维也纳旅游：博物馆 1 - 艺术史博物馆

嫒子

维也纳艺术史博物馆（The Kunsthistorisches Museum Wien）：维也纳最大的艺术博物馆，是世界上藏品最丰富的美术和装饰艺术博物馆之一。位于维也纳戒指路（the Vienna Ring Road）旁的富丽堂皇大楼内，隔玛丽亚·特蕾莎广场（Maria-Theresien-Platz）与自然史博物馆（the Natural History Museum）相对。两座博物馆建筑是奥匈帝国皇帝弗朗茨·约瑟夫一世（Emperor Franz Joseph I）即茜茜公主丈夫，为了哈布斯堡王朝丰富的收藏品找到一个合适的地点，并且能够对公众开放而命令修建的。它们由建筑师戈特弗里德·森佩尔（Gottfried Semper）和卡尔·哈斯瑙尔（ Karl von Hasenauer）设计，兴建于1872-1891年。建筑呈长方形，具有对称的文艺复兴风格砂岩立面，主楼层设有大拱形窗户，顶部有60米高的八角形圆顶。两座建筑拥有相同的外表，只是前面的雕塑有所区别。自然史博物馆前装饰着当时奥地利科学界已知的各个大洲非洲、亚洲、欧洲和美洲人格化雕像，而艺术史博物馆前则装饰着欧洲著名艺术家雕塑，其中有荷兰画家老彼得·勃鲁盖尔（Pieter Bruegel de Oude）的雕像。1891年，两座博物馆同时开幕。

玛丽亚·特蕾莎广场（Maria-Theresien-Platz）：维也纳的一个大型公共广场。自然史博物馆和艺术史博物馆位于广场两侧。广场中央矗立着玛丽亚·特蕾莎纪念碑（the Maria-Theresia Memorial），这是一座描绘玛丽亚·特蕾莎皇后（Empress Maria Theresa）的大型雕像，广场因她而得名。

玛丽亚·特蕾莎广场（Maria-Theresien-Platz）和自然史博物馆（Naturhistorisches Museum）

自然史博物馆（Naturhistorisches Museum）：维也纳的一座大型自然历史博物馆，世界级的重要博物馆之一。

玛丽亚·特蕾莎纪念碑（the Maria-Theresia Memorial）：奥地利女大公、神圣罗马帝国皇后玛丽亚·特蕾莎（Maria Theresia）的大型青铜雕塑，是维也纳哈布斯堡王朝最重要的纪念碑之一，为了纪念 1740 - 1780 年统治哈布斯堡王朝的皇后玛利亚·特蕾莎而塑造。纪念碑矗立于玛丽亚·特蕾莎广场中央，位于艺术史博物馆和自然历史博物馆之间。

玛丽亚·特蕾莎坐在雕塑中央的宝座上，左手握着权杖和《国事诏书》（the Pragmatic Sanction），这是一项国家和宪法条约，使她作为一名女性能够统治哈布斯堡王朝的世袭土地和匈牙利。右手向人民致意。四位女性人物坐在宝座周围的檐口上，象征着正义、力量、和善和智慧这四种基本美德。基座的四面各有一个带浮雕的拱形区域，拱形区域前面是一座主题背景下的独立雕像，他们是皇后的顾问及行政、军事、科学与艺术人士。在纪念碑的对角线上，有四位玛利亚·特蕾莎时代的陆军元帅的骑马雕像。

玛丽亚·特蕾莎：哈布斯堡家族史上唯一女性统治者，也是哈布斯堡王朝直系血脉最后一位统治者，统治时间自1740 年起直至 1780 年去世40年，统治范围覆盖奥地利、匈牙利王国、克罗地亚、波希米亚、特兰西瓦尼亚、曼托瓦、米兰、加利西亚和洛多梅里亚及帕尔马。通过婚姻，其为洛林公爵夫人、托斯卡纳大公夫人及神圣罗马皇后奥地利的玛丽亚·特蕾莎。玛丽亚·特蕾莎具有惊人的治国天分，在统治方面即仁爱又严厉。她爱民如子，深受子民的尊重和爱戴，有“奥地利国母”之称。玛丽亚·特蕾莎是神圣罗马帝国皇帝、哈布斯堡家族的查理六世和皇后的第二个也是在世的最大的孩子。由于查理六世没有男性继承人，而神圣罗马帝国的皇位不能由女性继承，于是他发布《1713年国事诏书》（Pragmatic Sanction of 1713）以确保他的女儿玛丽亚·特蕾莎的继承权，他迫使德意志诸侯们在《国事诏书》上签字，但这份诏书对诸侯们缺乏约束力。1740年查理六世去世，玛丽亚·特蕾莎依照诏书的规定成为奥地利首位女大公，诸侯们群起而攻之，引发长达九年的奥地利王位继承战争。战后，玛丽亚·特蕾莎对哈布斯堡王朝领地的继承得到确认。同时确保了玛丽亚·特蕾莎的丈夫弗朗茨一世（Franz I）当选为神圣罗马皇帝，实际上玛丽亚·特蕾莎行使神圣罗马皇帝部分权力。玛丽亚·特蕾莎与其夫共育有十六名子女，其中最有名的是她的小女儿、法国国王路易十六的王后玛丽·安托瓦奈特（Marie-Antoinette）。在法国大革命时期，她被送上断头台。

《法国皇后玛丽·安托瓦奈特大公爵夫人肖像》（Archduchess Marie-Antoinette，Queen of France）：1778 年，由18世纪后期法国杰出女画家伊丽莎白·维热·勒布伦（Élisabeth Vigée Le Brun）创作的法国皇后玛丽·安托瓦奈特（Marie-Antoinette）肖像画，现藏于艺术史博物馆。画面中她身穿英式礼服，头发盘成精致的造型。路易十六的半身像位于右上角。这幅画原本是玛丽·安托瓦奈特送给母亲奥地利皇后玛丽亚·特蕾莎的。她的母亲说：“我很喜欢你的大肖像！”，并将这幅画陈列在霍夫堡宫（the Hofburg Palace）。

玛丽·安托瓦奈特是法国大革命推翻君主制前法国最后一位皇后，神圣罗马帝国皇帝弗朗茨一世（Franz I）和奥地利皇后玛丽亚·特蕾莎（Maria Theresa）最小的女儿。1770年嫁给了法王路易十六成为法国皇后。由于玛丽·安托瓦奈特过着奢侈的生活，并且在日益恶化的金融危机、粮食短缺和日益增多的骚乱期间对人民的挣扎漠不关心，导致她的公众形象恶化，获得了“赤字夫人”的绰号。在法国大革命期间，被革命法庭判定叛国罪，1793年在革命广场上被斩首。关于玛丽·安托瓦奈特的生平和统治，历史上有过许多争论。她既被描绘成命运的受害者，又被描绘成贵族奢侈的代表。她的影响在法国历史上经久不衰，代表着奢侈与不公平、君主制与革命之间的紧张关系。

