叶建鸿水墨“聊聊”郑红建油画（艺聊之夜）

溪山苇渡

名字相近的叶剑鸿（建红）、郑红建二位画家相识多年，但因为画种类别的不同，仅是知面之交。但都喜欢师法自然的他们，在一次写生活动的巧遇中，知晓其老家仅是一山之隔：一位居于太阳岭之北的梅溪，一位在太阳岭之南的桃花源东，更因为出生于同一年，相谈甚欢，于是有了更多次的相聚和交流。

虽然一位是国画家，一位是油画家，所接受的专业教育和文化体系不同，但年龄相近和同都生活与成长在小邹鲁的金华婺江之畔，有着许多的共通之处。在艺术形式多元化的今天，装置艺术、影像艺术、行为艺术……早已进入我们的视野，中西文化的碰撞和交融已习以为常，画种材料间的跨界和运用更是普遍。在共同坚守绘画创作的二人，企望不同画种的共同展示和交流，这样，产生火花，促进借鉴和学习是自然而然的事了。

于是，就有了这次“聊聊” ----- 叶剑鸿水墨画、郑红建油画作品展！

蒋跃

2011年12月

（注： 中国美术学院教授 美术报副社长

《叶剑鸿·聊聊·郑红建》

时间：2011年11月19日晚7:00

地点：金华·江南·半壁江山茶楼

话题：谈谈写生

人物：国画艺术家叶剑鸿、油画艺术家郑红建

记录与文字整理：子小

郑红建（以下简称郑）：我是画油画的，在学校学习时写生课就占了很大的比重，那时写生主要是解决绘画基础层面的问题。多年坚持写生下来，对它的理解有了很大的不同，因为景是无限的，它为绘画也带来无限可能，更可贵的一点是现场感，因为有现场的真实感受在，写生作品显得更有灵魂和生动。

叶剑鸿（以下简称叶）：十五六年的写生生涯，数以千张的写生作品，使我的写生经验总结出有趣的三步曲，一是会心自然；二是情由景生；三是意与法会。怎么解释呢？我可以打个不太恰当地比喻，第一，会心自然中的“会心”是释家禅语，而“自然”则是体现道家“道法自然”的精神境界，面对拨动心弦的大自然，就好比恋爱季节中遇见了一位符合审美情趣要求的漂亮姑娘。第二，情由景而生，我们因为眼前的美景、眼前的山水而打动，所以必须停下来，在欣赏中思考，自己为什么会喜欢，到底心动在哪里？是什么打动了你？是某点景？某点色彩？还是景后面的某些东西？——总有东西在拨动着你的心弦。“望秋云，神飞扬；临春风，思浩荡”（南朝王微《叙画》语），古人也是如此。第三，意与法会，就是好姑娘你喜欢，你心动，你还得合乎法理的去展开追求，使达成奔向幸福的最后目标。那么，中国画中的法度、规矩，在通过笔墨色彩、构图与形式等交融于一体，达到自己要表达的要求，真正体现自己的内心，最后成为自己的东西。

郑：呵呵，这个比喻比较形象，观点我还是挺认同的。因为景激发着潜藏在内心的最真实的感情，再由此感触，使景与我之间产生一种对话。构思、创作，又形成画面与我的对话。以此，构成由景、我、画面相交流的三个阶段，就好像郑板桥对于画竹的体验，即“眼中之竹”——“胸中之竹”——“手中之竹”，他曾记录下这样的体会：“江馆清秋，晨起看竹，烟光日影露气，皆浮动于疏枝密叶之间，胸中勃勃遂有画意。其实胸中之竹，并不是眼中之竹也。因而磨墨展纸，落笔倏作变相，手中之竹又不是胸中之竹也。总之，意在笔先者，定则也；趣在法外者，化机也。独画云乎哉！”他从竹子千姿百态的自然景象中得到了启示，激发了情感，经过“眼中之竹”，转化为“胸中之竹”，借助于笔墨，挥洒成“手中之竹”即“画中之竹”，所以，写生即是创作！

叶：国画写生的过程，就是记录叙述故事的过程。比如今年正月初三那天，我置身在道教名山之一的安徽齐云山上，幽享山林，独领风骚。在这个时间这样的地点，其心境自然有些不一样，这是体悟“道”。而道的根本规律是自然，是自然的内在规律，即自然而然、本然，对待事物顺其自然，看似无为实为大有为。游目骋怀，景色层叠丰富，情感也就随着移步换景得到层层递进。于是，白天爬山时就随时用钢笔勾勒她的千姿万态，于会心中享受在自然间奔走的自由；而回到宿地，天未黑的农家院子里，情境无比温暖与宁静，此时，笔欲油然而生，把自己对道的理解，对人生的感悟通过笔墨语言通过画面形式留下。也就是说，其实我们心动的往往不只是表象，最终所记录的画面中，往往有内心所要表达的故事和情感。今天我们的交流，更加明白中西绘画的不同之处，不仅是材料、工具以及透视、色彩要求和对形的把握的不同，不仅仅是“技”的层面的不同，而诸如内心变化的过程，或者刚才所说的画后的故事，其实都是存在的。中西绘画在早期存在着客观写物与主观写物的区别，而欣赏中国画更应该读懂其画外之音！

