美国之行（七）纽约大都会艺术博物馆（1）2024.05.17

咪咪老妈

大都会艺术博物馆（Metropolitan Museum of Art），简称为（The Met）位于美国纽约州纽约市曼哈顿中央公园旁，是美国最大的艺术博物馆，也是世界上最大的、参观人数最多的艺术博物馆之一。The Met 位于美国纽约第五大道的80-84街的一栋庞大建筑。占地面积为13万平方米，收藏有300万件展品。大都会艺术博物馆的展览大厅共有3层，内有5大展厅，为欧洲绘画、美国绘画、原始艺术、中世纪绘画和埃及古董展厅等。馆内的陈列室共有248个，常年展出的几万件展品，仅是博物馆总库存的冰山一角。大都会博物馆回顾了人类自身的文明史的发展，与中国北京的故宫、英国伦敦的大英博物馆、法国巴黎的卢浮宫、俄罗斯圣彼得堡的艾尔米塔什博物馆并称为世界五大博物馆。1872年2月20日，大都会艺术博物馆首次开放。大都会艺术博物馆分馆──隐修院于1938年创建，位于纽约市的福特·特赖恩公园，展出中世纪的艺术和建筑，包括雕塑、壁画、彩色玻璃、泥金写本、双角兽图案挂毯、圣物箱、圣餐杯、象牙制品、金属器。隐修院内还有修道院、教堂、花园。每天有中世纪音乐会演出，每周举办音乐会。每年观众达700万人次。据新华社2023年9月28日，美国纽约大都会艺术博物馆馆长马克斯·霍尔莱因表示，将向相关国家归还更多来自非法渠道的馆藏艺术品。 经过一段时间的排队，终于走进这座久违的大都博物馆辉宏大厅…， 大厅右手边看到一尊巨大的埃及法老雕像 大厅左手是欧洲雕像区 这块碑刻的是博物馆的捐助者：齐格弗里德和约瑟芬比伯基金会KRESGE基金会日本基金会可口可乐公司大陆集团信实集团大通曼哈顿银行MERLE NORMAN COSMETICS. INC. PEW纪念信托基金华纳通讯公司皮尔·卡丹管理公司汉诺威信托公司贺拉斯·戈德史密斯基金会时代公司以INC-WILLIAM M-KECK. JR.基金会AMBROSE MONELL基金会CLEVEPAK公司罗斯科基金会北美奔驰欧内斯特-埃里克森基金会佛罗伦萨J·古尔德基金会斯塔尔基金会 因Met的展藏实在是太丰富了，据说至少需要三天，一天时间是绝对👀不完的，按照网上介绍的攻略，重点放在二楼，欧洲绘画展区当中著名油画大师的作品，一楼亚洲埃及的丹铎神庙、中国的药师佛图部分，及欧洲雕塑艺术展区等… 进入二楼展厅的欧洲绘画展区（1300-1800年） 圣像与观众公元15oo年左右，意大利的宗教画发生了重大转变。多面板，或polyptych格式逐渐被放弃，取而代之的是一个大帆布或木板。这种变化邀请了观众和神之间的新关系。像这个画廊里的拉斐尔和佩鲁吉诺的多部分祭坛作品可以讲述许多故事，单一场景的作品优先考虑的经验，一个礼拜者大胆地面对面与虔诚的主题。艺术家们从分割的框架中解放出来，把神圣的人物变成了宏大的实体，他们直接凝视着观众，传达着明显的情感，有时似乎超越了画面。公共祭坛有多种功能，包括作为群众的焦点，教育信徒，以及纪念委托他们的赞助人。对于艺术家来说，他们提供了突出的环境来展示他们的作品和发展他们的事业。因此，祭坛碎片越来越被视为实验的工具和竞争的舞台。对新奇事物的追求导致了各种各样的作品，从亲密的单一人物作品到戏剧性的多人物叙事，使圣经栩栩如生。 文森佐·福帕意大利，布雷西亚，活跃于1456年-死于1515/16布雷西亚麦当娜和孩子，加州。公元1480年福帕是米兰文艺复兴绘画的创始人，在那里他为公爵们工作。除了主要的壁画和祭坛，他还画了感人的意象圣母和孩子的私人奉献。这幅画可追溯到1480年，在玫瑰树篱前展示了圣母像--圣母像有时被称为“无刺玫瑰”（也就是说，没有罪恶）。西奥多·戴维斯收藏，西奥多·戴维斯遗赠，1915年 Jacob Jordaens 弗拉芒语，安特卫普1593-1678牧羊人的神圣家庭，1616帆布油画（从木材转移）Jordaens在西班牙荷兰的商业中心安特卫普工作，他以圣母玛利亚的形象为中心，迎合了国际观众的需求。他朴实的肉体召唤影响了许多艺术家，他的作品被弗米尔和海牙法院收藏他制作的天主教虔诚图像，在他死后被带到荷兰共和国进行新教徒葬礼。 格列柯与欧洲现代主义Domenikos Theotokopoulos，被称为El Greco（希腊人），在欧洲画坛独树一帜。他独特的眼光在后世几乎没有留下追随者，直到二十世纪初突然激发了现代主义的关键人物，包括巴勃罗毕加索、保罗塞尚和马克斯贝克曼。这位古老的大师，他不仅是现代的，而且似乎比我们超前了很多，回头给我们指路。埃尔·格列柯出生在克里特岛，当时是威尼斯帝国的一部分，在156世纪末移居意大利之前，他接受了传统拜占庭圣像制作的训练。在那里，他融入了矫揉造作的绘画中扭曲、拉长的人体，以及威尼斯艺术家如提香和保罗·委罗内塞的白垩、高调的调色板和动态的构图。1577年，埃尔·格列柯移居西班牙托莱多，在那里他建立了一个工作室，创作小规模的虔诚作品、肖像画和巨大的祭坛作品，融合了这些不同的来源。埃尔·格列柯的画作被认为是不可理解的，甚至是反常的，在他死后的三个世纪里，他的画作与许多艺术家和评论家交谈--包括罗杰·弗莱--在十九世纪末和二十世纪初。 埃尔·格列柯（1541-1614）托莱多牧羊人的崇拜帆布油画埃尔·格列柯晚期作品的特点是倾向于抽象和近乎舞曲，躁动的运动，使绘画表面充满活力，同时也为他的叙事服务。在这里，牧羊人活泼的手势表明他们对基督诞生的兴奋。夜间环境提高了一个超凡脱俗的调色板。埃尔·格列柯经常制作重要作品的复制品或变体；就像克劳德·莫奈（Claude Monet）或保罗·塞尚（Paul Cézanne）一样，艺术家用重复来贯穿一个主题，与单一原创的概念不符。在他去世时，他的工作室里有不下八个版本。这幅作品重复了他为西班牙罗马天主教会有影响力的人物胡安·德·里贝拉创作的另一幅画的特征。 埃尔格列柯（1541-1614）托莱多圣约翰的愿景帆布油画这件作品是为托莱多圣约翰浸礼会医院教堂制作的大型祭坛碎片。它描绘了一个世界末日的时刻在圣经的时间结束，基于启示录（6:9-11），一个主题非常适合埃尔格列柯的有远见的调色板和超凡脱俗的形式。1907年至1909年间，许多前卫画家都在研究他的油画。巴勃罗·毕加索直接从这幅作品中的戏剧性人物中获得灵感，创作了具有里程碑意义的画作《阿维尼翁之歌》（1907年；纽约现代艺术博物馆）。 日常生活的艺术欧洲艺术题材的革命发生在1560年前后。虽然《圣经》和古代神话中的场景仍然享有最高的批评声望，但这一时期的许多画家对关于虔诚图像的争论和不断增长的艺术市场做出了回应一他们专注于新的题材--最引人注目的是日常生活场景，通常被称为风俗画。我们几乎看不到一个漂亮的大厅或任何昂贵的的公寓，而是不修边幅的乞丐，妓院，酒馆，烟草吸烟者，音乐家，脏孩子和其他更肮脏和更糟的东西。德拉雷斯-Gerard de Lairesse，1707年艺术家们开始描绘普通人在酒馆或集市上的经历，并探索饮酒、吸烟或炫耀性消费等活动的道德性。这些主题可能会刺激观众不仅笑，而且反思自己的行为。版画家将这些图像翻译成版画，并复制给广大观众，创造了阿尔卑斯山南北艺术家之间丰富的对话。德拉雷斯在他的一生中作为画家而闻名，提倡一种基于古典古代研究的理想化方式--因此他反对吸引收藏家新的脚踏实地的题材。 荷兰，安特卫普 哈尔斯1582/83-1666 Shrovetide的欢乐制造者帆布油画什罗维泰，现在更为人所知的狂欢节，是传统的放纵时期之前的斋戒和自律的四旬斋。在十七世纪的荷兰，这也是画家行会进行戏剧表演的场合。在这里，哈尔斯描绘了这些戏剧中的两个股票人物，最糟糕的是汉斯帽子上挂着一根香肠，还有Pekelharing，他挂着一个咸鱼和鸡蛋的花环。他们侧翼包抄一个衣着华丽的女孩（可能是一个男扮女装的男孩，因为妇女不允许在这些场合表演）。静物元素充斥着前景，唤起了节日的传统食物和丰富的色情影射。 荷兰，安特卫普哈尔斯（1582/83-1666 ）客栈里的年轻男女，1623年帆布油画这幅画是哈尔斯从佛兰德绘画中学到的大胆的笔触，欢快地描绘了一对年轻夫妇在客栈或妓院门口狂欢的情景。脸红的脸颊和张嘴的笑容表明，这对情侣已经打破了当代的举止规则。然而，即使是简陋的室内，他们发现自己拥有一幅壁炉台上的风景画。 简·斯蒂恩荷兰，莱顿1636-1679露台上快乐的公司 1670年帆布油画斯蒂恩擅长自嘲地描写他自己桀骜不驯的houschold。这幅画的中心是他妻子迷人的身影，她手里拿着一个空酒杯望着观众。斯蒂恩坐在最左边，他的脸因喝酒而通红，头上戴着一顶滑稽的帽子；在他旁边，帽子里插着一根香肠，是汉斯，与哈尔斯在附近的作品中描绘的戏剧人物一模一样。直到今天，在荷兰，“简·斯蒂恩的房子”仍然是混乱及国内混乱的俗语。 意大利，博洛尼亚（1560-1609年）罗马两个小孩逗猫帆布油画带着残忍喜悦的表情，两个孩子用小龙虾的钳子折磨一只猫。这幅画可以诠释一句类似于“让熟睡中的狗躺着吧”的意大利谚语。这幅画是意大利最早的风俗画之一。它属于红衣主教托马索·鲁弗（1663-1753），他也拥有Velázque s Juan de Pareja，曾在附近的画廊展出。 朱迪丝莱斯特荷兰，1609-1660 帆布油画莱斯特是最早被画家协会承认为艺术大师的荷兰妇女之一，她在二十岁的时候就画了这幅生动的画。它唤起了音乐和笑声的气氛，描绘了三个狂欢者在室内，而更多的人群在左边的窗口。红色的身影似乎向观众举杯，提议干杯或邀请我们加入欢乐。 彼得·保罗·鲁本斯（Peter Paul Rubens）（1577年—1640年），17世纪佛兰德斯画家，西班牙哈布斯堡王朝外交使节，巴洛克艺术绘画方面的代表人物。安特卫普亨利四世的胜利木材油画这幅充满活力的素描描绘了法国国王亨利四世“以罗马人胜利的方式”进入巴黎，正如鲁本斯1622年的契约所描述的那样，这幅油画素描是鲁本斯对近代历史事件的英雄寓言的四幅素描中的最后一幅。 政治肖像与帝国这个画廊里的艺术家和保姆的生活被政治处决和流亡撕裂，因为他们安然度过了多次政权更迭。政治家塔列朗出现在大都会博物馆的三幅肖像中，他先后在路易十六、革命政府、拿破仑以及复辟国王路易十八和路易菲力浦手下任职。在这样动荡的时代，肖像可能是高度紧张的政治联盟的公开声明。这里的许多例子的大全长格式--传统上与贵族和皇室有关--进行了调整，以适应社会上新出现的强大的个人，包括科学家、将军和有影响力的女性。法国在1789年革命前几年的繁荣很大程度上来自其殖民地领土。这些地区包括印度和加勒比地区，那里的奴役劳工确保了烟草、咖啡和制糖业的利润。虽然在每一幅肖像的表面上并不显眼，但这里的艺术家和坐者的生活通过出生、政治和经济与这个国际网络相交。 Marie guillmine （1768-1826年）Benoist French，巴黎菲利普·帕农夫人（Jeanne EgléMourgue，1778-1855）和她的儿子尤金帆布油画这幅画曾经被认为是雅克·路易斯·大卫的，实际上是他的学生贝努瓦。大卫教授了相当数量的女艺术家，她们的作品通过沙龙向公众展示，而在法国大革命之前，沙龙严格限制妇女的作品提交。凯瑟琳·莫尔格和她儿子的肖像可能是在1802年的沙龙展出的。