花鸟写意画基础知识分享

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秋妍老师花鸟写意画基础知识分享

中国画可以概括3大类：山水，人物，花鸟

花鸟又分为有工笔和写意两种不同的方法，属于技法范畴。

写意即写情意。花有情鸟有态，它和人是有交流的，这就是一种意一种情。

写意即写情意。花有情鸟有态，它和人是有交流的，这就是一种意一种情。

这种交流也是人主观的意识，比如说牡丹花儿刚开的时候好像是含笑的少女；我看了以后感觉心情愉悦，就通过画画把这种愉悦心情画出，是一种物与我之间交融。如果你通过画画，把你的情表现出来的话，它本身是有情的。那么写意呢，就是我们用概括的简练的笔法去表现您的情和您的意这个写法。

在写意里面，除了概括和提炼，还有一种就是以书为画。

书法的线条用到写意里，可以让画面更生动，更富有笔墨韵味。而不显刻板。写意，就是我们表达心意的一种非常好的手段。

山水画和花鸟有什么区别呢？

山水是缩小，把广袤的场景浓缩到画面里；

花鸟画是放大，就像现代社会的特性镜头。

首先，要拜大自然为师，再请老师指导，拜老师为师。

第二，咱们要从造型，笔墨，构图，色彩进行全方向系统的学习。

第三，学习“读画”

二、写意花鸟画的基本技法

(一)用笔。中国传统绘画以线条为基本造型手段，而线条的变化与用笔方法密不可分，所以画写意花鸟画首先要掌握基本的用笔方法。

中锋用笔、侧锋用笔、顺笔、逆笔因在之前已讲过，故不再赘述。

下面，我们说一下其他的用笔方法：

👉提、按、顿、挫。提和按是一组对偶范畴[玫瑰]。运笔时，把笔提起一些，笔画较细；按下去一些，笔画就较粗。这是我们比较容易看到的。其实，提和按又是相对的，提中有按、按中有提，才能使笔画细而不轻、粗而不滞。如果把笔重按一下，就称为“顿”。连续顿笔称为”挫”。

左图是吴昌硕的梅👆拖、拉、扭、转。

如藤本花卉中的藤条多用这种方法绘出。需要注意的是，画曲折缠绕的藤条时，用笔看似灵活自由，实则行笔不能太快，有的地方还要疑重有力。画一组藤条时，用笔要充分体现出轻重、缓急的节奏变化[玫瑰]。

齐白石和吴昌硕的菊👆

勾写之法。

写意花鸟画中的线条，前辈画家一般不说是“画”出来的，而说是“写”出来的。从郑板桥的写字如画兰、画兰如写字和吴昌硕的“直从书法演画法”，可以看出前人对用笔的重视。

一件优秀的绘画作品，不光要具备有生命力的线条，还要有一股气贯穿其中。只有这样，作品才能焕发神采。

江寒汀的花鸟👆

破笔法。

有意把笔头散开，可出现多笔画的效果。这里的“多笔”有两层意思：一是因笔头散开，画面上自然出现一些粗细、方向不同的笔画；

二是连续、不同方向的重叠用笔，使线条纵横交措、疏密有致。如小写意画中羽毛、枝干、石头的画法和大写意画中阔叶的画法。

这就要求我们用笔时注意笔的起行转收、轻重缓急、虚实浓淡、抑扬颅挫等变化，充分发挥笔锋、笔腹、笔根三部分的性能和作用，根据表现对象的需要灵活用笔

但是掌握了这些基本的用笔方法之后，如何写出有生命力的线条？如何表现物象的精神特征？

这就要求我们用笔时注意笔的起行转收、轻重缓急、虚实浓淡、抑扬颅挫等变化，充分发挥笔锋、笔腹、笔根三部分的性能和作用，根据表现对象的需要灵活用笔

👉要达到以上用笔要求，还必须掌握执笔方法。写意花鸟画的执笔要比书法自曲得多，作画中的拖、拉、扭、转等笔法并不是书法的执笔所能达到的。尽管绘画与书法的执笔方法不同，但基本要求都是一样的。

