他写出民族歌剧《伊万·苏萨宁》和《鲁斯兰与柳德米拉》。同时，格林卡在与农奴音乐家的密切接触中，培 育了他对入民群众的亲切感情和民主思想。

1812年俄国爆发了抗击拿破仑侵略的卫国战争。当时，虽然 ．格林卡才8岁，但是，他目睹了残酷战斗的痕迹;亲耳听到了关 于人民游击队英勇抗敌的生动故事。俄国人民的英雄业绩和高涨 的爱国热情，激发了作曲家民族意识的觉醒，成为后来他创作 “民族英雄悲壮歌剧”《伊万·苏萨宁》的源泉之一。据说，1814 年俄国政府规定12泪25日为解放纪念日，要求全国鸣钟一天以示 庆祝。于是，这一天，在格林卡的故乡，两年前曾经号召人民奋 起抗击拿破仑军队的教堂钟声，又响了起来。胜利欢腾的钟声， 从清晨到黄昏一直在诺沃斯巴新克村的上空回荡。二十二年后， 即1838年，在彼得堡大剧院首演的《伊万·苏萨宁》的终场合唱 《光荣颂》中，又再现了这个象征着俄罗斯民族精神的钟声。

1818年，14罗的格林卡被送往彼得堡中央师范学校附属贵族寄宿学校读书。这使格林卡从偏僻、闭塞的乡村，迸大了丰富多 采、视野广阔的艺术天地。课余时间他有机会去大剧院观看歌剧， 听音乐会，参加各种贵族的家庭演奏活动，从中接触到广泛的音 乐作品，这些作品主要是意大利、法国歌剧和德奥交响东等，同 时，也包括俄国前辈作曲家的创作。

求学期间，格林卡跟随彼得堡著名的外籍音乐家菲尔德和迈耶尔学习钢琴、提琴和音乐理论。虽然这两位音乐家传授给格林 卡的大多数技能，都没有超出俄国前辈作曲家所惯用的和当时城 市家庭音乐生活，特别是贵族沙龙音乐娱乐所必备的技能!但是， 格林卡毕竟还是因此接受了较为正规的音乐教育，并且熟悉了作 为俄国音乐一个重要组成部分──城市音乐的音乐风格。他最初 的音乐创作大多为变奏曲。比如，以莫扎特作品主题所写的变奏 曲等;这种以流行的名作主题进行变奏的创作方式，当时在俄国 的城市音乐生活中很盛行。

1822年格林卡从学校毕业后，次年去高加索养病。南国大自 然的美丽景色，山区居民的生活风俗和富于特色的音乐舞蹈，给 格林卡留下了深刻的印象。这为他以后创作富有东方特点的音乐 作品积累了丰富的素材。

从高加索回来，格林卡在故乡住了一个时期，亲自参加了农 奴乐队的演奏和指挥活动。在这种实际工作中，他学到了很多管 弦乐方面的知识。这一工作也促使他去写管弦乐作品，并终生热 爱管弦乐创作。1824年所写的管弦乐《行板与回旋曲》和《降B大 调交响曲》就是他这方面的处女作。这些作品虽然都不成熟，但 可贵的是，格林卡采用了俄罗斯民歌作主题，并以俄国民间音乐 常用的变奏手法对它们进行发展。

至此之前，可以说是格林卡一生创作活动的准备阶段。

1824年，20岁的格林卡在彼得堡交通部就职，进入了创作初期。

格林卡虽然出任公职，但是他的绝大部分精力和全部热情却 投入了业余的音乐活动。他听音乐会;向意大利歌唱家学习声乐， 参加重唱、合唱和钢琴重奏等业余音乐小组;出人音乐沙龙，参 与演出活动，广泛结识音乐和艺术界的朋友……。在紧张的音乐 生活中，格林卡逐渐成为一名出色的钢琴家和歌唱家，从而使他 在彼得堡的音乐沙龙中博得很高的声誉，被人称为“天才的业余 音乐活动家”。

就在这个时期，格林卡的兴趣逐渐从演奏转向作曲，音乐对于 他已不仅是沙龙的娱乐，他开始认真地学习作曲理论，投入创作 实践。在交响曲、奏鸣曲以及重奏曲等大型习作中，作为学习， 格林卡有意识地模仿西欧古典音乐大师的风格进行创作。以海 顿──莫扎特的风格写成的。《F大调弦乐四重奏》就是其中的代 表作。同时，格林卡还写了一些具有较高演奏技巧水平和独创性 的钢琴作品，如《F大调钢琴变奏曲》等，这些作品已显示出格 林卡钢琴音乐的技巧特征。然而，在格林卡的早期作品中，为数 最多的还是一些不成熟的浪漫曲，这些浪漫曲基本上没有摆脱当 时城市浪漫曲感伤主义的传统主题和习惯音调，如《可怜的歌手》、 《安慰》等。这一时期格林卡的器乐作品多数也与沙龙的音乐娱 乐有关，主要是以柔和的曲调和优雅的风格为特色的钢琴变奏 曲、舞曲和抒情曲，如《降E大调夜曲》等。

1825年12月彼得堡爆发了十二月党人起义。十二月党人在俄 国唤起的爱国主义热潮，使得包括格林卡在内的优秀艺术家，受 到了强烈的鼓舞，它不仅对格林卡的早期创作，而且对他一生的 创作道路产生了深刻的影响。

早在格林卡求学期间，十二月党人的自由思想就在彼得堡先 进的知识阶层中广泛流传着;格林卡所在的贵族寄宿学校就有一 些老师和同学是十二月党人和启蒙学者。格林卡的文学教授兼家 庭教师丘赫尔别凯尔是一位热忱的爱国者和著名的十二月党人。 他热烈主张的俄罗斯文学的人民性和爱国主义思想，都对格林卡 有积极影响，丘赫尔别凯尔是普希金的同学和最亲近的朋友，格 林卡在他家中与普希金相识，并于20年代末与普希金结下了深厚 的友谊。从那时起，格林卡便采用普希金的诗篇谱下了许多优秀 的浪漫曲。在此期间，格林卡还结识了剧作家格利波耶多夫。这 两位作家对格林卡在民族音乐创作中的种种尝试给予了热情的鼓 励和支持、并在友谊的交谈中以民族和民主的思想影响着格林卡 的艺术观。当时，正是以普希金和格利波邱多夫为代表的俄罗斯 民族文学最光辉灿烂的时期，民族文学的繁荣促进了格林卡民族 音乐思想的成熟。

格林卡在彼得堡的艺术沙龙中，还结识了许多其他优秀的俄 国艺术家，如诗人茹科夫斯基、杰尔维格；文艺批评家奥多耶夫 斯基和著名的音乐活动家、鉴赏家继耶尔戈尔斯基伯爵等。这些 人的思想虽然偏于保守，但他们都是民歌爱好者和俄罗斯民族音 乐的热烈拥护者，格林卡的不少具有民族风格的浪漫曲，就是取 材于他们的诗作，并得到过他们的支持。

格林卡不具备反对沙皇专制和农奴制的思想，他在政治上与 十二月党人之间存在较大的差距。如果直接把格林卡的创作与十 二月党人的社会革命，即反对专制农奴制的斗争联系在一起，或 者在格林卡和十二月党人之间划上等号，夸。但是，十二月党人的爱国主义思想， 作为一种强大的社会思潮，激发了格林干的爱国热情，使自幼蕴 藏在他心用中的民族音乐思想的种子开始萌发。特别是俄国上流 社会普遍存在的对西欧音乐顶礼膜拜，俄罗斯音乐倍受歧视的现 实，更激起了格林卡为俄罗斯创作的愿望。这促使他更加重视从 民族民间音乐中吸收滋养，自觉地去探索俄国的民族音乐创作。

晚年生活

格林卡的晚年是在忧郁不安的心境中渡过的。格林卡在创作上虽然取得了重大的成就，但是俄国贵族社会并没有认识到他的 作品的真正的艺术价值和历史贡献。格林卡的作品经常遭到冷遇 和恶意的诽谤，演出机会越来越少，有时甚至被完全挤掉。格林 卡苦痛地从彼得堡跑到国外，又从国外返回祖国，频繁的迁移也 未能消除他胸中的郁闷，他的创作意志几乎因此而被摧毁。他说：“烦恼、忧愁和苦难毁灭了我，我已完全失去了勇气。”(见1855年11 月29目的信)他认为自己的艺术因社会“扼杀式的冷淡态度而死 亡”。往这种状况下，格林卡晚年的创作力明显衰退。1852年和1856 年，他两次出国，数年流落在国外也没有写成什么东西。他曾构思 标题交响曲《塔拉斯·布尔巴》和歌剧《重婚者》等大型作品，均未能实现。这些年，他留下的遗产仅是一些浪漫曲（《祝贺之杯》、 《阿杰尔》、《玛加丽塔之歌》和《芬兰湾》等)、钢琴曲(套曲《向祖国 致敬》、《苏格兰主题变奏曲》） 和乐队改编曲（《邀舞》、《友谊 纪念》）。但是，浪漫曲中的戏剧性倾间明显地加强了。

需要提及的是，50年代初，在格林卡周围也曾聚集着一群与 贵族社会持相反立场的年轻人，他们就是未来的俄罗斯民族音乐 运动的中坚力量:文艺理论家斯塔索夫、评论家兼作曲家谢洛夫、 作曲家达尔戈梅斯基和巴拉基列夫。他们以坚定的态度、诚挚的 敬仰和满腔的热清来支持格林卡。1852年谢洛夫根据格林卡的谈 话整理了《配器法》。1854年，在斯塔索夫的恳求下，格林卡写了 自传体的《札记》，这本<札记>是研究格林卡创作思想和作品的最 有价值的文献。在创作上，青年朋友们总是鼓励格林卡，希望重 新激起这位心情沉重的作曲家的创作力。虽然他们的这种努力没 有完全达到目的，但是，格林卡的音乐传统却由他们直接得到继 承。达尔戈梅斯基成为格林卡之后的第一位民族作曲家，斯塔索夫 和巴拉基列夫都是60年代俄罗斯民族乐派“强力集团”的领导者。

1856年，格林卡最后一次离别祖国，就再也没能回来。1857 年2月15日，他逝世于柏林。

格林卡是第一个将俄罗斯民族音乐文化与西方音乐文化交融而使之达到先进水平的作曲家，被视为“俄罗斯古典 音乐之父”。他的音乐以爱国主义的内容和质朴的民族形式相结合而著称，在歌剧、管弦乐、歌曲等重要领域为俄罗斯的音乐创作开辟了新路。他的歌剧，为俄罗斯的歌剧发展铺设了两条路线：一条是爱国主义、英雄主义的历史性题材，以《为沙皇献身》为代表；另一条是神话、传奇题材，以《鲁斯兰与柳德米拉》为代表。在器乐创作领域，还开创了标题性和民歌变奏性质的管弦乐道路。他的作品，风格清新，富于生活气息。而他的艺术歌曲，是建立在城市小调的基础上，使之具有浓郁的俄罗斯风格。此外，他还吸收异国情调和多民族音乐语言来丰富俄罗斯音乐形式，对日后的俄罗斯作曲家影响极大。

雅科布·路德维希·费利克斯·门德尔松·巴托尔迪（德语：Jakob Ludwig Felix Mendelssohn Bartholdy，1809年2月3日—1847年11月4日）1

，男，简称门德尔松或费利克斯·门德尔松。德国犹太裔作曲家、德国浪漫乐派最具代表性的人物之一，被誉为浪漫主义杰出的“抒情风景画大师”，作品以精美、优雅、华丽。

雅科布·路德维希·费利克斯·门德尔松·巴托尔迪（Jacob Ludwig Felix Mendelssohn Bartholdy）1809年2月3日出生于汉堡一个犹太家庭。祖父是哲学家摩西·门德尔松（Moses），父亲亚伯拉罕（Abraham）是成功的银行家，费利克斯在养尊处优又有文化修养的环境中成长。母亲利亚（lea）是钢琴家，他的钢琴启蒙课就是母亲教的。姐姐范尼·卡西里（Fanny）（1805—1847年）是一位在钢琴和作曲方面的可造之材，而且是费利克斯珍贵的挚友。

