纽约现代艺术博物馆

小康

日前，我们与儿子再次参观了纽约现代艺术博物馆（MoMA）。MoMA位于曼哈顿的中心地带，是世界上最重要的现代和当代艺术收藏馆之一。MoMA的馆藏超过15万件艺术作品，包括绘画、雕塑、素描、版画、摄影作品、建筑模型和设计物品。馆内著名藏品包括文森特·梵高的《星夜》，以及克劳德·莫奈、巴勃罗·毕加索、弗里达·卡罗、安迪·沃霍尔、萨尔瓦多·达利等许多伟大艺术家的杰作。此外，MoMA还收藏了约22,000部电影及400万张电影剧照。其图书馆与档案馆是顶尖的研究设施，藏有超过30万本书籍、艺术家书籍及期刊，并拥有超过7万名艺术家的个人档案。 1. 《星夜》1889年创作The Starry Night 荷兰后印象派画家文森特·威廉·梵高（ Vincent van Gogh 1853 - 1890 ）是西方艺术史上最著名和最有影响力的人物之一。在短短十多年的时间里，他创作了大约 2100 幅艺术品，其中包括约 860 幅油画，其中大部分是在他生命的最后两年创作的。他的作品包括风景、静物、肖像和自画像，其中大部分以大胆的色彩和戏剧性的笔触为特点，促进了现代艺术中表现主义的兴起。在 37 岁因自杀而去世之前，梵高的作品开始引起评论界的关注。梵高在世时，只有一幅画作《红色葡萄园》售出。 2. 《邮递员约瑟夫·鲁林的肖像》Portrait of the Postman Joseph Roulin1888-89 年间，梵高住在法国南部的阿尔勒，邮递员工约瑟夫·鲁林是梵高的朋友。梵高描绘了身穿制服的鲁林，背景是充满想象力的旋涡花，他引以为傲。这位艺术家对大胆色彩和平面图案的运用引起了奥地利艺术家的共鸣。 亨利·朱利安·费利克斯·卢梭（Henri Julien Félix Rousseau 1844 - 1910），法国卓越成就的伟大画家，也是法国后期印象派画家。卢梭1844年出生于法国拉瓦尔一个贫穷家庭，从小就梦想成为一个艺术家，但是并不富裕的家庭让他把这个梦想一直深深地埋藏于心底，从而选择成为了一名小小的公务员养活自己和家人。但他从没放弃成为艺术家的梦想，有空就拿起画笔画上几幅，並时常到卢浮宫观摩，还自学了人体解剖学。离开公务员工作后，作画完全靠自学成才的卢梭觉得时机已经成熟，决定要成为一名专业的画家。他的画风朴素、自然，像小孩子的画一样，没有任何规律约束，在他之前，几乎从没有人这样画画，于是后人把卢梭的这种独特朴素的风格称为原始主义画派和朴素派。41岁时，卢梭信心满满地参加了一个大型艺术展，许多受过传统美学教育的老派评论家们表示看不懂他的作品，受到了四面八方的嘲讽，这些嘲讽也几乎伴随了卢梭往后的一生。此后每年卢梭都参加艺术展以展示最新的画作，但是，每一年，艺术评论家都取笑他，甚至说他的画是难看的东西，直到61岁，卢梭虽然生活在贫困之中，他依然愉快地描绘着他的原始主义绘画。当然，他的画也依旧被所谓的评论家们残酷地否认，不过卢梭的内心是快乐的，因为有心爱的画画和小提琴与他相伴。当卢梭已年迈、新一代的年轻艺术家崛起之时，他的作品、他的才华才得到了年轻一代艺术家们的肯定，之后，赞誉也大大淹没了批评的声音。卢梭的作品受人欣赏，闻名世界的艺术大师毕加索也非常喜欢卢梭的作品，并宴请卢梭。一百年后，他的画作成了世界各地的博物馆的珍品。1897年创作的《沉睡的吉普赛人》描绘了一只狮子在月夜里沉思着一位熟睡的女人，画面奇幻绝伦。La Bohémienne endormie 保罗·塞尚（Paul Cézanne 1839 - 1906）是一位著名法国画家，风格介于印象派到立体主义画派之间。他的作品为19世纪的艺术观念转换到20世纪的艺术风格奠定基础，对亨利·马蒂斯和巴勃罗·毕加索产生极大的影响。他使用的绘画方式，以及他认为自然界所有物品皆可由圆柱，球体与椎体等三种结构组成的艺术主张，深刻影响并革新了20世纪的新美术，特别是1895年首次个人展和1907年作品的官方回顾展，对当代艺术影响极大。创作于 1888-1890年间的系列画《穿红背心的男孩》 Le Garçon au gilet rouge，是塞尚1880 年后技巧娴熟、细致入微、富有创新的成熟作品的典范。塞尚为这位身穿红色背心的意大利男孩画了四幅不同姿势的肖像，除了一幅收藏在瑞士苏黎世外，其他三幅都收藏在美国的博物馆中。这是该系列画中的一幅，我们在华盛顿特区的国家画廊看到了另一幅，还有一幅在费城的巴恩斯基金会展出。 乔治·布拉克（Georges Braque 1882 - 1963）20世纪法国重要的画家、拼贴艺术家、素描家、版画家和雕塑家。他最著名的贡献之一是自1905年起与野兽派的合作，以及他在立体主义发展中所扮演的角色。布拉克在1908年至1912年间的作品与他的同事巴勃罗·毕加索密切相关。两人在此期间的立体主义作品多年间几乎难以区分，但布拉克沉静的性格在某种程度上被毕加索的名声与知名度所掩盖。1.《通往莱斯塔克的道路》1908年创作Road near L'Estaque布拉克的风格受到多位艺术家的影响，包括克劳德·莫奈、卡米耶·毕沙罗和保罗·塞尚。这幅画展示了塞尚对布拉克作品的影响，包括使用渐进的色彩渐变和扁平的空间。布拉克还在树枝上留下了一块未上色的画布区域，这是塞尚经常使用的一种技巧。 2.《向J.S.