维也纳旅游：博物馆 2 - 阿尔贝蒂娜博物馆

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阿尔贝蒂娜博物馆（Albertina Museum）：位于奥地利维也纳内城区（第一区）的一座博物馆。博物馆建筑比周围的建筑高，因为它建在维也纳防御工事最后剩下的部分之一的奥古斯丁堡垒（Augustinian Bastion）遗址上，原为维也纳城墙的一部分。在博物馆前的小广场上可俯瞰维也纳国家歌剧院（The Vienna State Opera）、萨赫酒店（Hotel Sacher）和阿尔贝蒂娜广场（Albertinaplatz）等。 阿尔贝蒂娜博物馆（Albertina Museum）：维也纳顶级博物馆之一。世界上最大的版画及图形收藏馆之一，有大约65,000幅素描(drawings)和大约100万幅早期大师版画(old master print), 以及较现代的的平面艺术作品(graphic works)、照片和建筑图纸。博物馆还收藏印象派和20世纪初的艺术品，并设有临时展览。 阿尔贝蒂娜博物馆（Albertina Museum）：这座新古典主义风格的豪华宫殿最早为奥地利皇后玛丽亚·特蕾莎的皇室顾问曼努埃尔·达席尔瓦-塔鲁卡（Manuel da Silva-Tarouca）府邸，命名塔鲁卡宫。1794年，奥地利帝国皇帝弗朗茨二世将这座宫殿赐给皇室成员萨克森公爵阿尔贝特·卡西米尔（ Albert Casimir ）和妻子玛丽亚·克里斯蒂娜（Maria Christina，奥地利皇后玛丽亚·特蕾西亚和神圣罗马帝国皇帝弗朗茨一世的第五个孩子）。最初收藏和展示卡西米尔担任奥属尼德兰总督期间获得的艺术作品。1822年他去世后，这座宫殿由他的后人继承。1919年宫殿及藏品整体归奥地利共和国所有，次年前奥匈帝国皇家图书馆收藏的版画与素描并入其中，扩充了馆藏资源。1921年，共和国官方宣布将这座博物馆以收藏创始人阿尔贝特和妻子玛丽亚·克里斯蒂娜名字的组合，命名“阿尔贝蒂娜”（Albertina）。博物馆曾在二战期间遭纳粹盟军轰炸，二战结束后进行重建。博物馆收藏有著名德国画家的阿尔布雷希特·丢勒 (Albrecht Dürer) 的“野兔” 。除了《野兔》，还有他的《祈祷之手》（Praying Hands），是历史上最伟大的艺术作品之一。 阿尔贝蒂娜博物馆前小广场阿尔布雷希特大公爵纪念碑（Monument to Archduke Albert）：这座青铜骑马雕像位于阿尔贝蒂娜艺术博物馆外小广场上以纪念19世纪哈布斯堡军事领袖阿尔布雷希特大公爵(Archduke Albrecht，1817-1895)。重达 7,000 公斤的雕像由雕塑家卡斯帕·祖姆布施（Caspar Zumbusch）设计。带有青铜浮雕和铭文的花岗岩基座则由建筑师 Karl König 设计。1899 年弗朗茨·约瑟夫一世（Francis Joseph I）亲自揭幕。阿尔布雷希特，奥地利哈布斯堡王朝的将军，皇帝利奥波德二世（Emperor Leopold II）的孙子，也是皇帝弗朗茨·约瑟夫一世的首席军事顾问之一。作为整个帝国军队的总督察（General Inspector）长达36 年，他是一名老派官僚，在很大程度上控制了奥匈帝国军队的发展，推迟了现代化进程。他被授予奥匈帝国和德国军队陆军元帅军衔。 从阿尔贝蒂娜博物馆前小广场上俯瞰维也纳历史建筑：右侧是萨赫酒店（Hotel Sacher）。左侧是RAS大厦（Riunione Adriatica di Sicurtà building, Vienna），位于阿尔贝蒂娜广场（Albertinaplatz）边，由奥地利建筑师路德维希·鲍曼（Ludwig Baumann，1853–1936）于1911年建造。RAS（Riunione Adriatica di Sicurtà）是意大利第二大保险公司，于1838年在意大利港口城市的里雅斯特（Trieste）成立。 阿尔贝蒂娜广场（Albertinaplatz）：中央有一座反战和反法西斯纪念碑（Monument against War and Fascism），于1988年揭幕。它是奥地利雕塑家阿尔弗雷德·赫德利奇卡 (Alfred Hrdlicka) 的作品。作为一座步入式纪念碑（walk-in monument），它旨在提醒人们奥地利历史上最黑暗的时代，并献给所有战争和法西斯主义的受害者。 从阿尔贝蒂娜博物馆前小广场上俯瞰维也纳历史建筑：维也纳国家歌剧院（The Vienna State Opera）：照片在阿尔贝蒂娜博物馆前小广场上拍摄，为歌剧院后部，展示舞台侧翼。 维也纳国家歌剧院（The Vienna State Opera）：世界上最著名的四大歌剧院之一，素有“世界歌剧中心”之称，也是维也纳的主要象征。这座历史悠久的拥有 1,709 个座位的歌剧院，坐落在维也纳老城环行大道上。始建于1861年，以新文艺复兴风格（the Neo-Renaissance style）建造。整个剧院的面积9000平方米。歌剧院由皇帝弗朗茨·约瑟夫一世（Franz Joseph I）出资，由奥地利建筑师奥古斯特·西卡德·冯·西卡兹堡（August Sicard von Sicardsburg）和爱德华·范德努尔（Eduard van der Nüll）规划，捷克建筑师約瑟夫·赫拉夫卡（Josef Hlávka）设计。1869年歌剧院在皇帝弗朗茨·约瑟夫一世和奥地利皇后伊丽莎白（Elisabeth，茜茜公主）的见证下，以“维也纳宫廷歌剧院” (Wiener Hofoper) 的名称落成开幕。首场演出莫扎特的歌剧《唐.璜》（Don Giovanni），由此揭开了辉煌的序幕。1921 年奥地利第一共和国成立后，改名为维也纳国家歌剧院。在第二次世界大战中，舞台被盟军炸毁，整栋建筑也在1945年3月12日被火烧毁。重建的歌剧院有超过2200个座位，具有优秀的声学效果，是世界百大厅院之一。1955年11月5日在新歌剧院演出首次剧目贝多芬的《费德里奥》（Fidelio），由奥地利指挥家卡尔·伯姆（Karl Böhm）指挥。维也纳爱乐乐团（the Vienna Philharmonic）的成员均来自维也纳国家歌剧院的管弦乐团。该建筑也是维也纳国家芭蕾舞团的所在地，并在狂欢节期间举办一年一度的维也纳歌剧舞会。 萨赫酒店（Hotel Sacher）：该酒店由餐馆老板兼皇家宫廷供应商爱德华·萨赫（Eduard Sacher）建立。爱德华·萨赫在Demel糕点店（the patisserie Demel）当学徒，并于1873年开设了他的第一家餐厅。他的父亲弗朗茨·萨赫（Franz Sacher）是糖果制造商，因其萨赫蛋糕而闻名，据称这是他于1832 年为奥地利总理克莱门斯·冯·梅特涅（Klemens von Metternich）举办的招待会制作的。 萨赫酒店（Hotel Sacher）：位于维也纳市中心内城区一家五星级豪华酒店，对面是维也纳国家歌剧院。酒店以其特色萨赫蛋糕（the Sachertorte）而闻名。 维也纳萨赫咖啡馆（Café Sacher Wien）：位于萨赫酒店楼下。 在典型的维也纳咖啡馆氛围中，以萨赫的方式体验著名的维也纳咖啡文化。品尝原创萨赫蛋糕和维也纳最著名的果馅卷点心苹果卷（Apfelstrudel）。-- 享受悠闲的下午美好时光。 萨赫蛋糕（the Sachertorte）：一种杏仁馅的巧克力蛋糕，上下两层甜巧克力，中间是杏子馅。它是维也纳最著名的美食之一。 维也纳苹果卷（Apfelstrudel）：奥地利最具代表性的点心之一，但却起源于匈牙利。 从阿尔贝蒂娜博物馆长楼梯上俯瞰：奥古斯丁大街（Augustinerstrasse）；左侧是维也纳圣奥古斯丁教堂（St Augustin's Church）的塔楼和尖顶；中间建筑是洛布科维茨宫；右侧建筑是出租屋。