费利克斯·门德尔松是钢琴神童，9岁就开始公开演奏，10岁时就为《诗篇19》谱曲，12岁已写出一首钢琴四重奏（op.1），14岁组织自己的私人乐队，16岁发表第一首杰作《弦乐八重奏》，17岁时完成了《仲夏夜之梦》序曲。[5] 20岁时他通过指挥《马太受难曲》在巴赫去世后的首次公开演出来宣传巴赫的作品。1829年，演出地点为柏林歌唱学院。引起轰动而成为闻名遐迩的指挥家。为巴赫的作品得以复生作出了重要的贡献。同年赴英国指挥伦敦爱乐乐队，这是他英国之行的第一次。在苏格兰度假后，以《赫布里底群岛》序曲和《苏格兰交响曲》（No.3，a小调）表现他的观感，虽然这两部作品是直到他1830—1831年访问意大利时才动笔写作的。在罗马与柏辽兹邂逅，并开始酝酿《意大利交响曲》（No.4，A大调）。下一个主要停留点是巴黎（1831—1832），在那里与李斯特和肖邦相遇。1833年返回德国，完成《意大利交响曲》并在杜塞尔多夫就任音乐总监。1835年成为莱比锡著名的布业大厅音乐会的指挥。1837年与出身于法国胡格诺教派家庭的塞西尔·让莱诺结婚。1842年与舒曼等人一起创办莱比锡音乐学院。又设法再度访问英国，在1846年的伯明翰音乐节上指挥他的清唱剧《以利亚》，取得辉煌成功。此时他的健康已是每况愈下，次年他心爱的姐姐病故，给他以沉重的打击，加速了他的死亡。他于六个半月后去世。终年38岁9个月1天。

在创作上，首创了高雅纯净、形式短小的钢琴曲"无词歌"（Songs Without Words），创作了著名的《仲夏夜之梦》序曲、《苏格兰交响曲》和《意大利交响曲》，把浪漫主义与古典主义的特点交织在一起，音乐既含有古典主义的逻辑性，又带有浪漫主义的幻想性；他创作的《e小调小提琴协奏曲》具有华丽的技巧与甜美的旋律，是举世公认的精品。在音乐的启蒙运动上，门德尔松使被人们遗忘了几乎一百多年的作品——巴赫的《马太受难曲》重放光芒，这是音乐史上最重大的事件之一，从此人们开始重新认识巴赫。

在音乐教育上，创办了德国第一所音乐学院——莱比锡音乐学院，为后来德国音乐教育的发展打下了坚实的基础。

门德尔松是莫扎特之后最完美的曲式大师，古典主义的传统与浪漫主义的志趣在他作品中完美的结合在一起，赋予作品以一种诗意的典雅。他善于将美妙的旋律纳入正规的古典曲式，他不仅是一位热情歌颂自然的诗人，还是一位善于用虚无缥缈画笔的风景画家，他的音乐被称为“描绘性浪漫主义”。

门德尔松作为作曲家、指挥家和钢琴演奏家的才华得到了玛利·比戈（在巴黎）、路德维希·贝格尔、莫舍莱斯等钢琴老师和策尔特（1817年在柏林教他作曲）的鼓励。

弗里德里克·弗朗索瓦·肖邦（F.F.Chopin，1810年3月1日—1849年10月17日），19世纪波兰作曲家、钢琴家。

1810年3月1日，肖邦出生于波兰；1817年开始创作；1818年登台演出；1822年至1829年在华沙国家音乐高等学校学习作曲和音乐理论。1829年起以作曲家和钢琴家的身份在欧洲巡演。后因波兰起义失败而定居巴黎，从事教学和创作。

1849年10月17日，肖邦因肺结核逝世于巴黎，终年39岁。

肖邦是历史上最具影响力和最受欢迎的钢琴作曲家之一，是波兰音乐史上最重要的人物之一，欧洲19世纪浪漫主义音乐的代表人物。他的作品以波兰民间歌舞为基础，同时又深受巴赫影响，多以钢琴曲为主，被誉为“浪漫主义钢琴诗人”。

1810年3月1日，弗里德里克·肖邦生于波兰首都华沙近郊热亚佐瓦沃拉，同年举家搬迁至华沙。1816年，肖邦跟随著名的钢琴教师Wojciech先生学习钢琴。1817年，肖邦创作出第一首作品降B大调和G小调波兰舞曲。1818年，Radziwi家庭宫殿中举行的慈善音乐会上，肖邦第一次登台，演奏了阿达尔伯特·吉罗维（Adalbert Gyrowetz）的作品，从此跻身波兰贵族的沙龙。1822年，肖邦师从音乐教育家、作曲家约瑟夫·艾尔斯内尔（Józef Elsner），一年后公开演奏了德国作曲家费迪南德·里斯（Ferdinand Ries）的作品。

1826年，中学毕业后，肖邦在华沙音乐学院继续跟随约瑟夫·艾尔斯内尔学习钢琴演奏和作曲。

1829年后，肖邦以作曲家和钢琴家的身份在欧洲巡演，举行多场音乐会。

1830年，因波兰起义，肖邦离开故乡波兰移居到法国巴黎，开始以演奏、教学、作曲为生。

1837年，肖邦拒绝“俄皇陛下首席钢琴家”的职位和称号。

1848年，肖邦在巴黎举办他的最后一次音乐会，并受邀访问英格兰和苏格兰。

1849年10月17日，肖邦因肺结核于巴黎的家中去世，终年39岁。

肖邦创作的练习曲完全突破克莱门蒂、车尔尼、莫谢莱兹以来纯技术性练习曲的创作手法，不刻意突出华丽的炫技性，让音乐传递出更深刻的感

肖邦圆舞曲一向以优美、高雅、华丽而著称，但由于节奏变化复杂，因而并不适于实际的舞蹈。

谐谑曲本意味着戏谑，但肖邦诙谐曲作品中却并无突出的戏谑，反而多忧郁和对个人的反抗，其实是包含着对自身的嘲笑与挖苦。肖邦的玛祖卡舞曲变化性地应用了民间节奏，并按照高度专业化的艺术标准进行再创作，在和声、调式等方面更有独出心裁的创造，他的乐曲中有着更精练的旋律，增加了跳跃感，在变化中赋予诗意。

夜曲是肖邦自己创新的一种钢琴独奏体裁，它具有冲淡平和，寂静幽澜的特点，轻缓中偶尔透着那么一点点沉思。

肖邦一生创作了大约二百部作品，主要作品有：钢琴协奏曲2首、钢琴三重奏、钢琴奏鸣曲3首、叙事曲4首、谐谑曲4首、练习曲27首、波罗乃兹舞曲16首、圆舞曲17首、夜曲21首、即兴曲4首、埃科塞兹舞曲3首、歌曲17首；此外还有波莱罗舞曲、船歌、摇篮曲、幻想曲、回旋曲、变奏曲等，共21卷。

肖邦国际钢琴比赛是世界上最著名、最严格、最权威、级别最高的钢琴比赛之一，从1927年开始每五年举办一次，有“钢琴奥运”之称。它由波兰钢琴家Jerzy Zurawlew教授创办，在著名音乐家肖邦的故乡波兰首都华沙的华沙爱乐厅举行。

罗伯特·舒曼（Robert Schumann，1810年6月8日—1856年7月29日），19世纪德国作曲家、音乐评论家。

舒曼自小学习钢琴，7岁开始作曲。16岁遵母意进莱比锡大学学习法律。19岁又进修钢琴，当听到帕格尼尼的演奏，他受到了极大的影响，放弃了法律的学习，专攻音乐。后因手指受伤，遂转向作曲和音乐评论。1835-1844年，独自编辑《新音乐杂志》，并开始创作大量钢琴作品。1840年获耶拿大学哲学博士，1843年赴莱比锡音乐学院任教。1844~1850年，移居德雷斯顿继续从事作曲和指挥。因精神疾病日趋严重1854年投河被救，1856年7月29日后逝世于精神病院。

1828年舒曼遵母命进莱比锡大学攻法律。他对此毫无兴趣，不久便放弃。1830年从钢琴家F.维克学习钢琴，同时向H.L.E.多恩学习作曲理论。当时他立志要做一个钢琴家，但由于手指受伤，不得不放弃钢琴转向作曲。1830～1840年间，舒曼创作了大量钢琴作品，他的音乐才能得到了充分发挥。

1834年，他创办了音乐评论刊物《新音乐杂志》并任主编。四十年代他不断扩大音乐创作的范围，写了不少声乐曲、交响曲、室内乐重奏曲、清唱剧、歌剧等，如著名的《a小调钢琴协奏曲》、《曼弗列德序曲》、声乐套曲《诗人之恋》、《女人的爱情与生活》及第一、二、三、四交响曲。同时应门德尔松的邀请，任教于莱比锡音乐学院。舒曼同维克老师的女儿克拉拉相恋多年，但他们的爱情却遭到维克的坚决反对。维克在这一方面对舒曼十分残酷，以至使他患了精神忧郁症。直到1840年8月1日，莱比锡法庭才终于裁决了他们的婚姻悬案，使这对有情人终成眷属。舒曼的音乐创作十分注重于人物内在感情的描写。他喜欢标题音乐，并经常描写一些梦幻的世界。他的钢琴作品形式短小。但在旋律、和声上、节奏上都有自己鲜明的个性和独到之处，充满了浪漫主义色彩，因此他被人们称为“音乐诗人”。

1843年F.门德尔松建立莱比锡音乐学院，舒曼应邀在该校任教。次年随克拉拉去俄国旅行演出，回国后迁居德累斯顿。40年代舒曼的创作重点从钢琴音乐和艺术歌曲转到交响音乐、协奏曲、室内乐、戏剧音乐等大型体裁方面。

1848—1849年德国爆发革命，舒曼受到革命浪潮的激励，精神振奋，这在他的创作中留下了鲜明的印记。1850年舒曼居住在杜塞尔多夫，担任了该市的管弦乐团和合唱团的指挥。但是由于早已潜在的神经系统疾病的急剧恶化，1853年辞去指挥职务。

1854年，他因精神病恶化而丧失了理智，甚至连妻子也认不出了。一个严寒的冬日，他竟跳进冰冷的莱茵河里企图自杀，幸而被救并送进了精神病院，但他始终未得到完全的恢复。1856年7月29日，舒曼在爱妻克拉拉的怀中安然逝去，终年46岁。

罗伯特·舒曼是十九世纪上半叶德国音乐史上突出的人物，在他的艺术创作中深刻地反映出德国浪漫主义的优点和弱点。舒曼是浪漫主义音乐成熟时期的代表之一，生性热情敏感，并且有民主主义思想。1834年创办《新音乐杂志》，对改变当时陈腐的音乐空气，促进浪漫艺术的发展，起到重要的作用。

节奏”是舒曼钢琴音乐中，重要而有力的表达手法。经由节奏和拍子之间奥妙而多样的变化，产生了‘舒曼风节奏’所特有的飘逸性，这种飘逸性的不安定内涵，明显地是经由重音的拖延所造成而这种重音的不规律出现，大多来自切分音的大量使用，当节奏重音和拍子重音无法同时落下时，节奏韵律就失去了惯有的重量感，因而呈现出强烈的不安定个性。

浪漫主义音乐是欧洲音乐文化进程中一种特定的音乐思潮和创作倾向。浪漫主义时期是个钢琴特性小品盛行的年代，作曲家们都致力于创作形式各样的特性小品。舒曼作为19世纪上半叶德国音乐文化史上最突出的人物，在他的生活和艺术创造上，深刻地反映出了德国的浪漫主义的优点和弱点。他无疑也是这支浩荡大军中的一员。舒曼在直接继承贝多芬的古典主义风格，发展舒伯特和韦伯的德国进步浪漫主义传统的同时，他使幻想曲、随想曲具有了在他以前从未有过的重要性，间奏曲在他的笔下成为了独立的钢琴作品。“阿拉伯风格曲”、“新事曲”、“幽默曲”这些体裁名称也首次被舒曼运用在钢琴作品中。最重要的是，舒曼借用了舒伯特创作的声乐套曲的形式，如同诗人将感情浓缩在数行诗中，将他的自身经历像日记般记载在精简而富有特性的小品上，然后将之连成套曲，表达完整的诗意。他首创了钢琴小品套曲这一体裁形式，这成为他区别于同一时期其他作曲家的重要标志。舒曼的钢琴小品套曲的创作风格、创作技法，如标题性，在音乐思维中掺合着文学思维，切分、赫米奥拉节奏的运用等手法对19世纪中、后期乃至19世纪后的各个乐派的众多作曲家们在钢琴小品创作上都产生了深远的影响。

　　弗朗茨·李斯特（Franz Liszt，1811年10月22日—1886年7月31日），出生于匈牙利雷汀，匈牙利著名作曲家、钢琴家、指挥家，伟大的浪漫主义大师，是浪漫主义前期最杰出的代表人物之一。弗朗茨·李斯特六岁起学钢琴，先后是多位钢琴名家的弟子，十六岁定居巴黎。李斯特将钢琴的技巧发展到了无与伦比的程度，极大地丰富了钢琴的表现力，在钢琴上创造了管弦乐的效果，他还创建了背谱演奏法，他也因在钢琴及以上的巨大贡献而获得了“钢琴之王”美誉。

1821年李斯特到维也纳随萨列里与车尔尼学习。后来在欧洲开展钢琴巡演[2] ，其中1823年在巴黎、1824年在伦敦演出（受到英王乔治四世接见）。1827年，李斯特的父亲逝世。

1828年，李斯特在巴黎定居，在住处教授音乐。在巴黎期间，李斯特结识了柏辽兹和肖邦，并与众多文学界、绘画界名流交往。1830年，李斯特出席聆听了柏辽兹的《幻想交响曲》首演，并将其改编成钢琴曲。