1799年，她嫁给了debassayns家族，家族的巨额财富来自他们在距离马达加斯加450英里的La Réunion岛上的蔗糖和咖啡种植园，他们在那里经营着大量的奴役劳动力。从十七世纪晚期到1848年法国废除奴隶制。 托马斯劳伦斯爵士不列颠，布里斯托尔1769-1830 伦敦伊丽莎白·法伦（生于1759年，卒于1829年），后来的德比伯爵夫人，1790年帆布油画爱尔兰女演员伊丽莎白·法伦1777年在伦敦首次登台，并很快成为当时最受欢迎的喜剧演员之一。这幅肖像画描绘了她作为一个优雅的年轻女子在她的事业的鼎盛时期之前她退出舞台，嫁给她的贵族保护者。劳伦斯大胆的笔触捕捉了绸缎的光泽和毛茸茸的服装饰边，但她要求这位21岁的艺术家改变对她过时苗条身材的描绘。 维勒斯（1774-1821）巴黎布面油画一个女人从她的画中抬起头，也许我们可以更好地研究，简单的室内可以代表在卢浮宫工作室。破碎的窗玻璃框住了远方的夫妇，一个令人不安的细节，显示了艺术家的技术与技巧。维勒斯是画家玛丽·维克托琳·勒莫因的妹妹，也是雅克·路易斯·大卫的学生安妮·路易斯·吉罗德特-特里奥松的学生。利用沙龙新开放的提交程序，女画家展出了这幅作品，并在1801年公开在她的名字，但它很快被错误地归于大卫-一个误认持续到1950年。部分由于这段历史，这幅画出现在1971年一期《艺术新闻》的封面上，其中出现了重新评价艺术史的分水岭，琳达·诺奇琳的《为什么没有伟大的女艺术家。 托马斯劳伦斯爵士不列颠，布里斯托尔1769-1830伦敦卡尔玛迪儿童（艾米丽，1818-1906[？]和劳拉安妮，1820-1894），1823年帆布油画艾米丽和劳拉·安妮·卡尔马迪玫瑰色的脸颊、皱巴巴的衬衫和翻滚的卷发反映了一种对童年和纯真的新的崇拜，这种崇拜在十九世纪早期的肖像中得到了表达。劳伦斯没有把他的保姆描绘成微型成年人，而是理想化了青春的甜蜜和姐妹之间的深情纽带。艺术家曾形容这幅肖像画是“我最好的为数不多的照片，我希望在以后为人所知的照片之一。” 约书亚·雷诺兹爵士英国人，普林普顿（1723-1792）伦敦史密斯夫人（夏洛特德拉瓦尔）和她的孩子（乔治亨利，路易莎和夏洛特），1787年帆布油画这张全家福中衣着时尚的母亲显得陷入沉思，而她的孩子们在她身边嬉戏，狡黠地盯着观众。肖像画是由家族的父亲和丈夫委托绘制的，丈夫是准男爵和国会议员。这幅肖像画表达了女性气质和上流社会童年的文化理想，在绘制的那一年，它在皇家学院成为了一个受欢迎的展览。 安东尼奥·卡诺瓦意大利人，posagno 1757-1822威尼斯丘比特与普赛克，1794熟石膏神话人物丘比特和普赛克之间的爱情是这个大胆的X形构图的主题。卡诺瓦的雕塑是大旅游文化的珍贵特征，经常复制，以满足富有的艺术品购买游客在罗马。这个石膏是卡诺瓦的第二个雕刻大理石版本（1796年；艾尔米塔什博物馆，圣彼得堡）的模型。金属针帮助雕刻家将形状从石膏转换为大理石。 新西班牙总督（今墨西哥）的一对罐子，17世纪三分之一这种类型的陶瓷器皿，被称为búcaros de Indias，在十七世纪和十八世纪深受欧洲收藏家的珍视。抛光陶器，白漆和银叶它们不仅被认为是原产于美国的稀罕物，而且还因为制成它们的粘土独特的香气和味道而受到好评。陶土被认为具有药用特性，在文化精英中，尤其是妇女中，食用陶器碎片是一种时尚。 格拉纳达（今哥伦比亚），波帕昂秘鲁和纽总督圣母无原罪受孕的王冠，被称为安第斯山脉的王冠，加利福尼亚州，约1770黄金和绿宝石这个王冠是神圣皇后地位的象征，用来装饰圣母玛利亚的雕塑。虽然这种做法是有争议的，但在圣像上赠送贵重礼物，包括珠宝是很常见的。为了获得救赎，信徒们寻求玛丽的代祷，并努力增加她崇拜的光彩。皇冠也代表了一个地区最独特的艺术成就之一，其财富来自黄金和绿宝石的开采。 景观起源风景画在十六世纪成为欧洲绘画的一个独立题材。这个渐进过程的一个起点是所谓的约阿希姆·帕蒂尼尔的世界景观，在那里，上演宗教叙事的前景人物几乎被其广阔的自然背景所淹没。多年来，绘画人形专家开始寻找熟练的风景艺术家作为合作者。在欧洲大部分人口生活在农村地区，从事农业劳动的时候，风景画为艺术家提供了一种探索四季轮回的方式，并通过对收割和狩猎的和谐描绘来吸引拥有土地的贵族。这些绘画中很少有严格的地形准确性。那个时期的一些艺术家用风景来创造地狱般的来世景象。另一些人想象了古代故事的幻想或理想化的背景，反映了对希腊和罗马文学的新兴趣，并建立了一个在后来几个世纪蓬勃发展的传统。 克劳德·洛兰（克劳德·盖尔ée）法语，Chamagne 1604/s（？）-1682罗马田园景观：罗马平原，加州帆布油画克劳德风景画的朦胧气氛唤起夏日的开始或结束。他特有的风格将背景中强烈的光线与前景中抒情的阴影形成对比。克劳德在左边加入了一个典型的罗马郊外乡村建筑，而不是一个严格的古典主题。艺术家们经常把这些乡村郊区想象成一个不变的阿卡迪亚，一个以古诗为基础的乌托邦世界，由牧羊人诗人和音乐家居住，就像在《中距离》中看到的那样。 克劳德·洛兰（克劳德·盖尔ée）法语，Chamagne 1604/s（？）-1682罗马日出，加州帆布油画克劳德的诗意风景灵感来自罗马周围的乡村，被称为平原。虽然这幅画的前景和中间色调已经变暗，但地平线保持了克劳德著名的亮度。在笔记本上记录执行的作品，被称为他的Liber Veritatis，克劳德记录，这幅画是在罗马为法国里昂的一个匿名客户执行的。它后来属于约书亚雷诺兹爵士，伦敦皇家学院院长，也是这种田园式愿景的倡导者，描绘了一个基于古诗的乌托邦世界。 游学旅行三百多年来，欧洲和美国享有特权的年轻男子被期望进行一次后来被称为“大旅行”的旅行，这是一次跨越特定文化教育的多年旅程。它的基石是罗马的艺术和建筑。根据兴趣、时间和预算，行程还可能包括巴黎、德累斯顿、威尼斯和那不勒斯--甚至将欧洲的边界推向奥斯曼帝国，其中包括今天的希腊。广泛的纪念品视觉文化兴起，以记录这一传统，从软木模型的古代遗迹彩绘肖像和城市景观。例如，蓬佩奥·巴托尼（Pompeo Batoni）收到了以精选文物为道具的全身肖像的委托，乔瓦尼·保罗·帕尼尼（Giovanni Paolo Panini）精明的市场作品以明信片般的古今遗址收藏为特色。这种共同的经验和物质遗产灌输和延续了文化规范，包括古希腊和罗马在欧洲文化中的中心地位。一个陈列着艺术品的家庭，就像这里展出的艺术品一样，证明了主人参与了这个成年仪式。 François Girardon French，Troyes 1628-1715巴黎法国路易士，皇太子（1661-1711），17世纪末青铜身穿钢铁盔甲，头猛地向右扭，假发卷曲迎着虚构的微风扬起，法国的路易斯似乎主宰着他的命运。他被描绘成皇太子，或王位继承人，这个头衔的象征是海豚（法语中的皇太子）纹饰在他的盔甲上。这幅不朽的国家肖像模仿了他的父亲路易十四国王，同样的盔甲，假发和姿势。由吉拉尔登和其他雕塑家在皇家宫廷发明和复制，这些众多的肖像成功地宣传了国王和他的王朝继任者对法国中央集权政府的绝对权威。 文艺复兴的面孔十五世纪以前，独立肖像画在欧洲并不多见。那些确实出现的--通常是在雕塑、铸币或手稿照明中--通常描绘的是理想化的皇家或神圣形象。1450年前后，个人画像的激增与对个人宗教信仰和自我纪念的新强调，以及商人和银行家消费能力的增强相一致--这一时期的所有特征历史学家现在都称之为文艺复兴。艺术家经常设计画像便于携带。这些作品作为外交和个人交流的一部分走遍欧洲，加速了不同艺术传统之间的接触。画家和雕塑家都从古希腊和罗马的肖像类型来描绘他们的坐者有影响力或有学问。另一些人利用发展中的中等铝箔涂料，以实现新的写实效果。皱纹、疤痕或胡茬的细节为彩绘的面孔增添了强大的存在感，而精心渲染的纺织品和珠宝则为后代记录了地位和财富。 （1656-1746年）巴黎女人和奴仆的肖像，1696年油画十七世纪的肖像画中心坐者和辅助人物之间的等级关系。在这个例子中，一个身穿金碧辉煌丝绸的白人妇女主导了构图，而一个戴着铰链金属奴隶项圈的黑人儿童俯伏在她的身边，抱着一只哈巴狗。法国法典正式禁止王国内部的奴隶制，但例外比比皆是，特别是对财富来自殖民贸易的家庭。由于缺乏有说服力的文件证明他们的身份，这幅肖像的两位扮演者的生平故事仍然不得而知。 安东尼·范戴克（1599-1641）伦敦詹姆斯.斯图亚特.里士满公爵和伦诺克斯，帆布油画范戴克描绘了里士满公爵作为贵族沉着冷静和漠不关心的典范。公爵的蕾丝领子上披着一个时尚的金发“洛夫洛克”，他佩戴着英国最高骑士勋章--吊袜带勋章。这幅画像可能是为了纪念他于1633年11月获此殊荣。灰狗把枪口搁在公爵的臀部，暗示着忠诚的美德和贵族狩猎的消遣。 彼得·保罗·鲁本斯（Peter Paul Rubens）（1577—1640年）弗拉芒、锡根 1577-1640 安特卫普 鲁本斯，海伦娜福门（1614-1673），和他们的儿子弗朗斯（1633-1678）木材油画艺术家鲁本斯他的妻子海伦娜，和他们的一个儿子出现在一个理想化版本的花园-鲁本斯建立在他的家乡安特卫普。鲁本斯胸前的皮带暗示着他的右侧，作为贵族，要随身携带一把剑，而拴在儿子胸前的押韵丝带则俏皮地将他定位为父亲的继承人。鲁本斯和他的第二任妻子之间有将近四十岁的年龄差距，同时代的人普遍认为他的缪斯女神和模特。她丰满的珠光宝气的年轻手与他红润的饱经风霜的手并列，强调了他们身体上的差异和身体上的联系。 萨尔弗·罗莎意大利（1615-1673年）罗马自画像，加州帆布油画萨尔弗·罗莎是十七世纪意大利最迷人、最复杂的人物之一，他是一位多才多艺的画家、版画家、诗人和演员。在这里，他展示了自己刻有希腊语 “看，最终会去哪里”的头骨。柏树的花环是哀悼的象征，而桌子上放着罗马斯多葛学派哲学家塞涅卡的一本书。根据题词，这幅画是送给罗莎的朋友乔瓦尼·巴蒂斯塔·里恰尔迪的礼物，他是一位来自比萨的天才文人。 Juana de Nuestra Señora de Guadalupe肖像，1797帆布油画这幅画像是为了纪念一个仪式，在这个仪式上，16岁的保姆宣誓了一个修女的誓言，并进入墨西哥城的里贾纳·科利修道院。她穿着圣母无原罪教团的独特习惯，他们通常被称为“蓝色修女”，因为他们的长袍颜色，并戴着婚礼皇冠和戒指，表明她是基督的新娘。这幅画将陈列在她父母的家里，在那里它不仅回忆了缺席的孩子，而且表达了家庭的财富和虔诚。 伦勃朗·哈尔曼松·凡·莱因（Rembrandt Harmenszoon van Rijn，1606年7月15日～1669年10月4日）是欧洲17世纪最伟大的画家之一，也是荷兰历史上最伟大的画家。伦勃朗早年从师P.拉斯特曼，1625年在家乡开设画室。画作体裁广泛，擅长肖像画、风景画、风俗画、宗教画、历史画等领域。 伦勃朗（Rembrandt van Rijn）荷兰，莱顿（1606-1669年）阿姆斯特丹女人肖像，1633年木材油就像17世纪30年代伦勃朗的许多肖像画一样，画像的身份不得而知。在阿姆斯特丹的那十年里，画家受到了许多肖像画委托，他自己的作品质量也各不相同。一些评论家察觉到这幅画中有合作者的手，但强烈的脸部造型，精致的帽子绘制，以及表情的即时性，都是伦勃朗本人的典型特征。 