绘画随筆

wanghsins

【 绘画随笔 】

1.0 【构图与构成】

具象的构图与抽象的构成，是经营画面的前提。

构图是由内容决定的，一般来讲，什么样的内容就需要什么样的构图去反映它。构图是指画面的宏观的布局（也可简化成几何构图）。关于内容，也有不同的表达方式，有人主张，一幅画就是一幅画，本身的内容不必让观者逾越画面。有人主张也不尽然。但不论何种内容与形式，画面一定要有观赏性，要美。

再说构成，它可以说是画面本身形式美，色彩美的抽象表达。是画面美感的保障。有了具体的内容之后，画者首先要做的，就是抽象化具象的内容，在画面上，安置它们，协调它们，各就其位。这里，也包括空间的设计。接下来就是色彩设计了，它的设计也是由内容决定的，而内容又是由画者思想出来的，比如一幅风景画，除了平稳而辽阔的构图之外，你要说的是何季节，何天气，何时辰，等等。那你就去找何色彩，定主色调。具体到画面里面的内容，去找色块，去取光色，按教科书上说的，最好是大方面的彼此临近色，细节方面的对比色（但要看你要表达的明度要求而定）。这些色彩选就，画者再去协调它们，从而完成色彩设计。一幅创作，一幅画面，有了如上的开头，就决定了此画的命运。

2.0 【线条】

潇洒的线条，向来是中国传统画的功力所在。它表现刚劲，飘逸，柔美，清晰的轮廓，等等。但在西画中，线条所表现的，只有两方面；一是暗处，二是动感，趋向。暗部表现为线条，已是清晰的极致了。所以，它不是简单的轮廓。无线的轮廓在西画中表现的更多，甚至，视觉中的轮廓是无线之线。线之延续，是视觉中感到的延续。此时，如又清晰的画出它，是不必的。所以，线条在画中无处不在。它所表现的内容，视觉效果，是多样的，又不能滥用。线条在画面中是宝贵的，它的重要性，就如同物象的基础钢筋一样。但画者应记住，线不是轮廓，而是暗部，是动态。有线之线与无线之线所表现的，当以无线之线为上称。又以必须的线条表现暗部及调子，以生动。广义的线，在艺术创作的各个领域，均以线索，时空的递进，方向，韵律，构图等，密切相关。所以，无论是看得见的，看不见的，甚至，思维之线，无不存在着，表现着。它或在视觉中，心灵中，自然中，表现着人们的情感，希望，主导着人们的形象思维。有时，它是那样清晰，有时，它又是那样朦胧，至于无形。只在人们的心里。

3.0 【层次】

视觉中的图画与现实中的图景如能达到一种近似之妙，而又不雷同，是绘画艺术表现的魅力。它所追求的，就是这种似是而非的境地。（尤其是中国传统画中的所谓写意，更讲究神似）。不论是具像的，或抽象的作品，要给观者一种感受。从艺术表现上来说，层次起了很重要的作用。历来画者总结出的比如几何透视，焦点透视，色彩空间，光晕空间等手段，都是用来表现层次的。散点透视，平面构图，以及图像与色彩的构成，也无不在表现着层次。绘画的内容，要表达的思想，是画法与技巧的基础，由此而知，丰富的内容，巧妙地思维，必是层次清晰的。好的作品，即使朦胧也是手段，并非思想。纯艺术作品，就更讲究形式美，更讲究形式的差异美，层次美。就色相本身的性质而言，也都各具其层。绘彩很重要的便是编织层次。广义而论，凡艺术形式，均愿以讲究的层次，传达给受众深刻的印象和浮现的美感。