艺术史博物馆建筑内部：装饰华丽，有大理石，灰泥纹饰，金箔，和壁画。

艺术史博物馆主楼梯（the Main Staircase）

博物馆主楼梯（the Main Staircase）：

大楼梯上展示着古斯塔夫·克里姆特（Gustav Klimt）及他的弟弟恩斯特·克里姆特（Ernst Klimt）和弗朗茨·马奇（Franz Matsch）、汉斯·马卡特（Hans Makart）和米哈伊·蒙卡奇（Mihály Munkácsy）的画作。其中于1890-1891 年，28 岁的古斯塔夫·克里姆特（Gustav Klimt）创作了早期的十三幅画作，陈列在地面以上十二米的地方，装饰着博物馆主楼梯北墙柱子之间和拱廊上方的空间（上一张照片）。

新建的帝国美术博物馆即现为艺术史博物馆的管理委员会委托一群名为“艺术家公司”的年轻艺术家，为博物馆创作了一系列四十幅画作，所有作品都是在艺术​​家公司的公共工作室中以布面油画完成，并于1891 年，即博物馆正式开放前六个月，粘在主楼梯的墙上的。画作描绘了从古埃及到 18 世纪的不同时期的艺术。拟人化男性和女性，或只有女性，象征着不同风格的时期、地区或艺术中心。姿势、服装和选定的物品完美地反映了每个时期的典型风格和手工艺品。

《赞美文艺复兴》（Glorification of the Renaissance）：维也纳艺术史博物馆主楼梯的巨大天花板画。匈牙利画家米哈伊·蒙卡奇 (Mihály Munkácsy) 于1888 年创作。

《忒修斯击败半人马》（Theseus Defeats the Centaur）：1805-1819 年，由意大利新古典主义雕塑家安东尼奥·卡诺瓦 (Antonio Canova，1757-1822) 创作于罗马的大理石雕塑。雕塑由拿破仑委托为米兰的科尔索街（the Corso）建造，后来在拿破仑倒台后被皇帝弗朗茨一世（Emperor Franz I）收购。 1822-1823 年，该雕塑被带到维也纳，在人民公园专门建造的忒修斯神庙展出。随后于1891 年迁至此处。

在拉皮人（Lapiths）国王佩里苏斯（Perithous）的婚礼上，半人马（the Centaurs）试图绑架拉皮人的妻子，其中包括国王的新娘希波达米娅（Hippodamia）。 在雅典英雄忒修斯（Theseus）的帮助下，拉皮特人在战斗中战胜了半人马。在古希腊，人们将这个神话视为用人类理性征服动物本性的寓言。卡诺瓦（Canova）的纪念性雕塑也代表了这一思想，雕塑描绘忒修斯和半人马之间战斗的最后时刻。忒修斯用膝盖抵住半人马胸部，左手按住半人马喉咙，右手握着棍棒，准备击向敌人。半人马前蹄已经无法动弹，他试图将最后的力量集中在后蹄上，绝望地在地面上寻找着力点。为了更好地表达应变和肌肉收缩，卡诺瓦进行了大量的模型和解剖学研究。

博物馆中央圆顶大厅（the central Cupola Hall）

博物馆圆顶（Cupola of museum）

博物馆内咖啡厅

巴别塔（The Tower of Babel，Vienna）：荷兰和弗拉芒文艺复兴时期（Flemish Renaissance）的画家老彼得·勃鲁盖尔（ Pieter Bruegel the Elder）于1563年创作的一幅以圣经为题寓意深刻的木板油画，它由安特卫普银行家尼古拉斯·荣格林克 (Nicolaes Jonghelinck)委托绘制，是弗拉芒文艺复兴时期绘画的杰作。

巴别塔是一座具有深远历史和寓意的建筑，源于旧约《创世纪》(the Book of Genesis)第 11 章中的圣经故事。根据圣经的记载，在大洪水之后差不多二百年。当时诺亚（Noah）大约八百岁，儿孙已有数千之多。他们都说同一种语言，聚居在诺亚和儿子在洪水之后安顿下来的一带地区。随着人口增多，一部分人向东迁移，并“在示拿地（Shinar）遇见一片平原”，诺亚的曾孙宁录（Nimrod）好勇斗狠、性情强暴，他在这片平原上自封为王，成为人类历史上第一个统治者，在巴别（即巴比伦）附近建立了第一个政府。他总是跟上帝作对，上帝要人类“生养众多，遍满地面”，他却违背上帝的旨意，在这块平原上大兴土木，着手兴建一座城，并怂恿族人兴建一座塔即巴别塔，为了“传扬他的名”及“免得族人分散在全地上”，塔越修越高，变成一座高耸入云通天塔，塔达至天界，触怒了上帝。上帝对人类的傲慢和野心感到不满，为了制止他们，上帝使人类的语言变得纷繁复杂，以致他们无法有效地沟通，语言的混乱最终导致塔的建造被迫停止，也迫使人们分散到世界各地。这个故事经常被解读为一个关于人类野心、傲慢和不服从上帝旨意的警示故事，以及对人类语言多样性的神学解释。

巴别塔（The Tower of Babel，Vienna）：在这幅作品中展示了“巴别塔”正在建造的过程，画家将古代和罗马式建筑的元素融合在建筑外部的石质结构中。塔楼的部分建筑均为石砌，外墙覆盖着巨大的砖块，这是罗马建筑的典型技术，其中众多拱门和呈螺旋上升的结构，让人联想到罗马斗兽场（Colosseum），当时的基督徒认为罗马斗兽场是傲慢和迫害的象征。勃鲁盖尔以宏大的构图来描绘“巴别塔” ，在塔顶处用云彩拦腰截去一个顶部，并在云层上画了一个隐约可见的塔顶以显示通天塔之高。塔身坐落在海边，右角临海滩处还有停靠的船只，建筑物资由它们从水路运送，看似弗拉芒风格的港口（Flemish port）与巴别塔相比显得很小，但提供了透视效果。远处是密集的房屋，一片生机勃勃的景观，包括村庄、田野和专注于各种活动的人物。宁录国王（King Nimrod）和他的随从出现在画面左侧，国王正前方有一块石块，上面签名并注明日期“Brvegel. FE. M.CCCCC.LXIII”，意为“由勃鲁盖尔于1563绘制”。

画家凭细密画的技巧，描绘了众多有情节性的人物活动和建筑施工有关的细节，右边有一台巨大的起重机，蚂蚁般的工人正忙着将巨大的石板装上起重机，这些石板是从下面接来的，然后传递到更高的坡道上，其他人准备接收它们，一名工人爬上梯子，朝着那里走去。塔边许多人正将岩石变成建筑材料。在左边，部分立面已经部分完工，一名妇女进入其中一扇大门，一架梯子从上层窗户伸出。更远的地方，另一群工人正在屋顶上工作等等。在塔身每一层上都画着密集细小的建筑工人与建筑机械形象。以百科全书式的细节刻画了无数的技术和工艺流程。塔的拱门垂直于倾斜的地面建造，以致一些拱门已经摇摇欲坠。在建造较高层之前，塔的地基和底层尚未完工。在塔身的正前方，有一处“塌方”。这些显示不堪收拾的局面，处于一种混乱的状态。显然工程师、泥瓦匠、工人们的忙碌和努力都是徒劳的。“巴别塔”被认为是勃鲁盖尔最重要的作品之一，主要是因为它证明了他将叙事细节和象征意义结合在丰富而复杂的构图中的能力。照片是巴别塔细节，来自网络