1831年帕格尼尼来到巴黎演出，他极大地启发了李斯特的想象世界和音乐世界。

1833年，李斯特在Le Vayer侯爵夫人的沙龙中邂逅了玛丽·达古伯爵夫人，1835年俩人私奔到瑞士，生子女三人。李斯特在瑞士期间创作了钢琴曲集《旅行岁月：“瑞士”》。1844年俩人关系终止。

1837-1847年间，李斯特在欧洲各国开展钢琴巡演，包括匈牙利、意大利、法国、英国、德国、俄国、土耳其等。所到之处无不风靡，观众为之疯狂，德国诗人海涅把这种盛况称为“李斯特狂热”（Lisztomania）。

1847年2月，李斯特到基辅演出时，邂逅卡洛琳·冯·赛因—维特根斯坦公主。

1847年9月，35岁的李斯特在俄国做了谢幕表演，宣布从此退出音乐会舞台，不再开展收费演出。

这十年间，李斯特创新了钢琴演奏技法，并创作了《六首帕格尼尼大练习曲》。

李斯特创建了交响诗，将诗歌的内容和情感表现融化在交响音乐之中，进一步拓展和深化了标题交响音乐的内涵，为管弦乐创立了新的艺术形式，采用单乐章结构和主题变形手法，对后世的音乐创作有极其重要的影响；

2、李斯特创作的十九首匈牙利狂想曲渗透了匈牙利民族特点，是钢琴音乐的典范作品，为后来的民族乐派的先声；

3、李斯特的超技练习曲创造了钢琴演奏领域的辉煌技巧，极大的丰富了钢琴教学与演奏；

4、李斯特强调钢琴的音乐效果，突破了前人的模式，使钢琴音乐具有交响性的管弦乐队的效果和史诗般的宏伟气势；

5、在晚期作品中，李斯特致力于探索新的技法，如运用全音音阶、五音音阶等，和声常用不准备和不解决的九和弦增三和弦，调性扩张到极限，这些探索对瓦格纳和印象派式声乐产生了重要影响；

6、作为魏玛乐派的带头人，李斯特和柏辽兹、瓦格纳等倡导标题音乐，强调音乐与情感的联系，并与以勃拉姆斯为代表的莱比锡乐派展开激烈的学术之争，掀起了新的艺术潮流。

李斯特是19世纪最辉煌的钢琴演奏家。他受意大利小提琴演奏名家帕格尼尼的启发，决心在钢琴上创造出同样的奇迹。他的演奏风格继承了克列门蒂、贝多芬的动力性钢琴音乐传统，发展了一种19世纪音乐会的炫技性演奏风格。作曲方面，他主张标题音乐，创造了交响诗体裁，发展了自由转调的手法，为无调性音乐的诞生揭开了序幕，树立了与学院风气、市民风气相对立的浪漫主义原则。

李斯特追求的是一种令人眩晕的、具有炫技特技的钢琴演奏风格：极快的速度、响亮的音量、辉煌的技巧、狂放的气势令当时的人们为之陶醉。这种辉煌浪漫、极富个性的钢琴演奏风格，确立起欧洲钢琴演奏艺术史上影响最大的一个流派。

李斯特将原来背朝听众的演奏位置变为侧面，使演奏家的情感与听众更易沟通，而且形成了辉煌浪漫的极富个性的钢琴演奏风格，他与同在巴黎的肖邦一起将钢琴艺术推向前所未有的高度。

晚年的李斯特，开始收敛了他的炫目的技巧，尤其在他的晚年小品中，看似简单的音符，内中却暗藏了深不可测的玄机。

威廉·理查德·瓦格纳出生于莱比锡，从小接受了完善的音乐训练，对音乐和戏剧十分感兴趣，后在莱比锡大学学习作曲，中途退学，受聘为维尔兹歌剧院的合唱指挥。其一生致力于歌剧创作，对德国歌剧的发展做出了很大的贡献。1883年2月13日，作曲家于威尼斯的温德拉敏宫逝世。

瓦格纳生活的时代, 在德国普遍认为德语不够雅致，宫廷内外盛行意大利与法国的歌剧，偏重音乐技巧上的华丽而忽视戏剧的内容，故瓦格纳提出"乐剧"的口号，提倡以音乐跟戏剧并重为目的来创作歌剧，建议作曲家亲自参与剧本的创作，并认为歌剧的题材应只适宜于音乐处理。他将过去只在前奏或序曲中出现的管弦乐队的地位提升到了极致，使其成为统一全剧的支柱。另一明显的改革在于他乐剧中的主导动机，其实无论过去还是现代，作曲家都会在自己的作品中运用到主导动机，但瓦格纳不同于他们，他系统的运用主导动机，并通过复调来组合几个主导动机，可以说，由极端集中的情节编制出的主导动机之网覆盖全剧，使文字语言与音乐语言完美的结合，是一种精确而单纯的潜台词。

除此之外，他的乐剧中几乎没有分曲与合唱，铜管乐的运用更加自由灵活，感情的意义由乐队以旋律及和声的方式表达，人声声部浮动于管弦乐流的表面，宣叙调与咏叹调之间没有明显的区分。瓦格纳的歌剧改革主要开始于《特里斯坦和伊索尔德》，这部歌剧1865年在慕尼黑的演出标志着西方世界音乐语言中一种新方言的开始，从此以后，"瓦格纳风格"成了歌剧或一般音乐中"先进"及非传统的代意词。

很多人在听瓦格纳音乐的同时要提到他的思想，当然音乐家本身的性格与思想对其创作作品有着很大的影响，但是过分重视他的思想对于欣赏他的作品来讲却是一种遗憾。据说希特勒曾叫人在拜罗伊特为他专门演出瓦格纳的作品，当时他感动得流泪，恨不得与这位上个世纪的天才执手亲谈。纳粹歪曲了瓦格纳作品中的一些思想来美化自己的罪行，但这不能作为指责瓦格纳音乐的理由。瓦格纳的青年时期，其思想主要倾向于"德意志"，他受到费尔巴哈和巴库宁的影响，写过许多狂热激进的文章，甚至参加过德累斯顿的革命。

1848年欧洲资产阶级革命失败以后，瓦格纳逐渐接受了叔本华的悲观主义论调以及尼采的超人论说等思想，以及后来戈比诺的日耳曼血统论，晚年的时候，瓦格纳也受到宗教神秘思想的影响。瓦格纳与尼采曾是关系很好的朋友，他们的友谊维持了十年，当瓦格纳改变其音乐风格之后，尼采与他决裂，称他是一个狡猾的人，称听他的音乐使人至疯。1878年1月3日，瓦格纳将《帕西法尔》赠送给尼采，尼采写了最后一封信给瓦格纳，并回赠自己的新书《人性，太人性的》，1888年，尼采写作《瓦格纳事件》和《尼采对瓦格纳》正式的表述出自己对这位昔日好友的看法。

在这里，值得一提的是瓦格纳在他的乐剧中所表现出的对女性的崇拜。多年来，瓦格纳一直认为女性身上有救赎和毁灭两种特性，这种矛盾性使他创造的女性形象通常都是复杂的、怀着巨大痛苦的英雄女高音。表现在他的乐剧中，如《汤豪舍》中的伊丽莎白，《特里斯坦与伊索尔德》中的伊索尔德，《指环》中通过对爱情献身来征求人类的布仑希尔德和《帕西法尔》中寓言式的女性孔德里。代表作品

漂泊的荷兰人(Der Fliegende Holländer，1843)

汤豪舍(Tannhauser，1845)

罗恩格林(Lohengrin，1850)

特里斯坦与伊索尔德(Tristan und Isolde，1865)

纽伦堡的名歌手(Die Meistersinger Von Nurnberg，1868)

尼伯龙根的指环(Der Ring des Nibelungen，1876)

帕西法尔(Parsifal，1882)

其它作品

结婚 Die Hochzeit (1832, 莱比锡1838)

仙妖 Die Feen (1833-34, 慕尼黑1888)

爱情的禁令(巴勒莫的见习修女) Das Liebesverbot(Die Novize von Palermo) (1834-36, 马格德堡1836)

黎恩济，罗马的最后一个护民官 Rienzi, der Letzte der Tribunen (1837-40, 德累斯顿1842)

漂泊的荷兰人 Der fliegende Hollaender (1840-41, 德累斯顿1843)

汤豪瑟与瓦特堡的歌唱比赛 Tannhaeuser und der Saengerkrieg auf Wartburg (1842-45, 德累斯顿1845)

罗恩格林 Lohengrin (1845-48, 魏玛1850)

特里斯坦和伊索尔德 Tristan und Isolde (1856-59, 慕尼黑1865)

纽伦堡的名歌手 Die Meistersinger von Nuernberg (1845-67, 慕尼黑1868)

尼伯龙根的指环:连演三日和一个前夜 Der Ring des Nibelungen (拜罗伊特1876)

前夜:莱茵的黄金* Vorabend: Das Rheingold (1851-54, 慕尼黑1869)

第一日剧:女武神* Erster Tag: Die Walkuere (1851-56, 慕尼黑1870)

第二日剧:齐格菲* Zweiter Tag: Siegfried (1851-71, 拜罗伊特1876)

第三日剧:神界的黄昏* Dritter Tag: Goetterdaemmerung (1848-1874, 拜罗伊特1876)

帕西法尔 Parsifal (1865-82, 拜罗伊特1882)

主要音乐论著:《艺术与革命》、《未来的艺术作品》、《歌剧与戏剧》。

1813年，朱塞佩·威尔第出生于靠布塞托的隆孔雷，父亲是旅馆老板。激起威尔第早年音乐雄心的是一位布赛托商人巴霍·兹，他不仅提供威尔第全城最佳的音乐教育，当威尔第七岁时又再度出资送他到米兰音乐学院学习。

1832年想进米兰音乐院却被拒绝入学，于是随史卡拉歌剧院的乐师拉威那学习对位法。

演艺经历

雏鹰展翅

40年代前后威尔第在米兰开始了歌剧创作活动，参与了意大利人民反抗法、奥占领的爱国运动，创作了包括爱国英雄歌剧及爱国歌曲在内的一生中一半以上的歌剧。1836年与巴霍·兹女儿结婚。

1839年初，威尔第夫妇移居米兰。同年11月，他的第一部歌剧《奥贝托》在斯卡拉歌剧院上演，观众和舆论给予了很高的评价。《奥贝托》虽然算不上是一部杰作，但在威尔第的创作生涯中有着重要的影响。《奥贝托》打开了威尔第闯进意大利歌剧界的大门。此后，他与斯卡拉歌剧院经理莫雷利签订了创作合同。斯卡拉歌剧院领导梅雷利邀请他写的三部歌剧。

1840年，其中第一部《王国的一天》一败涂地，又值他妻子和两个孩子相继病亡，曾经一度情绪低落。梅雷利又劝说他，给他看《纳布科》的台本，剧中的爱国主义热忱打动了威尔第的心。

1842年3月9日，威尔第创作的以反映意大利民族主义情绪为主题的歌剧《纳布科》，在首演后大获成功，其中希伯来人合唱《飞吧思想，插上金色翅膀》是威尔第艺术生涯中的第一块里程碑。《纳布科》的成功，把威尔第引上了意大利歌剧之王的宝座。

1847年的《马克白》是他创作风格的转捩点，其音乐作品开始真正触动到深层心理层次。

创作高峰

1851年初，威尔第以40天的速度完成了《弄臣》的全部音乐。1852年3月31日，《弄臣》在威尼斯首演。为了在首演中给观众一个惊喜，威尔第直到演出的前一天，才把那首著名的咏叹调《女人善变》的乐谱交给演员。果然，首演一再被观众的欢呼声和掌声打断。《弄臣》和《女人善变》不胫而走，传遍了意大利各地。

1853年2月19日，威尔第又一部浪漫主义杰作《游吟武士》在罗马首演，同样取得了空前的成功。

在结束了《游吟武士》的创作后，威尔第立即着手《茶花女》的创作。这部作品仅花费了威尔第一个月的时间。但当《茶花女》于1853年3月6日在威尼斯首演时，由于演员选择不当，观众并未认可。直到一年以后重新演出时，才大获成功，并很快风靡全欧。

这三部优秀作品的问世，使威尔第在歌剧界的成就和声望迅速超过唐尼采蒂和贝里尼，甚至连罗西尼都屈居其后。威尔第从此成为意大利最伟大的歌剧作曲家。

1853年10月，他来到巴黎，与巴黎大歌剧院签订了合同，开始构思《西西里的晚祷》。这部歌剧在1855年6月巴黎国际博览会开幕时首演，尽管一连演了50多场，但对它的评价褒贬不一。以后，威尔第又创作了《阿洛尔德》（1857）、《西蒙·波卡涅拉》（1857）。