4.0 【光与色】

光与色是图画的基本要素之一。因为图画是自然的再创作，而自然中时时处处都存在着光与色。中国传统画的明与暗，重彩与淡彩，五色之墨，乃至西画中的光色，更视之为其画的重要手段，或称为画面本身的生命所在。我们先浏览一下自然，在大自然中，所有的物象各有各的本色，没有光，是看不见各自的颜色的。那么光为何物？自然光绝大部分源于太阳光，阳光基本分为七色，在不同的时节，不同的的时辰，不同的角度，不同的参照物之中，视觉中的物象辉映着复杂而又丰富的色彩。自然光（所谓光源色，环境色）映在物象的固有色上，混成重色，这在画者的视觉中是分析不清的。而只能凭自己的感觉理性的去画它。并且，要协调画面的色彩构成。这种主观与客观的结合，既表现着客观的本色，又表现着画者的主观色彩。色彩本身与画者的心理反应，是共通的。画者取之成为自己画面的色彩调子，并力求满足视觉的舒适度。总之，不论画面的主色调是何种色调，完成一幅画，必须是全色的，基本色缺一不可，画者要去协调好他们。好的图画，既有精妙的色彩组合，又有光感，明度，和暗部的层次。这是对画面的理性要求，而不管画者是多么感性。

5.0 【中西画】

有人说，中国画是文人画，西方画是匠人画。也有人说，中国画是写意画，是意境第一。西画是写实画，模仿自然。还有人说，中画表达的是画者的主观世界，西画表达的是客观世界。再有就是说到中画是综合式的，内涵丰富。西画是分析式的，再现自然。这就谈到中西文化的差异了。单从画论，从内容到画法，如前所对照，中画写意无非是文人的心境，是表达着画者心理深层意思和哲理。而西画，大多如实反映生活实际和自然。在历史上，反映宗教题材的，中西画倒是很一致。西画究其科学性，历来远胜过中画，是科学表达。中画是字画一体，写的是意，是思想表达。中画者在笔法及思想表达方面下功夫。西画者则在三维空间，在材料，色泽，写实方面下功夫。单就表现而言，中画大多是二维的，西画大多是三维的。而如今，中西画在更多的相互借鉴着，艺术本是共通的，其本质是一致的，在美学上和功能上是一致的。只不过手段不一样而已。

另外，中画历来以人物画为画中上品，山水次之，花鸟鱼虫再之，这不仅说明其内容的画技难易程度，也反映了人们普遍的审美情趣。西画亦然。

6.0 【蒙娜丽莎】

史上人物画的经典之作，费罗伦萨人 达.芬奇15世纪画的【蒙娜丽莎】，后世很多人临过此画。临摹此画除了了解了一些关于此画的创作背景，和那时画画的材料之外，更多的应研究它的表现手法，用光，用色，构图，人物的姿态，表情，背景，等等。先看构图，半身人物画是习画者最应掌握的，人物头部在画面上三分之一处，侧身角度，面部角度，两肩，体态。看清身体从头，颈，肩，双臂，双手的位置和姿态。此画妙在左眼在画面的中轴线上，平视。背景是画者熟悉的景象，远而略俯视。地平线与眼平齐，整个人物在画面中心位置。此画用光仅限于人物本身，背景从略。画面光源侧左略偏高，高光点在胸前，光的明暗去反映人物面部的骨骼，肌肉，找到明暗分割线，何处为线，何处过渡，透视视觉，30-35岁年龄女性的肌肉的明快度，坚实度。眼睛虽已逝去青春的好奇与明丽，但充满了魅力。蒙氏是典型的南欧人的面容，眉目，身材。手部的描写，反映的是一双略大于比例的自在状态的手及腕部，放松时的肌肉感。初看此人物，中等偏瘦，但仔细看确是丰满微胖的体态。此画用色因年代久远变化很大，但临画者完全可以凭现代用色理论去描绘她，突出人物在画面中的光显度，偏暖。背景与天空，偏冷。人物面部暗部用一些蓝绿色，等等。据现代光学透视手段研究，此画共画了60多层次。