苏东坡说：“执笔无定法，要使虚而宽。”这“虚”、“宽”二字，正是书画用笔的根本要领。

(二)用墨

用墨和用笔是密切相关的。笔和墨一直是不可分割的一物两面。自唐代王维提出“水墨渲染”之法后，墨法就被提到与用笔同等重要的位置上来。在用墨方面，前辈画家为我们积累了丰富的经验。

墨是中国绘画特有的颜色。历来有“墨分五色”之说，即焦、浓、重、淡、清，亦有黑、白、干、湿、浓、淡六色之说。

这些皆是指墨与水调和时，因含水量的多少和用笔方法的不同而产生的变化。

浓淡墨：浓和淡是相对的。刚研磨好的墨浓厚，直接画在纸绢上黑而有光泽，称为焦墨。

在焦墨中加少许水，浓黑程度次于焦墨，墨黑而华润，称为浓墨[玫瑰]。

把水分加多，使墨呈现出一种灰色，即淡墨。

比淡墨重但比浓墨轻（淡）者为重墨。

如果水分加得很多，墨落纸后只留下淡淡的青灰色痕迹，就是所说的清墨了。

其实墨的变化远不止五六种，在水的作用下会产生万般变化。

干湿墨：干与湿也是相比较而言的。人们对干与湿的认识有个约定俗成的概念，何为干墨，何为湿墨，并不需要一个明确的界定，就能很自然地判断出墨的干湿来。

干墨、湿墨又分浓干、淡干、浓湿、淡湿四种。

通常情况下，干墨利于勾、画、皴、染，湿墨便于涂、扫、点、染。

当然，以湿墨勾画、以干墨点染的情况也常见。用墨之道，实无常理。只有根据画面的需要随机而动，才能既合物理，又符画理。

积墨：用重墨或淡墨连染带激，亦可淡、重墨相间连用。积墨法的要点一般是第一遍墨干后再加第二遍，第二遍干后再加第三遍，直到符合要求为止。

每遍用墨的深浅、多少不固定，要以画面的需要来定。

在写意花鸟画中，积墨法多用于画石、画较粗的枝干和阔叶。

破墨：在第一遍墨未干时加第二遍、第三遍墨，其目的是用墨冲开原有未干的墨块，使第一层墨随着第二层墨产生晕化而重新组合。冲开的墨可以是第一遍墨的全部，也可以是一部分；可以用淡墨冲破浓墨，也可以用浓墨冲破淡墨，甚至还可以用水破墨、用色破墨，使墨产生意想不到的效果。

泼墨：即用大笔蘸大量的墨以较快的速度运行于纸上，所得到的墨痕如打翻的墨池一倾而下，痛快淋漓、变幻莫测。

张大千的泼彩山水👆视觉效果非常震撼

渗墨：由于笔头含水分，墨痕周围会渗出淡淡的水迹。用此法可以增加墨色的润泽感，并使画面产生毛茸茸的效果。（画云雾就可以使用此技法，课程后面会学到）

化和冲：化其实是破墨的一种，即用清水破墨之法；冲是用水或色将部分或大部分墨冲挤出原有墨痕之外。这两种方法都是在原墨未干时进行。

作画要有笔有墨。笔是骨，墨是肉，笔离不开墨，墨离不开笔。我们在学习传统笔法、墨法的同时，要有批判地继承；面对外来艺术思潮，要有选择地吸收。在艺术实践中，我们要逐步积累用墨经验，推动用墨技法的发展。

(三)用色

在“画道之中，水墨至上”观念的笼置下，中国画的用色同笔墨相比一直处于次要地位。

历来论画者，或论笔墨，或淡章法、意境，真正涉及到用色的论述少之又少。

实际上，中国传统画家对色彩的重视要比对笔墨的关注早得多。明人文徵明说：“余闻上古之画全尚设色，墨法次之，故多用青绿；中古始变为浅绛、水墨杂出。故上古之画尽于神，中古之画入于逸，均各有至理，未可以优劣论也。”要想创作出富有现代感的花鸟画，用色是主要突破口之一。