巴赫致敬》1911-12年的冬天创作Homage to J. S. Bach布拉克创作《向J.S.巴赫致敬》时，正值他与巴勃罗·毕加索长达数月的密切合作接近尾声，他们共同创作了一种后来被称为"分析立体主义"的绘画风格。在分析立体主义中，空间非常压缩且浅，色彩被简化为棕色和灰色的调色板，识别性的主题——如在此画中的小提琴部分——仅在稍纵即逝的瞬间显现。在这幅画中，布拉克将仿木纹引入了立体主义。他在从事房屋粉刷工作时学到了这一技巧，而立体主义中用模板印刷字母的做法——如在这里印刷的"BACH"、"J"和"S"——也受到了布拉克商业训练的启发。毕加索和布拉克同时采用了多种表现手法：在这幅作品中，布拉克将高超的仿木纹技巧与语言符号和近乎抽象的形式结合起来。布拉克受过古典音乐的训练，他认为乐器为视觉图像增添了一种触觉维度：“乐器作为物体的独特之处，在于它通过触觉而生动起来。” 巴赫是布拉克最喜欢的作曲家之一，巴赫的复调作品可以看作是分析立体主义中平面转化和多重视角的音乐类比。不同于他这一时期的大多数作品，布拉克在画作正面显著签下了自己的名字，也许是为了让作曲家名字与他自己的名字在声音上产生关联。这是布拉克的第二幅分析立体主义作品，最近纳入了博物馆的收藏。 法国新印象派画家保罗·西涅克（Paul Signac 1863 - 1935 ）他与乔治·修拉一起发展了点彩派艺术手法。来自《大海小船》系列的《落日沙丁鱼捕捞慢板作品 221》1891年创作Setting Sun. Sardine Fishing Adagio. Opus 221 露西·库斯图里尔 (Lucie Cousturier 1876 - 1925) 法国画家和作家，她因撰写充满同情心的书籍而闻名，这些书籍讲述了她 1921-22 年在法属西非旅行的经历。《斜倚的女人》1907年创作Reclining Woman 让·爱德华·维亚尔（Jean-Édouard Vuillard 1868 - 1940）是一位法国画家、装饰艺术家和版画家。1891年至1900年间，维亚尔是前卫艺术团体“纳比派”的重要成员，创作了以纯色块组合的绘画作品。他的室内场景深受日本版画的影响，探索了色彩平面、图案和形式的空间效果。作为装饰艺术家，维亚尔为剧院绘制布景、为室内装饰创作面板，并设计了餐具和彩色玻璃。1900年之后，随着纳比派的解散，维亚尔逐渐采用更加现实主义的风格，以更为细致的笔触和鲜艳的色彩描绘风景和室内场景。在1920年代和1930年代，他为法国工业和艺术界的知名人物创作了许多在他们熟悉环境中的肖像画。1.《窗边刺绣》1895-96年创作Embroidering by the Window 2. 《两位嫂子》 1899年创作，选自作品集《风景与室内》The Two Sisters-in-Law 3. 《大道》1899创作，选自作品集《风景与室内》The Avenue 保罗·高更（Paul Gauguin 1848-1903），法国画家、雕塑家、版画画家、陶艺家和作家，其作品主要与后印象派和象征主义运动有关。《静物与三只小狗》1888年创作Still Life with Three Puppies 皮埃尔·博纳尔 (Pierre Bonnard 1867 - 1947) 法国画家、插画家和版画画家，以其画作风格化的装饰性和大胆的用色而闻名。他是后印象派前卫画家纳比派的创始人之一，是印象派向现代主义过渡的领军人物。1896年创作的《小洗衣女工》La petite blanchisseuse 展现了博纳尔对日常生活场景的细腻捕捉，是他艺术风格的典型作品。 乔治·皮埃尔·修拉 (Georges-Pierre Seurat 1859 - 1891 年 3 月 29 日）是法国后印象派艺术家。他发明了被称为色光画法和点画法的绘画技巧，并使用康特蜡笔在表面粗糙的纸上绘画。《翁弗勒尔的夜晚》Evening, Honfleur 1886 年夏天，修拉在法国北部海岸的度假小镇翁弗勒尔度过。翁弗勒尔海岸线崎岖，海浪汹涌，艺术家们一直对这里情有独钟，但修拉的晚间场景却静谧而宁静。广阔的天空和平静的大海给画面带来了一种宽敞的光线感，同时也具有奇特的视觉密度。长长的云线与海滩上的防波堤相呼应——这是人类生命和秩序的标志。修拉利用他对光学理论的解读，开发了一种系统化的技巧，即点画法，该技巧涉及用纯色的小点来创造形状。在观者眼中，这些点既可以聚结成形状，也可以保持独立的粒子，产生神奇的微光。一位当代评论家将《翁弗勒尔的夜晚》及其相关作品中的光线描述为“灰色的尘埃”，仿佛天空的透明度充满了几乎看不见的物质，甚至是由几乎看不见的物质构成的——这是对油画在幻觉和物质实体之间运动的敏感反应。修拉在场景周围画了一个边框，缓冲了画中世界与现实之间的过渡。在右上方，边框上的斑点变亮，延长了落日的光芒。 巴勃罗·毕加索（Pablo Picasso 1881 - 1973）是西班牙画家、雕塑家、版画画家、陶艺家和剧院设计师，他成年后大部分时间在法国度过。毕加索是 20 世纪最具影响力的艺术家之一，以共同创立立体主义运动、发明构筑雕塑，共同发明拼贴画以及帮助开发和探索各种风格而闻名。在毕加索作品展中，包括他最著名的作品包括1907 年创作的大型油画《阿维尼翁少女》Les Demoiselles d'Avignon1906 年冬天，毕加索开始为《阿维尼翁少女》绘制草图，在完成最终作品之前，他已经画了数百幅草图，这是他当时最大、最雄心勃勃的作品。