临摹经典，就像造访大师，那里有不尽的学问。你会得到书本上得不到的很多奇妙。也可以了解到油画的历史，演变。

7.0 【灵感与灵性】

灵感，说的是构思内容。灵性，说的是画面的表达。

说起灵感，往往是说到个性，巧思，情趣，反映的好，就会让人眼前一亮，启发观者的情思，像诗歌一样，引起观者的“移情”。但表达起来，也有个症结所在，首先灵感很难有，有了很难抓住，抓住了又很难表达的满意。画者永远的不解话题就是想的永远比画的好。这很好，很对。但画出满意的构思又是画者永远追求的目标。反过来说，画的比想得好，就构思而言，是不可能的。画者的眼力，观察力，审视能力，要永远优于他的画技 （当然，这需要大量的浏览名画，学习名画里反映出的理论）。大画家都应是“眼高手低”的。

再说说灵性，中国文人写文章，讲究的是文有文眼，画家讲究的是画龙点睛。这是指作品的灵气所在。具体说到一幅画面，灵性又是泛指的，俗话说，画的生动。这在下一篇【表现】里将展开说说。

8.0 【表现】

灵感的实现，贵在构思。画者注重的表现手法应是为之服务的，什么样的形式与画法能表达的好即是成功。一般而论，一幅画的表现理应做到重点突出，虚实兼顾，形象与色彩的相互衬托，烘托。工写结合，协调统一，等等。另方面，巧思而拙笔，精简突出。特色而精到，其余从淡。或突破常规的构图与用色，造成视觉亮点。又比如童心童趣，原色作画。等等。总之，画要意到为先，反之则本末倒置。画的好不如构思巧。所以，画者画什么比之如何画要重要的多。训练有素的作画技术是靠艰苦的努力能慢慢做到的。而画什么，巧妙的构思，形式与内容的选项，就不是谁都能做的好了。这就牵扯到功夫在画外的话题了，对生活的观察与考量，自身的情趣所在，知识面，修养与素质，对艺术史与门类的了解，心态，情结，等等。画者只对画画本身感兴趣是画不出好画的，信手而不出彩。反之才可。此话题从简。

再谈谈画面本身的表现。先浏览史上几位大家的表现，

梵.高眼中的世界，流光溢彩。而他本身的生活状态，惨淡流离。贵就贵在他的心理世界。于是，他有了美好的追求。美妙的表达。不从流，突显个性。梵.高的星空，也许就是他所真的看见的，那星星，衍射的光环，那是真的，别人看不见，他却看见了，如实的画出来。那天空的色彩，与层次，别人眼里那就是蓝，白相间，而梵.高看见的，如光谱分析仪映出来的面目。梵高有一双好眼睛。知道世界的色彩是五光十色的。并分析式的画出来。它画的靓丽的田野和花朵，在之前，别人画的都暗，而他，把纯色并置，用眼睛去调色，妙。亮 。后人，艺术史家才觉悟到，噢，这就是后印象画派的贡献。梵.高画的田园生活，充满了色彩的情趣，对生活的热爱，对大自然的热爱。而他的画法，表现，完全是拙笔童心。

伦勃朗的头盔。金属光泽的再现，似是晕出光芒。这里就提到油画的厚涂法与薄涂法。画面内容的需要是前提。不然就做作。以往的油画，自远古的石画，直到文艺复兴时期的彩画，由于材料，色料的不同，由蛋彩画慢慢变成现代油画。到17世纪的尼德兰画派的伦勃朗，人物画达到了顶峰。色料基本定型。于是有了薄厚的画法，伦勃朗是此时厚涂法最成功的表现者。也有人说，画不在薄厚，但需要厚的时候，也就是薄画已经无能为力的时候，就需要厚画了（一般情况下，厚色用于浅色）。薄与厚，看内容的需要很重要。