郑：是的，你时时写生的创作态度，也正是我所欣赏的。因为国画写生者往往不多，这也许与中国绘画工具的不易携带有关，所以古代的

国画家虽强调了“师法自然”，但往往是饱览名山大川后，再凭记忆下笔的。正如你一样，现代国画家往往会运用速写来搜集素材，时常是白天随笔勾勒，晚上挑灯泼墨。

那么，写生对我来说，那种现场自然的生动性是在家闭门造车所无法比拟的。因为景是有性格的，所以并不满足于相机似的再现，而是对眼前或杂乱或复杂进行取舍，然后在色彩、分割、节奏上去树立性格依据。就像西方绘画所经历的转变：在照相机出现之前，西方人喜欢具象，画家创作也大多都以具象写实为主。但是照相机发明以后，西方画家的饭碗成了危机。这时，极其抽象的东方水墨画、东方书法对他们产生了极大的启发，毕加索就说过，自己的绘画得益于东方抽象艺术的启示。而在马蒂斯家的客厅中，有巨幅汉字楷书匾额，说明其作品受东方文化某些影响。这些都表明了绘画与个人情感间的联系。

叶：的确，情感是打动人的根本，写生作品之所以引人入胜，也正是因为其中所蕴含的情感。当然，无论是写生还是创作，内心终将回归到真实生活中的自我。也就是说，生活才是最本真的体现，生活化将我们的生命与情感联系在一起，是最值得回味的地方。我们只有通过自身不断完善的经验与技法，将自己的学术与修养融入到这一动人的时刻中，不去计较他人的说法，而是依然只做生活中很自然、很本真的自我。中国画讲究“外师造化，中得心源”、“写大自然之性亦写吾人之心”，在客观真实与主观创造的把握中，既有再现，又有表现，不是表层的“以形写形”，而是“以形写神”、“以形写心”，追求“似是而非”、“似与不似”，这都与讲求中庸的中国传统文化分不开的。

郑：我作为生在、长在中国的一个中国西画艺术家来讲，所接触的虽然是西方的油画艺术，但显然，创作时在留白、以及点线面的运用等来讲仍是与国画相通的。那我为什么喜欢写生呢？因为写生可以使我面对自然，在自然中不断地汲取营养，激发我的思考和想象，增强我的画面表现力……

叶：应当说，写生主要是积累，是“进”的过程，是“吸收”的过程；创作呢，是“放”的过程，即“出”的过程。我们可以在写生中积淀自我，再在创作中发挥自我。需要的必然是进得多，放得少而精，但如果反过来，将是可悲的。也就是说，写生是画好画的一份极其重要的养分，写生就是为了更好地创作，这一点应该就是我们两个为什么把写生看得很重要的共同原因。

郑：所以说，两者是相辅相成。我把写生当作画室里的一种延续，通过结合与尝试的方式，探索更多的图式语言，继而增强个人的创作理念。

叶：中国画写生是为了更好地写意，把写意与写生辩证统一起来，才能达到形神兼备。我已把写生当作创作，或者更为实质地说，我无非是以写生的形来表达创作的意。更何况，中国画本来就是以形的外力来促成神的取法，那么写生更是利用了快速地抓形、抓气息来表达个人生命气息的特征，将某一瞬间的心灵触动体现出来，所以我说，写生就像一个鞭炮的火药引子。但是，绘画的较高境界应该是重视人而不仅仅是重视画面形式，人做到什么程度，画作就会自然呈现出一种相应的面貌，达到人与画的合一。随着个人阅历的丰富、修养的提高，以及心境、审美情趣的不同，都会对画面进行相应的取舍，国画大师黄宾虹先生的作品就具有很强的主观意识。

郑：是的，好的写意画很能体现一个人的修养，因为一气呵成，有神的东西在里面。其实油画写生同样考验着一位画家的功力，眼下，我时常带着相应的命题去写生，去进一步探索个人化、更成熟的语言，让自己延续室内创作理念继续尝试、实验，而不仅仅只以感性去面对。比如将色彩弱化或强调色彩关系或追求画面的形式感，又或者注重画面的纯粹元素分解重新组合、追求更彻底的画面感等，可能这是我目前所处的阶段。

叶：相对地，你是带着命题去写生来解决问题，而我往往是不带命题随性发挥的。先前，我是通过临古画、法古人来解决基本画理方面问题的，同时，也要学会品鉴古人的气质，从而传承东方文化的宇宙观、世界观、人生观。应该说，它是相对理性的。而写生可以理解为“笔墨当随时代”的当下解读，把从古人那里吸收到的精华放到生活中，使之成为一种找寻的依据，化为前进的动力。写生是更为感性的语言，是传承传统绘画的最佳结合点，“师造化”而后“化我法”，最后回到绘画规律和人生的规律上来，不断地体味“道”，为“境界”铺开天地。写生已是我本能的生活习惯，所谓行万里路，虽都在行路，但终因景点的不同，而得到的感官刺激亦不同；而读万卷书，都是为了最后回到“人”这个本质上来。这与你所要解决的色彩问题、形的问题是一样的。所不同的，是表现方式。比如我们的教育课本中，朱自清《父亲的背影》一文，父亲未讲任何话，但我们却能感受到那种厚重的来自父亲如山般的爱，这种爱很东方；而西方表达爱时，往往用语言说爱，非常直接，但都是出于真心地爱。而如果是违心的爱，那么情感是苍白的。因此我们说，艺术只要是真诚的，那么都能打动人感染观众的。

郑：所以我们还要继续写生，写到我写不动。

叶：或者说，到达一种不写生即为写生的状态！