1. 《阿维尼翁少女》1907年的一张草图Figure 1. Pablo Picasso, Les Demoiselles d’Avignon这幅画作描绘了七个人物——五个裸体女性和两个男人，场景设定在妓院的帷幕后室。这两个男性角色是潜在的顾客，分别是画面中央的水手和左侧手持头骨的医科学生。然而，这两个人物并没有出现在最终的作品中，毕加索让女性直接面对观众。 2. 《阿维尼翁的少女》中五位裸女诱惑地望向画布之外，多样的视点、撩人的姿态、扭曲的面孔，粗粝的形体，使画作充满不安的力量。毕加索表示，这些面具所唤起的原始主义激发了他“释放出一种极具原创性、甚至是狂野力量的艺术风格”，为这幅画增添了萨满教的元素。 《阿维尼翁的少女》是20世纪最著名和享有盛誉的作品之一，为纽约现代艺术博物馆的永久收藏品。激进的几何风格，标志了立体主义的诞生。它所包含的元素被现代主义运动吸收，其理念不断地挑战着艺术世界和公众。 3. 《梳辫子的女人》1906年创作Woman Plaiting Her Hair 4. 《双手合十的裸体》1906年创作Nude with Joined Hands 5.《两幅裸体画》1906年创作Two Nudes 6.《拿梨子的女人》Woman with Pears 是毕加索在1909年夏天为他的伴侣费尔南德·奥利维尔创作的肖像。在这幅肖像中，她有着修长的脖子，手中举着一个圆形的梨。 7. 《牵着马的男孩》1905-06年创作Boy Leading a Horse 8.《静物与酒瓶》1909年创作Still Life with Liqueur Bottle 9.《小憩》1908创作Repose 10.《熟睡女人的热情》1907年创作Heat of a Sleeping Woman 11. 《医学生的头像》1907年创作 Head of the Medical Student 12.《男人的头像》1913年创作Head of a Man 13. 《沐浴者》1908-09年冬季创作Bather 14.《弹曼陀铃的少女》1910年创作Girl with mandolin 15.《镜前少女》1932年创作Girl before a Mirror 这幅画是毕加索的情妇兼缪斯玛丽·特蕾莎·沃尔特的肖像，她站在镜子前凝视自己的倩影。 16. 《花园中的房子》 1908年创作House in the Garden 17.《蓄水池，埃布罗河畔奥尔塔》The Reservoir, Horta de Ebro这幅风景画是毕加索于1909年在西班牙南部创作的几幅作品之一，对早期立体主义风格的发展至关重要。他用简化的几何形状描绘了埃布罗河畔的奥尔塔镇，通过交错的平面将背景中崎岖的地形与前景中小镇的红砖和灰泥建筑融合在一起。该作品展现了立体主义特有的空间模糊性：陡峭的山坡似乎是从下方看到的，而底部的弯曲形状——蓄水池——则提供了一个俯瞰反光水池的视角。 18. 《小丑》1950 年代铸造The Jester 19.《吉他》 1914年创作Guitar 雅克·维永（Jacques Villon 1875 - 1963) 法国立体派和抽象派画家。《钢琴旁的女孩》1912-1914年创作Girl at the Piano 阿尔伯特·格列玆（Albert Gleizes 1881 - 1952）法国立体派艺术家，黄金分割画派的创始人之一，他与让·梅金杰一起写下了立体派早期重要著作《Du "Cubisme"》。他曾在美国呆过一段时间，对当时美国现代艺术的发展产生了一定影响。在1920年代中期到1920年代末期，他将大部分精力投入到立体主义理论的写作中这是他1914年创作的俄罗斯现代主义作曲家《伊戈尔·斯特拉文斯基的肖像》Portrait of Igor Stravinsky 马克·夏加尔（Marc Chagall 1887 – 1985）是一位俄裔法国艺术家。作为早期现代主义者，他与巴黎画派以及几种主要的艺术风格有联系，创作了各种艺术形式的作品，包括绘画、素描、书籍插图、彩绘玻璃、舞台布景、陶瓷、挂毯和美术版画。《我与村庄》1911年创作I and the Village这幅作品在结构上属于立体派，包含许多柔和、梦幻般的重叠图像，构成了一个连续的空间。在前景中，一个戴着帽子的绿色面孔男子凝视着一只山羊或绵羊，而其脸颊上则有一个正在挤奶的较小山羊的图像。前景中还有一棵发光的树，由男子的黑手握着。背景中则是几座房屋，旁边有一座东正教教堂，还有一位倒立的女小提琴手，她前方站着一个穿着黑衣、手持镰刀的男子。绿色面孔的男子佩戴着一个带有圣安德鲁十字的项链。正如标题所示，《我与村庄》受到了艺术家出生地的影响，並与东欧民间故事和文化（包括白俄罗斯和意第绪文化）的各种元素无缝结合。其清晰定义的符号元素（如生命之树）和大胆而富有幻想的风格在当时被认为是突破性的。其狂热、奇幻的风格源于夏加尔童年的记忆，正如学者H.W.詹森所言，宛如一部“立体派的童话”，在他的想象力中被重新塑造。 法国画家玛丽·劳伦辛（Marie Laurencin 1883 - 1956）《女人与马》 1918年创作La femme-cheval 费尔南·莱热（France 1881−1955）法国画家、雕塑家和电影制片人。