英国18世纪画家 约翰·康斯太勃尔的著名风景画作【干草车】，在当年轰动美术界。除了此画风情万种，水平很高之外，此画以它的成功，划开了美术史上新的一页。在此之前，西方画都注重宗教画，人物画。风景只是作为背景出现在画面上，因此，风景画的研究和表现都不主要。而此画在当时，是成功出现的表现最为突出的一幅。风景画，后人研究的比较完美了，它的再现自然的手法，透视关系，光与色的运用，构图的形式，等等。即是在当年此画也在这些方面达到了很高的水准，你可以看见此画的透视，色彩，等表现的非常之美。近景水坑的光与影，中部大树的逆光表达，远景的色彩，阴影中的层次感。还有就是此画的生活气息。人物的身份也再不是堂而皇之的大人物。此画在当时首先使风景及平民在画面上成了主人。所以，他开创了风景画的新时代。

阿尔玛.塔德玛 — 浅蓝色的调子。阿尔玛是英国维多利亚时代的画家，他的作品以豪华描绘中世纪前的世界而闻名。阿氏的画，用现实主义的手法表达了浪漫主义的情结。表现了古代人物及场景，画的美轮美奂。观察它们，你会发现，画面整体的色调极协调，明快。以浅蓝色的主色调设计最为美感。他的人物表现也非常之学院派，精准而潇洒。他是以美感取得成功的艺术家。

从曹吴到袁熙坤。隋唐时代的曹仲达，吴道子，以画人物留名中国画史。“曹衣带水，吴带当风”，成了中国传统人物画的最为出色的表现方式。此种表达里也可看到一千多年前的中国画除了仿形的水平，还注重了主体与客体的关系。人体的结构，动态，服饰。当是和唐诗一样的，后人很难达到的水平。到了近代，画人物的居然大家不多，直到现代，徐悲鸿，刘海粟，的中西合璧，吴作人，靳尚谊等的现代画院派。使中国画的人物画表现达到了有史以来的空前水平。当代，有几位人物画家很具特色；

先是关良（1900-1986）的京剧画，在画界画此种题材的很少，而像关良的画法的少之又少。他画京剧人物，是极精简，动感，拙笔童心，拙中见巧。不懂画的人原会以为就是儿童画。但儿童画又画不出。此种表现，又深藏功底。学院派画家们值得好好看。

二是范曾，故宫博物院中国古代服饰研究出身。白描人物，大气。除了笔触是自己的特色（写画），其余大有曹吴之风范，当代就很难得了。

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三是陈逸飞（1946-2005），学的是西画，现代油画。学后从过雕塑研究。后期画的题材是中国传统服饰的现代女性。最为亮眼。成就了他在画界的地位。用西画表现中国风，很是得体而时尚，美感淋漓尽致。他的多幅此种题材画，成了典范。

四是当代中国画法人物画大家袁熙坤，岭南派大画家前辈袁晓岑之子，动物画出身，曾画虎扬名。曾独身在深山老林与野生虎面对面对视十数秒，而虎竟礼离他而去。传奇的很。后画人物，他的画法是中国毛笔黑白五色，而不见笔锋，却是西画的用笔法。突破了传统，借鉴了西画的用光，透视，明暗，的表现方式和理论。简洁而神韵。曾应聘画过世界数十位名人的肖像。他把中国画风展现给了世界。以上四位，各具特色。画法表现手法不一。而均成功。现代人物画家靳尚宜，冷军等均是最优秀的代表。

从张大千到赵无极。 “500年出一个张大千”---徐悲鸿（语）。可见张大千（1899-1983）在中国画史上的地位。张大千画画无所不能，各种题材均画。但最为特色的还是山水画。中国传统山水画历来是国画中最具特色最具意境的内容。大家不计其数。张大千是近代最优秀的继承者。天才。他的山水画，明丽，清晰，积极。宏观虽是两维空间，但见微观三维空间。这也不奇，从画史而论，中国山水画张大千之前不注重色彩，有色也是“随类附彩”。而大千才使中国山水画多彩起来。而色彩一下就浓的到位。大千之前，山水画都是画出来的，而大千是泼出来的。从此才有了泼墨山水画。大千不从西画中领略形式，而是注重效果。他的画，仍是典型的地道的中国画风。研究张大千的专家很多，不再累述。