伦勃朗（伦勃朗范瑞恩）荷兰，莱顿1606-1669阿姆斯特丹赫尔曼杜默（1595-1650年）1640年木材油赫尔曼·杜默是一位成功的细木工，他与十七世纪阿姆斯特丹流行的进口硬木打交道。伦勃朗对这幅画像格外小心，这可能表明他对一位艺术大师的尊敬。伦勃朗画《杜默肖像》和他妻子贝尔捷·马滕斯（1640年；圣彼得堡国立冬宫博物馆）的姊妹篇的时候，伦勃朗夫妇的儿子兰伯特在艺术家的工作室里当学徒。H. O. Havemeyer收藏，H. O. Havemeyer夫人遗赠，1929年 伦勃朗的追随者荷兰，17世纪男子肖像（“拍卖商”），可能建于1658-62年帆布油画伦勃朗有一个大画室，有许多学生模仿他的风格，甚至他的签名。因此，关于其画作作者身份的激烈争论至今仍在继续。这幅作品被普遍认为是伦勃朗的杰作，直到1982年学者们将其降级，认为空间、纹理和解剖的渲染表明了一位不知名艺术家的巧妙模仿。在缺乏文献资料或技术分析确凿证据的情况下，争论仍在继续。 伦勃朗（伦勃朗范瑞恩）荷兰，莱顿1606-1669阿姆斯特丹自画像，1660年帆布油画伦勃朗一生都是一位敬业的自画像家，他的自画像流传至今约有四十幅。这幅画是伦勃朗54岁时绘制的，艺术家毫不留情地描绘了自己脸上衰老的迹象，用高浮雕的颜料描绘了他紧锁的眉头、眼睛下方沉重的眼袋和双下巴。最近去除合成清漆揭示了伦勃朗更多的工作方法，例如，展示了他如何翻转刷子，用刷子的末端切割从帽子里溢出的粗糙卷曲。 伦勃朗（伦勃朗范瑞恩）荷兰，莱顿1606-1669阿姆斯特丹亚里士多德与荷马半身像，1653年帆布油画在大都会博物馆最著名的艺术作品中，这幅画传达了伦勃朗对名誉意义的沉思。衣着华丽的希腊哲学家亚里士多德（公元前384-322年）若有所思地把手放在荷马的半身像上，荷马是史诗诗人，几个世纪前就凭借《伊利亚特》和《奥德赛》获得了文学不朽。亚里士多德佩戴着一枚印有他强大的学生亚历山大大帝肖像的金质奖章--也许这位哲学家正在权衡自己世俗的成功与荷马永恒的成就。虽然这幅作品已被认为是典型的荷兰风格，但它是为一位西西里赞助人绘制的，当时伦勃朗的标志性风格，其深色调色板和近乎雕塑般的颜料堆积，在阿姆斯特丹开始过时。 伦勃朗（伦勃朗范瑞恩）荷兰手持扇子的年轻女子肖像，1633年帆布油画这幅动画肖像有一个吊坠，或伴画，显示保姆的丈夫从椅子上站起来（1633年；塔夫脱博物馆，辛辛那提）。当看到丈夫和妻子在一起时，似乎各有反应。17世纪30年代早期的作品。伦勃朗作为戏剧历史场景画家的早期经验，以及他在莱顿期间对表情和性格的密切注意，使他成为阿姆斯特丹最原始和最成功的肖像画家，其他，使这些成为伦勃朗最具创造性的他在1631-32年冬天到达那里。 伦勃朗荷兰，女神帆布油画与许多雄心勃勃的同时代人不同，伦勃朗从未去过意大利。尽管如此，意大利艺术对他产生了深远的影响。在这幅描绘罗马春天女神的作品中，他特别回应了十六世纪威尼斯大师提香。尽管如此，阴沉的色彩和粗糙的颜料处理使这幅作品显然是伦勃朗自己的作品，《女神》可能部分基于他已故妻子萨斯基娅的肖像，萨斯基娅曾是他许多画作的灵感来源。 静物画自然界的观察同时，绘画鲜花、贝壳、银器和偶尔出现的骷髅为最具创新精神的花卉、水果和其他物体的绘画提供了杂色的成分。近代早期欧洲：静物虽然它们的主题看似简单，但这些艺术作品传达了广泛的文化联想，并可能成为虔诚实践的焦点。在社会习俗高度限制她们艺术训练的时代，许多女艺术家成为著名的静物画画家。静物画把艺术和科学联系在一起的时期越来越多，特别是他们接触裸体模特的机会。 Jacques de Gheyn二世荷兰，安特卫普1565-1629 海牙静物1603木材油这幅面板通常被认为是已知最早的独立静物画的vanitas主题，或象征性地描绘人类的虚荣心。骷髅、大气泡、剪下的花朵和冒烟的骨灰盒都唤起了生命的短暂，而漂浮在气泡中的图像--如酷刑的车轮和麻风病人的拨浪鼓--则指向人类的愚蠢。拱门两侧的人物是德谟克利特和赫拉克利特，他们是古希腊的哲学家。 Orsola Maddalena Caccia意大利，Moncalvo 1596-1676 Moncalvo奇形怪状花瓶里的花帆布油画Caccia经营着一个绘画工作室，支持她的父亲，画家Guglielmo Caccia（1568-1625）在Moncalvo建立的修道院。强烈的个性化元素均匀分布在单色背景上，产生了迷人的表面图案效果。这些特征非常适合宗教冥想，可能来自她对北欧植物版画的研究。 荷兰，布雷达1693-1722年或更晚一瓶花，1716年木材油尽管她的作品只有两件幸存下来今天，哈弗曼在年轻的时候就因她作为花卉画家的天赋而闻名。她跟随以神秘著称的花卉画家扬·凡·胡苏姆学习，后来被巴黎的法国皇家学院录取。艺术家的技艺在这幅华丽的花卉和水果排列中得到了充分的展现，她使用了普鲁士蓝等创新颜料。随着时间的推移，有机黄色的湖水色素已经褪色，导致现在的蓝色外观的叶子，哈弗曼自信的签名似乎切割在支撑花束的基座。 爱国景观在荷兰脱离西班牙独立的斗争中，许多十七世纪的荷兰画家拥抱了祖国广阔的景色和戏剧性的天空。在他们手中，普通的田野和港湾变成了对人与环境关系的思考，以及对新发现的国家认同的断言。其他艺术家到国外旅行，或者用他们的想象力想象出更多陌生的风景，吸引了这个商人和殖民者的国家。当商人们采用贵族的服饰时，他们用表达土地所有权和农村富饶理想的图像来装饰他们的庄园。在高度专业化的艺术市场中，画家们以独特的题材，如海边村庄或夜景，开创了自己的声誉。 Kerstiaen de Keuninck Flemish，德.库宁克1560-1632/33安特卫普有瀑布的山地景观木材油德·库宁克延续了佛兰德传统想象中的山景约阿希姆·帕蒂尼尔。这个大全景陆地景观，主要是梦幻般的山脉和ro……是艺术家的早期作品。它对比鲜明的图画效果--例如厚重的不透明颜料衬托在非常薄的介质中勾勒出的区域--以及像水一样大胆的图案通过在面板上轻弹刷子而形成的。 Jacob van Ruisdael D雅格布.伊萨克松.范勒伊斯达尔Haarlem 1628/29-1682阿姆斯特丹麦田，加州，1670年帆布油画Ruisdael的田野景观有27幅留存至今。在这个著名的例子中，艺术家用土地、天空和海洋的积木来创造一个庄重的景观。在我们面前的路上，一个背着旅行包的男人走近一个女人和孩子，而主宰天空的积云也增添了他们自己的戏剧元素。最左边的海上船只将这个典型的荷兰景观融入了更广阔的世界。 德弗利格尔荷兰，(1600/1601-1653 )1640年后平静的海面木材油画左边的地平线融化成广阔的平静的大海，而渔民们在右边捕鱼。德弗利格尔影响了后来的海洋画家，他用有限的色调范围来实现天空和水中光线精确校准的效果。他对北欧光线的观察使他成为一个特别的当地景观的主人，荷兰国旗在船的右侧飘扬。 荷兰，伦敦1595-1661哈勒姆景观小屋，1629年木材油画杜兰的景色是荷兰16世纪20年代风景画的一个重大转变的特征，画家们开始在棕色、灰色和绿色的阴暗调色板中描绘当地地形的温和场景。而不是享受鸟瞰视角的场景，观众被放置在一个低地面的沉重阴影区域。这些绘画包含了荷兰风景的特质，当时荷兰民族自豪感与日俱增，为摆脱西班牙统治而进行的独立斗争。 荷兰，莱顿1596-1656海牙Haarlem和Haarlemmer Meer的景色，1646年木材油画哈勒姆圣巴沃教堂的钟楼提供了这个小而非凡的全景地形精度的出现。事实上，风景交织在一起的特点，从范戈延的素描本，一些从钟楼本身的高度观察。全景视角和大气透视的运用，使更遥远的元素出现绿色或蓝色，将范戈延的场景与画廊中更早的荷兰风景连接起来。 库伊普荷兰语，Dordrecht （1620-1691年）年轻牧民与奶牛，帆布油画太阳条纹的云朵掠过天空，主宰了这平静的景观，一个典型的发光风格的例子，使Cuyp成为十八世纪和十九世纪收藏家喜爱的艺术家。根据自然界的研究，这幅画仍然是工作室的糖果。休息的牲畜和农业劳动者似乎作为永恒的景观部分，在一个安心的愿景，土地收藏家能够展示这样一个不朽的场景。 波斯特木材油画巴西风景，1650年从1630年到1654年，荷兰共和国在巴西北部保留了一个殖民地。波斯特陪同州长前往该地区，在素描本上摆满了当地动植物的图片。这幅画前景中的鬣蜥和仙人掌等图案为风景增添了特别的热带色调在他返回荷兰后制作的，其中经常有来自当地土著或奴役人口的人物--在这种情况下，图中男人、女人和儿童。波斯特的回顾性绘画，幻想和观察的混合，继续找到了大量的客户，即使在荷兰人失去了殖民地给葡萄牙人。 荷兰，阿姆斯特丹1638-1709林地路，帆布油画一条布满车辙的道路将这幅画的前景一分为二，将我们定位为风景中的旅行者，并将左边的沼泽地和右边的农家庭院分开。在茂密的树木中，许多不同颜色的颜料涂抹在树叶上唤起了光线，而各种各样的人物--旅人、一条狗和一个在农舍门口观望的女人--为场景增添了趣闻趣事。 鲁本斯弗拉芒、锡根1577-1640安特卫普黎明时分的森林猎鹿，加州木材油画1635年，鲁本斯获得了一个被称为Het Steen的庄园，庄园的风景启发了他在生命的最后几年为自己的乐趣而创作的许多画作。在这个例子中，黎明时分，一个厚厚的太阳透过树枝窥视，一个猎人（穿着红色外套）和他的猎狗在森林里追逐鹿。狩猎是贵族的特权，这与鲁本斯作为庄园主的新身份相一致，在他一生中，他能够创作反映自己兴趣的个人画作。 肖像画的力量欧洲肖像画家经常长途跋涉把遥远的亲戚、未来的配偶或政治盟友联系在一起。一个人的画像可以传达有关他们的外貌、社会地位、信仰和智力兴趣的信息。广泛的铭文，配件，如书籍，宠物，或艺术品，以及复杂的语言时尚和珠宝都促成了坐者的个性化。肖像画家有时也大规模地工作，或带着前人所不知道的绘画野心。汇集了西欧各地的绘画作品，这个画廊揭示了文化交流和流动的职业生涯，刺激肖像画的发展在十六世纪的过程。像汉斯·霍尔拜因这样的艺术家，他游历广泛，将逼真的身体特征、鲜明的背景和渊博的铭文结合在一起，促成了泛欧风格的兴起。其他艺术家追求更古怪的方法，推动肖像画的极限，因为他们融入了叙事性或宗教性绘画的方面。 雅各布·威莱姆兹·范·韦恩（1456-1535），艺术家的父亲，1532年荷兰木材油这幅艺术家父亲的冷静形象是在马腾离开家乡哈勒姆去意大利长途旅行那年画的。栏杆上的荷兰语铭文用坐者的声音说：“我儿子在这里描绘了我，那时我活了75岁，他们是这么说的。”几年后，雅各布去世，享年79岁，而马腾还在国外。 伦勃朗（伦勃朗范瑞恩）荷兰，莱顿1606-1669阿姆斯特丹戴头巾的人，1632年帆布油画与伦勃朗同年的正式肖像画相比，这幅画以其辉煌的笔触和戏剧性的照明而引人注目。他可能是在从家乡莱顿搬到阿姆斯特丹后不久画的这幅作品，并打算吸引阿姆斯特丹老练的收藏家。虚构的波斯王子或奥斯曼王子的照片在当时很受欢迎，部分原因是荷兰共和国与中东之间新的贸易接触，为阿姆斯特丹带来了国际游客。然而，伦勃朗绘画的模特很可能是一个荷兰人，他出现在伦勃朗及其圈内艺术家的其他画作中。 荷兰青年弗兰斯·普尔布斯，安特卫普（1569-1622）巴黎玛格丽特·贡扎加（1591-1632），曼图亚公主帆布油画大约在1600年，在欧洲各地法院工作的艺术家们形成了一贯的国际风格，其特点是标准的姿势曲目和精心渲染的宫廷服饰。