《绘画的艺术》(The Art of Painting)，也被称为《绘画的寓言》（The Allegory of Painting）或《工作室里的画家》（Painter in his Studio），是荷兰画家约翰内斯·维米尔（Johannes Vermeer）于1666-1668 年创作的一幅布面油画。许多艺术史学家认为这是一幅绘画的寓言，这幅幻觉主义画作是维米尔最著名的作品之一，它的构图和图像使它成为维米尔最复杂的作品。荷兰艺术史学家阿尔伯特·布兰克特 (Albert Blankert) 说：“没有其他画作如此完美地融合了自然主义技巧、明亮的照明空间和复杂的整体构图。”

《绘画的艺术》(The Art of Painting)：这幅画描绘了画家正在工作室里作画，一位身着蓝衣的模特站在窗边，低垂着双眼。女子的右边地图下缘有“I [Oannes] Ver. Meer”的签名，但没有注明日期。画中只有画家和他的模特，人们认为这幅画是艺术家的自画像，而年轻女子可能是他的女儿。画家坐在画架前，画架上的画作已完成了模特头顶花冠的草图。他穿着短而蓬松的马裤和橙色长袜，身着一件优雅的黑色服装，袖子和背面有开口，可以瞥见下面的衬衫，这是一件昂贵而时髦的服装。右侧前景中的织锦（The tapestry）和椅子都是引诱式构图（Repoussoir），将观者引入画中。画中桌上的石膏雕塑模型、素描本和画架上正在进行的画作反映了艺术的统一性。中央的金色吊灯上装饰着双头鹰，它是哈布斯堡神圣罗马帝国的象征，可能代表着低地国家的前统治者。大理石瓷砖地板和华丽的金色吊灯展现出画家透视（Perspective）技艺。每个物体反射或吸收光线的方式不同，从而获得最准确的物体效果渲染。后墙上的大型地图因光线的反射而引人注目，它描绘了荷兰的十七个省，两侧是二十个著名荷兰城市的景色。该地图由荷兰黄金时代的地图制作者克拉斯·扬松·维舍尔（Claes Jansz. Visscher）于1636 年出版。在地图的左上角（照片右上角）可以看到两个女人，一个手里拿着十字杖和圆规，另一个手里拿着调色板、画笔，描绘着城市景色。地图上有一条明显的折痕，将十七个省分为南北两部分（西方位于地图的顶部），这条折痕可能象征着北部的荷兰共和国与哈布斯堡统治下的南部省份的分裂。这种解释可能吸引了战争期间拥有这幅画的希特勒。地图可能用来说明荷兰这片一直以绘画艺术而闻名的土地。

维米尔将这幅风俗画变成了绘画艺术的寓言（allegory）。画中模特头戴月桂花环，手拿喇叭以及一本书，这本书可能是古希腊历史学家希罗多德（Herodotus）或修昔底德（Thucydides）的书，她被认为是历史的缪斯女神克莱奥（Clio）。这与切萨雷·里帕（Cesare Ripa）16 世纪关于徽章和拟人化的著作《图像学》（Iconologia）中的描述相符。切萨雷·里帕的《图像学》是巴洛克时期艺术家的重要资料来源，书中指出，克莱奥应该被描绘成戴着月桂冠、拿着喇叭、拿着一本打开的书。然而，根据里帕的说法，历史应该回顾，而不是像这幅画一样向下看。根据维米尔同时代的荷兰画家和艺术理论家杰拉尔·德·莱里塞（Gerard de Lairesse）的另一种解释，他认为历史和诗歌是画家的主要资源，穿蓝衣服的女子可能代表着诗歌。古希腊抒情诗人西蒙尼德斯（Simonides）称绘画为无声的诗歌，诗歌为会说话的绘画， 后来被拉丁诗人贺拉斯（Horace）改写为“绘画如是，诗歌亦是如此”（ut pictura poesis）。如果是这样，那么那张地图代表的就是历史。画中的女神启发了画家，宣扬了古老荷兰绘画的辉煌，并在历史书中永垂不朽。 照片来自网络

《大型自画像》（Large Self-Portrait）：荷兰画家伦勃朗（Rembrandt）的一幅布面油画。该画作于1652 年，在伦勃朗的作品中具有特殊意义。伦勃朗总共画了 60 多幅自画像，不仅记录了他的生活状况，而且记录了他的艺术发展。这幅自画像与他早年成功时期的装扮或华丽服装不同，他身着简单而休闲的艺术家工作装棕色长袍，长袍用腰带固定，外面套着一件翻领的黑色紧身上衣，戴着一顶黑色贝雷帽，以正面姿势站立，双手叉腰，神情自信。这幅画创作于他陷入经济困境的那一年。 艺术史学家克里斯托弗·怀特（Christopher White）称它为“这些（晚期）画作中最庄严、最阴郁的作品之一”。

《青年男子肖像》（Portrait of a Young Man）：德国画家及木刻版画画家老汉斯·布格迈尔（Hans Burgkmair the Elder）于1506年创作的肖像画，老汉斯·博格迈尔是奥格斯堡（Augsburg）文艺复兴时期绘画的主要艺术家。这幅早期肖像画属于晚期哥特式、中产阶级德国肖像画的一种。单色背景和年轻人在狭窄的窗户状框架内的位置使我们的视线集中在他的头部和手上。敏感理想化的面部特征使这幅画作成为杰出的心理人物刻画作品。

《三位一体崇拜》（Adoration of the Trinity）：也称为兰道尔祭坛画（the Landauer Altarpiece），是德国文艺复兴时期画家阿尔布雷希特·丢勒（Albrecht Dürer）于1511 年创作的一幅板面油画。纽伦堡（Nuremberg）富商马特乌斯·兰道尔（Matthäus Landauer）创立了慈善机构“十二兄弟之家”（Twelve Brothers' House），作为年老和贫困工匠的家，可以容纳12名无法维持生计的工匠。他委托丢勒为其附属小教堂制作了这幅祭坛画。祭坛画的华丽框架由丢勒设计，框架顶部雕刻着《最后审判》的画面，还展示了捐赠者的家徽。