前方（洛布科维茨宫和出租屋之间）是维也纳洛布科维茨广场（Wien Lobkowitzplatz）；洛布科维茨宫（Palais Lobkowitz）：维也纳的一座巴洛克风格宫殿，维也纳最古老的宫殿建筑之一。维也纳战役（the Battle of Vienna）后建造的第一座重要的巴洛克式城市宫殿。由意大利和瑞士建筑师意大利和瑞士建筑师乔瓦尼·彼得罗·坦卡拉（Giovanni Pietro Tencala）于1685 -1687 年间建造。经过多次所有权变更，这座宫殿于1745 年被费迪南·菲利普·冯·洛布科维茨亲王（Ferdinand Philipp Prince von Lobkowitz）买下。从那时起直到 1980 年，这座宫殿一直归洛布科维茨家族（Lobkowicz family）所有。宫殿经历了几次修缮，最引人注目的是18 世纪初奥地利建筑师约翰·伯恩哈德·菲舍尔·冯·埃尔拉赫（Johann Bernhard Fischer von Erlach）和他的儿子约瑟夫·埃马纽埃尔·菲舍尔·冯·埃拉赫（Joseph Emanuel Fischer von Erlach）受托进行的修建。19 世纪初，路德维希·凡·贝多芬（Ludwig van Beethoven）经常到此做客，因为当时的主人约瑟夫·弗朗茨·马克西米利安·冯·洛布科维茨（Joseph Franz Maximilian von Lobkowitz）是这位作曲家的重要赞助人。贝多芬的《第三交响曲》是献给王子的，因此宫殿的音乐厅被命名为“英雄音乐厅”（Eroica Hall）。1804 年，贝多芬的《第三交响曲》首次在这个音乐厅演出，由作曲家担任指挥。维也纳会议期间，宫殿内举行了无数庆典和舞会。1980 年，宫殿成为政府财产。自 1991 年以来，经过全面整修，宫殿成为艺术史博物馆的戏剧博物馆。出租屋：建筑师奥托·瓦格纳 (Otto Wagner)的早期作品，于1884-1885年建在公民医院公寓楼的原址上。这座宏伟的出租屋建筑以一座带有圆顶的圆角塔楼为特色。面向洛布科维茨广场（Lobkowitzplatz）的立面设计为高底座，带有柱廊式带状托斯卡纳巨型半柱和多立克式楣板，并由带有锻铁格栅的连续阳台封闭。楼上有一排疑似窗户，顶楼层窗户之间有小饰带，上方为檐口。 维也纳洛布科维茨广场（Wien Lobkowitzplatz）：这个约 68 × 20 m细长的、几乎为长方形的广场面向东北方向。广场南端向奥古斯丁大街（Augustinerstrasse）敞开，而北端则与狭窄的明镜街（Spiegelgasse）融为一体。长边各由一座建筑占据，东边是一号出租屋，西边是洛布科维茨宫。这个广场以前被称为“猪市场”（pig market）。下图为于 1786-1787 年建造的一座板式公寓楼和明镜街（Spiegelgasse） 阿尔贝蒂娜博物馆内部 阿尔贝蒂娜博物馆内部，奢华典雅的内装饰。 从阿尔贝蒂娜博物馆前小广场俯瞰：小店屋顶上呈现德国艺术家阿尔布雷希特·丢勒 (Albrecht Dürer) 的著名“野兔”形象。丢勒的《年轻的野兔》(A Young Hare)作品就收藏于阿尔贝蒂娜博物馆。阿尔布雷希特·丢勒（1471-1528 年）：一位德国才华横溢的画家、版画画家和理论家。文艺复兴时期一位极具天赋和多才多艺的德国艺术家。他出生于法兰克城市纽伦堡（Nürnberg），该城市是15和16世纪欧洲最强大的艺术和商业中心之一。他的水彩画使他成为欧洲第一批风景画家之一，而他的木刻版画作品一直是广泛分析和解读的主题。丢勒通过对意大利艺术家和德国人文主义者的了解，将古典主题引入北方艺术，赢得了他作为北方文艺复兴时期最重要人物之一的声誉。他的理论论文进一步证实了这一点，其中涉及数学原理、透视和理想比例。他二十多岁时，他的版画就在整个欧洲建立了声誉，从那时起，他一直被公认为北欧文艺复兴时期最伟大的艺术家。他的作品包括祭坛画和宗教作品、大量肖像和自画像以及铜版画。据同时代人著文回忆丢勒的长相时写道：“他有一张表情生动的脸，一对明亮的眼睛，长着希腊人称之为四角形的鼻子，长长的脖子，宽阔的胸脯，束紧了腰的腹部，大腿筋肉十分发达，小腿也结实匀称，样子文质彬彬。有人见过他的手指，长得秀美如葱白，他那俏皮的言谈举止更令人陶醉，以致听众都觉得再也没有比他结束讲话时更令人惆怅的事了。他几乎通晓天文地理、哲学美学不仅懂得，还会口述出来。” 《十三岁时的自画像》（Self-Portrait at the age of 13）：一幅由阿尔布雷希特·丢勒（Albrecht Dürer）于1484年用银尖笔（silverpoint）绘制的一幅素描，当时艺术家只有十二三岁。这是艺术家已知现存最古老的画作，也是欧洲艺术中现存最古老的自画像之一，也是最早的儿童画作之一。这幅自画像比达芬奇创作的那幅有名的自画像（约1510-1515）还要早二十多年。在其一生之中，共创作了近十幅自画像，包括速写、素描、版画和油画等创作手法，其创作的自画像大多具有严整细致的特征，艺术表现力与后来的伦勃朗遥相呼应。因此，丢勒被誉为“自画像之父”。这幅作品可以被解读为记录了丢勒对自己伟大但仍在发展的艺术实力的认识和信心。这种基调在主人公早熟的面容上尤为明显。丢勒以半身侧视的方式展示自己的姿势，他的左臂举起，而食指大胆地指向画框外一个未指明的区域。丢勒以讨人喜欢的眼光看待自己：一个面容清秀的男孩，有一头长发，手指优雅而修长。这幅画作成为丢勒天生才华的证明。丢勒在1520 年代写道，即使是他简单的草图也表达了“艺术家创作冲动的精神本质”——因为一个有天赋的艺术家在一幅简单的线条画中能表达的东西比一个平庸的艺术家花一年的绘画所能表达的还要多。画上署名的时间不详，上面写着“这是我1484 年对着镜子自己画的，当时我还是个孩子。阿尔布雷希特·丢勒” 《年轻的野兔》 (A Young Hare)：德国画家阿尔布雷希特·丢勒（Albrecht Dürer）于1502 年在他的画室中创作的一幅水彩画（watercolour）。是丢勒研究自然和动物最著名的例子之一。与次年的《一大块草皮》（Great Piece of Turf）一起被公认为观察艺术的杰作。丢勒以非凡的技艺构思了野兔。画中的野兔几乎与现代照片一样精确。野兔的毛朝向不同的方向，并布满了明暗斑驳的斑点。这种多色、多纹理的主题存在技术挑战。丢勒采用标准的阴影惯例，通过光线穿过图像来构建主题的轮廓。金色光线从画面左侧照射在野兔身上，突出了耳朵，给眼睛带来活力，并在右侧投下阴影。丢勒先轻轻勾勒出图像，用棕色水彩画底色。然后用水彩和体彩的各种深色和浅色笔触构建毛皮的纹理。他捕捉到了野兔害羞而脆弱的天性，表现出对这种小动物的极大的喜爱。艺术家关注最细微的细节，如野兔胡须和眼睛。在野兔的眼睛中画了一扇窗户的倒影，暗示这只动物是在艺术家的工作室里画的。然而，这只是推测，因为这是丢勒经常用来给画中人物的眼睛增添活力的一种技巧。丢勒将野兔呈现在白色背景中，而不是在自然栖息地，如森林或草地。画作主题呈现在非宗教和非象征的背景中，说明丢勒对研究动物、风景和植物等自然的纯粹兴趣。野兔下方是创作日期和丢勒（Albrecht Dürer）名字的字母组合。这幅作品意义重大，不仅因为它展示了丢勒高超的技艺，而且阐明了丢勒对艺术与自然关系的理解。文艺复兴带来了新的表现技巧的发展，如比例、透视和模仿自然的研究。丢勒在1590年代末访问意大利时，熟练掌握了这些技巧，并带回了德国。因此，丢勒16 世纪早期的大部分艺术作品都表达了他对自然的兴趣。丢勒深知观察自然的重要性，他曾说过：“不可背离自然……因为艺术根植于自然，谁能将其提取出来，谁就拥有了艺术。” 这句话表明了丢勒对艺术与自然关系的看法，以及研究和模仿自然对艺术创作的重要性。自然界的每一个样本和细节都有其独特的特点，需要去捕捉。 