在这个例子中，弗拉芒艺术家Pourbus通过弯曲的手指、通红的脸颊和浆硬的蕾丝衣领等细节描绘了年轻的玛格丽特贡扎加公主优雅的形象。1606年，玛格丽特与洛林公爵亨利二世结婚。 意大利Bartolomeo Bonghi（卒于1584年）1553年帆布油画法律学者Bartolomeo Bonghi身着教授长袍，头戴三角帽，手持一本罗马民法的书。透过敞开的窗户是一座塔，它是贝加莫最显眼的地标之一。用威尼斯艺术家提香的话说，莫罗尼能够“从生活中”或“从自然中”捕捉到他的坐者，因此在整个意大利北部受到赞赏。年轻的卡拉瓦乔无疑学过这样的作品。 保罗·委罗内塞 Paolo Veronese（Paolo Caliari）意大利维罗纳（1528-1588年）威尼斯亚历山德罗·维托利亚（1525-1608）帆布油画在这幅肖像画中，十六世纪后期最伟大的威尼斯雕塑家亚历山德罗·维托利亚被同时代最伟大的画家保罗·委罗内塞记录下来。维托利亚展示了他最著名的雕像之一圣塞巴斯蒂安的模型，该雕像于1561-62年为威尼斯圣弗朗西斯科德拉维尼亚教堂雕刻。这个雕像后来被维多利亚铸造了两次作为青铜雕像。Vittoria有自己的肖像，手持自己的雕塑，由著名艺术家在他一生中的不同时期绘制；有五幅肖像挂在他家的工作室附近，客户和游客都可以看到。这幅肖像画是在1580年左右完成的，当时雕刻家大约55岁。 德国人汉斯·荷尔拜因，奥格斯堡（1497/98-1543年）伦敦Benedikt von Hertenstein（1495-1522）1517年把油和金子印在纸上，放在木头上1517年荷尔拜因装饰了瑞士卢塞恩市地方法官雅各布·冯·赫滕斯坦的房子。同时，他为裁判官的长子贝内迪克特创作了这幅肖像，贝内迪克特的目光吸引了观者，他用自己的声音写下了这样一句话：“当我看起来像这样的时候，我才22岁。”这句话的后面是“HH”绘制这幅画的宣言。艺术家使用装在木头上的纸反映了他的工作方法。他开始在纸上作画，然后继续用油彩作画，直至完成。 年轻的荷兰人杰拉德·特尔·博奇，兹沃勒（1617-1681年）好奇帆布油画在这幅画中，不同年龄的妇女占据了一个豪华的内部：最大的写信，而最小的在她的肩膀上凝视着。第三个女人--穿着通常与Ter Borch联系在一起的光彩夺目的缎子--显得沉思或失恋。最有可能的是，她的老朋友正在帮她起草一封情书的回复。 年轻的荷兰人杰拉德·特尔·博奇，兹沃勒（1617-1681年）一个女人弹琴和一个骑士木材油画在这个亲密的场景中，一位年轻女子一边弹奏琵琶，一边与追求者对唱。歌本，比如这里桌子上放着的那本，是当时常见的恋人礼物。放在它旁边的手表可能象征着节制，也可能象征着事情的短暂性质。 德.霍奇荷兰（1629-1684年）阿姆斯特丹这次访问木材油德·霍奇把这个场景坐落在voorhuis，一个狭窄的荷兰排屋的临街房间，光线最好。窗户的摆放和空间的构造揭示了霍奇与约翰内斯·弗米尔当时的亲密对话。但像一盘壮阳牡蛎和有檐篷的床这样的元素表明，德·霍奇很可能有意让这个场景代表一个妓院，而不是一个体面的家庭。 年轻的荷兰人杰拉德·特尔·博奇，兹沃勒（1617-1681年）一个年轻女子与她的女仆木材油画《特尔·博奇》中，一个富裕的年轻女子在梳妆台前调整胸衣的缎带，而一个青春期的少女拿着脸盆、亚麻毛巾和一罐水等待着。艺术家标志性的精湛技艺出现在抛光银线和金属线的闪烁，粉红色缎子的彩虹色，以及天鹅绒般的椅子。 荷兰，莱顿（1629-1667）阿姆斯特丹音乐晚会，1659年帆布油画在荷兰共和国，音乐表演是富人常见的消遣，与求爱密切相关。在这里，一个衣着华丽的女人把一本歌曲集递给身后的花花公子，同时漠不关心地抓住她的琵琶脖子。另一位筋疲力尽的绅士吹着琴，他的剑扔在一边，一个女仆端着一盘点心在后面的门口停了下来对于十七世纪的观众来说，像暖脚器这样的象征性元素会暗示一种放纵和诱惑的气氛。 伦巴第寻求真理米兰是意大利北部伦巴第地区的经济和政治中心，这里接待了文艺复兴时期一些最著名的艺术家。在斯福尔扎家族公爵的统治下，这座城市培养了地区艺术人才，成为达·芬奇的故乡，1482年左右，达·芬奇离开家乡佛罗伦萨到卢多维科·斯福尔扎宫廷工作。在米兰的大约二十年间，他影响了一代又一代艺术家。伦巴第绘画的核心是对真理的探索。在列奥纳多的追随者的作品中，我们发现了他对自然的仔细观察，他对捕捉人类心理的兴趣，以及他的sfumato技巧，一种通过柔和的渐变来渲染形式的方法，产生烟熏的效果。来自北欧的艺术作品也通过贸易网络通过伦巴第大区，激发了人们对描述性细节的更大兴趣。活跃在这一地区的画家们在美与丑、谦卑与神圣之间形成了鲜明的对比，为卡拉瓦乔后来开创性的作品奠定了基础。 Giampietrino（Giovanni Pietro Rizzoli）意大利人，米兰，活跃于1495-1553年女猎手戴安娜木材油画吉安皮特里诺是达最忠实的米兰学生之一。这幅画的灵感来自于佛罗伦萨罗索·菲奥伦蒂诺设计的一套著名版画《戴安娜》，日期为1526年。它可能曾经和其他三幅全身站立的女神画像一起悬挂。 Andrea Solario索拉里奥意大利人，（1465-1524年）米兰莎乐美和施洗约翰的头木材油画在一个决定命运的宴会上，莎乐美得到了继父希律王的一个愿望。令人震惊的是，她要了浸礼会约翰的头放在盘子里，因为他反对她母亲嫁给国王。索拉里奥不同寻常的构图只包括刽子手的手，淡化了他在可怕场景中的角色，并把责任（字面上和比喻上）放在莎乐美的手中。索拉里奥的风格是由他的旅行塑造的。在威尼斯，他遇到了荷兰的影响，是流行的城市。在米兰，他的灵感来自达·芬奇的自然主义和对光线的细腻处理。索拉里奥在法国昂布瓦斯红衣主教的城堡完成了这幅画，在那里他与法国和意大利的建筑师和雕塑家一起工作。 Marco D'Oggiono，意大利人。（1467-1524年）米兰樱桃女孩木材油画这幅画由达·芬奇在米兰的亲密伙伴Marco D'Oggiono绘制，结合了肖像画和寓言的元素。衣着华丽的女性带着高深莫测的微笑，头顶常春藤，手里拿着一碗樱桃。它的含义是神秘的：它可能暗指婚姻（常春藤象征婚姻忠诚），但也暗示了与复杂的文学界的联系。D'Oggiono建立了一个成功的职业生涯，首先是按照列奥纳多的风格工作，并复制他的画作，后来脱离并塑造了自己的艺术身份。 Paolo Veronese（Paolo Caliari）意大利人，维罗纳（1528-1588年）威尼斯火星和金星相爱，1570年代帆布油画战神马尔斯和爱神维纳斯之间的爱情，是由一对爱管闲事的丘比特鼓励的。一个把这对夫妇绑在一起，而他的同谋抑制了火星的战马。这幅画颂扬了爱的启蒙和滋养作用，因为牛奶从金星的乳房流出，火星被解除武装。一位杰出的调色师，委罗内塞通过他丰富的调色板放大了主题的性感。这样的作品对后来的艺术家产生了持久的影响，包括Velázquez和Giambattista Tiepolo。这幅画可能是马克西米利安二世皇帝委托绘制的，到1621年，这幅画与艺术家的其他神话作品一起归布拉格皇帝鲁道夫二世所有。 意大利人东方三博士崇拜大理石基督教福音叙述了三个东方三博士（也称为智者或国王）从遥远的国度来崇拜新生的耶稣基督。在这幅浮雕中，三位国王先后摘下头饰，从站立到跪拜，尊敬圣婴。浮雕像一幅画一样，挑战了雕塑的图像极限。最近的人影投射出清晰的焦点，最远的人影则浅而模糊。在遥远的山谷里，一个牧羊人和他的狗从跟踪狼手中拯救了他们的羊群。这些数字很可能是指救世主基督，他把自己比作为羊舍命的好牧人。 提香·韦切利奥，又译提齐安诺·维伽略（ Tiziano Vecelli或Tiziano Vecellio，约 1488/1490年– 1576年，英语系国家常称呼为提香（Titian），他是意大利文艺复兴后期威尼斯画派的代表画家。在提香所处的时代，他被称为“群星中的太阳”，是意大利最有才能的画家之一，兼工肖像、风景及神话、宗教主题绘画。他对色彩的运用不仅影响了文艺复兴时代的意大利画家，更对西方艺术产生了深远的影响。 提香和他的工作场意大利，（1485/90-1576）威尼斯维纳斯和琵琶演奏者，帆布油画爱神维纳斯打断了她的音乐被丘比特戴上花环。一个仰慕的、衣着光鲜的年轻人弹着琵琶--爱情牧歌的典型乐器--专注地注视着她。在背景中，仙女和萨梯随着牧羊人的音乐翩翩起舞。提香和他的追随者以捕捉女性题材的复杂个性而闻名。在这幅画中，维纳斯不仅仅是一个欲望的对象。在她摧毁性的自信姿势，她成为一个象征的权力的女人比男人。提香多次描绘这个爱情主题。这一个是留下未完成，除了景观背景，这是完全由艺术家绘制。 意大利，维罗纳1549-1625威尼斯维纳斯码头，16世纪晚期-17世纪早期青铜这个人物的裸体和美丽确定她是维纳斯，希腊罗马的爱的女神。海豚暗示她出生在大海，并定义她为维纳斯码头，航海保护者，并延伸，威尼斯海事共和国。维纳斯在威尼斯很受欢迎。附近陈列的画作展示了女神各种各样但总是性感的裸体伪装。这个小雕像是威尼斯铸造厂商业生产的众多现存铸件中最好的。金星右脚下方的字母“I C”很可能是铸造铜像的创始人名字的首字母。 Jacopo Tintoretto丁托列托（Jacopo Robusti）意大利（1518/19-1594年）威尼斯面包和鱼的奇迹，帆布油画一群人聚集在丁托列托描绘的基督的一个奇迹中：据说他只用五个大麦饼和两条鱼喂饱了五千人。它宽阔的水平构图是典型的威尼斯绘画，设计用来装饰小教堂、兄弟会大厅或宫殿的长中央大厅（称为portego）的侧墙。丁托列托与助手合作制作了这些巨大的作品，在十九世纪早期，这幅画和丁托列托的《基督给他的门徒洗脚》（多伦多安大略美术馆）都在爱尔兰法纳姆收藏。 国际哥特式在十四世纪晚期和十五世纪早期，来自欧洲著名宫廷的艺术家们开始创作一些作品，这些作品在精致的华丽、书法线条以及自然主义和幻想之间的鲜明对比方面表现出共同的兴趣。现在被称为国际哥特式风格，这种运动在许多方面是一个日益流动的世界的表现。艺术家和奢侈品在这个时候广泛旅行，助长了竞争的欧洲宫廷之间的竞争和影响的交流，包括那些在卡斯蒂利亚，巴黎，布拉格，威斯敏斯特，和意大利的艺术中心。虽然这种艺术风格在社会各阶层流行起来，吸引了商人和工人阶级的赞助人，但它主要与强大宫廷贵族成员的品味和时尚有关。它的视觉语言与统治阶级紧密地交织在一起，画家有时在他们的形象中强加等级制度，给杰出的人物赋予人为优雅的比例，同时用未经修饰的自然主义描绘更卑微的人物。虽然那个时期的艺术家尝试使用透视法，但这些画作中的空间设置往往是超现实的，更侧重于丰富的图案和闪闪发光的金色背景，而不是理性的建筑或自然景观。 Giovanni di ser Giovanni Guidi（称为Scheggia）意大利圣乔瓦尼 瓦尔达诺（1406-1486）佛罗伦萨名声的胜利木头上的蛋彩画，银和金子这个纪念出生托盘（desco da parto）庆祝洛伦佐德美第奇（1449-1492），佛罗伦萨未来的统治者，以及诗人和艺术赞助人的诞生。骑士们伸出双手效忠于一个寓意的名人，他手持宝剑和长翅膀的丘比特（通过武器和爱情象征名人）。这幅画由马萨乔的弟弟绘制，保存在洛伦佐位于美第奇宫的私人住所。像这样委托托盘的传统源于向新妈妈赠送糖果的习俗。 富有、雄心勃勃的法国红衣主教纪尧姆·德埃斯托特维尔渴望成为教皇。