再看旅法画家赵无极（1921- ）。赵无极为人所知，是因为他的山水风景又进了一层。他身在欧洲，仍多画中国画，尤以山水风景画的特色著称。从画面的色彩看，他的画已经是西画色彩，也用了泼墨泼彩。重要的是，他抽象了画面的内容。朦胧了它们，这样，从视觉角度，就增大了画面的内涵。朦胧诗一般了。其实，抽象画在现代画中很多，但在中国传统画中，几乎没有。赵无极借鉴了大千和抽象画的表现手法，把中国山水风景画抽象化的表达了。这种融合感动了人们的视觉。

以上数例，说明了表现手法的不同，内容的不同，但都达到了绘画艺术的高峰。这里想说的是，画者在画画的历程中，慢慢的会找到适合自己的表现手法。用个性的表达方式，画出优秀的作品。

再介绍两位现代画家，一位是荷兰版画家埃舍尔（1899-1972），一位是台湾的几米（1958-）。这是两个很特色的画家，埃舍尔之前，沒有人画过他这类画。几米之前，也沒人画出他这种画。传统画派，无论中画西画，都是用逻辑表現形象，或形或神似，表达作者对时代对生活的感知。而埃舍尔不然，他的画基于对現代数理逻辑，现代哲学认识论等的认识与理解，以其二维与三维的画面，用形象表现着以上的种种逻辑关系，已知的和未知的。悖论的与影变的，画面奇特而情趣。耐人寻味，给人启迪。他也是第一个用形象表现逻辑的画家。

台湾的几米，原本不是画画的，是一场大病的愈后，成就了他的画梦，他的画，初看似是儿童画，但你细品，他的稚笔童趣，所表現的完全是成年人的童梦，心境与世界，里面有幻想与現实，有社会的写实，現实生活中的纠结与解脱。他的绘本故事与情节也同样是浪漫主义的手法，现实主义的内容。

由此，我们可以看到，出色的画家也是思想超群的智者。

9.0 【绘画与视觉】

现代所谓的视觉艺术，是因为现代科技手段比之过去多了。现代的影视，舞台美术，光电艺术，等等。绘画艺术作为传统门类，比之过去也更讲究其视觉效果了。绘画艺术的视觉效果，也同样是指与观者的视神经（传感到大脑）的互动效果。宏观而论，感染，激越受众的情致。传达美感，思想，愉悦于受众。具体到画面而论，简而言之，要看视觉效果。那就要研究手段了。比如印象派的贡献，就是色彩与光感的分析式的表达。现代派的贡献就是反思传统具象画。抽象派的贡献就是独立出画面的形式美。等等。画面表现时，充分联系到了人们视觉感受，比如视差，错觉，透视原理给观者正反两方面的视觉效果，色彩心理学，等等。当画者有了这些常识之后再作画，你还会简单的去描像与不像吗？还会以为自己画的对吗？此时画者的理性会告知你，站到远一点再看看吧。或等一段时间再看看吧。画者也许要动手欺骗自己的近视了。中国唐代大诗人白居易写的很多小诗，据说都给乡下的农人事先读过，看看听听他们的意见。画者一幅画，画的时间长了，就熟视无睹了。请来友人冷眼评价一下，都是很有效的鉴定。不要太相信自己就是画对了，不一定。画面的色彩，明暗，造型，都是相对的，是对比出来的。只有对比才能立得住。才能光彩。绘画的艺术性首先是看受众的感受，受众不一定说得清为什么好与不好，但受众一定会说得清好与不好。视觉艺术是给受众看的艺术。这很重要。