丢勒的野兔 丢勒的野兔 丢勒的野兔 《一大块草皮》（Great Piece of Turf）：阿尔布雷希特·丢勒（Albrecht Dürer）于1503年创作的一幅水彩画，这幅水彩画中只画了一大块草皮，描绘一群看似无序的各种野生植物，有紫草（Dactylis，cock's-foot）、蔓生菀（Agrostis，creeping bent）、光滑草地草（Poa pratensis，smooth meadow-grass）、雏菊（Bellis perennis，daisy）、蒲公英（Taraxacum，dandelions）、婆婆纳（Veronica chamaedrys，the germander speedwell）、大车前草（Plantago major，greater plantain）、狗舌草（Cynoglossum，hound's-tongue）和西洋蓍草（Achillea millefolium，yarrow）。它被认为是丢勒现实主义自然研究的杰作之一。这幅画对自然物种的描绘极为逼真。一些根系被剥去泥土，以便清晰地展示给观众。植被在画板的右侧结束，可以看到一条清晰的植被结束线。而在左侧似乎无限延伸。背景留白，画作构图几乎没有秩序和排列，各种根、茎和花似乎相互对立。表面上的混乱，加上对每株植物的细致入微描绘，使这幅画更具真实感。虽然植物的构图本身是连续的、看似杂乱无章的，但空白的背景与混乱形成了对比，给人一种秩序感。这幅作品受到后来艺术史学家的高度评价。对丢勒来说，真实地表现自然本身并不是目标，而是一项有助于他艺术发展的研究。1495 年，丢勒从意大利的流浪时代归来，定居纽伦堡（Nuremberg），在那里开了一家作坊。当时他只有二十四岁，但作坊很快就因其高品质的作品而声名鹊起。这幅画和《年轻的野兔》就在此时诞生。 《祈祷之手》（Praying Hands）：也称《使徒之手的研究》（Study of the Hands of an Apostle），阿尔布雷希特·丢勒于1508创作的一幅钢笔画（pen-and-ink drawing）。丢勒在自制的蓝色纸张上用白色加深(white heightening)和黑色墨水创作了这幅画。画中是两只男人双手合十祈祷的特写。此外，还可以看到部分卷起的袖子。这幅画曾被认为描绘的是一位使徒的手的素描（sketch），是1507 -1509年丢勒与德国文艺复兴时期的宗教作品画家马蒂亚斯·格吕内瓦尔德（Matthias Grünewald）为位于法兰克福的多米尼加教堂创作的三联祭坛画《海勒祭坛画》（Heller Altarpiece）所绘制的草图，这双手是三联画中中间一幅右下角门徒的双手，这幅祭坛画中部已于1729年被一场大火烧毁。祭坛画中的手虽然细节看起来非常相似，但在三联画中尺寸较小。最近，一个更合理的解释是，这幅画在珍贵的蓝纸上精心绘制，更像是画中双手的精湛记录，丢勒可能将其从意大利带回纽伦堡。据说这幅画描绘的是丢勒兄弟的手，他是十八个兄弟姐妹之一。人们由于对这幅画的喜爱而流传了一个传说：十五世纪，德国的一个小村庄里，住着一个有十八个孩子的家庭。父亲是一名冶金匠，为了维持一家生计，他每天工作十八个小时。生活尽管窘迫逼人，然而这个家庭其中两个孩子却有一个同样的梦想。他们两人都希望可以发展自己在艺术方面的天份。然而父亲无法在经济上供他们俩到纽伦堡艺术学院读书。晚上，两兄弟经过多次讨论后，以掷铜板来决定，谁先去艺术学院读书、谁先到附近矿场工作挣钱以提供其上学经费。四年后上学的那个兄弟学成归来挣钱以支持在矿场工作的那个兄弟上艺术学校。星期日早上做完礼拜，他们掷了铜板。结果，弟弟阿尔布雷希特·丢勒去了纽伦堡艺术学院。哥哥则去了矿场工作。阿尔布雷希特·丢勒在艺术学院表现突出。毕业时，他的作品已经能赚不少钱了。在这位年轻的艺术家返回家乡的那一天，家人为他准备了盛宴，庆祝他学成归来。当宴席快要结束时，阿尔布雷希特·丢勒起身答谢敬爱的哥哥几年来对他的支持，他说：“现在轮到你了，亲爱的哥哥，我会全力支持你到纽伦堡艺术学院攻读，实现你的梦想！” 所有的目光都急切地转移到桌子的另一端，坐在那里的哥哥垂下头，流着泪边摇头边重复说着：“不……不……不，弟弟，我上不了纽伦堡艺术学院了。太迟了，看看我的双手，四年来在矿场工作，毁了我的手，关节动弹不得，现在我的手连举杯为你庆贺也不可能，何况是挥动画笔或雕刻刀呢？不，弟弟……已经太迟了……” 为了补偿哥哥所做的牺牲，表达对哥哥的敬意，阿尔布雷希特·丢勒费劲地把哥哥粗糙的双手合起并画了下来，他把这幅作品简单地称为“双手”。450多年过去了，阿尔布雷希特·丢勒有成千上百的杰作流传下来，他的速写、素描、水彩画、木刻、铜刻等可以在世界各地博物馆找到；然而，家喻户晓的是这幅饱含着爱的作品，它是西方世界被复制最广泛的祈祷图像，可在海报、咖啡杯、手机上找到，并被用作专辑封面。 《93岁男子习作》（Study of a Man Aged 93）：阿尔布雷希特·丢勒（Albrecht Dürer）于1521年在灰紫色底纸上绘制的画笔画（Brush drawing）。它是丢勒创作《书房中的圣杰罗姆》（St. Jerome in His Study）的画作时绘制的草图之一。他的模特是一位来自安特卫普（Antwerp）的 93 岁男子。在这幅自然主义的画笔画中，老人将头靠在手上，正全神贯注地研究着什么。丢勒在画上方的手写笔记中告诉我们：“这位老人93岁，身体仍然健康。” 《书房中的圣杰罗姆》（St. Jerome in His Study）：阿尔布雷希特·丢勒的一幅板面油画，完成于1521年3月。现藏于葡萄牙里斯本国立古代艺术博物馆（National Museum of Ancient Art of Lisbon, Portugal）。这幅作品是丢勒在1520-1521年逗留荷兰期间创作的，以当地一位年迈男子为模特。艺术家将这幅画捐赠给了葡萄牙驻荷兰贸易代表团团长罗德里戈·费尔南德斯·德·阿尔马达（Rodrigo Fernandes de Almada）。之后一直在他家族收藏中，直到1880年才被捐赠给博物馆。在丢勒的所有圣杰罗姆画作中，这幅画更像一幅肖像，留给书房和细节的空间很小。画中人物皱纹和白黄色胡须等细节进行了精心刻画。骷髅上方的手指暗示着死亡，这种暗示具有更大的视觉相关性。前景中的细节包括右边的墨水瓶和左边的书，以及左上角的十字架说明画中人物是个博学的神学家。圣杰罗姆（Saint Jerome，c. 342/347–420）：一位早期基督教牧师、告解神父、神学家、翻译家和历史学家。他以将《圣经》翻译成拉丁文和对整本《圣经》的评论而闻名。他的作品非常丰富。除了圣经作品外，他还撰写了辩论和历史论文，总是从神学家的角度进行论述。杰罗姆被天主教会尊为圣人和教会圣师，并被东正教、路德教会和圣公会尊为圣人。照片来自网络 《十二岁耶稣头像与演奏琵琶天使头像》（Head of the Twelve-Year-Old Jesus and Head of the Lute Playing Angel）：右边为十二岁耶稣头像，左边为演奏琵琶天使头像。这是阿尔布雷希特·丢勒（Albrecht Dürer）于1506年在蓝色威尼斯纸上的画笔画(Brush drawing)。“演奏琵琶天使头像”是丢勒画作《玫瑰花环盛宴》（the Feast of the Rose Garlands）中弹奏琵琶天使的习作初稿。“十二岁耶稣的头像”是丢勒画作《基督与博士们》（Christ among the Doctors）中的习作初稿。画家用灰色和黑色画笔绘制人物头部，用灰色水洗并在蛋彩画中加亮。 《玫瑰花环盛宴》（the Feast of the Rose Garlands）：丢勒的这幅画收藏于布拉格国家美术馆（Národní Galerie, Prague），是1506 年受德国商人委托为威尼斯圣巴托洛梅奥教堂（San Bartolomeo Church）创作的。鲁道夫二世（Rudolf II）皇帝于1606年购买了这幅画并将其带到布拉格。这是丢勒在威尼斯逗留期间创作的最重要的作品，也是开启文艺复兴的作品。画作描绘了玫瑰兄弟会的盛宴。圣母子、圣多米尼克（St Dominic）和天使们用玫瑰花环为信徒们祈福。