《三位一体崇拜》（Adoration of the Trinity）：拥挤的祭坛画描绘了三位一体，天父手持十字架，耶稣还活着。在他们上方，在被智天使（cherubim）包围的光云中，是鸽子形状的圣灵。天父戴着皇冠，身穿宽大内衬绿色的镀金斗篷，​​斗篷下摆由天使牵着。艺术家受神学家和哲学家希波的奥古斯丁（Augustine of Hippo）的启发，描绘了天堂中的一群男性和女性圣徒，分别由施洗者约翰和圣母玛利亚带领。下方人群被分为左边由教皇带领的宗教男女和右边由神圣罗马帝国皇帝带领的俗人。左边，在一位可能正在为他说情的红衣主教旁边的人是年迈的马特乌斯·兰道尔，他穿着华丽的服装，脱下了帽子。一个拿着工具的农民代表着贫困阶层。右边有一位神秘的女王，她的脸完全被面纱遮住，只露出眼睛。最下面是一幅大型风景画，描绘黎明时分，湖面群山环绕，灵感来自德国画家阿尔布雷希特·阿尔特多弗（Albrecht Altdorfer）和专业风景画先驱若阿基姆·帕蒂尼尔（Joachim Patinir）的风景画。画面右下角是丢勒的自画像，手里拿着一块带有签名和日期的铭文板：“纽伦堡的阿尔布雷希特·丢勒于1511 年根据圣母诞生的情景创作了此画”（ALBERTUS DURER NORICUS FACIEBAT ANNO A VIRIGINIS PARTU 1511，英文：Albrecht Dürer of Nuremberg made this in the year 1511 from the Virgin's giving birth）。

《玫瑰圣母》（Madonna of the Rosary）：意大利巴洛克画家卡拉瓦乔（Caravaggio）于 1607年完成的一幅画作，这是卡拉瓦乔唯一一幅可以称得上标准巴洛克祭坛画的画作。

这幅画描绘了1208 年多米尼加教团创始人圣多米尼克(St. Dominic)的传奇故事，当时圣母玛利亚出现在他面前，并向他赠送了念珠作为信仰的护身之物。画中圣母，怀抱圣婴坐在宝座上，请求圣多米尼克向人们分发念珠(rosaries)。她向身着日常服装、手拿念珠（rosary）的圣多米尼克（Saint Dominic）挥手，似乎表示同意。信徒们转向圣多米尼克，跪着祈求恩典。最左边是捐赠者的肖像，身着带有皱褶领（ruff）的黑衣男子，在圣多米尼克的斗篷下寻求保护，并向外凝视着观看者。右边是圣彼得殉道者（St Peter Martyr），额头上有一道大伤疤，犹如几个月前卡拉瓦乔与人争斗中头部受伤留下伤疤一样。他右手指向圣婴耶稣，似乎在说所有恩典都来自婴儿耶稣。他身后是其他多米尼克人（Dominicans）。

卡拉瓦乔，一位意大利画家，艺术生涯大部分时间活跃于罗马。画家的生活很少能像文学人物那样充满魅力、丑闻或浪漫。梵高是个例外，毕加索是另一个，卡拉瓦乔是第三个。卡拉瓦乔的生活极其臭名昭著；他以经常斗殴和争吵而闻名，卡拉瓦乔的暴力行为扰乱治安有着大量的审判记录和警方记录。1606 年，与他的情敌决斗，这位艺术家刺穿了对手的股动脉而致对方死亡，结果卡拉瓦乔被逐出罗马。在他生命的最后四年，他在那不勒斯、马耳他和西西里岛之间辗转，直至去世。然而卡拉瓦乔可能是他那个时代最具革命性的艺术家，因为他抛弃了引导一个世纪以来艺术家将人类和宗教体验理想化的规则。可以说，他几乎凭一己之力创造了巴洛克风格（Baroque style）。卡拉瓦乔的画作以其强烈的现实主义和明暗对比而闻名。他是最早使用明暗对照法的画家之一，他对现实主义和明暗对比的运用有助于创造一种新的绘画风格，即后来的巴洛克风格。他的影响可以在许多后来的画家的作品中看到，如彼得·保罗·鲁本斯（Peter Paul Rubens）、伦勃朗（Rembrandt）、约翰内斯·维米尔（Johannes Vermeer）和迭戈·委拉斯开兹（Diego Velazquez）。他还以普通人为模特来描绘宗教和神话场景，给人一种真实感和即时感。卡拉瓦乔的画作对当时的艺术产生了重大影响，尽管卡拉瓦乔的一生和职业生涯充满动荡，充斥着法律纠纷和暴力死亡，但他的画作因其情感力量和精湛的技术而倍受赞誉。

《瞧！这个人》（Ecce Homo）：1543 年，由提香（Titian）创作的大型布面油画。画中耶稣赤裸着上身，精疲力尽，站在通往宫殿的楼梯顶端。身着蓝色罗马服装的本丢彼拉多（Pontius Pilate）将他带到民众前，询问聚集在台阶下的人群。据说，彼拉多的肖像“面容上流露出傲慢与玩世不恭的可怕混合”，是从提香的好友、文艺复兴时期意大利作家皮埃特罗·阿雷蒂诺 (Pietro Aretino) 那里借鉴而来。人群中有一群士兵，中间是一位身着柔软白缎连衣裙的金发少女，她搂着一个男孩，据说她是提香的女儿拉维尼娅（Lavinia）。右前景是一位身穿貂皮长袍的肥胖贵族或法利赛人（Pharisees），令人想起罗马皇帝维特利乌斯（Aulus Vitellius）。右边几个骑士，其中一个头戴头巾的东方人。每个人都有明显的标记。他们挤到台阶的一半，用手势指着耶稣，挥舞双臂回答：“把他钉在十字架上！”。这个场景在意大利很少被描绘，可能委托人是一位来自佛兰德斯（Flanders）、定居威尼斯的富商乔凡尼·德安娜（Giovanni d'Anna）的缘故。基督的形象虽然明显地移到了一边，但由于画面的构图精彩，仍然吸引了所有人的注意力，中间士兵的背影将我们的目光引向主角。左边前景中兴奋的年轻人充当构图的引子以及士兵盾牌上的双鹰和旁边阶梯旁的署名“提香，骑士CES”（EQUES CES）是艺术家对皇室的致敬。提香于1532 年，在博洛尼亚（Bologna）为神圣罗马帝国皇帝、哈布斯堡王朝的继承人奥地利大公查理五世（Charles V）画了一幅肖像后，他被封为普法尔茨伯爵（Count Palatine）和金马刺骑士（knight of the Golden Spur），并于1533 年成为皇室的官方画家。

《背负十字架的基督》(Christ Carrying the Cross)：荷兰画家耶罗尼米斯·博斯（Hieronymus Bosch）的一幅板式油画，创作于1490-1500 年左右。它最初是小三联画（triptych）的左翼，三联画的其他部分均已丢失。画作描绘山顶附近的山坡，有两条小路从左到右向上延伸。在上面的路上，基督身着蓝色长袍，头戴荆棘冠冕。腰间悬挂着两块带刺的木板，木板掉落在他脚下，在他行走时刺穿他的双脚。他的左肩上扛着一个巨大的 T 形十字架独自艰难前行，周围围满了人群。基督身后，一个留着胡子的男人，从他的外表和长袍来看，他可能代表圣彼得。一个身着白衣的年轻人，背上绑着一面形状奇怪的盾牌，上面画着一只肿胀的青蛙，他牵着一根绑在基督腰间的绳子在前引路。路上的人群除了基督外还有 23 张脸，大多数都是男人，几个人拿着长矛，几个人穿着盔甲，很少有人看着基督。他们的脸上的表情都带着愚蠢或敌意。在下面的小路上只有九个人，其中两小偷将和耶稣一起被钉在十字架上。左边那个“坏小偷”被绳子绑着，穿着破烂的衣服，光着一只脚，正在说话。他的上面还覆盖着树皮的十字架，放在他脚边的地上。右边“好小偷”跪在一被竖立的十字架脚下，十字架是一根粗糙的树干。他似乎在向一位方济各会修士忏悔。他脚下放着一架梯子，梯子旁有一根人类长骨。在这些人群后面是起伏的半森林乡村，远处有一座无人的城镇。博斯以他那个时代设置场景，以便向观众展示世间的邪恶，邪恶表达集中在帮凶的鬼脸上。博斯以恶魔形象来表现人的邪恶预示着绘画史上一个新的开始。