他在早期作品中创造了一种个人形式的立体主义，并逐渐将其修改为更具象征意义的民粹主义风格。他对现代题材的大胆简化处理使他被视为波普艺术的先驱。《桥》1908年创作 Bridgh 索尼娅·德劳内（Sonia Delaunay 1885 - 1979) 法国女艺术家，出生于俄罗斯，父母是犹太人，在俄罗斯和德国接受正规培训，后来移居法国，与丈夫罗伯特·德劳内等人共同创立了以使用强烈色彩和几何形状而闻名的奥尔菲斯艺术运动。她是第一位在卢浮宫举办回顾展的在世女性艺术家，并于1975年被任命为法国荣誉军团军官。《葡萄牙市场》 1915年创作Portuguese Market 以下是她先生的作品～～ 罗伯特·德劳内（Robert Delaunay 1885 - 1941）法国艺术家，隶属于巴黎画派运动。他与妻子索尼娅·德劳内及其他人共同创立了奥菲主义艺术运动，以其对强烈色彩和几何形状的运用而著称。他的后期作品更加抽象。他的主要影响体现在对色彩的大胆运用以及对深度和色调的实验性探索。德劳内的《窗户》系列，是从1912年4月至12月间创作的22幅画作组成。在这组画作中，德劳内摒弃了绘画作为通往想象世界的窗口这一传统功能。相反，他将绘画表面视为记录观看过程本身的地方。“没有视觉感知，就没有光，就没有运动，” 德劳内于1912年夏天写道，“这种运动是由不均匀尺度的关系和色彩对比提供的，它们构成了现实。” 光及其对视觉的结构、同时发生的色彩对比及其稳定的节奏运动成为德劳内《窗户》的主题，为他转向抽象奠定了基础。“这些窗户，”他写道，“真正开启了我的艺术生涯。”1.《窗户》Windows是一系列由法国画家罗伯特·德劳内在1912年至1913年间创作的绘画。这些画作使用油彩和蜡画于画布上，标志着德劳内转向抽象艺术并对色彩产生了兴趣。这些由色彩形状碎片化组成的作品是德劳内运用同时对比的典范。标题《窗户》可以字面理解为这些画作展示了从窗户看到的景象，但也可以比喻为人的眼睛是通向视觉世界的窗户。 2.《三扇窗、塔与轮》1912年创作The Three Windows, the Tower and the Wheel 斯坦顿·麦克唐纳-赖特（Stanton Macdonald-Wright 1890 - 1973）美国现代艺术家，他是“同色调主义”的共同创始人，这是一种早期以色彩为基础的抽象绘画模式，也是第一个受到国际关注的美国先锋艺术运动。《蓝色同色调》1917年创作Synchromy in Blue在第一次世界大战前夕，斯坦顿·麦克唐纳-赖特和艺术家摩根·拉塞尔创造了“同色调”（Synchromy）一词，以区分他们万花筒般的画布与现代主义的其他早期表现形式。“同色调”的意思是“与色彩共鸣”，同时也唤起了“交响曲”的含义，因此暗示了与音乐的关系——对于麦克唐纳-赖特来说，音乐是最抽象且最令人陶醉的艺术形式。麦克唐纳-赖特创作了一些完全抽象的作品，但到1916年，他开始采用一种充满色彩的具象风格，正如这幅画所表现的那样。几十年后，他表示这幅画“在其形式、排列和主题上是基于一个吸食鸦片的小组。” 在流动的色彩中出现了一组四人，鸦片的光芒从画面中心右侧辐射开来。一张脸、一个弯曲的肘部、一条隆起的大腿和一只高举的手臂从色彩丰富的平面中显现出来。尽管标题中的蓝色和绿色占主导地位，但整个画布上散布着各种色调。 胡安·格里斯 (Juan Gris 1887 - 1927）出生于马德里的西班牙画家，大部分时间在法国生活和工作。他的作品与创新的艺术流派立体主义密切相关，是该运动最具特色的作品之一。1.《罐子、瓶子和玻璃杯》1911年创作Jar, Bottle and Glass 2. 胡安·格里斯的《静物与花卉》1912年创作Still Life with Flowers “颜色只有通过其他颜色才存在，这是所有颜色理论的基础。”——弗朗齐歇克·库普卡（František Kupka 1871–1957)《垂直线中的库普卡夫人》Mme Kupka among Verticals1957年去世前不久，弗朗齐歇克·库普卡将他在工作室保存了近45年的作品《Mme Kupka among Verticals》出售给了现代艺术博物馆。这幅创作于1910-1911年的油画，色彩的动态、破碎的笔触环绕着尤金妮·施特劳布·布罗德的面庞，她是艺术家的妻子和缪斯。尤金妮的精致面部特征——微微抬起的下巴、微启的双唇和闭合的双眼——从这些不规则、碎裂的竖直笔触中显现出来。库普卡使用了几年前未完成的妻子肖像，在象征主义风格中创作的这一形象被他转变为几乎难以辨认的具象画作。最终效果如他众多重要作品和纸上作品一样，在抽象与肖像之间游走。之后，他完全倾向于抽象，成为最早探索这一领域的艺术家之一。 迭戈·里维拉 (Diego Rivera 1886 – 1957）于1909年离开祖国墨西哥前往欧洲，定居在巴黎，并在那里生活至1920年。在巴黎期间，他加入了由巴勃罗·毕加索和乔治·布拉克的立体派实验激发的艺术先锋派。他在1914年向独立沙龙提交了这幅立陶宛裔雕塑家雅克·利普希茨的肖像。里维拉使用中性色调，以网格状结构呈现人物，固定住对角平面。利普希茨头部周围鲜艳的条纹细节唤起了人们对彩披的联想，这是一种披肩状的织物，也是墨西哥的象征。1. 