他在罗马的圣玛丽亚马焦雷教堂委托了一个巨大的独立大理石祭坛，以推进他的事业。在这幅非凡的肖像画中，Mino da Fiesole传达了红衣主教的精力充沛的决心，没有被办公室的浮华所过滤--长袍很简单，剃光了头发，露出了精明睿智的面孔。肖像可能是打算放置在一个深圆形壁龛以上的眼睛水平。Mino巧妙地雕刻了浅浮雕，从下面看去完全立体。 Jacometto（Jacometto Veneziano）雅克梅托意大利人，活跃威尼斯，（1472年-1498）年轻男子肖像，1480年代木材油画这幅画中引人注目的年轻人精心打扮，一身黑衣，很可能是光顾雅克梅托的贵族或人文主义家庭的成员。他独特的发型--扎扎拉--在148世纪和90年代的威尼斯很流行。雅柯梅托已知的作品几乎都是肖像画，包括他的微缩肖像，他因此而闻名。直到二十世纪，他的作品在很大程度上仍未被确认。包括这幅在内的一些画作，曾被错误地认为是西西里画家Antonello da Messina的作品，他在1475-76年前往威尼斯，对雅克梅托的风格产生了深远的影响。 Bartolomeo Montagna蒙塔尼亚意大利，1459-1523年之前维琴察帕多瓦的圣贾斯蒂娜，1490年代木材油一幅祭坛作品的碎片，这幅画显示了早期基督教殉道者贾斯蒂娜的伪装，穿着优雅的同时代艺术家，从而重叠了虔诚的图像和肖像的惯例。到了1490年代，富人被描绘成他们的守护神并不罕见。虽然棕榈枝和剑刺穿这个人物的乳房是圣贾斯蒂娜的传统属性，她也是一个精心制作的贵族美丽的理想，包括她的高额头，一个吸引力的标准如此受欢迎，它是很常见的妇女改变发际线。在乔瓦尼·贝里尼的影响下，蒙塔尼亚成为维琴察的主要画家。 Antonello da Messina(Antonello di Giovanni d'Antonio)安东内洛（1430-1479）意大利年轻男子肖像，木材油安东内洛在那不勒斯接受荷兰油画技术的训练，1475年从西西里岛前往威尼斯，为肖像画树立了标准。这幅肖像画中最初的微笑显示了被拍摄者的内心生活，他用直接的凝视吸引了观者。通过这些微妙的效果，安东内洛赋予他的肖像画个性的暗示，除了捕捉表面表象。 革命继1775年开始的美国独立战争和1789年开始的法国大革命之后，从海地到希腊，从印度到秘鲁，一个所谓的革命时代在全球展开。虽然革命力量经常从殖民势力手中寻求自由，但在法国，拿破仑作为自封皇帝的崛起反而引发了领土的迅速扩张。这将完全重新定义欧洲的边界，包括对今天埃及的主权要求。在艺术和建筑中，对古希腊和古罗马历史的引用成为新成立的政府合法化的试金石。这个画廊的艺术品证明了这个时代社会的急剧变化。女艺术家获得了更多的机会；巴黎比以往任何时候都更加多元文化；“公众”成为一个有生命力的实体，团结在政治事业周围。然而，变革不是单方面渐进的。法国大革命期间废除的奴隶制于1802年被拿破仑恢复。到1804年，革命政府给予妇女的许多自由都被收回。 贺拉斯·韦尔内法语，1789-1863年巴黎Mamelouk肖像，1810年帆布油画这幅温文尔雅的早期肖像画出自十九世纪著名的战斗画家韦尔内之手，被认为描绘了1798-1801年拿破仑入侵埃及失败后逃往法国避难的数百名中东人之一。作者的名字不详，但从他的服装可以认出他是马穆鲁克军团的一员，被拿破仑征召为法国军队的一员。他们的队伍后来由土生土长的法国人填补；他们的服装元素渗透到平民时尚。 雅克·路易·大卫（Jacques Louis David）法国（1761-1845年）巴黎1810年，在卢浮宫观看大卫的“加冕礼”帆布油画1808年至1810年间，雅克·路易·大卫（Jacques Louis David）的巨幅画作拿破仑为妻子约瑟芬皇后加冕，在卢浮宫展出了三次。这些公开的场面是高度政治性的，是对拿破仑1804年大胆掌权的庆祝式认可。以Boilly为代表，卢浮宫的游客可以通过查阅印刷的旅游指南来解读大卫庞大作品中的关键人物，比如左边军人持有的指南。人们正在摘帽，要么是为了尊重这对帝国夫妇，要么是为了更好地引人注目；孩子们在人群中占了相当大的比例，也许是为了法国的未来。 上图）安托万·简·格罗斯与雅克·路易斯·大卫（Jacques Louis David）雅克·路易斯·大卫是巴黎最著名工作室的领导人。格罗斯因宣传法国战场上的胜利而声名鹊起，但他也是一位天才的肖像画家。这幅肖像画是他二十岁左右时创作的，因其直观而引人注目，流畅的笔触没有流露出犹豫的迹象，也没有在同一时间创作。在大都会博物馆，它加入了格罗斯为他的同胞和大卫的学生弗朗索瓦·杰拉尔所作的肖像，以庆祝博物馆的成立周年纪念。 下图）安托万·简·格罗斯男爵法国，巴黎，1771-1835年François Gérard（1770-1837），帆布油画格罗斯和Gérard是雅克·路易斯·大卫画室里打打闹闹兄弟会的得意门生，在那里，激烈的友谊和竞争比比皆是，并为19世纪艺术的许多趋势奠定了基础。格罗斯可能是在他的朋友Gérard 1790年去罗马学习之前在巴黎创作了这幅敏感而精致的肖像画。其生动的表面纹理和亲密共享格罗斯的较小，当代自画像。尽管后来他们的友谊出现了裂痕，Gérard在他的余生中一直保存着他的肖像。 雅克·路易·大卫·弗伦奇，巴黎1748-1825布鲁塞尔1787年苏格拉底之死帆布油画在这幅法国大革命前新古典主义绘画的里程碑中，大卫用稀疏的中楣构图讲述了一个反抗不公正权威的经典故事。希腊哲学家苏格拉底（公元前469-399年）被雅典法庭判定为不忠实；他没有放弃自己的信仰，而是心甘情愿地死去，在喝下有毒的毒芹之前阐述了灵魂的不朽。通过手势和表情，大卫的人物表现了苏格拉底生命的最后时刻。他正要抓住铁杯，由一个弟子不忍心目睹这一事件提供。大卫咨询了古物学者，创造了一个考古精确的图像，包括家具和衣服的细节。然而，他把柏拉图放在床脚，提到的不是苏格拉底死后在场的人，而是作者，他的文本斐多保存了这个古老的故事。 Elisabeth Louise VigéLe Brun French，巴黎（1755-1842年）格兰德（Grand）夫人（Noël Catherine Vorlée，1761-1835），1783年帆布油画格兰德夫人出生在印度本地治里附近的一个法国殖民家庭。当她因美貌和最终嫁给部长兼外交官塔列朗而声名鹊起时，崇拜者和批评者都把她的出身美化了，给她起了“印第安”的绰号。1783年，Vigée Le Brun在沙龙展出了十幅肖像画和三幅历史画，其中包括这张画，她的眼睛抬起，嘴唇张开，仿佛在唱歌。同年，Vigée Le Brun被接纳为法国皇家学院仅有的四名女性成员之一。 库尔贝法语，Ornans（ 1819-1877 ）La Tour-de-Peilz海浪中的女人，1868年油画1864年至1868年间，库尔贝创作了一系列女性裸体画。他不可能不见证亚历山大·卡巴内尔在1863年沙龙上的《维纳斯的诞生》的胜利，以及卡巴内尔的同仁们的类似作品的流行。在这里，库尔贝唤起了维纳斯的神话，维纳斯是出生在海里的女神，但狡猾地颠覆了传统，描绘了模特腋下的头发--现实主义的元素被她几乎可以触摸到的肉体质量放大了。 809画廊艺术家和模特对裸体模特的研究通常被称为学院，或法语académie，因为这样的绘画长期以来一直是艺术学校或学院的标准练习。这种练习使艺术家能够磨练他们的手艺的基本方面：一个姿势的轮廓，解剖建模，以及光影在皮肤上的传递。渲染身体是所有艺术家的基本技能，他们渴望从圣经、世俗历史和古代神话中描绘叙事或寓言场景，直到十九世纪，这些都是欧洲艺术中最重要的主题。在这些绘画中，身体往往是理想化的，这与艺术应该提升观赏者的信念是一致的。对雇来的模特的头部研究，对朋友和其他艺术家的非正式描绘，自画像和当代生活场景提供了更多的刻画和表达的机会。1864年，评论家泰奥菲尔·戈蒂埃写道：对人体形态的研究，不受限制，不受任何服装和短暂时尚的束缚，只有这样才能培养出完整的艺术家。它是真理、美丽和永恒。 库尔贝法语，Ornans 1819-1877 19世纪40年代早期对裸体男子的研究帆布油画这幅画被认为是年轻的库尔贝1839年抵达巴黎后不久画的，当时他跟随查尔斯·德·斯托本男爵（1788-1856）学习了几个月，然后在瑞士圣公会学习。在那个时代，取材于古代和圣经的主题处于既定学科等级的顶端，成功地渲染裸露的男性身体是艺术家形成的基准。库尔贝早期的作品很少幸存下来，这幅画的起源仍然不明。 库尔贝与女性裸体古斯塔夫·库尔贝喜欢流行和商业上的成功，但他也为自己引起争议，宣称自己是“法国最骄傲和最傲慢的人”库尔贝的画作描绘了19世纪五六十年代的女性裸体，身体细节，结婚戒指，揭示了模特是真实的女性，而不是传统的寓言、女神和女巫的理想化描绘。库尔贝热衷于直面女性裸体，不带矫揉造作或拘谨。这种坦率震惊了巴黎观众。 爱德华·马奈 1832-1883巴黎抽烟的女人。1878-80油画马奈从未展出过这幅画，也没有发现其原始标题或日期的记录。这部作品最有可能反映了当代对西班牙文化的迷恋，灵感可能来自乔治·比才的《卡门》，这部歌剧讲述了一个在卷烟厂工作的女人的故事，1875年在巴黎首演。她嘴里叼着一支香烟，一只手放在臀部，另一只胳膊的胳膊肘靠在背上，这是巴黎上流社会严格规范的礼节。埃德加·德加1896年买下这幅画。马奈把这个女人描绘成外面的人。 库尔贝法语，Ornans 1819-1877 Louis Gueymard（1822-1880）饰演Robert le Diable帆布油画这幅画在1857年的沙龙展出，描绘了男高音路易斯·盖马德最著名的部分，梅耶比尔歌剧《罗伯特·勒·迪布尔》的主角。故事背景是罗伯特在洞穴里和魔鬼的两个仆人掷骰子，而他的父亲伯特伦，一个邪恶的天才，在一旁看着。罗伯特在著名的咏叹调《黄金》中唱到了对黄金的欲望的危险（黄金只是一种幻觉）。库尔贝拒绝了许多同时代人青睐的历史化题材。但在这里，他对现在的题材披上了中世纪现代戏剧的外衣。 爱德华·马奈法语，1832-1883巴黎葬礼，1867年帆布油画马奈这幅未完成的画作被认为描绘了作家查尔斯·波德莱尔的葬礼，葬礼于1867年9月2日举行。艺术家，不像其他朋友谁还没有回来度假或远离由于威胁夏季风暴，是少数哀悼者在场。在巴黎西南部的穆夫塔德山脚下，贫瘠的葬礼cortège的景色被Val de Grâce、Panthéon、Saint-Etienne-du-Mont和Tour de Clovis的塔楼和圆顶轮廓所衬托。马奈生前一直保存着这张照片。1894年，卡米尔·毕沙罗买下了它，以换取自己的一幅风景画。 爱德华·马奈法语，1832-1883巴黎《与天使相伴的死基督》，1864年油画马奈确定了这幅画的来源，这幅画是几个宗教场景中的第一个，在岩石上的题词：圣约翰的福音。然而，在引用的经文中，基督的坟墓是空的，只有两个天使。1864年马奈把画布送到沙龙后，他意识到自己对文本做了更大的背离，描绘了基督的伤口在错误的一面。尽管查尔斯·波德莱尔警告说，他会“给恶意的人一些嘲笑的东西”，但艺术家并没有改正自己的错误。事实上，批评者谴责这幅画，尤其是基督苍白身体的现实主义。 格勒诺布尔（1836-1904年）女人肖像，1885年油画范廷妻子保存的笔记本上据说记录了这张照片的情况。