这幅画是双面画，背面画作是《带着助行架的圣婴》（Christ Child with a Walking Frame，照片右侧），在折叠时构成三联画的外部，展示的是婴儿基督用左手握着带轮助行架的扶手，用右手握着“旋转木马”或风车玩具。特别引人注目的是画背面的圣婴的纯真与画正面耶稣受难场景中的邪恶形成鲜明对比。

《草地圣母》（The Madonna of the Meadow），原名为《圣母与圣子和施洗者圣约翰》（Madonna with the Christ Child and Saint John the Baptist），是拉斐尔（Raphael）于1506 年创作的一幅木板油画，现藏于维也纳艺术史博物馆。由于它长期收藏于维也纳美景宫的皇家收藏中，因此也被称为《美景宫圣母》（the Madonna del Belvedere）。这幅画由时年二十三岁的拉斐尔在1504年从佩鲁贾（Perugia）抵达佛罗伦萨（Florence）后的几个月内完成。拉斐尔在列奥纳多·达·芬奇（Leonardo da Vinci）作品的影响下，创作了一系列圣母像。这幅画的场景中圣母玛利亚、婴儿耶稣和婴儿施洗者约翰的形象出现在一片平静的草地上，他们的目光相互对接，形成一个金字塔形的排列。圣母玛利亚坐在地面上的高处，身穿金边蓝色斗篷，衬托着红色连衣裙，右腿沿对角线伸出。蓝色象征着教堂，红色象征着基督的死亡。她目光注视着约翰，头转向左边，微微倾斜。她用双手扶着婴儿耶稣，而耶稣则摇摇晃晃地向前倾身，去触摸约翰手里的小十字架。十字架既是玩具，又是施洗者约翰的象征，同时也是受难的象征。右侧显眼位置的罂粟花也代表了受难的象征。画中描绘了一个宁静、温柔、田园诗般的时刻，只有圣婴耶稣抓住施洗约翰手持的十字架的场景打扰了这一时刻，这暗示着耶稣即将受难。这种宁静和谐的构图受到文艺复兴时期赞助人的高度评价，拉斐尔因此获得委托，在罗马梵蒂冈（Vatican）的广场为教皇绘制一幅壁画。

《维也纳大学广场》（University Square in Vienna）：由贝尔纳多·贝洛托（Bernardo Bellotto）创作，其正面光影清晰，后面可见天文台。

贝尔纳多·贝洛托是一位威尼斯的城市风景画家、蚀刻版画画家，以其为欧洲城市德累斯顿（Dresden），维也纳，都灵和华沙创作的风景画闻名。他是18世纪威尼斯画派的代表画家之一的卡纳列托（Canaletto）的学生兼外甥。贝洛托有时会借用卡纳列托的大名，在自己的作品上署名贝尔纳多·卡纳列托（Bernardo Canaletto）。贝洛托的风格特点体现在精心绘制的建筑和自然景观，以及画面上每一处鲜明的明暗对比。贝洛托和其他威尼斯风景画大师为了高精度地描绘城市风景，很可能使用了暗箱成像。

《从美景宫俯瞰维也纳》（View of Vienna from the Belvedere）：由贝尔纳多·贝洛托（Bernardo Bellotto）于1758-1761年创作的油画。 这是从上美景宫（the Upper Belvedere Palace）俯瞰维也纳的景色，上美景宫是萨伏依王子欧根亲王（Prince Eugene of Savoy）的夏宫，建于市中心南部的一座小山上。画作描绘了1759 年或 1760 年维也纳炎热夏日的景象，前景是美景宫的花园，上流社会的人们在花园间绿墙的阴影下交流。中间地带从左到右排列着许多大型巴洛克式建筑：左侧矗立着巨大圆顶的卡尔教堂（the Karl- skirche）、比例夸张的施瓦岑贝格宫（the Schwarzenberg Palace）、橘园（the Orange- rie）和下美景宫（the Lower Belvedere Palace）。右侧是慈幼会修女教堂（the Salesian Nuns' Church）。卡尔教堂的圆顶、圣史蒂芬大教堂塔楼（St. Stephen's Cathedral tower）和慈幼会修女教堂的圆顶是垂直地标。在它们后面可以看到市中心及其防御工事。与贝洛托的许多作品一样，这幅画是使用暗箱在纸上创作的，然后转移到更大的传统画作上，这种技术创造了一种真实感。

维也纳的“卡纳莱托一瞥”（The Canaletto Blick）：又称卡纳莱托景观（Canaletto View），指的是从上美景宫看到的维也纳市中心的著名视角，它因贝尔纳多·贝洛托的《从美景宫俯瞰维也纳》画作而广为人知（贝洛托有时使用他著名的叔叔卡纳莱托的名字）。

这幅画不仅忠实地描绘了城市景观，还带有政治象征意义。它反映了哈布斯堡王朝（the Habsburg dynasty）统治下维也纳的发展。艺术家美化了作品的视角，可能是为了让他的赞助人奥地利皇后玛丽亚·特蕾莎（Maria Theresa）高兴。与赞助人相关的建筑被略微扩大或重新定位，尤其是慈幼会修女教堂的圆顶，该教堂的奠基石是在玛丽亚·特蕾莎诞生时奠定的。画面最右边的伊丽莎白教堂（the Elisabethinenkirche）的塔楼从这个有利位置是看不见的，但画家把它画了出来。画中还描绘了两座现已不复存在的天文台，以纪念哈布斯堡王朝作为科学的赞助人。尽管维也纳在 19 世纪得到了发展，并且从一座设防城镇转变为如今的样貌，但卡纳莱托景观的整体架构基本保持完整，它在城市规划讨论中，特别是在关于在维也纳历史中心附近建造高楼的争论中发挥了重要作用。

西班牙国王菲利普四世（King Philip IV of Spain）：西班牙画家迭戈·委拉斯开兹（Diego Velázquez）于1653-1656/59年创作的西班牙国王菲利普四世（King Philip IV）的肖像画。这幅画被寄给了神圣罗马帝国皇帝斐迪南三世（Ferdinand III）的弟弟荷兰总督利奥波德·威廉大公爵（Archduke Leopold William）。