圣母坐在田野中的宝座上，后面是绿色的天蓬（canopy），周围许多小天使站在云端，其中两名小天使用丝带撑着天蓬；在圣母上方另两名小天使捧着一顶宝石王冠；其他贝利尼安小天使（Bellinian cherubs）带着玫瑰花环（rose garlands）降临于圣母周边。圣母左边是玫瑰兄弟会的创始人圣多米尼克，他正为一主教加冕。在圣母的脚下，右边跪着的是以教皇为首的教会要员，圣婴将一玫瑰花环放在教皇的头上；左边是以皇帝马克西米利安一世（Emperor Maximilian I）为首的世俗权力的代表，圣母将玫瑰花环放在皇帝的头上。画作中央，圣母下方一位天使坐在宝座前弹奏着琵琶（lute），让人想起威尼斯画家乔凡尼·贝利尼（Giovanni Bellini）画作中在宝座圣母脚下弹奏的天使。在右上方，在山脚下典型的德国风景前，画家本人披着长长的金发，穿着奢华的衣服，披着一件珍贵的毛皮斗篷，极为显眼。画面中只有他一个人炫耀地将目光转向观众。他手中的纸上的字迹在意大利也是不寻常的，它不仅标明了创作时间（五个月），而且在他签名旁边还有“德国”的字样，这个细节是为了将他与威尼斯同行区分开来。这幅作品的背景是典型的威尼斯风格，但画作中僵硬的金字塔形构图不是威尼斯风格。这幅画也表明丢勒是第一个创造这种构图的人。这幅画的准备工作占用了艺术家很长时间，它由 21 幅准备图纸组成，主要用钢笔和墨水在天蓝色纸张上绘制，其他是各种人物的图纸，尺寸与当时的画作相同。其中“演奏琵琶的天使头像”初稿在上面照片中可见。照片来自网络 《基督在博士中》（Christ among the Doctors）：阿尔布雷希特·丢勒创作于1506年的一幅油画，现藏于西班牙马德里的提森-博内米萨博物馆（Thyssen-Bornemisza Museum）。这是丢勒旅居意大利期间，在威尼斯创作《玫瑰花环盛宴》（the Feast of the Rose Garlands）时偶然灵感迸发用了五天时间完成的。这幅作品受到了列奥纳多·达·芬奇的影响，可能以意大利文艺复兴时期画家乔瓦尼·巴蒂斯塔·西玛（Giovanni Battista Cima ）早期同一主题画作为基础。在这幅作品中，丢勒采用了密集的半人像构图，特别关注于人物的脸部和手以及书籍。在画面左边底部书中露出的书签上写着签名、日期和“五天内完成”（Opus quinque dierum）。其中耶稣形象的初稿在上面照片中可见。照片来自网络这幅板画的主题是《路加福音》中描述耶稣早年生活的一个片段，十二岁的耶稣按照习俗陪同玛利亚、约瑟以及一大群亲戚朋友前往耶路撒冷朝圣过逾越节（Passover）。他们返回的那天，耶稣“逗留”在圣殿里，但玛利亚和约瑟以为他在他们中间。玛利亚和约瑟回家后，发现耶稣失踪了，于是他们返回耶路撒冷，三天后找到了耶稣。发现他在圣殿里与长老们讨论，“听他们说话，问他们问题”。长老们对年轻耶稣的学识感到惊讶。当玛利亚责备耶稣时，耶稣回答说：“你们为什么找我？难道你们不知道我应当在我父的家里吗？”。艺术中对这一主题的常用名称《圣殿中的发现》（The Finding in the Temple），也称为《基督在博士中》（Christ among the Doctors）或《辩论》（the Disputation）。 《欧洲滚筒鸟之翼》（Wing of a European Roller），也称为《蓝色滚筒鸟之翼》（Wing of a Blue Roller）：阿尔布雷希特·丢勒 (Albrecht Durer) 的一幅水彩画，一幅充满活力的自然研究水彩画，色彩和笔触十分壮观。1512年丢勒根据一只死去的滚筒鸟标本在羊皮纸上用水彩和白色颜料创作了这幅杰作。描绘了一只滚筒鸟左翼，细节生动，色彩绚丽，展现了丢勒对准确捕捉动物特征的关注。除了细节之外，这只令人惊叹的鸟的颜色以及丢勒向观众展示颜色的方式也使这幅画特别令人难忘。 滚筒鸟（rollers）：属于旧世界鸟类（Old World birds）的科拉西鸟科（ Coraciidae ）。当这些鸟吸引配偶或驱离入侵者时有一种翻滚的特殊行为，因此被称为滚筒鸟（rollers）。通常它们会飞到10—12米的高空后，快速的向下俯冲加速，接近地面，再快速左右翻滚四五次，然后再次合上翅膀向上飞起并减速下降，翻转约270度的圈，然后再飞到高空并重复这个过程多次，并尖叫。滚筒鸟的大小和体型类似于乌鸦，但外观色彩鲜艳，以蓝色和粉红色或肉桂棕色为主。照片来自网络 《死亡的蓝色滚筒鸟》（Dead Blue Roller）：阿尔布雷希特·丢勒于1500 左右创作的水彩画。 　　《云雾缭绕的因斯布鲁克旧城堡庭院》（Courtyard of the Former Castle in Innsbruck with Clouds）：阿尔布雷希特·丢勒于1495年左右创作的水彩画。这幅画大概是在丢勒1494年左右第一次意大利之旅期间创作的。展示了蒂罗尔城堡(Tirol castle)哥特式建筑庭院，画家选择了门楼的阳台作为视角，画中有云。他在这里对透视法的运用仍存在一些不确定性。然而，晚期哥特式建筑的多种形式都被详细记录下来。这幅细致入微的艺术品让人们一窥那个时代的建筑辉煌，每一根线条和笔触都细致地呈现出城堡复杂的石雕、拱门和塔楼。光影的交织营造出一种深度和真实感，吸引人们探索庭院的每一个角落，欣赏晚期哥特式建筑的细节。 《无云的因斯布鲁克旧城堡庭院》(Courtyard of Innsbruck Castle without clouds)：1495年左右阿尔布雷希特·丢勒创作的水彩画。这幅水彩画和上一幅画是同一座城堡庭院的两幅不同景色。它们展示了一个扩展的庭院，周围有各种哥特式城堡建筑。在这幅画中画家的出发点是对面横翼的一扇窗户，画中无云。城堡的位置仍有争议。 《鲁本斯的女儿克拉拉·塞雷娜》(Rubens' Daughter Clara Serena)：彼得·保罗·鲁本斯（Peter Paul Rubens）于1623 年创作的一幅素描。鲁本斯的女儿克拉拉·塞雷娜身穿当时典型的带大褶皱领的衣服。艺术家使用黑色和红色的粉笔，以细腻的阴影和细节绘制了一幅栩栩如生的肖像。鲁本斯是佛兰德斯画家，是巴洛克画派早期的代表人物。是他那个时代最重要的艺术家之一，也是欧洲艺术史上最有影响力的艺术家之一。鲁本斯绘画的特点是动态构图、戏剧性的光影运用以及对人物形象的感性描绘。他特别擅长描绘运动和情感，他的作品经常以古典神话和基督教为题材。 《苏珊娜·福尔蒙特的肖像》（Portrait of Susanna Fourment）：彼得·保罗·鲁本斯（Peter Paul Rubens）于约1620 年用黑色和红色粉笔，及白色粉笔加深创作的一幅素描肖像画。苏珊娜·福尔蒙特是鲁斯本的第二任妻子海伦娜·福尔蒙特(Helena Fourment)的姐姐。 《尼古拉斯·鲁本斯》（Nicolas Rubens）：彼得·保罗·鲁本斯（Peter Paul Rubens）于约1619 年用黑色和红色粉笔，及白色粉笔加深创作的一幅素描肖像画。尼古拉斯·鲁本斯是画家鲁本斯的儿子。小鲁本斯戴着珊瑚珠子项链，眼睛低垂，玫瑰花蕾般的嘴唇和红润的脸颊，严肃的神情似乎与他的年纪不符。 《鲁道夫王储小时候》（Crown Prince Rudolf as a boy）：奥地利画家约瑟夫·克里胡贝尔（Josef Kriehuber）1875年水彩素描。奥地利王储鲁道夫（Crown Prince of Austria）是奥地利皇帝弗朗茨·约瑟夫一世（Emperor Franz Joseph I）与伊丽莎白皇后（Empress Elisabeth，茜茜公主）唯一的儿子，也是第三个孩子。其名字取自德国第一位哈布斯堡王朝国王鲁道夫一世（Rudolf I，在位于1273-1291 年）。他从出生起就是奥匈帝国皇位的法定继承人。鲁道夫和他的姐姐吉塞拉（Gisela）一起长大，两人关系非常亲密。1889 年，30岁的他与情妇17岁的玛丽·维特塞拉男爵夫人（Baroness Mary Vetsera）在梅耶林狩猎小屋（the Mayerling hunting lodge）一起自杀身亡。