1859年2月18日，威尔第的又一部杰作《假面舞会》在罗马上演，再次获得巨大成功。这七部歌剧的成功奠定了歌剧大师的地位。1901年逝世于米兰。一生创作了二十六部歌剧，善用意大利民间音调，管弦乐的效果也很丰富，尤其能绘声绘色地刻划剧中人的欲望、性格、内心世界，因之具有强烈的感人力量，使他成为世界上最受欢迎的歌剧作曲家之一。这一时期，威尔第的创作活动进入了高峰期。他的《弄臣》《游吟武士》《茶花女》成为歌剧史上的伟大里程碑。

1871年完成《阿伊达》后，除了一首安魂曲外威尔第整整十五年未再谱写歌剧。

1875年被提名为参议员。

1887年在剧作家波义多的鼓吹与合作下完成了《奥赛罗》。

1893年，80岁高龄的威尔第推出最后一部歌剧作品：喜歌剧《法斯塔夫》。

1896年开始为年老的音乐家们建屋，照应他们的晚年。

1897年第二任妻子过世。

1901年1月27日于米兰去世，享年87岁。意大利政府为他举行民族英雄葬礼，予以国葬悼念。

威尔第在1867年为巴黎大歌剧院创作的《唐·卡洛斯》上演后反映平平。1868年6月，威尔第拜访了他心仪已久的83岁的老作家曼佐尼。

1870年，声望卓著的威尔第当选为意大利众议院议员，但他宁愿呆在自己的庄园里享清福，很少去罗马参加他不感兴趣的政治活动，他过着离群索居的生活。此间，威尔第还创作了《梅菲斯特费勒斯》，修改了他以前创作的《命运之力》。

1871年12月，威尔第创作的以古埃及传说为背景的歌剧《阿依达》在开罗首演。两个月后，《阿依达》在威尼斯上演，由施托尔茨担纲。这部的歌剧，再一次掀起了对威尔第的狂热。观众的情绪极其亢奋，年愈60岁的威尔第出台谢幕竟达40次。

1873年5月，曼佐尼病逝。威尔第在家中专心致志地为死者创作了一部《安魂曲》。在曼佐尼逝世一周年之际，《安魂曲》在圣马尔科大教堂演奏，威尔第亲自指挥。这部杰作是威尔第除歌剧之外惟一一部享有盛誉的作品。

垂暮之年

此后的13年中，垂暮之年的威尔第除了对《西蒙·波卡涅拉》和《唐·卡洛斯》作了修改外，没有创作新的作品。然而，威尔第的音乐生命并没有就此结束。古稀之年的威尔第用了几年时间，构思创作了《奥赛罗》，为此他倾注了全部的精力。

1887年2月5日，《奥赛罗》在斯卡拉歌剧院首演。正如人们所预期的那样，首演的场面激动人心，一些国家的政要、文化名流和观众一起，如痴如醉地沉浸在剧情中，欢呼声、掌声震耳欲聋。74岁的威尔第和主要演员的谢幕花费了15分钟。

在以后的几年，这位高龄的老人又完成了一部杰作《福斯塔夫》。这既是威尔第最后一部喜歌剧，也是他漫长而辉煌的创作生涯中的最后一部作品。1893年2月9日，《福斯塔夫》的首演获得了与《奥赛罗》相同的成功。

1901年1月27日，与世长辞。尽管威尔第在遗嘱中表示自己的葬礼应该是“非常简朴的”，但意大利人们在《飞吧思想，展开金色的翅膀》的合唱声中，送别歌剧艺术大师。

约翰·施特劳斯（全名：约翰·巴普蒂斯特·施特劳斯，英文：Johann Strauss Jr.[1]德语：Johann Baptist Strauß，1825年10月25日—1899年6月3日），是奥地利著名的作曲家、指挥家、小提琴家、钢琴家。代表作品有《春之声》《蝙蝠》《吉普赛男爵》《维也纳森林的故事》等。

约翰·施特劳斯，通常被称为约翰施特劳斯二世，1825年10月25日出生于奥地利维也纳。19岁时，举办一系列音乐会。他的父亲约翰施特劳斯是一位自学成才的音乐家，他在维也纳建立了一个音乐王朝，创作了华尔兹、伽洛普斯、波尔卡和四重奏，出版了250多部作品。老约翰去世之后，施特劳斯三兄弟建立了以自己家族命名的管弦乐团，且他们的后人也继承了这个家族的音乐传统。[7]小约翰接着写了500多首音乐作品，其中150首是华尔兹，他超越了父亲的生产力和声望。诸如《蓝色多瑙河》等作品帮助施特劳斯确立了“华尔兹王”的地位，并使他在音乐史上占有一席之地。他于1899年6月3日在维也纳去世]。

约翰·施特劳斯与父亲同名，两人都以创作圆舞曲而闻名于世。为区别起见，人们在它们的名字前面分别加上“老”、“小”二字。小约翰·施特劳斯被人们称为“圆舞曲之王”。

约翰内斯·勃拉姆斯（Johannes Brahms，1833年5月7日—1897年4月3日），出生于汉堡，德国浪漫主义作曲家。

1848年，第一次举办个人音乐会。1853年，作曲家罗伯特·舒曼撰写了题为《新的道路》的文章，该文预见了勃拉姆斯所取得的音乐成就；同年，舒曼将刚出道的勃拉姆斯介绍给他的乐谱出版商，其首批作品刊印出版。1860年，发表了反对以弗朗茨·李斯特为首的“新德意志学派”宣言。1862年起，大部分时间居住在维也纳，该地也成为了勃拉姆斯的第二故乡；同年，当选为维也纳声乐学院合唱团团长。1868年，《德意志安魂曲》在不来梅首演。1871年，接受了维也纳音乐爱好者协会艺术指导的邀请，在职期间为宣传推动德国古典音乐发挥了重要作用。1876年，完成并首演了他的《c小调第一交响曲》。1877年，《D大调第二交响曲》在维也纳举行了首演。1879年，布雷斯劳大学授予勃拉姆斯荣誉博士称号。1883年，《F大调第三交响曲》在维也纳首演。1885年，《e小调第四交响曲》在迈宁根首演。1896年，创作《四首严肃歌曲》。1897年3月13日，最后一次出现在公众面前；4月3日，勃拉姆斯逝世

在德国音乐史中，常把约翰内斯·勃拉姆斯与约翰·塞巴斯蒂安·巴赫与路德维希·凡·贝多芬相提并论，即根据巴赫（Bach）、贝多芬（Beethoven）和勃拉姆斯（Brahms）姓名的第一个字母，而将三人总称为“3B”。此外，勃拉姆斯也是继贝多芬之后，创作面广、继承古典传统较深的德国作曲家。

　　圣-桑斯，C.Camille Saint-Saens，法国作曲家、钢琴家。 1835年10月9日圣-桑斯生于巴黎。父亲是诺曼底的农民，在圣-桑斯出生后不久去世，由母亲和婶母抚养成人。婶母是位相当出色的钢琴家，圣-桑斯3岁时就教他弹琴，5岁开始作曲，有神童之称。l0岁时举行首次公开演奏会。11岁入巴黎音乐学院，从E.L.阿莱维学作曲，从F.伯努瓦学管风琴。1852年，他的管弦乐声乐曲《圣塞西勒颂歌》获巴黎圣塞西尔协会奖。1853年任圣玛丽教堂的管风琴师。1857年任马德莱娜教堂管风琴师，这是巴黎教会中管风琴师的最高职位。1852年遇到F.李斯特，两人结成密友。1853年他的《第一交响曲》首次演出，1859年又发表了《第二交响曲》。1861～1865年任尼德迈耶音乐学校钢琴教授，培养出不少著名的音乐家，G.福雷就是他的学生。1864～1865年间他写了第1部歌剧《银的音色》。1868年着手写他的著名歌剧《参孙与大利拉》，由于歌剧内容取材于圣经，被认为太“严肃”和犯禁，在巴黎没有人肯接受上演，幸亏李斯特有胆有识，于1877年亲自主持在魏玛首演，15年后此剧才在巴黎歌剧院上演。1872年他的独幕歌剧《黄色公主》在巴黎喜歌剧院首演，未获成功。他一方面从事歌剧创作，另一方面为发展法国处于落后状态的器乐，同歌唱家R.比西讷一起于1871年创立民族音乐协会，会员有C.-A.弗朗克、E.拉洛、G.福雷、E.吉罗、T.杜布瓦等。圣桑斯在这一时期连续创作了一些器乐作品，如管弦乐曲《翁法勒的纺车》（1871）、《法埃同》（1873）、《死之舞》（1875）、《赫拉克勒斯的青年时代》（1877）、《阿尔及利亚第一组曲》（1880）、第2～4钢琴协奏曲（1868、1869、1875）、第l～3小提琴协奏曲（1858、1859、1880）《第一大提琴协奏曲》（1873）、第l～2钢琴三重奏曲（1863、1892）、钢琴四重奏曲（1875）等。这20多年是他创作的全盛时期。1868年获荣誉勋章，1881年被选为法兰西学院院士。1886年他的最著名的题献给李斯特的《第三交响曲》由伦敦爱乐协会乐队首次演出。晚年圣-桑斯常到国外旅行，足迹遍及美国、北非、南美、锡兰、东南亚。1921年12月16日，在非洲旅行中死于阿尔及尔的一家旅店内。

比才，又译比捷（1838－1875）法国作曲家。他出生于巴黎，四岁开始随母学钢琴，九岁入巴黎音乐学院。1857年十九岁的比捷以钢琴家兼作曲家的身份，毕业于巴黎音乐学院，并获得罗马基金去意大利进修三年。

1863年比才写成第一部歌剧《采珍珠者》，以后主要从事歌剧写作，作品有《卡门序曲》、《阿莱城姑娘》等。

在他的作品中现实主义得到深化，社会底层的平民小人物成为作品的主角。在音乐中他把鲜明的民族色彩，富有表现力的描绘生活冲突的交响发展，以及法国的喜歌剧传统的表现手法熔于一炉，创造了十九世纪法国歌剧的最高成就。

柴可夫斯基，1840年5月7日，出生于伏特金斯克市矿业工程师伊里亚·彼特洛维奇·柴可夫斯基之家。1845年11月至12月，开始向女教师芳妮学习弹钢琴。1849年，举家迁居阿拉里约斯克，其父担任阿拉里约斯克工厂的厂长。1850年7月，随母亲去圣彼得堡；9月，入法律学校学习。

1854年6月13日，柴可夫斯基丧母；秋季，第一次设想创作歌剧，以诗人奥尔霍夫斯基所作独幕诙谐幻想歌剧脚本为据。1855年，开始随昆丁格学习钢琴。1859年5月13日，从法律学校毕业；6月3日，入司法部任职。1861年7月至9月，出国旅行，途经柏林、汉堡、安特卫普、布鲁塞尔、伦敦与巴黎，担任工程师皮萨列夫的秘书和译员；秋季，开始在俄罗斯音乐协会所设音乐班上随查列姆巴学习音乐理论。1862年9月，进圣彼得堡音乐学院学习，向查姆列巴学习和声与对位，并向安东·鲁宾斯坦学习配器和作曲；10月，结识拉罗什[2] 。

1864年7月至8月，根据奥斯特洛夫斯基的剧作《大雷雨》创作序曲。1865年10月30日，所作《降B大调弦乐四重奏》在圣彼得堡音乐学院演出；12月29日，音乐学院结业式上演出柴可夫斯基的清唱剧《欢乐颂》；12月31日，自圣彼得堡音乐学院毕业，获银质奖章[2] 。

1866年1月5日，赴莫斯科，在俄罗斯音乐协会莫斯科分会所设音乐班上任教，与尼古拉·鲁宾斯坦缔交；3月4日，《F大调序曲》（修订版）在莫斯科演出，并由尼古拉·鲁宾斯坦担任指挥；9月1日，柴可夫斯基在莫斯科音乐学院建校庆典上演奏《鲁斯兰与柳德米拉》序曲钢琴缩编谱；11月，结识奥勃耶夫斯基、卡什金和尤根逊；12月10日，《第一交响曲》中的诙谐曲在莫斯科演出，指挥为尼古拉·鲁宾斯坦。

1867年3月，开始创作歌剧《司令官》[2] ，该剧在1860年首演被其销毁手稿[4] ；12月，结交斯塔索夫。1868年1月，结识作曲家巴拉基列夫；2月3日，《第一交响曲》在莫斯科首次演出；2月19日，在赈灾音乐会上担任指挥；3月10日，在《现代纪事报》上发表第一篇音乐评论文章《关于里姆斯基-科萨科夫的〈塞尔维亚幻想曲〉》；3月至5月，在圣彼得堡会晤“强力集团”成员；10月，开始与法国女高音阿托特交往[2] 。

1869年1月30日，歌剧《司令官》在莫斯科首演；2月15日，交响诗《命运》在莫斯科初次演出。1870年3月4日，幻想序曲《罗密欧与朱丽叶》在莫斯科初次演出；6月，赴曼海姆参加贝多芬诞辰100周年音乐节。