《穿灰色毛衣的年轻人 - 雅克·利普希茨》1914年创作Young Man in a Gray Sweater (Jacques Lipchitz) 2. 《立体主义风景》1912年创作Cubist Landscape《立体主义风景》的灵感来源于里维拉1911年的西班牙之旅，在蒙特塞拉特山脉他见识了加泰罗尼亚的橄榄树。这幅作品展示了里维拉在20世纪10年代发展出的独特立体主义风格。他将这些早期作品视为通过阳光充足的色调、万花筒般的平面和抽象图案相结合，开始塑造一种具有特定墨西哥特色的现代主义。“我的立体主义画作，”他说，“是我最具墨西哥特色的。” 出生于乌克兰的俄罗斯画家卡西米尔·马列维奇（Kazimir Malevich。1878–1935）《提桶的女人：动态排列》1912年创作Woman with Pails: Dynamic Arrangement 俄罗斯画家柳博芙·波波娃（Lyubov Popova 1889 - 1924）《染坊的物件》1914年创作Objects from a Dyer's Shop 吉诺·塞韦里尼（Gino Severini 1883 - 1966）意大利画家，也是未来主义运动的主要成员。他一生中的大部分时间都在巴黎和罗马度过。他与新古典主义和第一次世界大战后十年的“回归秩序”息息相关。在他的职业生涯中，他使用过各种媒介，包括马赛克和壁画。他的作品曾在罗马四年展等大型展览上展出，并获得了重要的艺术大奖。1.《巴尔塔巴兰舞厅的动态象形文字》1912年创作Dynamic Hieroglyph of the Bal Tabarin塞韦里尼对舞厅这一题材着迷，因为它提供了表现多感官体验的机会。在这幅画中，他描绘了一位棕色卷发、身穿白色、蓝色和粉色荷叶边裙的女子在巴黎夜总会巴尔塔巴兰跳舞。作品中的不同元素指向当时的意大利战争，旗帜表达了民族主义情感。在对巴尔塔巴兰的描绘中，这位艺术家融合了未来主义者对捕捉运动动态的兴趣，并结合了法国立体主义的影响，如拼贴元素中的亮片。塞韦里尼是一位狂热的意大利民族主义者，但他坚信自己的未来主义同仁们应该像他一样来到巴黎，学习最新的现代艺术发展。 2. 《战争理念的视觉综合》1914年创作Visual Synthesis of the Idea: War 《春天》 2012年创作The Spring 《春天》是法国艺术家弗朗西斯·皮卡比亚（ Francis Picabia 1879 - 1953）于1912年创作的一幅大型油画。这幅作品既具有立体主义风格，又呈现抽象艺术风貌，并于1912年在巴黎的秋季沙龙展出。弗朗西斯·皮卡比亚是20世纪初重要的先锋派艺术家，以其独特的风格和在多个艺术运动中的参与而闻名。他的作品横跨印象派、立体主义、达达主义、超现实主义等流派。他最著名的创作包括机械图式绘画和抽象作品，充满了实验性和对传统艺术的反叛精神。 翁贝托·波丘尼（Umberto Boccioni 1882 - 1916）意大利未来派画家和雕塑家。曾师从巴拉，1907年定居米兰，在诗人马里内蒂影响下，刻意表现现代生活的暴力与快节奏，试图把运动、光和声转化成形体。《空间中的瓶子的发展》Development of a Bottle in Space《空间中的瓶子的发展》翁贝托·博乔尼创作的一件青铜雕塑。最初作为博乔尼《未来主义雕塑技术宣言》中的一幅草图，于1913年由博乔尼本人铸成青铜雕塑。这件艺术作品与博丘尼宣言中的许多主题一致，凸显了艺术家首次成功创作一件既能塑造空间又能将空间封闭在其内部的雕塑。 奥斯卡·柯柯施卡（Oskar Kokoschka 1886 - 1980）奥地利艺术家、诗人、剧作家和教师，以其强烈的表现主义肖像画和风景画以及影响维也纳表现主义运动的视觉理论而闻名。《汉斯·蒂泽和埃里卡·蒂泽》1909年创作Hans Tietze and Erica Tietze-Konrat1909年，维也纳艺术史学家汉斯·蒂泽和埃里卡·蒂泽请 23 岁的柯柯施卡为他们的壁炉架画一幅结婚肖像。蒂泽夫妇是社会知名的艺术史学家，蒂泽夫人回忆说，柯柯施卡为她和丈夫分别作画，他们各自的姿势和目光暗示了这一点。柯柯施卡用薄薄的颜料层营造出夫妻周围朦胧的氛围，并用指甲刮擦颜料，增添了一种噼啪作响的能量感。博物馆于1939年从蒂泽夫妇手中买下了这幅画，当时这对夫妇移民纽约仅仅一年。 恩斯特·路德维希·基希纳（Ernst Ludwig Kirchner 1880 - 1938）德国表现主义画家和版画家，也是艺术家团体“桥社”的创始人之一。“桥社”是引领20世纪艺术中表现主义诞生的重要团体之一。1933年，他的作品被纳粹视为颓废艺术，1937年，超过600件作品被出售或销毁。《柏林街头》Street, Berlin这幅作品是基希纳《街景系列》Street Scenes之一，是德国表现主义的重要代表作。1913年创作于第一次世界大战爆发之前，画作属于表现主义风格，《柏林街头》是恩斯特·路德维希·基尔希纳于 1913 年第一次世界大战爆发前创作的一幅油画。当时，基尔希纳画了几幅不同的街景，描绘了城市生活的混乱以及男女之间的关系。 古斯塔夫·克里姆特（Gustav Klimt 1862 - 1918）奥地利象征主义画家，也是维也纳分离派最杰出的成员之一。克里姆特以绘画、壁画、素描和其他艺术品而闻名。克里姆特的主要主题是女性身体，他的作品带有明显的色情色彩。