约瑟夫·克里胡贝尔 (Josef Kriehuber），奥地利石版画家（lithographer）和画家，以其高品质的石版肖像画而闻名。他是一位多产而一丝不苟的艺术家，为贵族、知名人士和政府官员创作了大量肖像画。他留下了 3000 多幅石版画，其中包括 19 世纪中叶中欧一些最杰出的人物的肖像画。 《伊丽莎白皇后与吉塞拉大公夫人和鲁道夫王储 1858》（Empress Elisabeth with Archduchess Gisela and Crown Prince Rudolf 1858）：奥地利画家约瑟夫·克里胡贝尔（Josef Kriehuber）水彩画。描绘了奥地利皇帝弗朗茨·约瑟夫一世（Emperor Franz Joseph I）的伊丽莎白皇后（茜茜公主）作为慈爱的母亲和她的孩子们在一起的情景。 《美人鱼（银鱼）》［Mermaids (Silverfish) ］：1899年古斯塔夫·克里姆特（Gustav Klimt）创作的一幅寓言奇幻作品。水主题在1900 年左右是一个流行的主题，克里姆特选择了一种象征主义和色情意味的水下世界来解读这一主题。经过水过滤的阳光呈现出无数金色的细微差别，与水的深绿色融为一体，形成了一个神秘背景。在这一背景中两个魔鬼蝌蚪般的美人鱼漂浮着，几条银鱼正游过。克里姆特在寻找有效展现女性裸体模特性感魅力的方法方面独具匠心。他最具原创性的艺术创作包括描绘童话般的、水栖的女性生物，艺术家称她们为“美人鱼”（mermaids）和“水蛇”（water serpents），通过她们流畅、漂浮的动作，展现出她们梦幻的、自我陶醉的、顺从的生物形象。古斯塔夫·克里姆特（Gustav Klimt），奥地利象征主义画家，也是维也纳分离派（Vienna Secession）运动最杰出的成员之一。以他的绘画、壁画、素描和其他艺术品而闻名。克里姆特的主要主题是女性身体，他的作品以赤裸裸的情色为特征。在他的具象作品中，包括寓言和肖像，他还画了风景画。在维也纳分离派的艺术家中，克里姆特受日本艺术及其方法的影响最大。 《睡莲池》（The Water Lily Pond）：克劳德·莫奈（Claude Monet）于1917-1919年在位于吉维尼（Giverny）的乡间庄园中创作的晚期作品。他专注于几个主题：花园和异国情调的睡莲池，这些主题都是仿照日本的样式创作的。起初，他以池塘和桥梁为构图中心，创作风景画。而在晚年，专注于水面及水面如何映照风景。他痴迷于睡莲池的颜色随着一天和一年中的时间变化而变化。这幅睡莲画作的独特魅力在于摒弃了对称性，没有地平线，反射与真实并存，以及由此产生的客观性与抽象性之间的互动，这远远超出了印象派的范畴。克劳德·莫奈，法国画家，印象派绘画的创始人，他被视为现代主义的重要先驱，尤其是他尝试描绘自己所感知的自然。在他漫长的职业生涯中，他是印象派表达个人对自然的感知哲学最一致、最多产的实践者，尤其是将其应用于户外风景画。 “印象派”一词源于他的于1884年在后来被称为的“印象派展览”上展出的画作《印象‧日出》（Impression, Sunrise）的标题。 《韦特伊景色》（View of Vétheuil）：1881年，克劳德·莫奈（Claude Monet）创作的一幅油画。户外绘画，即自发地将对自然的瞬间感知呈现为光和色，成为莫奈主要目标，也是他一生都在不断追求的目标。韦特伊（Vétheuil）是法国塞纳河畔的一个市镇，位于巴黎西北 60 公里处。1878-1882年，莫奈在此居住，期间创作了约 150 幅画作。在这幅画中，他用鲜艳的色彩和紧张的笔触捕捉到了炎热夏日的氛围和在阳光下闪闪发光的空气。他主要对色彩的强度如何从近处到远处变化感兴趣，使用鲜艳的黄色和绿色作为前景，使用精致的柔和色调作为天空。 《两个舞者》（Two Dancers）：约1905 年，法国印象派画家埃德加·德加（Edgar Degas）创作。埃德加·德加在印象派联展中，以生动刻画芭蕾舞而闻名。此后，他一生钟爱芭蕾舞题材创作，成为艺术史上首位专精芭蕾舞描绘的创作者。他以对细节一丝不苟的独特风格捕捉了舞者的优雅、动作和幕后时刻。德加创新的构图方法以及他在绘画中捕捉光线和纹理的能力使他在同时代的画家中脱颖而出。 《年轻女孩伊丽莎白·梅特肖像》（Portrait of A Young Girl Elisabeth Matre）：法国印象派画家皮埃尔·奥古斯特·雷诺阿（Pierre Auguste Renoir）于1879 年创作的纸上粉彩画。雷诺阿的画作以其鲜艳的光线和饱和的色彩而闻名。在成为19 世纪 70 年代末巴黎社会最著名、最受追捧的肖像画家之一之前，雷诺阿在其艺术生涯的早期就依靠肖像画佣金维持生计。这幅肖像传达出一种自发性的感觉，描绘的是六岁的伊丽莎白·梅特(Elisabeth Maître)自然随意的半身像，尽管伊丽莎白侧视着一边，但突出的绘画品质和极端的特写视角赋予了人物强烈的存在感并与观者建立了直接联系。18世纪粉彩在法国最为盛行，尤其是在肖像画领域。雷诺阿刻意继承了这一传统，使用粉彩(pastels)来描绘他迷人模特。伊丽莎白·梅特是雷诺阿的朋友埃德蒙·梅特(Edmond Maître)的侄女，埃德蒙·梅特是一位艺术品收藏家和音乐爱好者。 《诺曼底的农场》( Farm in Normandy)：著名法国画家保罗·塞尚（Paul Cézanne）创作。 1885 年和 1886 年夏天，保罗·塞尚拜访了艺术收藏家维克多·肖凯（Victor Chocquet），他住在诺曼底（Normandy）哈滕维尔（Hattenville）的乡村庄园里，在此他创作这幅风景画。塞尚的艺术最初以印象派为基础，后来他通过有序和清晰的圆柱、球体与椎体等结构模式，不断寻求赋予其转瞬即逝的瞬间永恒和永久。线条被减少到最低限度，他认为“线是不存在的，明暗也不存在，只存在色彩之间的对比。物象的体积是从色调准确的相互关系中表现出来”。画面结构由彩色碎片系统控制，这些碎片系统唤起亲密与疏离、光与影以及三维感。色彩宇宙被打破，画面支撑的白色色调成为其构图的一部分。他的风格介于印象派到立体主义画派之间。他的作品大都是他自己艺术思想的体现，强调厚重、沉稳的体积感，物体之间的整体关系。忽略物体的质感及造型的准确性，有时候甚至为了寻求各种关系的和谐而放弃个体的独立和真实性。塞尚认为：“画画并不意味着盲目地去复制现实，它意味着寻求各种关系的和谐。” 从塞尚开始，西方画家从追求真实地描画自然，开始转向表现自我，并开始出现形形色色的形式主义流派，形成现代绘画的潮流。塞尚这种追求形式美感的艺术方法，为后来出现的现代油画流派提供了引导，所以，其晚年为许多热衷于现代艺术的画家们所推崇，并尊称他为“现代绘画之父”。他的作品对亨利·马蒂斯（Henri Matisse）和巴勃罗·毕加索产生极大的影响。 《大碗岛的星期日下午》（A Sunday Afternoon on the Island of La Grande Jatte）：十九世纪法国后印象派及新印象派画家乔治·修拉（Georges Seurat）最著名的代表作之一，同时也是一幅典型的点彩画派作品。现藏于美国芝加哥艺术博物馆内。作品描绘的是大碗岛上一个晴朗的下午，游人们在树林间休闲的情景。在这幅作品中，秀拉采取点彩画法，用大块的绿色为主调，杂以各种经过仔细分析处理的蓝、紫、红、黄等色点，经过一年的时间点满在画布上。乔治·修拉以其运用色彩理论之分色主义（divisionism）与点彩画作品为人所知。照片来自网络早期的点彩派画家摒弃了快速的笔触：他们旨在延长印象派快照中特定光线氛围的持续时间，从而将点画到画布上。他们放弃了户外和自然绘画，转而选择在工作室工作。他们没有模仿现实，而是根据抽象标准来组织他们的绘画，即对主题进行严格的几何化和系统的颜色划分，无论是细节还是整体构图。仅仅十年时间，从 1885 年到 1895 年，点彩派就占据了法国先锋派的领导地位，修拉是其发明者，西涅克是其最重要的理论家。