模特自称勒罗伊夫人，艺术家怀疑这个名字是假的；她坚持要预先付钱给她的肖像。一位名叫贝克尔的美国人陪同她参加了一些会议，他还委托范汀给她画了一幅自己的肖像，日期是次年（马萨诸塞州北安普顿史密斯学院艺术博物馆）。这对夫妇的全部身份以及他们关系的性质仍然不得而知。 埃德加·德加（Edgar Degas，1834年7月19日—1917年9月27日），印象派重要画家。埃德加·德加法语，巴黎1834-1917巴黎坐在花瓶旁的女人（保罗·瓦尔平夫人？），1865年油画突出的花束和偏离中心的人物并列，心烦意乱地注视着右边，体现了德加在看似随意的生活片段中捕捉个人的目的。保姆可能是艺术家的同学保罗·瓦尔平（Paul Valpinçon）的妻子；德加非常喜欢去他们的乡间别墅Ménil-Hubert郊游，花束中的大丽花、紫苑和gaillardias建议夏末去看看。这幅画的前面是一个铅笔画的女人，日期也是1865年（福格博物馆，剑桥，麻萨诸塞州）。 亚历山大蒙彼利埃（1823-1889年）巴黎维纳斯的诞生，1875年油画卡巴内尔的《维纳斯的诞生》（巴黎的穆斯埃德奥赛）的第一个版本在1863年的沙龙上引起轰动，由于展出了大量迷人的裸体，沙龙被称为“维纳斯沙龙”。这张沙龙照片是拿破仑三世为个人收藏购买的。1875年，纽约人约翰沃尔夫委托现在，稍小，从卡巴内尔复制。构图体现了学术艺术的理想：神话题材、优美造型、柔滑笔触、完美形式。这种风格一直受到收藏家的欢迎，即使它受到艺术家的挑战，寻求对自然真理的更个人化的解释，如库尔贝。 806画廊罗马的诱惑正如一位艺术界内部人士在1825年所观察到的那样，只有在罗马，有抱负的艺术家才能恰当地“收集自然和艺术所采取的一切形式，这些形式将赋予他们的作品伟大和高贵的品格。”来自阿尔卑斯山以北的艺术家怀着应有的崇敬走近意大利半岛，通过他们对前人伟大人物的了解和记忆，筛选出真实的经验。例如，在风景画领域，研究广受赞赏的十七世纪法国人克劳德·洛兰和尼古拉斯·普桑，他们的整个职业生涯都在罗马度过，被广泛认为是欣赏城市及其周边地区废墟与自然美独特融合的先决条件。在永恒之城逗留的许多人都是由外国政府建立的学术团体赞助的。这些机构中最重要的是法国艺术学院，从1803年起位于美第奇别墅，年度罗马大奖赛的获奖者可以在那里提高他们的艺术培训。 赞美现实当古斯塔夫·库尔贝在1852年的沙龙里展出村里的年轻女士时，他颠覆了传统，用历史画的庄严和宏伟来处理一个具有纪念意义的日常主题。他对中产阶级乡村女孩的刻画给批评者留下了“琐碎、普通、恶毒”的印象，而这一幕巩固了库尔贝打破惯例挑衅者的名声。在描绘他的家乡弗朗什-孔泰和诺曼底海岸的风景和海景中，厚厚的impasto传达了触觉和粗糙的沙子，搅动的水和锯齿状的岩石。库尔贝的朴实与他同时代的查尔斯-弗朗索瓦·道比尼和约翰·巴特勒·琼金德的作品有相似之处，他们对法国的看法以惊人的简单而著称。罗莎·邦希尔（Rosa Bonheur）是她那个时代为数不多的女性“动物”画家之一，也是大都会博物馆绘画收藏中第一位在世的女艺术家。 库尔贝法语，Ornans 1819-1877 La Tour-de-Peilz带鹦鹉的女人，1866年油画当这幅画在1866年的沙龙展出时，一些评论家谴责库尔贝的“缺乏品味”以及他的模特“笨拙”的姿势和“蓬乱的头发”。库尔贝自己写道：“经过25年的斗争，我仍在战斗；今天我仍在做与一开始让整个官方世界反对我的一模一样的画……”这种煽动性的画受到年轻一代艺术家的青睐。同年，马奈开始了他的主题版本（89.21. 3）。塞尚的钱包里显然带着一张目前作品的小照片。 库尔贝法语，Ornans 1819-1877 La Tour-de-Peilz女人骑马的习惯（L'Amazone），加利福尼亚州帆布油画19世纪50年代末，艺术家兼评论家扎卡里·阿斯特鲁克（Zacharie Astruc，1833-1907）在库尔贝的工作室里首次观察到这幅骑马的女人（法语，amazone）。他没有提供保姆的姓名，她的身份也从未得到证实。艺术家玛丽·卡萨特称赞这幅画是“库尔贝有史以来最好的女人肖像”。女人骑马仍然是罕见的景象，女人在没有男人陪伴的情况下骑马被认为是可耻的。 库尔贝Ornans 1819-1877《乡村少女》，1851-52帆布油画这幅画开创了一系列关于女性生活的绘画，描绘了库尔贝的三个姐妹--泽利、朱丽叶和佐埃--在他的家乡奥尔南村附近的一个小山谷里散步。其中一个女孩向一个年轻的牛郎施舍。库尔贝对这幅作品寄予厚望，但当它在1852年沙龙展出时，评论家抨击它“无味拙劣”。他们斥责模特的共同特征和土气的服装，“可笑”的小狗和牛，以及整体缺乏统一性，包括传统的视角和尺度。 库尔贝Ornans （1819-1877 年）狩猎结束后帆布油画在风格、尺度和构图上，这幅作品强烈地类似于库尔贝的第一个狩猎场景--采石场，1857年在音乐厅（波士顿美术博物馆）取得的巨大成功。目前的画布的特点是包括一个穿着制服的仆人和各种各样的死猎物：野猪，鹧鸪，鹿和野兔，所有的表现方式让人想起十七世纪的佛兰德绘画。作为一个狂热的运动员，库尔贝最终用了大约八十幅照片来描述狩猎的主题。 库尔贝水龙卷，1870年帆布油画库尔贝于1865年或1866年在海峡沿岸的一个村庄Trouville首次目睹了水龙卷。这种戏剧性的现象，海上龙卷风，发生时，空气中的温差创造了一个旋转的风和水的螺旋。库尔贝在1866年首次绘制了这个主题（费城Muscum艺术）。这幅画的特点是特雷塔悬崖，还有第二个未注明日期的构图版本（第戎美术博物馆）。 查尔斯-弗朗索瓦·多比尼法国人，巴黎1817-1878小村庄帆布油画这幅宁静的晚景是根据1852年多比尼在奥普特沃兹绘制的图画创作的，奥普特沃兹是罗讷河谷的一个小镇，他在1849年首次访问了这个小镇。这幅画似乎是对所看到事物的直截了当的描述。然而，多比尼被认为牺牲了完成和细节，以灌输谦逊的主题与诗意的效果。这个视图所依据的草图之一也在大都会博物馆的收藏中。费城艺术博物馆收藏的一幅1857年的画作，展示了不同光线下的景色。 塞缪尔·帕尔默英国，伦敦1805-1881年萨里郡雷德希尔剪毛机，1833-34木材上的油和蛋彩画帕尔默田园诗般的乡村景色在很大程度上要归功于艺术家诗人威廉·布莱克（1757-1827）倡导的对自然的赞美。这幅画是帕尔默住在肯特郡肖勒姆村期间创作的，一幅光芒四射的风景包围着一群辛勤工作的剪羊毛工人：男人们在和羊摔跤，女人们在收集羊毛。根据帕尔默的儿子阿尔弗雷德的说法，在前景农具静物画中占主导地位的帽子是“我父亲最珍贵的财产之一，在当时的作品中反复出现。 约瑟夫·马洛德威廉·特纳英国人，1775-1851年伦敦威尼斯，从麦当娜的门廊致敬加州。1835帆布油画特纳利用他作为海洋画家的丰富经验和他作为水彩画家的高超技巧来创造这种景观，在这种景观中，威尼斯宫殿的地基通过微妙的反射融入泻湖的海水中。他的构图是基于1819年他第一次去威尼斯时的一幅相当轻微的铅笔画，但这幅画实际上是他1833年第二次去威尼斯的结果。1835年，他在伦敦皇家学院展出了这幅油画，广受赞誉。 瓦茨英国，（1800-1870）汉普斯特德在亨顿，米德尔塞克斯，老桥。1828画布油画作为约翰康斯特布尔的追随者，瓦茨作为园艺师广泛展出，但在1860年左右停止绘画。这件作品的地点亨顿是今天伦敦郊区的一部分，但在瓦茨的时代，它仍然是相当乡村的，吸引了画家们寻找乡村的景色。瓦茨的描绘是活跃的小，但细心描绘的人物：过路人在桥上，溪流中的涉禽，和狗在水边。这幅画被认为曾于1828年在伦敦皇家学院展出。 约翰康斯特布尔英国，东伯格霍尔特1776-1837汉普斯特德索尔兹伯里大教堂从主教的理由，加州。1825油画这幅画是对1826年的图画进行全面研究的，现在收藏在纽约弗里克收藏馆。后一幅画是为康斯特布尔的朋友、索尔兹伯里主教约翰·费舍尔完成的，他出现在两张画布的左下角。事实上，该委员会可以追溯到1822年；在创作构图的过程中，康斯特布尔打开了树冠，增加了晴朗的天空，形成了大教堂中世纪的尖顶，这在是英格兰是最高的。 挪威人，赫尔戈亚，Nes 1804-1887奥斯陆（克里斯蒂尼亚）月光下的北角，1848年油画巴尔克只在1832年访问过北角一次，但这次经历成为他余生想象力的试金石。黑暗的调色板和表现性的笔触在这个月光视图是巴尔克成熟的风格的特点，这与他的导师约翰克里斯蒂安达尔更克制的自然主义形成了鲜明的对比。1848年秋天，当这幅画（或另一个版本）在奥斯陆展出时，一位评论家写道，它“引起了我们的兴趣，无论是主题本身的性质，还是对所选择的时刻的奇特感知。”2019年庆祝博物馆150周年的礼物。 约翰·克里斯蒂安·达尔挪威人，卑尔根1788-1857年德累斯顿月光下的哥本哈根港，1846年油画自十九世纪初以来，在这个视图中描绘的海滨船舶和木材场被称为拉森Plads，或拉森的地方，以其创始人拉尔森。达尔在1816年首次绘制了这幅前景（海德堡Kurpfälzisches博物馆），但在目前的作品中，他将画布的尺寸扩大了一倍，省略了附带的细节，增强了它的大气效果。这个平静的场景，被构思为一个更狂野，自然的吊坠，提洛尔风景瀑布（1823年；私人收藏），在艺术家去世时仍未售出。2019年Christen Sveaas礼物，庆祝博物馆150周年 瓦茨英国，巴斯1800-1870汉普斯特德在亨顿，米德尔塞克斯，加州老桥。1828 画布油画作为约翰康斯特布尔的追随者，瓦茨作为园艺师广泛展出，但在1860年左右停止绘画。这件作品的地点亨顿是今天伦敦郊区的一部分，但在瓦茨的时代，它仍然是相当乡村的，吸引了画家们寻找乡村的景色。瓦茨的描绘是活跃的小，但细心描绘的人物：过路人在桥上，溪流中的涉禽，和狗在水边。这幅画被认为曾于1828年在伦敦皇家学院展出。 德语，莱比锡1789-1869德累斯顿哥特式窗户在奥宾修道院废墟帆布油画这座教堂建于1369年，1546年废弃，后来被德国浪漫主义艺术家视为主题。1820年8月，卡鲁斯来访，绘制了一幅画（Staatliche Kunstsammlungen Dresden），作为这幅画的研究。它描绘了一幅透过两扇窗户的远景--一扇在毁坏的唱诗班的两侧--朝向清晨苍白的天空和远处的山丘。在它的赤裸裸和黑暗与光明的对立，与小树提到生命的循环，图像邀请希望和冥想。 805画廊大自然写生十八世纪法国风景画家约瑟夫·韦尔内说：“最重要的是，尽可能多地从大自然中汲取营养：大自然是大师中的第一位。”这个画廊里的照片反映了户外绘画的实践，这种实践在1800年左右流行起来。艺术家们会携带他们的便携式画架和油漆盒走进大自然，捕捉他们对特定地点的印象。通常情况下，他们使用小比例的纸张作为支撑，快速草图，以跟上稍纵即逝的大气效果。这些素描的大部分目的是作为研究-非正式但有目的的练习，以训练眼睛和手。他们可能已经赞赏同行艺术家，但并不打算作为完成的艺术作品展出。相反，他们的自然主义将成为一个受欢迎的元素，更正式的绘画艺术家随后在他们的工作室生产。从19世纪20年代开始，对油画素描的欣赏在少数但越来越多的收藏家中传播开来，他们珍视油画素描的自发性和即时性。近半个世纪过去了，印象派画家才在雄心勃勃的全面绘画中融入这些特征。 