在他的具象作品中，包括寓言和肖像，他还画过风景画。在维也纳分离派的艺术家中，克里姆特受日本艺术及其方法的影响最大。《充满希望》1017-18年创作Hopeful 亨利·马蒂斯（Henri Matisse 1869 -01954) 法国艺术家、版画画家乖雕塑家，以其在绘画、雕塑和素描中大胆使用色彩和线条而闻名。他与巴勃罗·毕加索一起被认为是 20 世纪最重要的艺术家之一。马蒂斯对形式和色彩的大胆实验与他对和谐表达艺术的执着密不可分，他的早期作品由大胆的笔触和鲜艳的色彩组成，1905 年，一位愤怒的评论家将他和以类似方式创作的同事称为“野兽”。尽管如此，鲜艳的色彩仍然是马蒂斯最重要的资源之一，到 1909 年，他开始创作以鲜艳色调为特色的平面构图，这些色调充斥着画作的表面。马蒂斯彻底简化了主题的描述性元素，牺牲了细节以保持整体的节奏和构图的统一性。在他1908年的论文《画家笔记》中，他写道，他梦想“一种平衡、纯洁和宁静的艺术，没有令人不安或令人沮丧的主题”。1. 静物与茄子 1911年创作Still Life with Aubergines 2.《长春花 / 摩洛哥花园》1912年创作Periwinkles / Moroccan Garden 3. 《舞蹈》 1909年创作Dance1909年3月，马蒂斯接到俄罗斯商人兼收藏家谢尔盖·舒金的委托，创作了两幅大型装饰板，《舞蹈》和《音乐》。这幅画完成时，人们批评其对人体结构的简化和透视，认为其拙劣或故意粗鲁，但马蒂斯却认为它唤起了“生命和节奏”。 4.《蛇形》1909年铸造La Serpentine 5.《高凳子上的女人～杰曼·雷纳尔》1914年创作Woman on a High Stool (Germaine Raynal) 6.《钢琴课》1916年创作The Piano Lesson 7. 《摩洛哥人》1915-16年创作The Moroccans 8.《构图 1915》Composition 1915据马蒂斯说，这幅看似抽象的画实际上展示了他家窗外的景象，包括带黄色镶边的红色窗帘和前门上方的蓝色玻璃顶篷。窗框的绿色暗示着窗外树木的绿色，而树木的绿与天空的蓝之间的清凉对比使得艺术家需要使用大面积的黄色，黄色象征着他从树与天空的对比中感受到的震动与愉悦。因此，这并非一幅完全的抽象画，而是一幅扎根于现实的画作。 9.《玫瑰大理石桌》1917年创作The Rose Marble Table 1917 阿尔贝托·贾科梅蒂（Alberto Giacometti 1901 - 1966）瑞士雕塑家、画家、版画画家。从1922年开始，他主要在巴黎生活和工作，但经常回到家乡博尔戈诺沃看望家人并创作艺术作品。1. 《凌晨 4 点的宫殿》1932年创作The Palace at 4 am 2. 《手握虚空（不可见的物体）》1934年设计，1954-55年铸成Hands Holding the Void (Invisible Object)这尊高度风格化的雕像平衡在一个笼状的王座上，王座与覆盖在她小腿上的枷锁般的木板一起，既支撑又限制了她的行动。她的双手摆出握住或奉献某物的姿势，但手中空无一物，正如作品标题所暗示的那样。贾科梅蒂将雕像的头部和面部塑造成类似保护性金属面具的样子。这是贾科梅蒂创作的第一件大型、解剖结构完整的人体雕塑，也是他在超现实主义影响下的最后一件重要作品。一位女性身影张大嘴巴，惊奇地凝视着远方，身体前倾，细长而紧张的手指围绕着一片空白。她脆弱的脸庞唤起了一种心理上的疏离感。阿尔贝托·贾科梅蒂于 20 世纪 20 年代加入超现实主义运动。巴黎超现实主义领袖诗人安德烈·布勒东将这幅作品描述为“对爱与被爱的渴望的流露，这种渴望是在对真正的人类对象的追求中以及在追求过程中所遭受的所有痛苦中产生的。” 汉斯·贝尔默（Hans Bellmer 1902 - 1975）德国艺术家，以他为1940年版《眼睛的故事》创作的绘画和蚀刻作品，以及他在20世纪30年代中期制作的真人大小的女性玩偶而闻名。艺术和摄影史学家还将他视为超现实主义摄影师。《优雅的机枪手》1937年创作The Machine-Gunneress in a State of Grace 　　胡安·米罗（Joan Miró 1893-1983）加泰罗尼亚裔西班牙画家、雕塑家和陶艺家。为了纪念他的作品，米罗基金会于1975年在他的出生地巴塞罗那成立，另一座基金会 - 皮拉尔与胡安·米罗基金会，则于1981年在他移居的城市帕尔马成立。1. 《猎人（加泰罗尼亚风景）》1923-24年创作The Hunter (Catalan Landscape） 2. 《浮雕构造》1930年创作Relief Construction 3.《世界的诞生》1925年创作The Birth of the World 梅雷特·奥本海姆（Meret Oppenheim 1913 - 1985）出生于德国的瑞士超现实主义艺术家和摄影师。《小鬼吃面包》1934年创作Little Ghost Eating Bread《小鬼吃面包》描绘了超凡脱俗的风景中的神秘场景。这幅画充满了奥本海姆的黑色幽默感，描绘了一个卡通人物正准备从壁架上走下来，同时愉快地啃着一条面包。右边可以看到一个披着斗篷的身影。这幅画在 1936 年巴塞尔的舒尔特斯画廊举行的艺术家首次个展上展出。 