点彩派为视觉艺术带来了一项重要的发展，自文艺复兴以来，艺术首次摆脱了模仿和幻觉，仅通过色彩和形式就可以表达绘画内容和感觉。后印象派从最后一次印象派展览到野兽派诞生，大约在 1886 年至 1905 年间发展起来。该运动的主要艺术家有保罗·塞尚（被称为后印象派之父）、保罗·高更、文森特·梵高和乔治·修拉。后印象派继承了印象派的风格，但又打破了其局限性，他们继续使用鲜艳的色彩，有时使用厚涂法（impasto）和写生，但更倾向于强调几何形状，扭曲形式以达到表现效果，并使用非自然或经过修改的颜色。新印象派是乔治·修拉、保罗·西涅克及其追随者的后印象派作品的名称，他们受到光学理论的启发，使用相邻的微小原色点来创造光的效果。其特点是使用分色法（通俗称为点画法）。分色法试图通过使用光学混合颜色，将印象派的光与色绘画置于科学的基础上。与在调色板上混合颜色（这会降低强度）不同，每种颜色的原色成分被分别放在画布上的小块中，这样它们就会在观众的眼中混合。光学混合的颜色会向白色移动，因此这种方法可以产生更大的亮度。 《晨光中的树》（Trees in the Morning Light）：法国画家安德烈·德兰（Andre Derain ）于1904-1905年创作。艺术家从文森特·梵高活泼而富有诗意的风格中汲取灵感，以快速的逗号状笔触和鲜艳的色彩划线来描绘一片生机勃勃的树林，树干是红、黄、蓝色粗线条，树叶是色彩斑斓的逗号状笔触。这幅画以具有富有表现力的鲜艳色彩和简化的形式为特色。1905 年夏天，安德烈·德兰、亨利·马蒂斯（Henri Matisse）及莫里斯·德·弗拉曼克（Maurice de Vlaminck）共同创立了野兽派（Fauvism）。他们在法国南部的一个小渔村科利尤尔（Collioure）实现了从点彩派到现代主义第一个先锋派的过渡“野兽派”。在1905年巴黎秋季沙龙上，安德烈·德兰及他的朋友们引发了20 世纪第一场重大艺术丑闻。这些艺术家被比作野兽（wild beast），因为他们的画布上似乎爆发了无政府状态。他们不是模仿现实，而是寻求与现实主义彻底决裂，即创造现实。他们的作品色彩鲜明，不受自然模式的影响，其无拘无束的绘画方式、对主题的变形、对透视的拒绝以及作品看似未完成的状态震惊了同时代人。他们主要关注的不是主题本身，而是色彩、形式、表面和线条的和谐相互作用。野兽派运动持续的时间不到三年，但其影响巨大。将二十世纪绘画引向了抽象和创新。在绘画史上，色彩的自主性首次成为关注的焦点。人们不再期望艺术能够呈现可见的世界，而是成为反映画家心态的一面镜子。 《鹦鹉郁金香》（Parrot Tulips）：亨利·马蒂斯（Henri Matisse）于1905 年创作。亨利·马蒂斯是一位法国视觉艺术家，以对色彩的运用以及流畅而原创的绘图技巧而闻名。马蒂斯与巴勃罗·毕加索被普遍认为是对20 世纪初几十年视觉艺术革命性发展做出最大贡献的艺术家之一。他在1900 年至1905 年间创作的作品色彩浓烈，使他成为野兽派（the Fauves）成员之一。1904 年，法国新印象派画家保罗·西涅克（Paul Signac）和亨利·埃德蒙·克罗斯（Henri Edmond Cross ）将马蒂斯引入了新印象派（Neo-Impressionism），他的作品也随之发生了变化。点彩派使用原色（primary colours），是野兽派的前身。这幅画通过小的彩色笔触再现鹦鹉郁金香与点彩派方法接近。但马蒂斯的色彩比新印象派的色彩更浓烈、对比度更丰富，主题的选择也很不寻常，因为在这些艺术家的作品中很难找到静物。这束花像烟花一样闪耀，红色和黄色条纹的花朵吸引了观众的眼球，使花束向画面边缘散开。色彩对比具有与组成它们的单个颜色相同的强大视觉冲击力。这幅画预示着次年马蒂斯作品中的创新。 条纹连衣裙(The Striped Dress)：亨利·马蒂斯（Henri Matisse）于1938年创作。尽管马蒂斯后来成为二十世纪艺术装饰元素的典范，但他的开端却刻意选择了丑陋的唯美主义（aestheticism of ugliness）。他反对印象派模仿自然的反古典主义方法，在1905 年秋季沙龙上引起轰动。马蒂斯与安德烈·德兰（André Derain）、莫里斯·德·弗拉曼克（Maurice de Vlaminck）等人在那里被嘲笑为“野兽派”。1907 年，马蒂斯开始对野兽派失去兴趣。他越来越专注于色彩和平面，创造了“一种平衡、纯净和宁静的艺术”。这幅 1938 年的画作也是如此，其中形式和色彩的装饰性发挥被引向抽象（abstraction）的边缘。 《沙图的塞纳河》（The Seine at Chatou）：1906/07年，法国画家莫里斯·德·弗拉曼克（Maurice de Vlaminck）创作的一幅油画。莫里斯·德·弗拉曼克一开始是后印象派（Post-Impressionism）的成员，后经安德烈·德兰（Andre Derain ）介绍加入了野兽派，并成为该流派的主要代表之一。和德兰一样，弗拉曼克也来自巴黎郊区的沙图（Chatou）。他自学成才，靠在夜总会拉小提琴为生，他以打破绘画中任何可以想象到的规则为荣。他简化构图的方式、使用纯色，画作中那可见的、有力的笔触效仿了梵高。弗拉曼克的野兽派绘画以其不和谐的色彩和对比鲜明的构图而脱颖而出。 《戴花帽的少女》（Young Girl with a Flowered Hat）：1910年，活跃在德国的俄罗斯表现主义（expressionist）画家阿列克谢·冯·亚夫连斯基（Alexej von Jawlensky）创作。亚夫连斯基是新慕尼黑艺术家协会（the New Munich Artist's Association）、蓝骑士（The Blue Rider）团体以及后来的蓝四人（The Blue Four）的重要成员。这幅画作色彩鲜艳，证明了亚夫连斯基对亨利·马蒂斯（Henri Matisse）和野兽派画作的研究。这幅画给人的亚洲印象不仅归功于模特，还必须被视为一种刻意的选择，因为日本的素描、木刻画和纺织品在十九世纪末在欧洲流行起来。然而，使这位艺术家成为野兽派影响下的“蓝骑士”（The Blue Rider）团体中德国早期表现主义的领军人物之一的，并不是主题，而是完全偏离自然的强烈色彩。 《傍晚阴影中的鸢尾花》(Irises in the Evening Shadows)：1925年，德国表现主义（expressionist）画家和版画画家、德国表现主义艺术家团体“桥派”（Die Brücke）的领军成员马克斯·佩希施泰因（Max Pechstein）创作。这幅花卉画绘制于20世纪 20年代初，这位狂野的“桥社”画家（'Brücke' painter）几乎已经蜕变成一个传统的分离主义者（Secessionist）。构图和色彩都让人想起印象派的风格，不仅与德国著名的画家及表现主义代表人物之一的埃米尔·诺尔德（Emil Nolde）同一时期的花卉画相似，而且与莫奈晚期在第一次世界大战期间曾在吉维尼的花园里画过的鸢尾花画相似。 《冬季风景》（Winter Landscape）：1915年，挪威画家爱德华·蒙克（Edvard Munch）创作。爱德华·蒙克与奥地利画家古斯塔夫·克里姆特（Gustav Klimt）被认为是 20 世纪最杰出的象征主义画家。象征主义画家认为艺术应该反映一种情感或想法，而不是以现实主义和印象派所体现的客观、准科学的方式表现自然世界。蒙克创作的大部分作品都被称为象征主义风格，因为其绘画内容在于刻画内心世界，而不是外在现实。他认为“自然不仅仅是眼睛所能看见的一切，它还包括灵魂的内在图景。”（Nature is not only all that is visible to the eye, it also includes the inner pictures of the soul）。蒙克也是 20 世纪初以来表现主义艺术（Expressionist art）的先驱。