1871年，柴可夫斯基作品音乐会在莫斯科举行，曲目中有《第一弦乐四重奏》等；11月，开始担任《现代纪事报》的音乐评论员[2] 。

1873年1月，《第二交响曲》在莫斯科初演；4月24日，歌剧《禁卫军》在圣彼得堡首次演出[2] 。1874年，在三个月内完成《铁匠瓦库拉》并完成《第二弦乐四重奏》[4] 。1875年10月，《第一钢琴协奏曲》在波士顿首演；11月19日，《第三交响曲》在圣彼得堡首次演出[2] 。

1876年1月1日，《第一弦乐四重奏》在波士顿演出；2月8日，在巴黎欣赏歌剧《卡门》，印象颇深；2月，脱离《现代纪事报》；3月11日，《第一钢琴协奏曲》在伦敦演出；8月，赴拜罗伊特参加理查德·瓦格纳音乐会，并与瓦格纳结交；11月24日，歌剧《铁匠瓦库拉》在圣彼得堡初演；11月30日，幻想序曲《罗密欧与朱丽叶》在维也纳上演；12月，在莫斯科结识列夫·托尔斯泰，与梅克夫人开始通信[2] 。

生活余波

1877年2月20日，芭蕾舞剧《天鹅湖》在莫斯科首演；2月25日，交响幻想曲《里米尼的弗兰切斯卡》在莫斯科初演；7月6日，与安东尼娜·米柳科娃结婚；11月至12月，与妻不和，出国；11月18日，《洛可可主题变奏曲》在莫斯科初演；同年，开始接受梅克夫人的经济资助[2] 。1878年，完成歌剧《叶甫盖尼·奥涅金》和第四交响曲；同年，辞去在莫斯科音乐学院的教学工作[4] 。

1879年1月27日，《第三交响曲》在纽约演出；2月25日，交响幻想曲《暴风雨》在巴黎演出；3月17日，歌剧《叶甫盖尼·奥涅金》在莫斯科首次演出；10月21日，钢琴《大奏鸣曲》在莫斯科首演；12月8日，《第一组曲》在莫斯科首演[2] 。

1880年1月13日，《第四交响曲》在巴黎演出；3月25日，柴可夫斯基作品音乐会在圣彼得堡举行；12月6日，《意大利随想曲》在莫斯科初演[2] 。

1882年，《弦乐小夜曲》在莫斯科初演；5月18日，《第二钢琴协奏曲》在莫斯科初演；7月16日，歌剧《奥尔良少女》在布拉格演出；10月18日，《钢琴三重奏》初次演出[2] 。

1883年10月22日，《1812序曲》在莫斯科演出。1884年2月3日，歌剧《马捷帕》在莫斯科出演；2月4日，《第二组曲》在莫斯科初演[2] 。

重归生活

1885年1月12日，《第三组曲》在圣彼得堡初演；2月10日，当选为俄罗斯音乐协会莫斯科分会负责人；2月14日，迁居麦达诺沃村（克林近郊）[2] ，这是他在乡间的第一所住宅[4] ；2月22日，《音乐会幻想曲》在莫斯科初演出演。

1886年1月20日，在柴可夫斯基的建议和资助下，麦达诺沃村成立了一所学校；4月18日，柴可夫斯基作品音乐会在第比利斯举行[2] 。

1887年2月，柴可夫斯基作品音乐会在巴黎举行；10月2日，歌剧《女巫》在圣彼得堡初演；11月14日，《第四组曲》（《莫扎特风格曲》）在莫斯科初演[2] 。

1888年3月，在欧洲各地（莱比锡、汉堡、柏林、布拉格、巴黎、伦敦）巡回演出，柴可夫斯基亲自指挥演出自己的作品，并结交格里格、理查·施特劳斯、马勒、德沃夏克、古诺等作曲家；4月，从麦达诺沃迁居伏洛夫斯克；11月5日，《第五交响曲》在圣彼得堡首演；11月10日，《哈姆雷特》序曲在圣彼得堡首演；11月24日，歌剧《叶甫盖尼·奥涅金》在布拉格上演；12月11日至12日，柴可夫斯基作品音乐会在莫斯科举行[2] 。

最后岁月

1889年3月，第二次国外巡回演出（科隆、法兰克福、德累斯顿、柏林、日内瓦、汉堡、伦敦），并在汉堡期间结识作曲家勃拉姆斯；4月25日，柴可夫斯基作品音乐会在巴黎举行；10月14日，拜访作家契诃夫；10月28日，在莫斯科指挥音乐会演出，曲目中有莫扎特、塔涅耶夫、格林卡和他本人的作品。1890年1月3日，芭蕾舞剧《睡美人》在圣彼得堡初演；1月19日，开始创作歌剧《黑桃皇后》，总谱于6月8日完成；11月，圣彼得堡音乐学院举行柴可夫斯基从事音乐活动25周年庆祝会；12月5日，歌剧《黑桃皇后》在圣彼得堡首次演出；12月，与梅克夫人通信断绝[2] 。

1891年3月24日，柴可夫斯基作品音乐会在巴黎举行；4月至5月，赴美演出，途径纽约、巴尔的摩与费城[2] 。

1892年1月2日，柴可夫斯基作品音乐会在华沙举行；1月7日，歌剧《叶甫盖尼·奥涅金》在汉堡上演；3月7日，在圣彼得堡俄罗斯音乐协会音乐会指挥本人的作品演出；4月，迁居克林；9月30日，当选巴黎艺术研究院院士；12月6日，歌剧《约兰达》和芭蕾舞剧《胡桃夹子》在圣彼得堡首演。

1893年1月16日，柴可夫斯基作品音乐会在奥德萨举行；2月4日，开始创作《第六交响曲》，并于3月24日完成；3月14日，柴可夫斯基作品音乐会在哈尔科夫举行；5月20日，赴英国接受剑桥大学荣誉博士衔；10月28日，《第六交响曲》在圣彼得堡首演；11月2日，患重病；11月6日凌晨，逝世；11月9日，安葬于亚历山大-聂夫斯基寺院墓地。

歌剧创作对柴可夫斯基来说，其意义及重要性和交响乐创作难分上下。他一生写了10部歌剧，它们是：《司令官》（1868）、《水妖》（1869）、《禁卫兵》（1872）、《铁匠瓦库拉》（1874）、《叶甫银尼·奥涅金》（1878）、《奥尔良少女》（1879 ）、《马捷帕》（1883）、《女巫》（1887）、《黑桃皇后》（1890）和《约兰达》（1891）。其中影响范围最广、艺术价值最高的是用普希金两部同名原作改编的《叶甫盖尼·奥涅金》和《黑桃皇后》。柴可夫斯基的舞剧音乐创作不仅在俄国音乐史上具有开创性，而且在世界音乐史上也占有重要地位。他的三部舞剧：《天鹅湖》、《睡美人》和《胡桃夹子》早就成为雅俗共赏的古典芭蕾舞剧的代表作，经久不衰地活跃在舞台上。他在舞剧音乐方面最突出的贡献是使舞剧音乐戏剧化和交响化，使其具有独立性，成为舞剧的灵魂，不仅能与舞蹈表演融为一体，而且可以离开舞蹈作为独立的管弦乐作品来欣赏。

柴可夫斯基国际音乐比赛创始于1958年，地点是莫斯科。每四年举行一次，时间在6、7月间。曲目以柴可夫斯基的作品为主，奖项共分八等。首届只钢琴与小提琴两项，以后增设大提琴和声乐。中国钢琴演奏者刘诗昆曾在首届钢琴比赛中获得第二名；中国小提琴演奏者薛伟在第八届小提琴比赛中获得第二名。

柴可夫斯基国际青少年音乐比赛

创始于1990年，由柴可夫斯基国际音乐比赛中的明星协会主办。旨在及早发掘和培育世界各国有天赋的音乐人才。比赛项目包括：钢琴、小提琴、大提琴演奏。首届于1991年6月在莫斯科举办。1995年，中国钢琴演奏者郎朗在日本仙台举办的第二届比赛中获得钢琴组冠军[

安东·利奥波德·德沃夏克，1841年9月8日-1904年5月1日），十九世纪世界重要的作曲家之一、捷克民族乐派的主要代表人物。

德沃夏克出生于布拉格（现属捷克）内拉霍奇夫斯镇，他6岁的时候在Nelahozeves上小学，在那里他第一次上小提琴课。1853年他迁往兹洛尼斯学习德语。当时德语是波希米亚的生存之本。在那里他跟随教堂唱诗班领唱Antonín Liehmann学习钢琴和管风琴。在此期间，他有时演奏管风琴补贴家计。他还在他老师的乐队中演奏，并且开始作曲。有一个由来已久而且由一封伪造的满师证书所支持的传言，说德沃夏克的双亲强迫安东尼学习屠宰技术，但还没有任何证据证明这个传言的真实性。

1856年秋德沃夏克去了Česká Kamenice，据推测他是为了进修德语，并且准备到德语教学的布拉格管风琴学校上课。1857年10月他上了两年的管风琴学校，也在一所普通学校上过学，还作为中提琴手在一年登台两次的Cäcilien协会乐队中演出。

德沃夏克本想谋一个管风琴师的职位，但失败了。1859年夏天开始他就在Karl Komzák的乐团里面当中提琴手，在咖啡馆，或是公众场合演奏乐曲集锦，序曲和舞曲。德沃夏克这样过了十一年，其间没有发表作品。从这段时间流出下来的作品判断，他是自学的作曲，而且可以说是按部就班的，从开始的莫扎特，经门德尔松和舒曼直到1870年代末的瓦格纳。刚开始他的重点是弦乐四重奏。

1862起Komzák的乐队在新开的布拉格临时剧院登台，约在1865年升级为歌剧乐团。在国家剧院落成之前，这座临时剧院是第一所捷克歌剧戏剧的用武之地。其中斯美塔那贡献良多，他的《勃兰登堡人在波希米亚》和《被出卖的新嫁娘》1866年就是在此首演的。

1865年起德沃夏克除在乐队的工作外，还开始在剧院教授钢琴。他的女学生有姐妹俩Josefina和Anna Čermáková。当时德沃夏克爱上了17岁的Josefina，可惜未成眷属，但当时11岁的Anna，却在8年后即1873年11月17日与德沃夏克成婚。

1870年德沃夏克写下第一部歌剧《阿尔弗雷德》，德语剧本，但歌剧在他生前都不曾获得上演机会，可以看作是一次练笔。第一部为观众所接受的作品是歌剧《国王与烧炭工》，Bernhard J. Lobeský写的捷克语剧本。1871年7月他辞去了乐队工作，只为了多点时间作曲。在1871年到1873年，他发表了歌剧，室内乐和为合唱和乐队而写的赞美诗《白色山的遗产》，这些作品得到了热情的赞美与肯定。

只是其歌剧《国王与烧炭工》不尽如人意。1873年临时剧院已经开始排演，但是不得不中断，据称原因是这部歌剧太难而不可能演唱。德沃夏克再次重新审视其曲风，并且抛弃了新德国学派的那一套重新作曲，1874年首演，结果是大获成功。

1874年开始他开始到私立音乐学校授课，2月他得到了一个管风琴职位，在此位置上他一直工作到1877年。

1874年到1877年间他都得到国家奖学金。爱德华·汉斯力克是这个评委会的成员，后来还有勃拉姆斯。后者成就了德沃夏克的决定性突破——他通过自己的出版商Fritz Simrock出版了德沃夏克的二重唱合集《摩拉维亚之声》。同时这也标志着两位大作曲家终身友谊的开始。

1884年德沃夏克接受爱乐协会的邀请第一次前往伦敦。这两年内写成的《鬼新娘》（Rusalka，根据Karel Jaromír Erben的叙事诗写）和《圣洁的鲁米那》是伯明翰和利兹的委托之作。

第一次伦敦之行后，德沃夏克到普日布拉姆（Příbram）旁的维索卡山（Vysoka）避暑，在那里他可以充分远离城市享受大自然。1877年起他的公众露面停息，只接受少量的委托，修改旧作，写作歌剧《雅各宾派人》。

1889年初德沃夏克应俄罗斯皇家音乐协会之邀到访莫斯科和圣彼得堡。在再一次的伦敦之旅后他回到布拉格，在那里他接受了卡尔斯大学荣誉博士头衔，1890年10月他成为音乐学院教授。其实1889年一月他就收到聘任提议，但由于他当时事务繁忙不得不推掉。

1892年德沃夏克到纽约国家音乐学院出任院长。年薪15000美元，对德沃夏克的财政状况来说时非常具有吸引力的。但他也要考虑到家庭团聚的问题，他的妻子，女儿Otilie和儿子Antonín陪同前往。其他四个孩子只在1893年夏天来美国。那时一家在艾奥瓦州的捷克移民村斯比维尔欢度美好时光。

聘任建议是由主席Jeanette Thurber提出的，她想把美国从欧洲音乐一统天下的局面中解放出来，并且树立美国自己的艺术偶像。德沃夏克深深认同这一目标，研究种植园黑人工人的灵歌和印第安旋律，他认为这就是美国音乐的根。