约瑟夫赖特（德比赖特）英国德比1734-1797维吉尔的坟墓在月光下，与Silius Italicus慷慨陈词，1779年帆布油画赖特描绘了一个长期以来一直是那不勒斯游客热门目的地的景点。事实上，他可以合理地期待1779年在皇家学院看过这幅画的伦敦人会认出《埃涅阿斯纪》的作者维吉尔（公元前70-19年）的坟墓。也许更隐晦的是这个人物，西利乌斯·伊塔利克斯，罗马演说家，每年都在墓中大声朗读他的诗句来纪念这位伟大诗人的忌日。作为对死亡的沉思，赖特恰当地对比了灯笼闪烁的光芒和洒满大地的银色月光。 奥地利人1768-1839年罗马彩虹英雄风景画，1824年油画受过古典训练的画家约瑟夫·安东·科赫是十九世纪初访问罗马的许多德语艺术家的父亲。他更新了由十七世纪法国大师克劳德·洛兰和尼古拉斯·普桑确立的英雄风景画流派。科赫的名声建立在这幅标志性的图像上，他称之为“希腊风景”，这是他1805年首次绘制的一幅作品的第四个也是最后一个版本。 法语，巴黎1767-1842巴黎古典人物风景画，1803年木质油画在这幅田园风光中，Bertin使用了聚集在右下角一位年长诗人周围的人物，既生动了景观，又唤起了古典古代的黄金时代。他理想化的自然观非常像十七世纪活跃在罗马的法国艺术家，特别是克劳德·洛兰。十八世纪末，像这样的绘画被贝尔丁的老师皮埃尔-亨利·德·瓦朗谢讷带入时尚，并成为贝尔丁学生的试金石，尤其是阿奇尔-埃特纳·米哈尔隆和卡米尔·柯罗。 François Marius Granet法语，普罗旺斯艾克斯1775-1849普罗旺斯艾克斯圣罗科桥和瀑布，蒂沃利帆布油画这幅画完美地诠释了格拉内作为罗马小景观大师的成就。圣罗科桥的拱门为精心组织的瞥见阿涅河疾驰穿过山顶村庄蒂沃利，罗马以东有半天的车程。这是一幅为私人收藏家准备的成品画。它是在Granet的工作室里根据一幅油画素描（Musée Granet，普罗旺斯艾克斯）创作的，这幅画是在现场户外完成的。格拉奈是雅克-路易·大卫的学生，1802年首次访问意大利，第二年回国，一直呆到1824年。 兰斯洛特·Théodore Turpin de CrisséFrench，巴黎1782-1859巴黎从罗马斗兽场看到的君士坦丁拱门，1818-38油画在纸上，放在帆布上特平·德·克里斯被认为是在1818年第二次罗马之旅中开始了这种建筑观，并在随后的1838年完成了这一建筑观。他敏锐的眼光对如画的构图和他完美的精确性可以与那个时期领先的历史画家和肖像画家J. A. D.英格尔的作品相媲美，英格尔是他的密友。特平的才华和他对保皇党的同情结合在一起，巩固了他在1815年波旁王朝复辟后的成功。Thaw收藏，由大都会艺术博物馆和摩根图书馆和博物馆共同拥。 约翰·克里斯蒂安·达尔挪威人，卑尔根1788-1857年德累斯顿维苏威火山喷发，1824年帆布油画达尔在1820年圣诞节前访问了维苏威火山，近距离目睹了它的喷发。他立即绘制了一幅油画草图（哥本哈根昆斯特的斯塔滕斯博物馆），作为目前这幅画的基础，四年后为克里斯蒂安·弗雷德里克王子，也就是后来的丹麦国王克里斯蒂安八世完成。自从十八世纪中叶庞贝古城被重新发现以来，维苏威火山一直吸引着艺术家和著名的游客，它提供了一种崇高的视野，与新古典主义的简朴相对应。2019年庆祝博物馆150周年的礼物 卡斯帕大卫弗里德里希德国人，格赖夫斯瓦尔德1774-1840德累斯顿两个人凝视着月亮帆布油画这两个人物从后面看，使观众可以参与他们与自然的交流。他们被确认为弗里德里希（右）和他的朋友兼弟子奥古斯特·海因里希（1794-1822）。德国浪漫主义者对月亮的迷恋高涨，他们把月亮的主题视为虔诚沉思的对象。这是弗里德里希最著名的作品之一的第三个版本，其中第一个是在海因里希在世时绘制的（1819年；Gemäldegalerie，德累斯顿），第二个是在他去世后不久绘制的（ca）。1824年；Alte Nationalgalerie，柏林）。 莱昂共和国比利时，布鲁塞尔1856-1940三姐妹，1896年帆布油画19世纪90年代，费雷里克描绘比利时贫苦工人和农民的画作以其直率和引人注目的强度而闻名。在这里，削土豆皮的单调活动被女孩们鲜艳的红色连衣裙和闪闪发光的红金色和金色头发所活跃。他们低垂的眼睛和平静的表情让人想起十六世纪佛兰德艺术中年轻圣母玛利亚的形象，德雷斯非常欣赏。除了这幅画的标题外，我们对这对姐妹一无所知；其中最大的两个姐妹出奇地相像，似乎是双胞胎。 史蒂文斯比利时，布鲁塞尔1823-1906巴黎在工作室，1888年帆布油画这个艺术家工作室的场景象征着史蒂文斯作为迷人女性画家的声誉。画架上有一幅正在进行中的画，让人想起他自己描绘的圣经妖妇萨洛梅（Musées Royaux des Beaux-Arts de Belgique，uberlus）。《画室》的主人公与男性主导的法国艺术界形成了对立。在本世纪的大部分时间里，道德主义的态度阻止女性学习裸体模特，使她们几乎不可能从事雄心勃勃的人物形象题材。史蒂文斯，然而，鼓励了几位女性的职业生涯，特别是雕塑家和女演员莎拉·伯恩哈特（1844-1923). 史蒂文斯的《萨洛梅》灵感来自亨利·雷格诺的同一主题画作（现藏于804画廊）。 布格罗法语，拉罗谢尔1825-1905年年轻的母亲凝视着她的孩子，1871年油画布格罗着眼于国际市场而描绘的众多人物中，这位穿着风景如画的溺爱母亲和她天使般的后代就是其中的两个。这幅作品在主题和构图上与《布列塔尼兄妹》（同样是1871年的作品）高度相似，而且这两幅作品都被纽约收藏家买走了--这证明了艺术家的“公主打扮成挤奶女工”的场景在美国的受欢迎程度。 法语，达姆维勒1848-1884巴黎圣女贞德，1879年帆布油画圣女贞德，中世纪来自法国洛林省的少女烈士，在普法战争（1870-71）后法国割让部分领土给德意志帝国时，作为爱国象征获得了新的地位。巴斯蒂恩-勒佩奇，洛林本地人，描绘了圣徒迈克尔，玛格丽特和凯瑟琳出现在她父母的花园里的农村女孩，唤醒她在百年战争中抗击英国侵略者的时刻。1880年沙龙的评论家赞扬了Bastien-Lepage用姿势和面部表情来传达琼的精神觉醒，但发现圣徒的加入与他的自然主义风格不符。 帕斯卡-阿道夫-Jean Dagnan-Bouveret French，巴黎1852-1929昆西布列塔尼的赦免，1886年帆布油画像他同时代的许多人一样，达格南-布弗雷特着迷于法国北部布列塔尼的宗教习俗。在这个场景中，穿着传统地域服饰的忏悔者庄严地绕过教堂。有些人赤脚或下跪以示悔恨。画布背面附有注释的图画表明画家的妻子为前景中的年轻女子摆姿势。当这幅画在1887年的沙龙和1889年的巴黎世界博览会上展出时，评论家们称赞它的准确性--这并不奇怪，因为达格南-布弗雷特用照片来辅助他的工作。 挪威，奥斯陆（克里斯蒂尼亚）1847-1906荷兰Volendam皮奎尼，1899年帆布油画他对法国北部河流和小路的描绘获得了巨大的成功。这幅油画描绘了索姆河上亚眠附近的皮奎尼村庄，1899年深秋，挪威画家在那里工作了几个星期。构图采用向下的有利位置，强调旋涡的水及其不断变化的颜色、反射和照明。Thaulow的旅行是他雄心勃勃的专业日程的一部分，包括和他的朋友Monet的夏季展览，威尼斯的长期旅行，以及作为挪威的专员参加1900年在他的家乡巴黎举行的世界博览会。 827画廊创始品味：沙龙绘画在十九世纪的大部分时间里，法国的艺术界由著名的国家机构主导，如美术协会及其一年一度的评审展览，即众所周知的巴黎沙龙。Académie提倡理想化的意象和流畅、质朴的技法，在威廉-阿道夫·布格罗的作品中可见一斑。现在被称为学院派绘画或沙龙绘画，这种风格反映了艺术中保守的审美和道德标准。然而，许多画家走了一条不那么正统的道路，将传统的方法与闪烁的笔触、大胆的色彩和更大胆的同事开创的现代题材结合起来。虽然艺术家们可能会对沙龙绘画的限制感到恼火，但它很受欢迎，有利可图。大都会博物馆的第一位女性捐赠者凯瑟琳·洛瑞拉德·沃尔夫等美国收藏家摆满了他们的家，很快博物馆里就摆满了布格罗和他同时代人的时尚照片。即使收藏品在风格上变得更加进步，早期赞助人获得的艺术品仍然保留了他们的共鸣，作为美国内战后所谓镀金时代流行品味和愿望的典范。 克里姆特奥地利，鲍姆加滕1862-1918年维也纳帆布油画Mäda Primavesi的表情和姿势对于一个九岁的女孩来说，表达了非凡的自信，即使她自己说，她是一个任性的假小子。克里姆特为这幅肖像画做了许多初步的草图，尝试了不同的姿势、服装和背景，然后决定表现梅达穿着特制的礼服，在大量弹簧般的图案中昂首挺胸地站着。这幅画证明了她的父母，银行家和实业家奥托普里马维斯和他的妻子尤金妮娅的复杂品味，他们是进步的维也纳艺术和设计的热心支持者。事实上，克里姆特很快就画了尤金妮娅的肖像（日本丰田市立美术馆）。这幅画1938年在维也纳被纳粹从珍妮·普利策·斯坦纳手中缴获，1950年归还她。安德烈和克拉拉·默滕斯的礼物，纪念她的母亲珍妮·普利策·斯坦纳，1964年 1874-1960年维也纳少年吹笛子，1912帆布油画这幅是勒夫勒最重要的画作，揭示了他对古典主义的热情，从戴着花环的青年和披着衣服的女侍从，到他们脚下的花瓶，描绘了希腊未驯服的大自然之神潘演奏双笛的情景。扁平、程式化的构图和女性斗篷上大胆的图案反映了Löffler作为奥地利尖端艺术家协会Wiener Werkstätte设计师的作品。Eduard Ast是该组织的主要赞助人，他得到了这幅画布，并把它挂在他在维也纳新建别墅的餐厅里，对面是Gustav Klimt的神话女主角Danaë（1907-8，私人收藏）的画作。 毕加索西班牙文，1881-1973年帆布油画 毕加索西班牙文，1881-1973年1903年油画《女人头像》（左上）：毕加索阿德莱德·米尔顿·德·格鲁特小姐的遗赠（1876-1967），1967年 毕加索西班牙文，1881-1973年《白衣女子》，1923年油画帆布上签名（右下）：毕加索《白衣女子》被认为是毕加索新古典主义时期的代表作，该时期从1918年持续到1925年左右，与他为俄罗斯经理谢尔盖·迪亚吉列夫的作品以及他与奥尔加·霍赫洛娃的婚姻不谋而合。购买，罗杰斯基金，1951年；从现代艺术博物馆购得，莉莉·P·布利斯收藏。 爱德华法语，1868-1940沃克雷森的花园，1920年；1926年返工，画布上的蛋彩画签名（左下）：E. Vuillard这幅画开始于1920年，在Vaucresson，巴黎西部的一个住宅区，Vuillard的朋友Lucy和Josse（Jos）Hessel最近购买了背景中描绘的房子。乔斯是伯恩海姆-琼艺术公司的合伙人，1912年成为维亚尔的经销商。他的妻子是维亚尔的挚爱之一，他们的关系持续了三十多年，直到1940年这位艺术家去世。站在右边的穿着家庭装的女人是露西的表弟马塞勒·阿伦。露西跪在她对面，左边，被一朵大玫瑰丛伪装着，玫瑰丛作为前景的装饰屏风。 皮埃尔·博纳尔法语，1867-1947克劳德·泰拉斯一家，1899年帆布油画 皮埃尔·博纳尔法语，1867-1947与含羞草的女人，1924年帆布油画签名（右下）：博纳尔 克里姆特奥地利鲍姆加滕 1862-1918 维也纳帆布油画美丽而时尚的Serena Pulitzer Lederer是世纪之交维也纳社会的明星。