10.0 【色彩】

玫瑰色

淡淡的玫瑰色，就像淡淡的温馨，萦绕在你的眼前。有谁不喜欢这温馨的色彩呢？它是幸福的基色调。而浓浓的玫瑰色，往往表现爱情，它已是温馨之感的极致色了。爱情是寓于深深的蓝色中的红色。火热的红色在蓝色的心的海洋里，那不就是玫瑰色吗？玫瑰色同时又是浪漫的颜色，就像阳光下微微睁开淡蓝色的眼睛，里面反射着火热的爱恋之微红。所以，它是爱的颜色。这爱包括了对生命，对生活，对亲人爱人，对世界。玫瑰红在微微的映着你时，你会感到幸福。他离你不远也不近，像是靠近你又离开你的梦。在草绿色的映衬下，玫瑰红火一样的映入你的眼帘，夺去了你的全部视线。此时，无论是什么颜色，都显得暗淡无光了，唯有它那温馨，纯净，快乐，而又内敛的性格与你的心相溶，相映。像你恋爱时一样。

紫色

紫色的天空，云缓缓的变换着形象。一会儿与天空对比着颜色，一会儿又与它融为邻近色，找着自己的感觉。而天空那紫色的黄昏调子却始终未变。画者知道，随着夜幕降临，暗淡的天空潜藏着无限风光与变幻无穷的色彩，暗部丰富的的色彩与层次是画者追求而始终达不到的境界。在暮色的水边，坐着休息，除了体味清凉的空气，更多的是眼前朦胧的视觉所带来的心理感觉，一切都那样微妙，那样的诗意，而且，每个人所感觉的都不会一样，有的喜欢那种灰灰的暗绿的光与影，有人欣赏墨蓝的背景，有人愿意寻找暗中物象的轮廓线。而眼前总的色彩是紫色。是神秘的紫色。紫色中含有红与蓝的成分，而这两色是遥远与逼近的特质，是热烈与冷静的性格。所以，它有着说不清的表现力与神秘性。与之相对应的金黄色，却单纯的多，黄色只有与紫色相伴时，方显出它亮丽如金的本色与价值。所以，紫色是体现价值的颜色。于是，又有人说紫色是高贵的颜色。偏暖的紫色称为紫红，偏冷的紫色称为紫兰，再拉开些是暗红与藏青，它们均已沉稳而优雅的气质表现着（与浮华或低微相对应的）高贵。在最令人喜欢的清晨与黄昏，总的来说，吸引你的，感染你的，是紫色所带给你的一切。

棕色

棕色或赭色在所有的复色中，应被称为等待或期待的颜色。它在中性色中略感温暖。一切原色（红黄蓝）都可以在它上面尽情的表现。而原色，也就成了表现的色彩。在棕褐的底面上，由亮丽的原色去表现，一定是漂亮而合理的。因为，画面会给观者的视觉满足感，温度感，舒适感。难怪经典大师们大都垂青这底色。凡出色的画作，大多是以棕褐色为背景色，在它上面，无论是表现人物，或风景，均已沉稳而光感逾越画面，逾越生活，逾越自然。留在美术史上的精品，很多都以此为基调，这是很有力的证明。

橙色

在所有的色彩中，最为亮丽照人的莫过于橙色。橙色里含着黄色与红色的元素。单纯的黄色，平淡了些；单纯的红色，又过于艳丽，而二者的结合，便凸显出二者的优势。橙色亮丽而响亮。和绿色一样，最富表现力，是振奋而明丽的色彩。橙色在紫灰色的衬托下，又显得无比高贵而典雅。高贵的品相，首先是以真实为基础，那便是太阳与鲜血的价值。典雅的品相以精到为贵。所以，橙色的用笔要以精到方能体现典雅。精到的笔触与用色是十分吝啬的，但又最为可贵。尤其是明亮的颜色，用的多了，反而失去了光泽感。黄昏的落日，挂在紫灰色的西天上，那落日的光芒映在天边的浮云身上，无比亮丽。那便是橙色的极致表现。