德沃夏克给纽约写了很出名的作品：第9交响曲《自新大陆》、《感恩赞》和弦乐四重奏第96篇章，就是《美国弦乐四重奏》。

1896年德沃夏克与绝对音乐划清界限。虽然他之前写过一些被称之为标题音乐的作品，如1889年的为钢琴而作的《诗意声乐画》，他称之为“标题音乐，但是是舒曼式的”，或是同年的Dumky三重奏（钢琴三重奏）。但他直接转向交响诗的创作。这是一种音乐体裁，在李斯特和瓦格纳的新德国学派里，它是争论的焦点之一。

这一年之内他写了《水妖》、《午时女巫》、《金纺车》和《野鸽》。这些作品都是根据捷克诗人Karel Jaromír Erben的叙事诗集《Kytice》创作的。他用散文式的音乐告诉听众这些故事的情节。下一年他还写了《英雄之歌》，虽然他并没有公开其大纲，但是他在一封信中却对之作了在他最后的岁月里他只写歌剧：1898年《魔鬼与凯特》、1900年《水仙女》和1902/3年的《阿米达》。

　　爱德华·格里格(Edvard Grieg，1843年-1907年)，挪威最杰出的作曲家，19世纪下半叶挪威民族乐派代表人物。1843年6月15日格里格生于卑尔根的商人家庭，1907年9月4日卒于同地。6岁随母学钢琴，得到音乐启蒙教育。经著名小提琴家O.布尔推荐，1858~1862年在莱比锡音乐学院学习。毕业后，在卑尔根举行首次作品音乐会。1863~1866年在丹麦首都哥本哈根活动，与挪威民族音乐的倡导者音乐家R.诺拉克等人共创"尤特皮"音乐社，创作并介绍斯堪的纳维亚国家的民族音乐。15岁时去德国莱比锡音乐学院学习。后去哥本哈根从加德为师。1864年结识了作曲家里夏德·诺德拉克后，共同从事研究挪威民间音乐的工作。1867年创办了挪威音乐学校，根据挪威诗词创作了具有独特风格的抒情歌曲，整理改编民间歌曲。其妻歌唱家尼娜是他作品最好的解释者。他能巧妙地将主题用古典结构形式和现实的传统音调紧密地结合在一起，从而使它与真正的民间音乐难以分辨。

格里格一生经历了挪威民族独立运动高涨的年代，具有进步的民主爱国思想。他沿着布尔、诺拉克等人开创的道路，努力钻研民间音乐，作曲家L.M.林德曼搜集出版的《挪威山区民间曲调》 《挪威民间叙事曲曲调》等集子，成为他创作的音调源泉。在创作实践中，他借鉴欧洲各国音乐传统，特别是19世纪以来浪漫主义音乐发展的成果，通过对民族历史的歌颂，对祖国大自然和民间生活的艺术感受，创作出具有挪威民族特色和浓厚乡土气息的音乐。

他的创作主要是钢琴抒情小品和声乐作品(包括百余首抒情独唱曲)。如歌曲《来自祖国》 (1894)，以淳朴的民间曲调，表达了对祖国真挚的感情，钢琴曲《祖国之歌》(1868)，以古挪威民间叙事歌的庄严风格，赞颂了民族历史的光荣，诗人比昂松特为此曲配上《前进!这是我们先辈们的战斗呼唤》的诗篇，借颂扬祖先的业绩，为现实的民族独立斗争呐喊。在合唱《水手之歌》 (1868)、 《乡土在望》 (1870)和许多民族题材的作品里，都以鲜明的民族情调表达了维护民族尊严和争取独立的愿望，适应了当时挪威历史发展的潮流，具有一定的历史进步意义。

在格里格的创作题材中，最突出的是以音乐表现了北国挪威壮丽、俊秀的自然风貌，农村山区的民间生活和童话传说中的奇幻形象。如以民间歌曲、舞曲为素材写的钢琴曲《挪威民间生活素描》 (1871)、 《挪威农民舞曲》 (1903)等，特别是最能代表他的创作特点的钢琴抒情小品(共66首，分别编为10集发表)。在这些作品里，通过民间音调和精雕细刻的艺术提炼，借景物抒情，把挪威的大自然和民间生活乃至神话世界，都描绘成一幅幅色彩瑰丽、风格质朴的音乐水彩画。其中，出色地再现了挪威民间节日和农村婚礼的欢乐场面，响彻着典型的挪威民间舞曲哈林、斯普林的热情奔放和活泼的旋律，艺术地模拟出西部峡湾地区民间提琴手拉奏的五度和弦音响和山区牧民的牧牛歌调，也生动地刻划了民间童话里山妖、风精、侏儒等奇幻形象。在民族风格的探索上(如民间乐汇、调式的运用、民族色彩性的和声配置、民间舞曲特定的节奏音型等)，都取得了丰富的经验。

在许多以个人精神生活为题材的抒情歌曲里，格里格表达了人生的悲欢离合之情，歌颂了爱情、母爱和友谊，为"消逝的日子"写过叹惜的哀调，为"孤独的流浪汉"唱出了同情的短歌。如在《我爱你》 (1864)、 《茅舍》 (1869)、 《游吟艺人之歌》 (1876) 《母亲的忧伤》 (1868)等形象单一并具有随笔性的浪漫抒情歌曲里，他着力于细腻的心理刻划和独具一格的艺术意境，笔调简洁，形象真切，渗透着强烈的挪威民族的浪漫主义感情色彩，具有动人的艺术魅力。

1874~1875年间，格里格为H.易卜生的幻想诗剧《培尔·金特》写过2段音乐，后来选出8首重新配器，分别编为两部管弦乐组曲，成为脍炙人口的世界名曲。戏剧原著采用挪威民间传说，通过青年农民彼尔所经历的光怪陆离的冒险生活(如战胜山魔、掠财致富、异国漫游等)，嘲讽了追求权力与金钱的私欲，讴歌了淳朴、自然的生活理想。格里格还为戏剧写了一系列充满诗情画意、色调丰富的配乐。如《晨景》中音乐如一股凉爽的清泉，在一片安静的田园气氛中，衬托着太阳破云而出的晨曦美景，颤动着生机勃勃的大自然脉动; 《山魔的大厅》中那种狂暴粗野、咄咄逼人的音乐给人难忘的怪诞印象; 《奥塞之死》是彼尔在弥留的母亲床前的挽歌，忧伤的旋律如长眠前最后的呼吸和生命的慢慢衰亡;而《索尔维格之歌》则是全部配乐中的杰作，它以晶莹透彻婀娜多姿的民歌风格，刻划了索尔维格温顺、纯洁的性格和心灵。此外，在一些充满异国情调的音乐片断里，如具有典型东方特色的《阿拉伯舞曲》，既文雅轻盈又热情奔放的《阿尼特拉舞曲》 ，都由于绚丽多彩的配器色调而独具魅力。

他的具有卓越艺术成就和民族特点的作品，还有早期创作的《a小调钢琴协奏曲》 (1868)，弦乐曲《两首悲调》 (《创伤》和《晚春》，1881_)、G大调《第二小提琴奏鸣曲》 (1867)、c小调《第三小提琴奏鸣曲》 (1887)、《g小调弦乐四重奏》 (1877~1878)、 《e小调钢琴奏鸣曲》 (1865)。为纪念丹麦民族戏剧奠基者、戏剧家L.H.B.霍尔堡写的《霍尔堡康塔塔》和钢琴组曲《霍尔堡时代》 (1884，曾改编成弦乐组曲);以民歌主题写成的标题幻想性小品《g小调钢琴叙事曲》 (1876)等，这些作品都体现了格里格在钢琴抒情小品里的思想情趣和清新的格调。

在法国印象派新世界之声研讨会上，许多音乐研究者们指出了格里格晚期作品的重要意义。1926年2月，墨里斯.拉维尔访问奥斯陆时说:"我所在的法国作曲家阶层已经强烈地被他的音乐所吸引。除了德彪西还没有一个作曲家象格里格这样能引起我的共鸣。"贝拉.巴托克，这位曾试图在民乐基础上革新二十世纪音乐形式的作曲家，也同样感受到了格里格钢琴改编曲的巨大冲击力。 代表作为交响组曲《培尔·金特》。柴可夫斯基、西贝柳斯、德彪西等都曾受到他的影响。他在挪威威望很高，逝世后受到国葬。

　　里姆斯基-柯萨科夫于1844年3月18日生在诺夫哥罗德省季赫温市一个贵族家庭里;这个古老小城市美丽的自然景色，它那保持古风的民间仪式和优美的民歌，留给童年时代的里姆斯基-柯萨科夫很深的印象。六岁起，他开始学习弹奏钢琴，近十一岁就尝试写作乐曲。1856年满十二岁时，他被选人彼得堡海军士官学校，同时不断地进行他的音乐研究。1861年底他开始结识了巴拉基列夫，并参加了他的"小组"活动;同当时这些进步的俄罗斯音乐家的交往，开拓了他的艺术视野，坚定了他从事音乐创作的信念，他的《第一交响曲》就是在巴拉基列夫的直接指导下写出的。后来，他在"强力集团"作曲家当中的地位，用另一位俄罗斯音乐评论家谢洛夫的话说，甚至"真如鹤立鸡群"。

1862年，里姆斯基-柯萨科夫从土官学校毕业，成为一名海军准尉，大约有三年时间参加一艘快船的巡航，到过英国、南北美洲、法国和意大利等地，这期间他虽然较少接触音乐，但在航海生活中所获得的鲜明印象，却丰富了他后来的音乐创作，他被公认为的最好的"海的风景画家"之一。1865年，他回到彼得堡后，作为一个海军尉官，他却主要在音乐圈子里活动，积极进行他的"专业"创作，写出一些已经足以显示作者的风格特征的作品，如交响音画《萨特阔》、第二交响曲《安塔尔》和歌剧《普斯科夫姑娘》等。

1871年，里姆斯基-柯萨科夫应彼得堡音乐学院之聘在该校教授作曲法与管弦乐法等课程，后来还兼任海军部所属各军乐队的督察员(1873-1884年)、免费音乐学校校长(1874-1881年)等职。他的教学工作确实是边教边学，他孜孜不倦地钻研音乐理论，以补自己专业音乐知识之不足;他亲自记录民歌，配上和声结集出版，还同巴拉基列夫和里亚多夫一起修订格林卡的歌剧总谱，所有这些，都使他得到一种"意想不到的训练";同军乐队的密切接触也使他有机会熟悉和研究各种乐器的构造和性能，并终于写出一些关于管弦乐法等方面的专著。

1905年俄国第一次革命时期，里姆斯基-柯萨科夫积极投入社会与政治斗争，他勇敢地奋起保卫革命的青年学生，因此被解除音乐学院教授的职务，他的作品遭到禁演，他本人也受到秘密监视。但是解聘他的这一事件激起了全国抗议迫害的浪潮。最后，由于彼得堡音乐学院新院长格拉祖诺夫的邀请，他终于重新回到音乐学院。1908年6月21日，里姆斯基-柯萨科夫因心脏病发作而逝世。

他的主要作品有:歌剧十五部，包括音乐剧、史诗歌剧、神话歌剧、抒情喜歌剧和神怪歌舞剧等体裁，其中最著名的有《普斯科夫姑娘》、《五月之夜》、《雪女郎》、《圣诞节前夜》、《萨特阔》、《沙皇的新娘》、《萨旦王的故事》等。他的最后一部歌剧《金鸡》是一部尖刻的讽刺作品。他还著有《和声学实用教程》、《管弦乐配器法》以及传记《我的音乐生活》等书籍。

他的交响音乐作品数量不多，但非常精彩。19世纪60年代的作品主要有《第一交响曲》、交响组曲《安塔尔》和交响音画《萨特阔》等;19世纪80年代的作品则有交响组曲《舍赫拉查达》 、《西班牙随想曲》和《第三交响曲》等。

在他一生中最后的二十年间，他几乎没有采用过纯粹的交响音乐的形式来写作。里姆斯基-柯萨科夫的交响音乐创作都有标题性、叙事体和音画式的倾向，他的交响音乐作品的情节，同俄罗斯的壮士歌和传说、东方的民间故事以及人民生活的场面有着很密切的联系。他的交响音乐作品，一般说来都有强烈的民族特点，有时带有浓厚的东方色彩，他的这方面的杰作，一直是世界交响音乐舞台常演曲目的一部分。

其他作品:《暴君伊凡》、《雪娘》、《姆拉达》、《沙德克》、《不死的克杰伊》、《天方夜谭》、《俄国复活节》、《安达》等。

里姆斯基-柯萨科夫为发展俄罗斯音乐文化而进行的多方面的活动，都有其丰硕的成果:他在音乐学院三十七年的教学工作，培养出众多的人才，其中包括里亚多夫、伊波里托夫-伊凡诺夫、格拉祖诺夫和米亚斯科夫斯基等著名作曲家;他发扬了自我牺牲的伟大精神，进行了大量精细的修订、续写和配器工作，使一些与他同时代的俄罗斯作曲家的未完成作品，例如穆索尔斯基的歌剧《鲍里斯·戈都诺夫》和《霍凡兴那》、鲍罗丁的歌剧《伊戈尔公爵》和达尔戈梅斯基的歌剧《石客》等得以最后完成;他参加贝莱耶夫的新的音乐家小组的活动，并成为这个小组的一些创举的"顾问"--这个小组组织的"俄罗斯交响乐演奏会"和乐谱出版社，对俄罗斯音乐作品的推广、宣传和发展起了很大的作用。