因此他的作品犹如象征主义（Symbolism）和表现主义（Expressionism）之间的山鞍，体现了他一生对人类生存关键问题的关注。蒙克的童年被疾病、丧亲之痛以及对遗传家族精神疾病的恐惧所笼罩。1892年至1908年，蒙克在巴黎和柏林度过，期间他的作品主题多为象征主义风格。1909 年，蒙克因精神崩溃住进哥本哈根医院，返回挪威后，主要致力于描绘克拉格勒（Kragerø）的冬季风景。此时的他更多地表现出对大自然的兴趣，他的作品变得更富于色彩，减少了悲观的成分。他绘制的裂隙密布，简朴而冷峻的峡湾风景全景图，与他在世纪之交（1892-1908年）绘制的黑暗和阴郁风格的“灵魂风景”（landscapes of the soul）截然相反。艺术家用丰富的色调衬托出广阔的雪景，与岩石和草地形成鲜明对比。他的色调明亮，厚涂的笔法创造出无定形的风景元素，各个颜色形状相互融合，形成一个蜕变的整体。 《高岸》（The High Shore）：1923年，德裔美国画家、表现主义（Expressionism）的代表人物之一的莱昂内尔·费宁格（Lyonel Feininger）采用立体主义风格创作的一幅油画。1919年，德裔美国建筑师瓦尔特·格罗皮乌斯（Walter Gropius）在德国城市魏玛(the Weimar)创立了包豪斯学院（the Bauhaus School，“包豪斯”的德语意为“建造房屋”）。费宁格被任命为包豪斯学院的第一个教员，并成为负责版画工作室的首席艺术家。1923年，瑞士画家约翰内斯·伊顿（Johannes Itten）离开包豪斯学院后，匈牙利画家莫霍利-纳吉（Moholy-Nagy）接替了他的位置，这实际上标志着学院表现主义倾向的结束，包豪斯学院越来越朝向设计和工业一体化学校的最初目标发展，这一目标就是将所有艺术媒介融合成一种统一的方法，即将个人的艺术才能与大规模生产和功能相结合。由于对批量生产功能的重视使得包豪斯艺术设计学院的大多数作品都是抽象的、现代的，有棱角的、几何的，而且没有过多的装饰。由此逐渐形成了理性，简洁，内敛，并讲求强调功能性的包豪斯现代主义设计风格（Bauhaus style）。此时的费宁格则继续在德国过去的文化和自然景观中寻找主题，他将那些在德国北部波罗的海沿岸城市吕贝克（Lübeck）附近的海湾度假的记忆以立体未来主义（Cubo-Futurist）风格画到画布上。这幅画作中海岸边的海滩小屋和房屋类似于岩石结构。另一方面，水、天空和沙子等自然元素以包豪斯设计的几何形式出现。由于其晶体形状和自然色彩，画面并不抽象，看似已恢复到自然状态。 《南海岸之夜》（Southern Coastal Evening）：1925年，瑞士裔德国籍画家保罗·克利（Paul Klee）创作一幅油画。红色的海岸、深蓝色的大海、黄色的小船以及闪着星光的蓝色天空...画家以绚丽的色彩呈现宁静安详的迷人的海岸景观。保罗·克利曾在慕尼黑美术学校学习绘画，并制作了许多以黑白為主的版画和线画。后来，他成为一位彩色画的画家，使用了各种各样的调色板，从近乎单色到高度多色。他对色彩理论进行了实验并最终进行了深入探索。他在1925年撰写的关于形式和设计理论的著作《保罗·克利笔记本》（Paul Klee Notebooks），被认为对现代艺术的重要性不亚于列奥纳多·达·芬奇的《绘画论》对文艺复兴的重要性。克利于 1921 年 1 月至 1931 年 4 月在包豪斯学院任教，成为装订、彩色玻璃和壁画工作室的“形式”（Form）大师，并拥有两个工作室。保罗·克利的极具个人风格的作品受到表现主义、立体主义和超现实主义等艺术运动的影响，体现了他冷面滑稽的幽默感、以及孩子般的视角、多变的个人情绪和政治信念以及音乐天赋。 《带灯笼的风景》（Landscape with Lanterns）：1958年，比利时画家保罗·德尔沃（Paul Delvaux）创作。这幅画或许可以被理解为一种忧郁的、对过去的回顾。犹如丹麦十九世纪伟大的画家威廉·哈默斯霍伊(Vilhelm Hammershoi)的画作，在画面前景中央，一位身着黑衣的女子背对着观者一动不动站着，看着送葬队伍走向画面深处。她的头发和衣服整洁合身。她的背部僵硬，双手紧握在胸前，可能手里捧着一束鲜花。在煤气灯照亮的路上，灯柱提供光源并产生阴影。两侧带有许多门框的围墙里茂盛的树木呈现一个现实的世界。画面远处正前方，两名男子用担架抬着一具裹着裹尸布的尸体走向一片丘陵地带，他们似乎在快速前进。那具尸体也许是黑衣女子正在哀悼的人。在画面的顶部，有几处古老的遗迹拔地而起，裸体女人在月光下嬉戏，她们正在跟随或追逐一个男人。黑衣女子前方路边电线杆上的电缆已被剪断，象征着这个死者的世界不再与现实世界相连。超现实主义运动（Surrealist movement）起源于 20 世纪 20 年代初的巴黎，其基础是西格蒙德·弗洛伊德（Sigmund Freud）对潜意识的发现以及第一次世界大战恐怖事件之后对所有价值观的重新评估。和比利时超现实主义画家雷内·马格里特（René Magritte）一样，德尔沃虽然参加了超现实主义的展览，但始终与超现实主义运动保持着批判的距离。他们发展了一种特殊的形式：真实超现实主义（veristic Surrealism）。他们的作品以准确再现现实世界的主题为特征，并将其转移到一个奇异的、梦幻般的环境中，每个物体如树、斧头、铃铛都像梦一样真实，但整体印象是不真实的。保罗·德尔沃的神秘梦境般画面也透露出他的灵感来自意大利艺术家、超现实画派大师、形而上派（the scuola metafisica）艺术运动的始创人乔治·德·基里科（Giorgio de Chirico）和他的“形而上绘画”（Metaphysical painting）。德·基里科作品如梦如幻，光影对比鲜明，常常带有一种隐约威胁性和神秘感，“画出看不见的东西”。 《戴绿帽子的女人》（Woman in a Green Hat）1947年，西班牙著名的艺术家、立体主义的创始者、20世纪现代艺术的主要代表人物之一的巴勃罗·毕加索（Pablo Picasso）创作。20 世纪 40 年代，毕加索重温他的立体派阶段（Cubist phase）：他的艺术被变形和多重视角所主导。不成比例的体态不仅可以从心理上解释为战争恐怖或艺术家人际关系危机的表现，而且可以解释为对现实整体的感知，这与任何直接模仿自然的手段都格格不入：“我故意画出这个歪鼻子...这样你就不得不看到鼻子。后来 ...你会意识到它一点也不歪。你应该停止感知美丽的和谐和精致的色彩。” 像本例这样的肖像画遭到了拒绝和困惑：“如果所有的女人都像毕加索画的那样，到本世纪末地球上的人口就会减少。男人看到这些死尸般、绿色、无固定形状的、非人类的生物就会逃跑。” 《女人头像》（Woman's Head）：1963年，巴勃罗·毕加索（Pablo Picasso）在他最后的创作时期（1961-1973 年去世）创作的一幅画作，是他的妻子杰奎琳·洛克（Jacqueline Roque）的肖像画。尽管头部支离破碎，但毕加索的最后一位女性杰奎琳却因其独特的面部特征而易于辨认。毕加索不仅从一个角度展示了头部，还结合了侧面和正面视图。杰奎琳·洛克（1926 年 2 月 24 日 - 1986 年 10 月 15 日），是巴勃罗·毕加索的缪斯女神和第二任妻子。他们的婚姻持续了 12 年，直到毕加索去世。在此期间，他为她创作了 400 多幅肖像，比毕加索的其他情人都多。在 1907 年至 1912 年的分析立体主义（Analytical Cubism）阶段，毕加索已经依靠这种同时多视角的方法，并将主题分解成可识别的各个部分。在他晚期的作品中，他将这种风格手法与其他表达方式一起作为一种特定的语言呈现于画作中。 《干草堆》（Haycock，丹麦语 Kornmandl ）：1976年创作的一幅布面油画。不知道艺术家是谁？...画面上厚实的颜料，一团凝结的色彩，使干草堆形成3D效果，就像油画雕塑一样。 　　