莱昂诺拉·卡林顿（Leonora Carrington 1917 - 2011）出生于英国的墨西哥籍超现实主义画家和小说家，她成年后的大部分时间都在墨西哥城度过，是 20 世纪 30 年代超现实主义运动最后几位幸存的参与者之一，也是 20 世纪 70 年代墨西哥妇女解放运动的创始成员之一。《然后我们看到了米诺陶之女》1953年创作And Then We Saw the Daughter of the Minotaur 萨尔瓦多·达利（Salvador Dali 1904 - 1989）西班牙超现实主义艺术家，以其技术技巧、精确的绘图技巧以及作品中引人注目的奇异图像而闻名。1. 《小剧场》 1934创作The Little Theater 这个发光的立体模型结构包含 11 块平行的彩绘玻璃板。无论是画面错觉还是实际深度，都营造出一种后退的空间感，从前面板的舞台拱门到最远处的天空，中间夹着各种奇异的物体、人物和场景。这件不同寻常的作品可能是达利试图重现他小时候见过的“一个大方盒子”：“这是一种视觉剧场，它为我提供了童年最大的幻觉。我从来无法确定或在脑海中重建它到底是什么样子。” 2.《记忆的永恒》La persistencia de la memoria萨尔瓦多·达利于1931年创作的一幅画作，也是超现实主义中最具辨识度的作品之一，首次于1932年在朱利安·莱维画廊展出，自1934年以来一直收藏于纽约现代艺术博物馆（MoMA），由一位匿名捐赠者赠送。它广受认可，并经常在大众文化中被提及。有时该作品也被称为更具描述性的标题，如《融化的时钟》、《软表》或《融化的表》。 3. 《女性的回顾胸像》 1933年创作Retrospective Bust of a Woman 乔治·德·基里科（Giorgio de Chirico 1888 - 1978）出生于希腊的意大利艺术家和作家。第一次世界大战前的几年里，他创立了形而上学艺术运动，对超现实主义者产生了深远的影响。他最著名的作品通常以罗马拱廊、长长的阴影、人体模型、火车和不合逻辑的视角为特色。他的意象反映了他对亚瑟·叔本华和弗里德里希·尼采哲学的喜爱，以及对他出生地神话的喜爱。1.《无限的怀旧》1911年创作The Nostalgia of the Infinite 2. 《二重奏》1914-15年创作The Duo 3.《焦虑的旅程》1913年创作The Anxious Journey 雷梅迪奥斯·瓦罗（Remedios Varo 1908 - 1963）西班牙裔墨西哥超现实主义画家，她最具代表性和最著名的作品都是在墨西哥创作的。《杂技演员（魔术师）》1956年创作The Juggler (The Magician)这幅画作中的杂技演员（或魔术师）站在一个充满奇幻物品和动物的嘉年华小车的平台上。他在一群身穿灰色斗篷、看似相同的人物面前表演。为了创作这一作品，瓦罗采用了早期文艺复兴大师的技法：她将准备好的素描转移到经过石膏底涂的面板上，并在表面上划出一些痕迹，以产生变化的质感。她还运用了转印技法，这是一种超现实主义者所喜爱的技法，将纸或铝箔等材料压在湿油漆上以转移图案，然后可以进行装饰。这种纹理效果可以在魔术师的服装和背景树木中看到。 弗里达·卡罗（Frida Kahlo 1907 - 1954）墨西哥画家，以许多肖像、自画像和受墨西哥自然和文物启发的作品而闻名。受该国流行文化的启发，她采用了一种天真的民间艺术风格来探索墨西哥社会的身份、后殖民主义、性别、阶级和种族问题。她的画作通常具有强烈的自传元素，并将现实主义与幻想相结合。除了属于试图定义墨西哥身份的后革命墨西哥运动之外，卡罗还被描述为超现实主义者或魔幻现实主义者。《剪短头发的自画像》。Self Portrait with Cropped Hair弗里达·卡罗与迭戈·里维拉离婚后不久，她画了这幅自画像。与弗里达以前总是穿着女性化连衣裙的其他自画像不同，在这幅画中，她穿着一套黑色的大西装，看起来像是前夫迭戈的衣服。 《受到威胁的刺客》The Menaced Assassin 这是比利时超现实主义画家雷内·马格利特 (René Magritte 1898-1967） 1927年创作的著名画作。 约瑟夫·康奈尔（Joseph Cornell 1903-1972）美国视觉艺术家和电影制作人，也是拼贴艺术的先驱和最著名的代表之一。受超现实主义者的影响，他也是一位前卫实验电影制作人。他在艺术创作上基本是自学成才，并即兴创作了自己的原创风格，将废弃和丢弃的文物融入其中。他一生中大部分时间都生活在相对孤立的环境中，在家照顾母亲和残疾兄弟，但仍然关注并与其他当代艺术家保持联系。《无题（玛丽婴儿）》1940年代创作Untitled (Bébé Marie) 塔西拉·杜·阿马拉尔（Tarsila do Amaral 1886-1973）《月亮》 1928年创作The Moon"我想成为描绘我祖国的画家，"杜·阿马拉尔在1923年说道，当时巴西的艺术家和作家们正积极发展一种新的、本土的现代主义。画作《月亮》通过起伏的平面暗示了陆地、水和天空，以及一棵人形仙人掌，展示了艺术家对巴西景观的愿景。同时，杜·阿马拉尔的视觉语言借鉴了她在巴黎学习时吸收的欧洲艺术的实验性形式。 