克里姆特受丈夫、实业家奥古斯特·莱德尔委托创作了这幅肖像画，她用柔和蜿蜒的笔触将小威描绘成白色的幻影。1901年，当这幅画在维也纳分离协会第十届展览会上展出时，一位评论家兴奋地说：“一朵直立的花，长茎……像一朵黑色的郁金香。”维也纳分离协会是克里姆特和其他艺术家四年前创立的一个团体，目的是让这座城市走在国际艺术界的前列。 亨利·马蒂斯（Henri Matisse，1869-1954年），法国著名画家、雕塑家、版画家，野兽派创始人和主要代表人物。 亨利·马蒂斯（Henri Matisse，1869-1954年）法国著名画家、雕塑家、版画家，野兽派创始人和主要代表人物Laurette身穿绿色长袍，黑色背景，1916年帆布油画 马蒂斯法语，1869-1954黑色天鹅绒丝带玛格丽特，1916年木材油画玛格丽特·埃米莉安·马蒂斯（1894-1982）是这位艺术家的长子，是他的女友兼模特卡米尔·若勃劳的女儿。由于身体状况不佳，玛格丽特只有六岁时就出现了急性呼吸问题，不得不进行紧急气管切开手术。这幅画在大都会博物馆收藏玛格丽特戴着一顶帽子（2002.456.15），她经常用黑色天鹅绒丝带系在脖子上掩盖伤疤。 马蒂斯法语，1869-1954旱金莲与油画“舞蹈”I，帆布油画马蒂斯对他的工作室的陈述经常包括对其他艺术品的瞥见。在这里，他描绘了他的大型画布，舞蹈I（1909年，纽约现代艺术博物馆）的左半边。前景中精心布置的家具将画面空间拉平。三脚架雕塑的后腿似乎休息在它后面的画的草地上。类似地，左边角落的椅子被放置，使其背部的上横档在画布上延伸出一条水平的紫色条纹。在这幅作品的一个简单版本（普希金博物馆，莫斯科）中，这条条纹表示舞蹈I和工作室地板之间可见的墙的区域。 亨利·马蒂斯。法语，1869-1954三色堇。1903年纸上的油画琼·惠特尼·佩森的遗赠，1975年1903年，马蒂斯从巴黎的一家旧服装店买了一段蓝白棉布。织物几乎立即出现在马蒂斯的绘画作为一个相对自然主义的桌布或壁挂。在这十年的后期，马蒂斯操纵图案，以平坦的形式，凌驾于透视之上，并增加了运动感到他的作品（静物与蓝色桌布，1909年，国家冬宫博物馆，圣彼得堡）。在这幅画中，织物--印有花环和花篮的重复图案--淹没了新鲜的三色堇和康乃馨的小束。 亨利·马蒂斯·弗伦奇，1869-1954宫女座，1926年帆布油画 826号画廊塞尚保罗·塞尚在他那个时代的所有主要艺术运动中都留下了自己的印记，对下一代的指导性影响无与伦比。他早期的肖像画，浓密的黑暗色调，结合了浪漫主义的强度和库尔贝和马奈的自信。随着19世纪70年代印象派的出现，塞尚重新适应了光和色彩的游戏，但在他的作品中，印象派画家钟爱的短暂感觉让位于对自然结构和几何形状的探索性研究。他发展了一种独特的绘画风格，使用调制色彩的“建设性”笔触，而不是线条和阴影，来探索从19世纪80年代起就萦绕在他心头的主题：普罗旺斯艾克斯及其周围的棱镜风景；空间复杂的静物画；以及人物，从肖像画到裸体沐浴者和流派场景，其中不断变化的色调与坐者形象的坚实纪念性相映成趣。伦敦大都会博物馆在1913年成为头条新闻，从历史悠久的军械库中购买了第一个进入美国博物馆的塞尚作品，圣约瑟夫庄园。 保罗·塞尚·弗兰西斯，普罗旺斯艾克斯1839-1906年姜罐和茄子的静物，帆布油画对于这个居高临下的静物，其丰富的编排重叠的形状，图案，颜色和纹理的发挥，塞尚依靠库存的熟悉的对象。例如，rafia绳纹姜罐在十几篇作品中都有出现，其中三篇可以追溯到19世纪90年代早期。 保罗·塞尚法语，普罗旺斯地区艾克斯1839-1906年塞尚夫人（霍坦丝·菲奎特，1850-1922），音乐学院，1891年画布油画霍坦丝·菲奎特，前艺术家模特，大约在1869年与塞尚相识；1872年，也就是结婚前14年，他们育有一子。这幅画是霍坦斯创作的二十多幅作品中的一幅，背景是艾克斯附近塞尚家族庄园Jas de Bouffan的温室。未完成的画布揭示了塞尚的工作方法。他把塞尚夫人精心塑造的头像稍稍偏离中心，放在一棵郁郁葱葱的树和一棵细长的植物之间，然后继续建立金字塔构图的其余部分…。 保罗·塞尚法语，普罗旺斯地区艾克斯1839-1906年普罗旺斯地区艾克斯渔民（奇妙的场景），加州。1875帆布油画评论家乔治·里维埃在1877年印象派画展上赞赏这幅画，他写道：这幅画惊人的雄伟和异常的平静。这幅渔夫和穿着优雅的婴儿车沿着阳光明媚的海岸的合成图像源自马奈和莫奈19世纪60年代的户外休闲绘画，并让人回想起塞尚在威尼斯画家乔尔乔内、提香和委罗内塞作品中所推崇的田园原型。 825画廊梵高，高更，还有修拉通常被称为后印象派，这个画廊展出的艺术家们从印象派出发，发展了个人的表现形式，开辟了一系列新的绘画可能性，从乔治·修拉严格的分裂（点彩）技术到文森特·梵高的画笔的表达神韵。与保罗塞尚，他们试图注入艺术与更大的重量和实质，依靠色彩，线条和形式来提取，加强，或中止视觉现实。修拉的方法吸引了法国和比利时的追随者，并在保罗·西格纳克身上找到了最伟大的支持者。保罗·高更在布列塔尼和巴黎的艺术家同伴中培养了“门徒”，然后起航去塔希提岛和马克萨斯群岛寻找“神秘的思想中心”--这些地方是他通过法国殖民势力和欧洲的棱镜接近的地方异国天堂的幻想。梵高在荷兰站稳了脚跟，在法国大踏步前进，正如他所说，在法国，我没有“试图准确地描绘我眼前的东西，而是更武断地使用色彩，以便有力地表达自己。” 保罗·高更（Paul Gauguin，1848—1903年）法国后印象派画家、雕塑家法国，巴黎，1848-1903年，马克萨斯群岛加州布列塔尼的一个农场帆布油画在他职业生涯的早期，高更就被法国西北部相对偏远和未遭破坏的布列塔尼地形所吸引。布列塔尼文化，注入其异教徒凯尔特过去的遗迹，呼吁他的原始和异国情调的品味。艺术家被认为是在1894年第五次也是最后一次访问该地区时创作了这幅作品。笔触回忆起高更早期的印象派绘画，而调色板唤起他的塔希提绘画。 亨利·卢梭（le Douanier）法语，拉瓦尔1844-1910巴黎狮子的晚餐。1907年油画这幅作品可能在1907年的沙龙上展出过，但它处理的主题是卢梭在1891年的《惊奇！》（伦敦国家美术馆）中首次探讨的。他在巴黎植物园的研究中，将他的许多丛林图片中的异国情调的植被作为基础，并从流行的民族志期刊和儿童读物中改编了野生动物。卢梭的绰号“le Douanier”来源于他作为海关官员的工作。 亨利·卢梭（le Douanier）法语，拉瓦尔1844-1910巴黎加州比格特附近的比耶夫尔河岸帆布油画卢梭在一张手写的便条中确定了这幅画的主题，便条贴在浮雕上，日期为1909年，这一年他将这幅画委托给经销商安布罗斯·沃尔拉德（Ambroise Vollard）出售。这个场景描绘了Bicêtre周围的风景，Bicêtre是巴黎南部边缘的一个工人阶级社区，靠近Bièvre河（现在被埋在地下，因为它穿过城市）。在卢梭的时代，水道被严重污染，但某些地方仍然可以看到风景如画的景色，左边绿树成荫的小路上穿着农民服装的人，以及背景中17世纪的aqueduc d'Arcueil的一瞥就说明了这一点。 乔治·修拉法语，巴黎1859-1891巴黎马戏团杂耍（马戏团游行），1887-88画布油画1888年，修拉在沙龙上展示了他技术的多才多艺，他展出了马戏团杂耍，一个人造灯光下的夜间户外场景，以及一个室内日光场景模型（费城巴恩斯基金会）。这是修拉的第一幅夜间绘画，也是他第一次描绘大众娱乐。它代表了1887年春天在巴黎民族广场附近成立的科尔维马戏团的游行，或杂耍表演。街上免费举行杂耍表演，吸引路人买票。最右边的旁观者在通往票房的楼梯上排队。 文森特·梵高荷兰，Zundert 1853-1890自画像 文森特·梵高荷兰，Zundert 1853-1890 Auvers-sur-Oise第二步，小米之后，1890年帆布油画1889-90年秋季和冬季，梵高在圣雷米精神病院自愿接受治疗时，模仿他非常崇拜的艺术家小米画了21幅复制品。他认为他的拷贝是“翻译”，类似于音乐家对作曲家作品的诠释，他让黑白图像--无论是印刷品、复制品，还是他的兄弟西奥寄来的照片--摆好姿势在这幅1890年1月的作品中，梵高摆好了一张小米迈出第一步的照片，并将其转移到画布上。 文森特·梵高荷兰，Zundert 1853-1890 Auvers-sur-Oise鸢尾花，1890年帆布油画1890年5月，就在梵高出院前，他画了四束鲜艳的春花，唯一的一幅静止画。在他一年的逗留期间，他所追求的任何野心的生活：两朵鸢尾花，两朵玫瑰，对比鲜明的配色方案和格式。在博物馆的鸢尾花中，他把“紫罗兰色”的花放在“粉红色的背景”上，以寻求一种“和谐而柔和”的效果。该系列的另一幅作品《玫瑰》（1993.400.5）挂在相邻画廊。这两件藏品一直归艺术家的母亲所有，直到1907年去世。 文森特·梵高 文森特·梵高荷兰，Zundert 1853-1890 Auvers-sur-Oise《开花的果园》，1888年帆布油画1888年阿尔勒的春天到来，梵高“急不可耐地工作”。他在给弟弟西奥的信中写道：“树木开花了，我想画一幅充满欢乐的果园。”3月底至4月底，梵高为这一主题创作了14幅油画，作品尺寸、格式和风格多种多样。这幅由萌芽的树枝棱角分明、拉长的构图，证明了梵高对日本版画的赞赏。他的镰刀和耙子的加入，使这幅仅有的两幅果园画之一暗示了人类的存在。 文森特·梵高 文森特·梵高荷兰，Zundert 1853-1890 Auvers-sur-Oise在壁炉旁做饭的农妇，1885年帆布油画这幅画创作于1885年春末的纽南，就在梵高完成了《吃土豆的人》（梵高博物馆，阿姆斯特丹）之后，同样的深色色调让艺术家想起了“绿色肥皂”或“一个真正布满灰尘的土豆，当然没有剥皮。”梵高“深信，从长远来看，描绘农民的粗糙比引入传统的甜味会产生更好的效果……如果一幅农民画熏肉、烟熏、土豆蒸气的味道--很好--这并不不健康--如果马厩有粪便的味道--很好，这就是马厩的用处。 文森特·梵高荷兰，Zundert 1853-1890 Auvers-sur-Oise向日葵，1887年帆布油画梵高1887年夏末在巴黎画了四幅《向日葵》静物画。这幅画有一幅油画素描（梵高博物馆，阿姆斯特丹），还有另一幅画着两朵向日葵的油画，落款日期也是1887年（伯尔尼美术馆），还有一幅更大的油画，画着四个向日葵头（Kröller-Müller博物馆，奥特罗）。保罗·高更得到了这两件较小的作品，直到19世纪90年代中期，当他卖掉了自己最珍贵的财产来资助他的南海航行时，这两件作品一直占据着他巴黎公寓床头上方最显眼的位置。罗杰斯基金，1949年 保罗·西格纳克法语，巴黎1863-1935巴黎卡西斯码头，作品198，1889年帆布油画1887年至1891年间，西格纳克在温暖的几个月里去海滨度假胜地旅行，追求他的两项爱好：海洋绘画和划船。1889年4月至6月，这幅作品是在地中海港口卡西斯旅行期间拍摄的五幅作品之一。在卡西斯，西格纳克发现“白色、蓝色和橙色，和谐地散布在这片土地美丽的起伏上。直到1894年，他通过在每张照片上刻上作品编号，唤起了与音乐作品的类比。