绿色

在色相环中，与红色相对应的是绿色。它是由蓝色和黄色混合而成。由此看出，绿色这种生命色彩，原本是由大自然的天空与大地的色泽蕴育而成。天与地育成了生命的色彩。所以，绿色是所有色彩中最具活力的色彩，它使人振奋，醒目，它是春之声。你想表现生命力，一定缺不得绿色。它几乎不用什么别的颜色来衬托就能突显而映入你的眼帘，映入你的心灵。在你心里展开一望无际的田野，与蓝蓝的天空，大海相伴。与金黄的大地与山岭相伴。这种大自然的和谐，会使你的心灵也获得和谐与舒适感。你的画作以此为基调，无论在表达什么内容，都不会逊色。观者都会在这充满活力的色调中，获得对生活与未来的美好憧憬和希望。

11.0 【传统画论】

宁方勿圆，宁拙勿巧，

宁空勿滿，缺可补新。

宏观求简，微观求真，

形似在神，神似入情。

中画写意，五色墨分，

韻在笔触，意在空冥。

西画写实，质感时空，

透视合理，色彩立魂。

雅俗不论， 个性是真，

巧思拙笔， 稚趣童心。

画中有意，意中成画，

墨色韻律，理同乐文。

12.0 【 材料 】

仅此说说油画的画面材料和颜料。

所谓油画，严格的说，是从14-15世纪的尼德兰画家杨.凡.艾克兄弟首先配制成功了现代的油画颜料而定名。以往大多是蛋彩颜料（在此不累述）。油画的画面材料不受限制，木板，硬纸板，画布，等等均可。但是，作画之前必须处理好底子。只说说现在人们画油画时的画面底子，一般是立德粉，水，亚麻油，松节油，植物胶或乳胶混合而成，为防止干后龟裂，外加几滴蜂蜜或甘油即可。混成稀乳状，涂在绷平的画布上，晾干后方可。但市场上也有卖成品涂料的，可用。近年来也大量可买到已涂好胶的画布，也可。画前最好在画布上均匀的涂上一层底色,或适当做些肌里（因内容而定即可）。

自从凡.艾克发明了现代油画颜料之后，要说的就是现在的油画颜料。现在的油画颜料，天然的矿石粉配制的很少，大多都是化学颜料，金属化合物。这里只谈谈注意事项，首先要知道哪些是透明色料，哪些是不透明色料。它们比重的差别。它们之间混色时的化学反应引起的颜色改变及克服的办法。（比如，尽量用买到时已配好的复色，比之自己调成的此复色明度高，稳定性也好。画面重置色彩时，不要底色很湿时就去重色。尽量用并置的色彩去表现亮丽的复色，等等）。白色颜料最好用锌钛白，但白色做调和色时尽量不用或少用。而黑色，最好不用调成的黑色。生赭用时要小心。一般情况下，所谓色泽的改变，大多是浅色变成暗黄，深色变成暗灰，也有画面长时间之后变暗泛黑现象，或明度变暗等等。好看的色彩表现，明而亮丽的色泽，尤其是在画室画时，最好的办法之一就是，画到一定程度时，等它一段时间之后再画。熟练的调色和眼光是靠长时间的经验得到的，高手作画可以看到他的笔触精简，色泽准而亮，不灰。初画者往往相反。画来画去，调来调去，把握不大，结果就是笔道乱，色泽灰而粉气。

至于调色油，一般可用亚麻油与松节油的混合物。也可只用其一种。也有用光油调色的，但要注意干了之后的效果。

現在，也多有用丙烯颜色（水溶性）画画的，如与油画颜色（酯溶性）混用，注意要在干透了的色底上才可好用。

总之，一幅成画，看的是最终效果。

【end】 2013.

本文中名词术语可参阅教科书。

一般画者可主要参阅:

中国美术史

西方美术史

怎样画油画（或创作）

怎样画国画 （或创作）

写生 素描

( 人物 风景 花鸟）

色彩学

各类画展

美术欣赏

艺术史

美学知识