菲利普四世是西班牙国王菲利普三世和他的妻子奥地利的玛格丽特（Margaret）的长子。他的第一任妻子是法国公主伊丽莎白（Elisabeth）。1649 年，44 岁的菲利普在伊丽莎白和他唯一的儿子相继去世后再婚。第二任妻子是菲利普的侄女、神圣罗马帝国皇帝斐迪南三世的女儿、14 岁的玛丽安娜（Mariana）。玛丽安娜为​​他生了五个孩子，但只有两个活到成年，一个是女儿玛格丽塔·特蕾莎（Margarita Teresa），另一个是未来的西班牙国王查理二世（Charles II）。

菲利普四世在艺术上因赞助来自塞维利亚(Seville)的画家迭戈·委拉斯开兹(Diego Velázquez)而闻名。1624年，国王将委拉斯开兹召到马德里，聘用他为宫廷画家直至去世前。国王和委拉斯开兹对马、狗和艺术有着共同的兴趣。多年来，他们在私下里建立了放松的关系。菲利普四世还支持许多其他著名画家，并从欧洲各地，尤其是意大利收集了大量画作，到他去世时已积累了超过 4,000 幅，有人将这个无与伦比的收藏称为“超级收藏”。

迭戈·委拉斯开兹（Diego Velázquez）：西班牙画家，西班牙国王菲利普四世宫廷以及西班牙黄金时代的首席艺术家。是西班牙肖像画史上最具影响力的人物。他是巴洛克时期的一位个人主义艺术家（individualistic artist）。他开始以精确的暗色主义风格（tenebrist style）作画，后来发展出一种以大胆笔触（bold brushwork）为特征的更自由的风格。委拉斯开兹的画作成为 19 世纪现实主义和印象派画家的典范。除了大量具有历史和文化意义的场景外，他还画了大量西班牙王室和平民的肖像，最终创作了他的杰作《宫娥》（Las Meninas）。

《宫娥》（Las Meninas）：是迭戈·委拉斯开兹于1656年创作的一幅画作，现藏于马德里的普拉多博物馆（the Museo del Prado）。它成为西方绘画中被分析最多的作品之一，因为其复杂而神秘的构图提出了关于实景与虚景的问题，并建立了观者和画中人物之间的不确定关系。长期以来是西洋美术史上的重要作品，曾被描述成“委拉斯开兹的最高成就”。画作背景是马德里菲利普四世城堡中的委拉斯开兹工作室。前景中央站着玛格丽特·特蕾莎公主，陪伴她的是两位宫女，一位正准备向公主行屈膝礼，另一位跪在玛格丽特·特蕾莎面前，用她放在金托盘上的红杯给她倒饮料。公主右边是两个侏儒，其中一个正开玩笑地用脚试图唤醒一只昏昏欲睡的獒犬（mastiff）。公主的监护人站在他们身后，正在与一名保镖交谈。后方右侧是王后的侍从涅托（Nieto），他站着，右膝弯曲，双脚踩在不同的台阶上，似乎在拉开一段短楼梯上的窗帘。背光和敞开的门口都揭示了后面的空间，“把我们的目光引诱到深处”。画家本人位于场景左侧，透过画架支撑的大画布向外看。他的胸前是圣地亚哥勋章（the Order of Santiago）的红十字，这是他直到 1659 年，也就是这幅画完成三年后才获得的。据说菲利普在委拉斯开兹死后下令加上这枚勋章，“有人说这是国王陛下亲自画的”。后墙上的一面镜子映出菲利普四世国王和玛丽安娜（Mariana）皇后上半身，可以想象画中的画家此时正在描绘他们，而他们的女儿则在一旁观看。他们处在《宫娥》这幅画作所描绘的空间之外，相当于观画者的位置。镜中的国王、王后，以及门口的侍从，造成前后申延。照片来自网络

《穿桃色礼服的玛格丽特·特蕾莎公主》（Infanta Margarita Teresa in a Peach Dress）：是西班牙画家迭戈·委拉斯开兹于1653-1654 年间创作的一幅布面油画。这是他为西班牙公主玛格丽特·特蕾莎画的五幅肖像中的第一幅。这幅画描绘的是两三岁的公主。她以庄严的姿态站着，右手放在一张小桌子上，左手握着一把合拢的扇子。桌上放着一个玻璃花瓶，里面插着玫瑰、百合和雏菊（daisies）。其中雏菊是对画中人物名字的昵称，雏菊 (Daisy) 是名叫玛格丽特 (Margaret) 的人的昵称，源自牛眼菊（the oxeye daisy）的法语名称玛格丽特。

玛格丽特·特蕾莎（Margaret Theresa），1651 年出生于马德里（Madrid），是菲利普四世国王（King Philip IV）与第二任妻子奥地利的玛丽安娜（Mariana of Austria）婚后的第一个孩子。她的外祖父母是神圣罗马帝国皇帝斐迪南三世（Ferdinand III, Holy Roman Emperor ）和西班牙公主玛丽亚安娜（Infanta Maria Anna）。据同时代人说，玛格丽特长相漂亮，性格活泼，父母和密友都称她为“小天使”（little angel）。玛格丽特的父亲和外祖父神圣罗马帝国皇帝斐迪南三世都深爱着她。菲利普四世国王在私人信件中称她为“我的快乐源泉”。当时这幅画是她的父亲菲利普四世送给维也纳宫廷的，以便她的未婚夫神圣罗马帝国皇帝哈布斯堡王朝的利奥波德一世（Leopold I of Habsburg）知道她长什么样。同时为了满足外祖父斐迪南三世皇帝对她肖像画的渴望，西班牙宫廷每隔两到三年就将她的肖像画送到维也纳。利奥波德一世是皇帝斐迪南三世和他的妻子西班牙公主玛丽亚安娜的次子，玛格丽特·特蕾莎的舅舅。玛格丽特在十五岁时嫁给了他，并在她第四个孩子出生后去世，年仅二十一岁。

《穿白色礼服的玛格丽特公主》（Infanta Margarita in a white Dress）：委拉斯开兹于1656年绘制的油画。这幅肖像画描绘了五岁的玛格丽特公主，她表情严肃，仿佛已成年。帝国特使（The imperial emissary）在随肖像画一起寄往维也纳的信中称赞了她的良好举止。与此同时，委拉斯开兹画了他最著名的一幅人物肖像画《宫娥》（Las Meninas），画中站在画面中央的小公主更加彰显了她的个性。

《穿蓝色礼服的玛格丽特·特蕾莎公主》Infanta Margarita Teresa in a Blue Dress）：画家迭戈·委拉斯开兹最著名的肖像画之一。这幅八岁公主的肖像布面油画，是他最后完成的作品之一。创作于1659 年，即画家去世前一年。那一年，这幅画作被送给了利奥波德一世皇帝（Emperor Leopold I），他于1666 年与公主结婚。画家的个人风格在这幅画中达到了顶峰。在这幅肖像画中，委拉斯开兹采用了松散的笔触技巧，宽阔的画幅上闪烁的色斑产生了几乎印象派的效果，只有从一定距离观看时，才能融合成连贯性，获得完整的三维空间感。这幅画中公主表情严肃，穿着一件蓝色丝绸礼服，上面装饰着当时西班牙时尚的银色裙摆。最引人注目的特征是宽大的衬裙，修剪过的边缘和宽大的蕾丝领子使衬裙显得更加突出。她的一只手里拿着一个棕色的毛皮手筒，可能是维也纳的礼物。这位年轻女孩被描绘得美丽迷人，面色苍白，蓝色和银色的色调使她显得更加美丽。画作背景中有一张高高的控制台桌，后面有一面圆形镜子。