《底座上的四个女人》（Four Women on a Plinth）：瑞士存在主义雕塑大师、画家阿尔贝托·贾科梅蒂（Alberto Giacometti）于1950 年创作的青铜雕塑。第二次世界大战后期，由于战火的蔓延，人民处于水深火热之中。1940年后贾科梅蒂开始创作火柴杆式细如豆芽的人物造型雕塑来象征被战火烧焦了的人们，以揭示战争的罪恶，其具象的雕塑、绘画中出现的形同鬼魅的、拉伸延长的形体仿佛是饱受战争折磨的新欧洲"人道主义"的象征，由此他成为举世闻名的雕塑家。贾科梅蒂因受到幻觉真实的推动和刺激，雕塑中反映出来的人类形象更接近于从远处观察人类时所见，他称之为"修剪去空间的脂肪"。后来贾科梅蒂发现：他越继续遵循缩小形状的规模、细部的体积，就越能使其变得瘦小、细薄；在侧面像中的形象也日益多变。面对其作品，我们感受到的不仅仅是战后人性的困境，而且是大众社会内都市中的个体的困境--在广大而复杂的社会、政治、建筑结构中，每个人都被同一化，生存于心理孤绝的状态中。其表现重点已由形体转向感觉，贾科梅蒂创造出了其最为痛切、孤绝的隐喻。这些粗糙的、皱缩的表面，空白、无表情的面容，自远而观的尺寸，使这些极小的形体展现出相互间及与观者本身的荒芜的远离。 “你能画出什么从一开始就不荒谬的东西？” ---罗伊·利希滕斯坦（Loy Lichtenstein）阿尔贝蒂娜博物馆临时展览 -- 美国波普艺术大师罗伊·利希滕斯坦的作品展。波普（Pop，popular）是“通俗”“流行”的意思。波普艺术（pop art）：是一个探讨通俗文化与艺术之间关连的艺术运动，一种主要源于商业美术形式的艺术风格，其特点是表现大众文化的一些细节，比如将连环画、快餐及印有商标的包装进行放大复制。波普艺术于20世纪50年代初期萌发于英国，后传至美国。60年代中期，波普艺术代替了抽象表现主义，成为美国主流的前卫艺术。20 世纪 60 年代，罗伊·利希滕斯坦成为这一新艺术运动的领军人物之一。利希滕斯坦的作品受到流行广告和漫画风格的影响，被认为具有“颠覆性”。他常以卡通人物如米老鼠、唐老鸭、大力水手等作为画中主角，用反讽的形式来表现二战后美国现代商业社会。后又模仿通俗连环画，创作了一批以少女为主题的爱情画和以空战为内容的战争画，以此来表达他在经历残酷的二战之后，“反战”“和平”“爱”等观念。其最著名的艺术特色是以平淡无奇的已存在的连环漫画为基本题材，用丙烯、油画颜料将这些元素“移置”过来放大，通过极为有限的平涂色块和准确结实的黑色线描将它们忠实地描绘在画布上，甚至连在连环画上廉价彩色印刷工艺中的网点（Ben-Day dots）都被不厌其烦地复制了出来。利希滕斯坦将波普艺术描述为“不是‘美国’绘画，而是工业绘画”。 《我们慢慢浮起》（We Rose Up Slowly）：美国波普艺术家（pop artist）罗伊·利希滕斯坦（Roy Lichtenstein）1964 年创作的一幅巨大画作（1.70 x 2.30 米）。他使用油画颜料和丙烯酸树脂涂料麦格纳（Magna）绘制于两块画布上。这幅画改编自美国漫画出版商DC Comics 在美国出版的一本浪漫漫画选集中的一幅浪漫漫画《少女的浪漫史》（Girls' Romances）。描绘了“两个典型的美国原型，一个英俊的男人和一个性感的金发女郎热辣的拥抱。” 画面中是两个年轻的恋人沉浸于浪漫的水下拥抱着。完整的标题是“我们慢慢地浮出水面……仿佛我们不再属于外面的世界……就像朦胧梦境中的游泳者……不需要呼吸……”。（We rose up slowly…as if we didn't belong to the outside world any longer… Like swimmers in a shadowy dream… who didn't need to breathe…）。60年代中期，利希滕斯坦创作了一系列类似于通俗连环画的油画作品，主题来源于当时流行的漫画读物。他忠实于漫画书中的图像，把它们放大呈现在画布上，把日常琐碎的情感故事处理得仿佛是传统绘画中的重大历史题材。利希滕斯坦利用漫画这种便于阅读而又易于被丢弃的媒介，其作品一方面强调了大众流行图像在现代社会所承载的重要意义，一方面揭示了消费文化的“快餐性”本质。 《黄色的天空》（Yellow Sky）：1966年，罗伊·利希滕斯坦（Loy Lichtenstein）创作的布面油画、丙烯和铅笔画。“本戴点”（Ben-Day dots）是利希滕斯坦作品最鲜明的符号之一，它得名于美国插画家本杰明·戴（Benjamin Day, 1836-1916）。最初与工业印刷技法有关，因印刷报纸漫画时，色块部分因粗糙的印刷品质而呈现网点状。利希滕斯坦将“本戴点”运用于艺术创作，不同色彩和明暗度的小圆点紧密排列或者重叠，以组成具有强烈视觉冲击的图案。密密麻麻的本戴点在画布形成的纹理和颜色渐变，使作品充满光怪陆离的神秘元素和戏剧张力。“我所使用的均匀重复的点、对角线和平坦的色块，表明我的作品就在它所在的地方，就在画布上，它绝不是一扇通向世界的窗户。” 《落日和大海》(Setting Sun and Sea)：约 1964 年罗伊·利希滕斯坦（Loy Lichtenstein）创作的风景画。从 20 世纪 60 年代中期开始，罗伊·利希滕斯坦 (Roy Lichtenstein) 开始致力于描绘非现实的荒凉风景，其灵感来自漫画背景、翻页明信片、飞机壁纸和数字填色套装中的标准化图案。它们标志着向更个人化、更自由的绘画创作的过渡，这种创作不依赖于具体的模型。然而，利希滕斯坦始终保留着漫画风格，这已成为他的标志。利希滕斯坦将风景图案简化为基本元素，即一些黑色轮廓和彩色区域。它们不是再现现实，而是象征山脉和湖泊的抽象符号。 《原子景观》（Atomic Landscape）：1966年罗伊·利希滕斯坦（Loy Lichtenstein）创作的布面油画、丙烯和铅笔画。1945 年，美国在广岛和长崎投下两颗原子弹，结束了第二次世界大战。它们标志着与旧世界的决裂，然而机器时代所带来了痛苦、冷漠久久未能散去。波普艺术同样也反映人们面对当今现代技术时的恐惧。利希滕斯坦于1966 年为洛杉矶日落大道上反对越南战争的“和平塔”（Peace Tower）抗议展览创作了这幅画。和往常一样，他没有表现出任何情绪或政治立场。 《三明治和苏打水》（Sandwich and Soda）：1964年，罗伊·利希滕斯坦（Loy Lichtenstein）创作的塑料上的丝网印刷（Screenprint on plastic）画。“I'm never drawing the object itself; I'm only drawing a depiction of the object - a kind of crystallized symbol of it.”“ 我从不描绘物体本身，我只是描绘这个物体 -- 它的一种具体化的符号。”——罗伊·利希滕斯坦 《面包和果酱》（Bread and Jam）：1963年，罗伊·利希滕斯坦（Loy Lichtenstein）创作的纸上铅笔与模版印刷蜡笔画（Pencil and stenciled lithographic crayon on paper）。 《花生酱杯》（Peanut Butter Cup）：1962年罗伊·利希滕斯坦（Loy Lichtenstein）创作的布面油画和石墨铅笔画。 《静物与水晶碗》（Still Life with Crystal Bowl）：1972年罗伊·利希滕斯坦（Loy Lichtenstein）创作的布面油画、丙烯画（Oil and acrylic on canvas）。70年代，利希滕斯坦创作了大量的静物画，再现了艺术中的静物近乎抽象类型的绘画，作品中的物品被看作一个起点，人们司空见惯的日用品在这有了难以捉摸的暗示和联想。利希腾斯坦借用当时大众文化与媒体的意象，用标志性色调和本戴点的手法来表现“美国人的生活哲学”。他曾经说：我试着利用一个俗滥的主题，再重新组织它的形式，使它变得不朽。这两者的差别也许不大，但却极其重要。