　　克劳德·德彪西一家原是农民世家，在约1800年他们由勃艮第迁至巴黎。其祖父是贩酒商，后则成为一名木匠。而克劳德·德彪西的父亲曼纽-阿希尔（Manuel Achille）则曾在海军当步兵七年，后来与妻子维多林定居圣日耳曼昂莱并经营一家瓷器店。

克劳德·德彪西于1862年8月22日出生于圣日耳曼昂莱，他也是曼纽夫妇的头一胎。曼纽希望他的儿子成为一个海员。1870年普法战争期间，克劳德·德彪西举家搬迁到戛纳的姑姐克莱门汀（Clementine）家。虽然克劳德·德彪西并非出身音乐世家，也没有良好的音乐环境，但他却十分热爱音乐，幼年时就显露出显著的音乐才能。克莱门汀为克劳德·德彪西安排了钢琴课，由一位叫让·西汝蒂（Jean Cerutti）的意大利人担任教师，于七岁开始学习钢琴。

1871年10岁的克劳德·德彪西获得曾是肖邦学生的Marie Mautéde Fleurville的关照。1872年，11岁的克劳德·德彪西进入巴黎音乐学院，在那里学习了12年，他的作曲课、音乐理论及历史课、和声课、钢琴课、风琴课、声乐课老师们，几乎都是当时的知名音乐家。有Ernest Guiraud、Louis-Albert Bourgault-Ducoudray、Émile Durand、Antoine-François Marmontel、César Franck、Albert Lavignac。克劳德·德彪西是一个看谱就能知音的学生，他的钢琴提弹奏得非常出色，可以进行专业演奏，他演奏过贝多芬、舒曼和韦伯的钢琴奏鸣曲，肖邦的《第二叙事曲》。

克劳德·德彪西在音乐学院学习时，就显露出是一个富有创新精神的学生。他在自己学习音乐的过程中，始终有一种打破陈规、探索新领域的强烈愿望。为了寻求一种新的音响组合，他常常在钢琴上连续弹奏一串串的增和弦、九和弦、十一和弦以及全音音阶等等。他弹奏的和弦，全然不按照传统规则予以预备和解决。为此，他常常遭到教师们的责备。

1880年，克劳德·德彪西到俄国担任了柴科夫斯基的至交——梅克夫人的家庭钢琴师。这个机会使他受益匪浅。他由此开始接触到许多俄国音乐大师的作品，特别是穆索尔斯基的作品。这位大师的极富特色的新颖和声，对年轻的克劳德·德彪西产生了深刻的影响，为他后来所开创的“印象主义”音乐奠定了基础。

1883年克劳德·德彪西回到巴黎音乐学院，他以他的《L’Enfant prodigue》获得罗马大奖，他获得了一份奖学金和前往设在意大利罗马的法兰西学院4年留学的资格。

1884年，德彪西以大合唱《浪荡儿》(《L’Enfant prodigue》)荣获罗马大奖,并获得了一份奖学金和前往设在意大利罗马的法兰西学院4年留学的资格。从此，他的创作活动逐渐频繁起来，同时，他还广泛结交当时欧洲最活跃和最有影响的作曲家，并对瓦格纳的音乐产生了浓厚的兴趣。1885年-1887年，克劳德·德彪西是在意大利罗马度过的。

1888年他没有完成罗马的学业，就离开那里，到德国拜罗伊特参加音乐节，在那里他被瓦格纳式的歌剧震撼了，他在拜罗伊特呆到1889年才回到巴黎。瓦格纳早在1883年就去世了，但是他的音乐风格影响了青年克劳德·德彪西。

1889年，巴黎举行世界博览会，那一年巴黎艾菲尔铁塔树立起来。在博览会上，克劳德·德彪西听到了爪哇甘美朗的演奏，对十二平均律和五声调式影响深刻。

1890年以后，克劳德·德彪西和象征派诗人马拉美结识，他加入了以马拉美为首的巴黎文艺沙龙。在这里，克劳德·德彪西结识了许多青年艺术家。他经常参加他们的艺术讨论聚会，这些艺术家们的一些全新的艺术观点和思想深深地影响着克劳德·德彪西。他开始欣赏他们的诗，并为这些诗歌谱曲。这时，他的音乐已开始带有“印象主义”色彩，并逐渐发展成为他最后总的艺术风格。

克劳德·德彪西被认为是印象派音乐的代表，虽然他本人并不同意并设法远离这一称谓。一些作家如罗伯·施密兹（E. Robert Schmitz），塞西·格雷（CecilGray）认为克劳德·德彪西是一位“象征主义者”而非“印象主义者”。《新格罗夫音乐辞典》内文也写到，将克劳德·德彪西的音乐美学称为“印象主义”是不尽准确的。不管怎样，德彪西自幼年起即受到印象派艺术的熏陶。他在马斯奈等前辈作曲家开创的法国音乐传统的影响下，结合了东方音乐，西班牙舞曲和爵士乐的一些特点，将法国印象派艺术手法运用到音乐上，创造出了其别具一格的和声。其音乐对其他的作曲家产生了深远的影响。

克劳德·德彪西的音乐和古典主义音乐相去甚远。在他的作品中已看不到古典主义音乐的严谨结构、深刻的思想性和逻辑性，也看不到浪漫主义音乐的丰富情感，取而代之的则是奇异的幻想因素、朦胧的感觉和神奇莫测的色彩。他的和声细腻、繁复，配器新奇而富 有色彩，旋律略带冷漠飘忽的感觉，这都是古典主义音乐和浪漫主义音乐所不具备的。克劳德·德彪西一生创作的作品虽然不多，但他的作品每首都有其突出的特色。他的许多作品已经成为“印象主义”音乐的典范，其中著名的有：歌剧《佩列阿斯和梅丽桑德》，管弦乐曲《牧神午后》、《夜曲》，三首交响素描《大海》，钢琴曲《版画集》等，此外还有一些声器乐和室内乐作品。

克劳德·德彪西的音乐具有划时代的意义，尤其是他那独特的“印象主义”风格，对二十世纪现代音乐起到了直接影响作用。因此克劳德·德彪西又往往被认为是二十世纪现代音乐的开创人物。除了作曲、教学外，克劳德·德彪西也从事音乐评论的工作，由于他的评论立场中肯，言辞锋利，相当受人尊敬，曾出版乐评集。由于此时巴黎美术界的发展正值颠峰状态，雷诺瓦、莫奈、塞尚等画家十分活跃，当时莫奈完成一幅名为<日出·印象>的画而名噪一时，这便是印象主义、印象派等艺术形式用语产生的开端。再加上文学作品都以标榜"印象主义"为题材，这些文学家与艺术家互相往来，对于音乐家有很大影响。克劳德·德彪西遂将其理论应用到作品中，发展成为印象主义，成为印象主义的创始人与完成者。

生前的最后十年，是克劳德·德彪西艺术颠峰的时期，许多伟大结束的代表作皆陆续完成，自成一派而闻名世界，也经常在欧洲各国演奏与指挥自己的作品。至50岁起，被癌症所困，身体日渐衰弱。当第一次大战爆发时，克劳德·德彪西于1918年被炮弹炸死，享年56岁。1918年3月25日,德军空军和炮兵对巴黎发动了春季攻势， 德彪西因癌症在巴黎的家中去世。 逝后葬在Passy 公墓，完成了他死后“在树木和鸟儿中”长眠的遗愿，他的妻子和女儿同他葬在一起。

　　让·西贝柳斯（1865—1957），芬兰作曲家；1865年12月8日出生在芬兰海门林纳（Hämeenlinna），西贝柳斯9岁起学习钢琴，14岁学小提琴，并自学作曲，后参加业余室内乐团，他曾希望成为一位小提琴演奏家，而非作曲家。

其父为外科医生，在西贝柳斯未成年时即去世。西贝柳斯9岁开始学习钢琴，成绩虽并不突出，却喜即兴演奏。15岁又学习小提琴，并热切希望成为一个小提琴演奏家。但毕竟由于学习开始得过迟，他的愿望不能实现。尽管西贝柳斯在中学时已显示出很好的音乐才能，但还是遵从母亲和祖母的意愿，考入了赫尔辛基大学的法律系。同时又以特别生的身份入音乐学院从匈牙利教师H.奇拉格学习小提琴，并从学院院长M.韦盖柳斯学习音乐理论。不久西贝柳斯终于放弃了法律，完全转向音乐专业。

1885年进入赫尔辛基大学法律系，不久转入音乐学院，随韦格利乌斯（Martin Wegelius）学习，1889年毕业；这年他的弦乐四重奏公演，得到好评；1889年赴柏林，随贝克尔（Albert Becker）继续学习作曲，次年至维也纳，师从卡尔·戈德马克（Carl Goldmark）深造。

1891年回到赫尔辛基，写下了合唱交响曲《库勒沃》，1892年首演，受到热烈欢迎；此后他致力于创作。1893年执教于赫尔辛基音乐学院。

1897年，芬兰政府肯定了他的成就，开始为他提供津贴，使他能够专心作曲；1900年，他的《芬兰颂》首演，大大激起了芬兰人的爱国思想；1904年一次世界大战前，他受到来自国外的许多邀请，到各地巡回演出；同年定居赫尔辛基近郊耶尔文佩的艾诺拉别墅（Villa Ainola, Järvenpää）；1914年访问美国，接受耶鲁大学音乐博士学位；回国后过着隐居生活，但仍从事创作；1929年起停止创作。

1957年9月20日逝世于耶尔文佩，享年92岁；西贝柳斯一生创作了100多部作品，他的作品凝聚着炽热的爱国主义感情和浓厚的民族特色，因而获得了芬兰和世界的公认，被认为是19世纪民族派浪漫主义音乐最后的代表人物，为芬兰音乐开拓了一个新的时代。

西贝柳斯最初的作品主要是室内乐，但他真正的才能和兴趣是在管弦乐方面，并写出了独树一帜的杰出作品。他的管弦乐作品，多取材于民族史诗或民间传说。根据由芬兰民间诗歌和神话编成的史诗《卡勒瓦拉》中的题材进行创作。如交响诗《库莱尔沃》（1892，乐队与声乐）、传奇曲《勒明基宁组曲》 (1893～1896)、交响幻想曲波约拉的女儿(1906)等。其中《库莱尔沃》是西贝柳斯第1部成名之作，全曲共分5个乐章，故事表现库莱尔沃和一个少女相爱，后来发现这个少女竟是他幼年时失散的同胞妹妹，结果导致悲剧的结局──妹妹投水自尽，库莱尔沃也拔剑自杀。《勒明基宁组曲》也是一部颇受人欢迎的传奇曲,它包括4个部分，即《勒明基宁和少女们》、《勒明基宁在图奥内拉》、《图内拉的天鹅》和《勒明基宁的归来》。勒明基宁是传说中生活放荡类似唐璜式的人物。在这4部传奇中以《图奥内拉的天鹅》最为突出。图奥内拉是芬兰神话中的冥府，它被一条黑水河环绕，河上游着一只天鹅。乐曲在加弱音器的弦乐的背景上，突出英国管吹奏的旋律，有如天鹅悲凄的歌声，意境幽深。这些作品，从题材内容到音乐风格，都富有鲜明的民族特点；是在芬兰人民反对沙皇俄国入侵，民族意识高涨的背景下创作的；虽然没有直接的现实政治意义，但却鼓舞了芬兰民族意识的觉醒。

西贝柳斯在创作上最重要的成就是他的7部交响曲；这7部交响曲均为非标题性作品，代表了他在创作道路进程中哲学思想和美学观点的变化；第一交响曲(1899)是按古典传统方式写成，具有史诗般的气氛；其中既有紧张的戏剧冲突,也有抒情的自然景色;全曲结束在胜利的音调中，洋溢着青春的活力；《第二交响曲》(1902)，标志着一种新风格的开始。全曲从忧郁神秘的气氛和烦躁不安的激情，达到宏伟庄严的凯旋结局，具有从苦难经过斗争走向光明的哲理性；《第三交响曲》(1907)只有3个乐章,是一部明朗、抒情的交响曲，充满了光明和欢乐。《第四交响曲》(1911)气氛晦暗,富于冥想性,是一部独特的表现内心世界的作品；第五交响曲(1915)是一部欢快、嘹亮而庄严的作品。作者写此曲时，第一次世界大战已经爆发，尽管战争给欧洲人民带来了灾难，但西贝柳斯在这部交响曲中却对人类的前途充满了信心；《第六交响曲》(1923)，表现出很强的克制。《第七交响曲》(1924)只有1个乐章,它以较为亲切温柔的音乐语言，表达了生命的欢乐——西贝柳斯的交响乐创作，以其深邃的意境、内在的力量和严谨的构思而独具一格。