　　《穿绿色礼服的玛格丽特·特蕾莎公主》（The Infanta Margarita Teresa in a Green Dress）：这幅画现收藏于匈牙利布达佩斯美术博物馆（The Museum of Fine Arts，Budapest），原为维也纳前皇家收藏， 根据1934 年奥匈帝国协定，这幅画转至匈牙利。由委拉斯开兹最杰出的学生、后来成为他女婿的马丁内斯·德尔·马佐（Martínez del Mazo）创作于1660年左右的布面油画。

《玛格丽特公主》（Infanta Margarita）：这幅公主玛格丽特身着银色浅粉色礼服的肖像画是委拉斯开兹（Velázquez）的女婿兼工作室助理马丁内斯·德尔·马佐（Martínez del Mazo）的作品。创作于1661 年 4 月之后。马佐在1660 年大师去世后成为宫廷画家。双头鹰形状的胸针代表着1663 年玛格丽塔与利奥波德一世皇帝（Emperor Leopold I）的订婚。

《凸镜中的自画像》（Self-Portrait in a Convex Mirror）：意大利风格主义（Mannerist）画家和雕刻家帕米贾尼诺（Parmigianino）于1524 年创作的自画像。画作非常小，直径不到 25 厘米，圆形，镶嵌在华丽的镀金画框中。帕米贾尼诺创作这幅画时是21 岁，但自画像中的他看起来更年轻，犹如一个贵族家庭的孩子。画中的艺术家正以一种异常平静的目光看着观者。观者仿佛在看一面镜子，镜子里映出了艺术家本人。这不是一面完美无瑕的镜子，图像上覆盖着一层薄雾，我们仿佛在梦中看到他的脸。他是一个眉目清秀的美男子，栗色的头发中分，衣着华丽，貂皮的衣领，蕾丝的袖口。他的手背被凸面镜的镜面反射扭曲，所以手背向观者弯曲，显得异常的大而突出。画作的右边（从观者的角度来看），可以看到一个发光的面板。那是他正在画的画的反射图像，那是凸面镜中艺术家的肖像。艺术家正看着凸面镜，用左手画自己，眼睛里流露出一种略显全神贯注的表情。他身后的房间的细节被适当地扭曲了，窗户和格子天花板象橡胶一样弯曲。

这位年轻的艺术家抵达罗马后，将这幅画在凸起木板上的自画像呈交给教皇克莱门特七世（Pope Clement VII），希望以此获得一位伟大的赞助人，委托他创作作品。这幅画尽管形式朴素，色彩范围有限，但构思非常巧妙，技艺要求极高。在帕米贾尼诺的整个职业生涯中，他对凸面镜的概念以及这种镜子反射给旁观者的影像非常着迷。这并不是帕米贾尼诺唯一一次描绘自己的容貌。和伦勃朗一样，他最伟大的作品是他的肖像画，这些肖像画既温馨亲密又奇怪疏远。与伦勃朗不同的是，帕米贾尼诺37岁英年早逝，因此他无法描绘出衰老时期自画像。

《四季》（The Four Seasons）：是意大利画家朱塞佩·阿尔钦博托（Giuseppe Arcimboldo）于1563 年，创作的一系列四季画作。这些画作的独特性是这位画家后来成名的基础。他的别出心裁的肖像画被大家公认为文艺复兴时期最有魅力，迷一样的绘画。《四季》与另一系列《四元素》（The Four Elements）于1566年献给了神圣罗马帝国皇帝马克西米利安二世（Maximilian II）。这一系列画作的每幅画都展示了由相应季节相关的水果、蔬菜和植物组成的侧面肖像。两个系列画作附有米兰诗人乔瓦尼·巴蒂斯塔·丰特奥（ Giovanni Battista Fonteo，1546-1580) 的一首诗，解释了它们的寓言意义。

阿尔钦博托（Arcimboldo）是意大利文艺复兴时期著名肖像画家，其作品特点是用水果、蔬菜、花、树、鱼等各种物体来堆砌成人物的肖像。1562年，他到维也纳成为神圣罗马帝国皇帝斐迪南一世（Ferdinand I）的宫廷画家，后来到布拉格成为马克西米连二世（Maximilian II）和他的儿子鲁道夫二世（Rudolf II）的宫廷画家。

《四元素》（The Four Elements）：意大利画家朱塞佩·阿尔钦博托（Giuseppe Arcimboldo）于1566 年为神圣罗马帝国皇帝马克西米利安二世（Maximilian II）创作的一系列四幅油画。画作描绘了由不同动物或物体组成的人脸侧面像。鸟类代表空气，燃烧的木头和大炮代表火，陆地动物代表大地，海洋生物代表水。该系列试图通过精心排列野生动物形成肖像来表达从混乱中创造出和谐的过程，同时也赞扬马克西米利安二世，暗示他是一位能够控制四种原始元素的统治者。

《四季》和《四元素》两个系列的作品数量相同，并且在逻辑上相互对应：“夏季”对应于“火”，“冬季”对应于“水”，“春季”对应于“空气”，“秋季”对应于“大地”。这种配对创造了混乱与和谐以及对哈布斯堡王朝的赞美这一相关主题。

《冬》（Winter）：收藏于维也纳艺术史博物馆的原作。冬季被描绘成一位老人，他的皮肤是一根扭曲的树干，木头的擦伤和肿胀代表着老年皮肤上的皱纹；他的胡须稀疏而粗糙，由小树枝和树根组成；嘴巴是两个蘑菇；眼睛是圆木中的一个黑色裂缝；耳朵是断枝的残余；他的头发是一堆树枝；脑后上还有一撮常春藤叶子。一个柠檬和一个橙子挂在他胸前的树枝上，它们的颜色呈现出了生机。柑橘是意大利唯一的冬季水果。老人身披一张草席，衣领上的草编字母 M 暗示了委托创作该系列的马克西米利安皇帝（Emperor Maximilian）。冬季是罗马历法中一年中的第一个季节，因此也是四个季节中最重要的季节。在同时代的人看来，冬季与皇帝的联系更为直接。

《水》（Water）：收藏于维也纳艺术史博物馆的原作。这是表现最逼真的元素。一群杂乱无章的海洋生物构成了女人的脸庞。她的胸部是螃蟹、海龟和龙虾；肩膀上有一只章鱼；她头部的动物形象不明显，但鱼背上的刺和长长的珊瑚构成了一个清晰的皇冠；一条珍珠项链横跨她的脖子，勾勒出她的脸庞，使看起来不太协调但有序的图案更加完整；她还戴着一只珍珠耳环。