写意花鸟画的用色和山水、人物画略有不同。

山水、人物画用色称为着色、染色，大多已有完成或接近完成的墨稿，着色实标上是根据画面加染颜色，较少用色直接描绘形体（山水画中，远山、流云的处理亦有落色成形的现象，但一般在画面上不占主要位置)。

而写意花鸟画以色直接塑造形象的情况较为普遍。

写意花鸟画中的用色和用墨一样，有着轻重、浓淡、深浅的变化，色彩亦有冷暖及中间色的区别。

在小写意花鸟画中，这种区别比较明显；但在实际运用过程中，却较少考虑色彩的冷暖对比关系（尤其是在传统写意画中），多关注各色在画面的相合相适。

如“青紫不并列，黄白不随肩”、“大红大绿偶然一二”。青和紫都是冷色，配在一起则更冷，易使人产生悲怆之感。黄和白都是明色，黄调入白或白调进黄都可增加自身的明度。但黄、白二色并列既不醒目，也不易分辨。大红、大绿对比强烈，色块放在一起不仅会破坏画面的统一，也易产生俗气之感。如需二色相并，多在绿色中加墨，或调入其他颜色，使色彩沉着稳定。这些都是前人用色的经验。

清人邹一桂说：“五彩彰施，必有主色，以一色为主，而他色之。”这就是说，写意花鸟画的用色，既要有对比，又要有统一。中国山水画的“青绿”、“浅绛”都可说明这个问题。

这就是说，写意花鸟画的用色，既要有对比，又要有统一。中国山水画的“青绿”、“浅绛”都可说明这个问题。有些国画家在绘画中采用西方绘画中的色彩观，也是想强化这种对比统一关系。

写意花鸟画虽然不像山水画那样有一个统一的基调，但对色彩的选择同样存在一个主从关系。所不同的是，写意花鸟画中的墨（线和块）和留白会一起参与画面色彩的构建，并起到理想的调和作用。

传统中国画的表现手法惯于把自然物象加以“意象化”，在心物同构的宏观把握下，不仅造型出现以心意为主的倾向，而且用色也受到情感的左右。前人喜欢以兰竹喻君子、以松梅比风骨，画几棵白菜也题日“清白传家”。

色彩是绘画的重要语言。

明确了花鸟画的用色特点和要求后，如何使用色彩便成为下一个要探时的问题。现就传统花鸟画所涉及的几种用色方法简述如下：

平涂法：多是先勾出形象再填色，或一次平填，或按物象色彩的深浅、轻重、厚薄分数次加填。

写意花鸟画使用较多的是填染结合之法。如填染菊花的花头，虽然一两个花瓣（色块）的色彩变化不突出，但多个色块组合在一起就能显示出色彩的变化。

点写：是写意花鸟的惯用手法。点写又叫点簇、点厾。它已完全抛开勾勒所产生的形的依托，用色去直接塑造形象。简单处，一两笔即成；复杂处，数笔而成，力求形象准确生动。

此法和用笔关系最密切。大的色块不仅色彩变化多，用笔方法也一变再变。还有一种点写方法，是先用墨或色点写出一定的形状，这形状和要表现的形体既相仿，又不完全一样，有一定的距离。或者说，第一遍点写不到位，再多次点写，直到达到色与形的吻合。

不过，此法多是有意而为之，以达到形准色润的效果。

无论是平涂法，还是点写法，都有一个统一的要求，即“色不碍墨”、“墨不碍色”。

在工笔画中，色彩盖住原来的墨线可以补勾，使原有墨线重新醒出。但写意花鸟画中就很少有这种机会了，任何小的不慎都有可能导致整幅画的失败。

烘托和反衬：烘托也叫烘染，目的是使浅色或白色的形象突出，多在轮廓周围用淡墨或淡色烘染衬托。反衬的目的和烘托相以，但手法是把颜色染到纸或绢的背后。

如画白花，可于勾花后在正面染白色，在背后衬以重粉，这样既可以使形象更加突出，又能保特画面的洁净。（大家已经学过就不放视频啦）

以上就是老师今天要做分享啦[跳跳]