西贝柳斯最后一部重要作品，是1926年写的交响诗《塔皮奥拉》；在1929年以后，他的旺盛的创作活动令人不解地中断了，从这时到他去世的近30年时间里，他基本上没有再创作什么重要作品；对此，西贝柳斯在其晚年曾作过这样的解释：“专制和战争使我厌恶，只要想起暴政和压迫、集中营和捕人，就使我心理上和生理上发病。这就是为什么我在20多年中未能创作的主要原因。”

西贝柳斯的音乐对英国和美国作曲家影响尤大，在英美两国他曾被视为最重要的当代作曲家。许多英国作曲家，如巴克斯，班托克，艾尔兰等都曾模仿西贝柳斯的创作风格。另外，勋伯格也认为他是当代最重要的交响曲作者。

西贝柳斯创作的交响诗芬兰颂不但成为他最著名的代表作品，而且也成为芬兰民族精神的象征。西贝柳斯的创作涉及了多种体裁，其中以交响乐的成就最为突出。

他的七部交响曲，若干首交响诗，以及小提琴协奏曲等都鲜明地体现出他的创作倾向和艺术风格。这些作品内涵丰富，形象多样，有的富于英雄的史诗性，有的着意内心情感的刻画，而这一切都散发着北国大自然的气息，渗透出芬兰雄浑粗犷豪放的民族气质。

西贝柳斯去世后，芬兰人在赫尔辛基市为他树立了一座由600多根不锈钢管组成的纪念碑，类似管钢琴，芬兰的女雕塑家艾拉·希拉图南只用了一天时间就完成了纪念碑的建造，每个钢管的处理都表现了芬兰金属处理的不同特殊工艺。

西贝柳斯是继格里格之后，北欧乐派的一位重要代表人物，他在艺术上的成就，受到芬兰人民的极大崇敬，从1950年起，在赫尔辛基每年举行一次“西贝柳斯音乐节”，许多国际著名音乐家都前来参加演出活动；赫尔辛基音乐学院也以西贝柳斯命名。

　　肖斯塔科维奇于1906年9月25日出生在俄国彼得堡的一个工程师家庭里。他的父亲十分热爱音乐，是一个业余钢琴家和歌唱家。他的母亲也是一位钢琴家。家庭良好的音乐环境，使他自幼受到了良好的熏陶与影响。九岁时，母亲开始教他学习钢琴，他神速般的进展使家人震惊。为了使他的才能得到更好的发展，父母把他送进了格拉瑟尔音乐学校。就在入学后的第一年，他便创作了钢琴曲《主题与变奏》，以后又写了《自由颂》等作品，显示出了很高的创作天赋。

1919年，十三岁的肖斯塔科维奇进入列宁格勒音乐学院，跟随尼古拉耶夫、什坦伯和格拉祖诺夫等名师学习。由于他杰出的音乐天才和异常刻苦的学习精神，很快便受到了音乐权威们的高度重视。

1925年，十九岁的肖斯塔科维奇以《f小调第一交响曲》而轰动世界乐坛。这部作品受到了国际音乐界的高度赞扬，公演后立即成为许多指挥大师们的重要保留曲目。

1975年8月9日，这位被誉为“二十世纪交响乐大师”的伟大作曲家在克里姆林医院逝世，终年六十九岁。

德米特里·德米特里耶维奇·肖斯塔科维奇（1906-1975）是一位伟大的现代作曲家，杰出的钢琴家，教育家和社会活动家。他曾经荣获苏联人民演员称号（1954），社会主义劳动英雄称号（1966），还曾经被授予苏联国家奖章（1941、1942、1946、1950、1952、1968），俄罗斯社会主义联邦国家奖（1974），西贝柳斯奖以及国际和平奖（1954）。此外，世界上许多国家的大学和科学院都曾授予他荣誉称号。

德米特里·肖斯塔科维奇1906年9月25日出生于圣彼得堡。1975年8月9日逝于莫斯科。他的父亲是化学工程师，也是一位音乐爱好者；母亲是位才华横溢的钢琴家，也是肖斯塔科维奇的钢琴启蒙老师。1919年肖斯塔科维奇从私立音乐小学毕业后被彼得格勒音乐学院录取，后来开始学习作曲。从学生时代起，肖斯塔科维奇就开始工作，为无声电影做过钢琴伴奏。1923年和1925年，肖斯塔科维奇分别从音乐学院钢琴系和作曲系毕业。他的毕业作品《第一交响曲》成为了他的音乐生涯的里程碑，并引起了国际乐坛的注意。

在《第一交响曲》中可以看出，作曲家继承了柴科夫斯基，里姆斯基－科萨科夫，穆索尔斯基等的音乐风格。尽管如此，但是其中又体现着自己的风格和前所未有的特点。他的作品积极向上、情绪强烈。那些年，肖斯塔科维奇经常作为钢琴演奏家参加演出。他还获得了在波兰华沙举行的首届肖邦国际钢琴比赛的荣誉证书。当时也是他面临职业抉择的重要时刻：必须从作曲家或者钢琴师中选择其一。在创作了《第一交响曲》后的一段时间里，肖氏曾经尝试各种全新的音乐手法。在此期间他相继创作了《第一钢琴奏鸣曲》（1926年）、《十月献礼》（1927年）、第三交响曲《五一劳动节》（1929年）。随着新的艺术形式，尤其是社会讽刺剧的出现，肖斯塔科维奇还创作了不少电影及戏剧音乐。如1929年的《新巴比伦》，1931年的《金山》，1927年的戏剧《臭虫》等。而1928年根据果戈里原作改编的歌剧《鼻子》和1932年根据列斯科夫原作改编的歌剧《姆钦斯克县的麦克白夫人》则是两首代表之作。与烈斯科夫原作不同的是，肖斯塔科维奇在戏剧中突出了在不公平的社会条件下女人的天性。作曲家因此称自己的歌剧是“悲剧讽刺”。在歌剧《鼻子》中，他在俄罗斯的怪诞剧中加入了俄罗斯浪漫曲和曼声唱的歌曲的元素。1934年，该剧以《卡捷琳娜·伊兹迈罗娃》为名在列宁格勒和莫斯科首演。此后又相继在北美和欧洲的剧院里上演。其中列宁格勒上演36场，莫斯科上演94场，此外在斯德哥尔摩，布拉格，伦敦，苏黎世和哥本哈根都曾经上演。这部作品成为肖氏的重要成就之一，也让各国人民领略了他的音乐天才。

1936年1月，斯大林观看了歌剧《卡捷琳娜·伊兹迈罗娃》后感到十分不快。《真理报》随即发表了题为《混乱代替音乐》的社论文章，该文章很长时间内限制了苏联音乐的发展道路；几天后，《真理报》又发表了另一片题为《芭蕾的虚伪》的音乐评论文章，对肖斯塔科维奇的芭蕾《清澈的小溪》予以无情的抨击。

继《真理报》的文章之后，肖斯塔科维奇1936年前创作的大多数作品几乎都已从苏联的文化演出名单中消失。原定于1936年秋进行的第四交响曲首演也被迫取消（直到1961年该曲才进行首演）。直到1962年《卡捷琳娜·伊兹迈罗娃》才恢复上演。除了第一交响曲和几个小曲子以外，十九世纪20年代创作的作品都是到了60年代中期才恢复上演，而歌剧《鼻子》“重见天日”已经是1974年的事情。分别于1934、1937、1939年创作的第四、第五和第六交响曲标志着肖斯塔科维奇创作生涯的一个全新阶段。随着交响乐的发展，肖斯塔科维奇赋予了室内乐越来越重要的意义。1934年，他创作了节奏欢快、气势恢弘的大提琴和钢琴奏鸣曲。1938年和1940年，他又相继创作了《第一弦乐四重奏》和《弦乐与钢琴五重奏曲》，这成为他的音乐生涯中的重要作品。1941年创作的《第七交响曲》是为卫国战争而作。《第八交响曲》亦是如此。

1948年2月，苏共（布）中央委员会公布《关于穆拉杰里的歌剧〈伟大的友谊〉》的决议。肖斯塔科维奇与普罗科菲耶夫、哈恰图良等作曲家受到了严厉的指责，认为这些“形式主义”的作曲家与苏联人民的艺术趣味背道而驰。媒体也掀起了新的一股针对肖斯塔科维奇的批判浪潮，并且比1936年来势更加凶猛。被强权征服的肖斯塔科维奇“承认了错误”，相继创作了清唱剧《森林之歌》（1949年）等，并为一系列的历史和战争题材影片配乐，使他的处境有所好转。同时他还创作了具有更高艺术水准的作品：《小提琴第一协奏曲》(1948年)、第四和第五四重奏（1949年、1952年）、《钢琴前奏曲与赋格24首》(1951年)。除最后一个作品外，其它的都是在斯大林去世后才得以公演。

肖斯塔科维奇为如何运用古典音乐遗产而创作出富有大众歌唱性的作品做出了很有趣的示范。如第十一、十二交响曲《1905年》和《1917年》，这些作品的音乐语言充满着民间音乐的因素，富有歌唱性。根据诗人叶夫图申科的诗歌而创作的《第十三交响曲》是对贝多芬的延承和发展。肖斯塔科维奇自己说过，《第十四交响曲》（1969年）借用了穆索尔斯基“死亡歌舞”之思想。

交响诗《斯捷潘.拉辛的死刑》（1964年）是肖斯塔科维奇又一重要的里程碑，是肖氏创作的巅峰之作。《第十四交响曲》将室内声乐、室内器乐和交响乐有机融合，歌词取自不同国家不同诗人的诗，从而创作出了具有深厚的哲学思想和抒情色彩的作品。《第十五交响曲》（1971年）是肖斯塔科维奇创作生涯的结束，其中融合了肖氏各个创作时期的精华。

他作有十五首交响曲，十五首弦乐四重奏、两部歌剧、一部轻歌剧、六首协奏曲、三部芭蕾舞剧、三十六部电影配乐以及室内乐等作品，其中《列宁格勒交响曲》、清唱剧《森林之歌》、电影配乐《易北河西岸》、歌剧《卡捷琳娜·伊兹迈罗娃》、舞剧《黄金时代》、声乐套曲《犹太民间诗歌选》等影响较大。

肖斯塔科维奇的音乐之路并非一帆风顺。在他年轻时期，苏联正处于政治动荡的时期，许多艺术家受到了迫害。肖斯塔科维奇也曾被迫离开家乡，前往莫斯科寻求发展。然而，这并没有阻挡他对音乐的热情。在流亡期间，他创作了许多具有深刻社会意义的作品，如《第七交响曲》和《第五交响曲》。这些作品在当时受到了一定程度的争议，但却为后来的音乐家们提供了丰富的灵感。

1957年，肖斯塔科维奇回到了祖国，开始了他的职业生涯。在此期间，他创作了许多脍炙人口的作品，如《C大调第二交响曲》、《D小调第一交响曲》和《G小调第三交响曲》等。这些作品在当时的音乐界引起了轰动，使肖斯塔科维奇成为了一位备受瞩目的作曲家。

然而，肖斯塔科维奇的音乐生涯并非一帆风顺。在他的晚年，苏联的政治氛围变得越来越紧张，许多艺术家再次受到了迫害。1975年8月9日，肖斯塔科维奇因心脏病突发去世，享年69岁。他的离世震惊了整个音乐界，人们纷纷为他黯然神伤。

德米特里·肖斯塔科维奇是二十世纪苏联最优秀的作曲家之一，同时也是一位杰出的钢琴家和音乐教育家。由于在音乐创作方面的超人才能和杰突出贡献，他被誉为二十世纪苏联音乐的三大巨星之一。肖斯塔科维奇是一位具有创新精神的天才作曲家，他在自己的创作中，努力将俄罗斯民族音乐的优良传统、现实主义的内容以及现代音乐的作曲技法结合起来。这些特点在他的许多重要作品中反映得很突出，例如《第五交响曲》、《第七交响曲》、歌剧《马克白夫人》、舞剧《黄金时代》等等。

肖斯塔科维奇是二十世纪现代音乐中具有独特影响的作曲家，在他创作的音乐中，经常可以听到大胆新颖的和声手法和绚丽多彩的配器效果。他曾反对过勋伯格创立的“十二音体系”，但在他的一些晚期作品中又采用了这种技法，反映出他在艺术上的矛盾性与探索性。

肖斯塔科维奇是一位多产作曲家，一生写有各种体裁的众多音乐作品，其中包括两部歌剧、四部舞剧、十五部交响曲、六部器乐协奏曲、十一部组曲、十五部弦乐四重奏以及电影音乐、清唱剧和大量的歌曲等。在大量的作品中最被人们熟悉的有第一、五、七、十一交响曲，第一小提琴协奏曲，歌剧《马克白夫人》，舞剧《黄金时代》，清唱剧《森林之歌》等等。