《夏》（Summer）：收藏于维也纳艺术史博物馆原作。夏季被描绘成用水果和蔬菜组成的一个女人肖像。樱桃装饰着她的头发边缘，也构成了她的上唇；她的脸颊是桃子；她的鼻子是黄瓜；她的耳朵是茄子；她的眉毛是麦穗；她的后脑勺是南瓜；她的衣服是用稻草做的。衣领上编织有“朱塞佩·阿尔钦博托创作”（GIUSEPPE ARCIMBOLDO F），名字后 “F”（FECIT），创作的意思，而日期1563年则编织在肩膀上。朝鲜蓟装饰在她的胸前。

《火》：收藏于维也纳艺术史博物馆原作。与其他元素不同，火是由无生命的物体形成的。钢铁构成鼻子和耳朵；燧石构成面颊；燃烧的木头创造出一顶发光的头发冠；用枪炮组成了身体躯干的主要部分。这一元素与哈布斯堡王朝的关联最多。金羊毛勋章（The Order of the Golden Fleece）悬挂在脖子上，这是当时最重要的骑士勋章。双头鹰徽章紧贴在胸前，这是神圣罗马帝国的象征，最明显地暗示了马克西米利安二世皇帝（Emperor Maximilian II）。两门大炮象征着哈布斯堡军队在与土耳其人的持续战争中的实力。

《春》（Spring）：这幅画作是西班牙国王菲利普二世（Philip II of Spain）复制的，现藏于马德里圣费尔南多皇家学院（the Real Academia de San Fernando）。春季是一幅由各种花朵组成的女性形象，脸部和嘴唇的皮肤是玫瑰花瓣和花蕾；头发是一束色彩鲜艳的茂盛花束；眼睛是颠茄浆果（belladonna berries）；脖子上戴着雏菊项链；身体覆盖着一片由各种形状的树叶组成的广阔丛林。照片来自网络

《空气》（air）：一群鸟类组合在一起形成了一张修长的男性面孔，大多数鸟只露出一部分，以便艺术家创造脸部和头发。山羊胡是野鸡的尾巴；鸭子构成眼睑；鹰和孔雀组成胸部，暗指哈布斯堡王朝。照片来自网络

《秋》（Autumn）：这幅画是画家为马克西米利安二世制作的副本，收藏于卢浮宫。秋季是一个脾气暴躁、五官粗犷的男人形象。他的脖子由两个梨和一些蔬菜组成，从一个部分损坏的大桶中伸出，大桶的木板条用柳枝绑在一起。他的脸是由苹果和梨组成；下巴是石榴；耳朵是蘑菇；戴着无花果形状的耳环；嘴唇和嘴巴是栗子组成；他的头发由一串串葡萄组成；帽子是南瓜。

《大地》（earth）：这也许是最巧妙地把陆地动物融合在一起的作品。动物弯曲在一起，形成一个强壮、厚实的脸部；长角的动物环绕着头部，形成一个皇冠；大象构成了脸颊和耳朵；一只吃老鼠的狼构成了眼睑和瞳孔；一头完整的牛代表脖子。像其他元素一样，狮子和羊毛（the fleece）也暗示着哈布斯堡王朝。

《镜前裸女》（Naked Young Woman in Front of a Mirror）：是威尼斯画派画家乔瓦尼·贝利尼（Giovanni Bellini）在白杨木板上创作的一幅油画，是意大利文艺复兴时期的杰作，完美体现了贝利尼的艺术风格，其特点是精湛的技艺与诗意的情感相结合。画中女子沉浸在自己的镜像中，陷入沉思。贝利尼通过将女子置于作品的中心，营造出一种亲密和宁静的感觉。女子皮肤的柔和、细腻的色调与背景的深沉、黑暗的色调形成鲜明对比。贝利尼使用上光技术在织物中营造出深度和纹理感。这幅画可追溯到 1515 年，是乔瓦尼·贝利尼最后作品之一，展现了他对乔尔乔内（Giorgione）引入的色调主义（tonalism）的回应。在这幅晚期作品中见证了这位年近九十的艺术家在肯定一种新的世俗感时所取得的令人难以置信的开放性，他开始描绘一种新的“现代”主题，即女性裸体。这位圣母玛利亚的画家通过暖色和冷色、圆形和矩形、近距离和远距离、主动和被动之间的平衡互动，向一位年轻女子的形象致敬。

乔凡尼·贝利尼是威尼斯最具影响力的艺术家之一。他一生都在威尼斯生活和工作，他的职业生涯长达 65 年。他以开创性的自然光描绘而闻名。他被认为彻底改变了威尼斯绘画，使其走向了更加感性和色彩丰富的风格。通过使用透明、慢干的油画，乔凡尼创造了深沉、丰富的色调和细致的阴影。他华丽的色彩和流畅、大气的风景画对威尼斯画派产生了巨大影响，尤其是对他的学生乔尔乔内和提香。德国画家阿尔布雷希特·丢勒（Albrecht Dürer）于1506 年左右在威尼斯写道，乔凡尼“很老了，但他是最好的画家”。

《穿皮毛长袍的海伦娜·福尔蒙特》（Helena Fourment in a Fur Robe）：彼得·保罗·鲁本斯（Peter Paul Rubens）于 1636-1638 年左右创作的一幅木板油画，描绘的是他的第二任妻子海伦娜·福尔蒙特(Helena Fourment)从浴池里出来，用皮毛包裹她丰满的身体的场景。在这幅真人大小的画像中，海伦娜·福尔蒙特十八岁，她的身体仅裹着一件黑色皮毛长袍，松松地围在肩膀和臀部。她的胸部被右臂挤压在一起并托起，她小巧玲珑的左手将厚厚的皮毛折叠起来，遮住腹部。她的姿势让人想起希腊罗马雕塑中的“羞涩的维纳斯”（the Venus pudica），用双臂遮住她的裸体。 另一个先例是提香的《穿裘皮的少女》（Girl in a Fur），女孩的身体也裹着皮毛斗篷。鲁本斯在英国查理一世的收藏中看到过这幅画，他也许借鉴了提香的作品。这两幅画都描绘柔软的白色肌肤与浓密的深色皮毛的对比。法国画家、艺术评论家埃米尔·米歇尔 (Émile Michel) 在鲁本斯的画中描述了这种效果：“皮毛的纯黑色、地毯的红色衬托出背景的棕色，而背景的棕色又衬托出肤色的光彩”。与将人物理想化的提香不同，鲁本斯描绘了带浅凹的膝盖和肌肤褶皱，将古典主义与现实主义结合在一起。米歇尔认为这是一个缺点 “这幅肖像太过精确，因为不雅的形态被忠实地复制了。肌肤缺乏往日的紧致，可以清楚地看到紧身胸衣在躯干上的挤压痕迹，以及腿上的吊袜带痕迹及其太明显的膝盖处凹陷。” 正如历史学家安德鲁·莫拉尔（Andrew Morrall）所说，“这幅极其私密的作品既不是简单的肖像，也不是纯粹的神话神灵的形象，讽刺的是，它成为西方艺术中最受欢迎的情色图像之一。”

右图为提香的《穿裘皮的少女》（Girl in a Fur），照片来自网络