美国画家亚瑟·达夫（Arthur Dove 1880-1946）《柳树》1940年创作Willows 美国画家约翰·马林（John Marin 1870-1963）《海湾对面的卡纽本山》1927年创作Canuben Mountain across the Bay 马斯登·哈特利（Marsden Hartley 1877 - 19433）美国现代主义画家、诗人和散文家。哈特利通过观察巴黎和柏林的立体派艺术家培养了他的绘画能力。《傍晚风暴，缅因州斯库迪克》1942年创作Evening Storm, Schoodic, Maine在这幅描绘大西洋汹涌、令人敬畏的作品中，哈特利将焦点放在海洋的力量上。在缅因州阿卡迪亚国家公园的斯库迪克岬岸边，他发现了一个没有人类文明痕迹的场景——这显然很符合他的审美，因为他曾形容缅因州即“强大、简单、庄严”又“残酷”。这幅画是哈特利在20世纪30年代和40年代创作的一系列海景画之一，展现了他对美国自然风光及家乡缅因州的深深迷恋。 出生于拉脱维亚的美籍画家马克·罗斯科（Mark Rothko 1903 - 1970）1.《第1号（无题）》1948年创作No. 1 (Untitled) 2.《第 5 号/第 24 号》1948年创作罗斯科曾说：“我只对表达人类的基本情感感兴趣——悲剧、狂喜、厄运等等。”与许多抽象表现主义艺术家同行一样，罗斯科对纳粹大屠杀、二战战场上的巨大伤亡、原子弹等难以想象的暴行作出了回应，他相信抽象艺术的力量可以重申人类的最高理想。从 20 世纪 40 年代末到 1970 年去世，罗斯科一直在尝试在大型画布上分层浓密色彩的无限可能性。用他的话来说，他的画作让观者“沉浸其中”。他早期的调色板充满了鲜艳的红色、黄色和蓝色，有时它们会相互碰撞；后来，这些颜色逐渐变成了阴郁的深紫色和绿色，最后是黑色。对罗斯科来说，艺术是一种深刻的交流形式，能够传达他所描述的“人类情感的尺度、人类的戏剧”。通过这样的作品，他希望创造沉默和沉思的条件。 美国画家菲丝·林戈德（Faith Ringgold 1930 - 2024）《美国人民系列第20号：死亡》1967年创作American People Series #20: Die 法国画家弗朗西斯·皮卡比亚（Francis Picabia 1879 - 1953）《我在记忆中再次看见我亲爱的乌德尼》1914年创作I See Again in Memory My Dear Udnie在这幅描绘脉动、交错的活塞、孔口和电路的大型画作中，皮卡比亚将机械与生物融合在一起，体现了他对机器的偏爱，正如一位评论家所指出的：“皮卡比亚……承认他已经把以前的一切抛在了身后，并抓住了美国机械的天才，作为他艺术表达的新媒介。”这位艺术家还将《我在记忆中再次看见》与法国舞蹈家斯塔西亚·纳皮尔科夫斯卡（Stacia Napierkowska）联系在一起，他曾在乘坐从法国前往纽约的远洋客轮时目睹了她的排练。 阿根廷画家莎拉·格里洛（Sarah Grilo 1919-2007）于 20 世纪 50 年代成为布宜诺斯艾利斯艺术界领先的抽象画家之一，并于 1962 年移居纽约。在她长达十年的城市生活期间，这位艺术家将城市景观中的图像（标志、广告牌、撕毁的海报、报纸标题和涂鸦）融入到她的作品中。“在这里，我找到了绘画所需的一切，”她写道，“不断发生的事情可以融入抽象中，你所要做的就是向窗外看或走在街上。” 这幅画布上的字母碎片、数字、书法元素和松散的涂鸦呼应了繁华大都市的喧嚣和视觉刺激。《加法》1965年创作Add 克劳德·莫奈（Claude Monet 1840 - 1926）法国画家，也是印象派绘画的创始人之一，他被视为现代主义的重要先驱，尤其是他尝试描绘自己所感知的自然。在他漫长的职业生涯中，他是最坚定和多产的印象派哲学实践者，特别是在表达对自然的感知方面，尤其应用于户外风景。《百子莲》Agapanthus莫奈经常在户外作画，从吉维尼的植物、树木和池塘中汲取无尽的灵感。他庄园里的花园是他晚年最奢华的装饰；维护花园需要六名全职园丁。莫奈在池塘边种植了百子莲（一种细长、纤细的非洲百合植物），以及其他几种本土和进口植物，如紫藤、鸢尾和竹子。莫奈经常在户外作画，从吉维尼的植物、树木和池塘中汲取源源不断的灵感。他庄园内的花园是他晚年最大的奢侈品，其维护需要六名全职园丁的服务。莫奈在池塘岸边种植了百子莲——一种原产于非洲的细长、轻盈的百合植物，以及其他植被，如紫藤、鸢尾花和竹子等。 克劳德·莫奈的《睡莲》Water Lilies1515年，克劳德·莫奈在巴黎西北部的吉维尼小镇建造了一间大型工作室，用于创作他称之为“大装饰”的作品。这些作品描绘了莫奈在他的庄园内修建的壮观的睡莲池塘和花园。他在1954年至1825年之间创作了超过40幅大型面板画和数十幅相关的较小作品，这是他创作的巅峰时期。 1955年，现代艺术博物馆（MoMA）成为美国第一个收藏这些大型面板画的博物馆。当时，MoMA的策展人对莫奈的兴趣与当代艺术的趋势密切相关，像杰克逊·波洛克等艺术家的抽象表现主义绘画的宏大规模和整体构图，使得莫奈的大型绘画重新焕发了新的意义。自那时起，《睡莲》在博物馆中占据了珍贵的位置，确认了莫奈对艺术能够在日益紧张和商业化的世界中提供宁静与慰藉的信念。由于时间关系，我们只参观了纽约现代艺术博物馆的第五层和第四层部分展厅，期待日后再次造访！