西方顶级人体雕塑艺术作品欣赏系列（世界20世纪雕塑代表作）

山谷回声

［鬼斧神工的人体雕塑，多少人为之倾倒］ 19 －20跨世纪意大利的雕塑家洛论佐巴托利Lorenzo Bartolin（1777-1850）出生在意大利的普拉托市，在那里度过了自己的童年时期，在后来顺利的进入了艺术学院，学习艺术绘画的创作。通过在石膏上反复的雕刻来锻炼自己的技巧。（因篇幅有限，在19世纪雕塑作品美篇中亦有介绍他的部分作品介绍）。 ［康斯坦丁 · 布朗库西（ Constantin Brancusi ）］ 康斯坦丁 ·布朗库西，法国雕塑先驱，20 世纪最具影响力和原创性的雕塑家，（ Constantin Brancusi ） 1876 年出生于罗马尼亚霍比塔的农民家庭， 1957 年逝世于巴黎。长期活动在法国。其间一个时期（ 1913 年左右）曾受立体派和黑人雕刻的影响，开始制作简化造型的雕刻，他只选择少许主题，以不同材质去创作。公认为是 20 世纪最具原创性的重要雕塑家。 布朗库西从小受到民间木雕工艺影响，最初，在祖国生活时期就读于工艺学校，后来，进入首都布加勒斯特美术学校。 1904 年抵达巴黎， 1907 年，布朗库西毕业于美术学校 (Ecole des Beaux─Arts ) ，并且一度进入罗丹工作室。仅一个月后就离开罗丹工作室的他不断寻找雕刻的臻美和优雅，运用最纯净想象驰骋艺术创作简炼境界的布朗库西，创作理念不仅对现代雕塑艺术有着极为重要的启发价值。布朗库西说：“东西外表的形象并不真实，真实的是东西内在的本质。” 1907 年，布兰库西得到了担任奥古斯特 ·罗丹助理的机会，但仅仅一个月后就离开了，他解释说：“在大树的阴影下，什么也长不出来。”但同时，他知道了自己不要做什么样的雕塑。当“罗丹们”在用粘土建模并铸造铜像时，布朗库西依赖于他年轻时学到的技术，直接用砂岩、石灰华和大理石雕刻作品。这是一个起点。布朗库西租下了一个独立的工作室，他富有想象力和革命性、追求造型极度单纯化的雕塑开始了。这位艺术家固执地将物质世界一减再减，回归最纯粹的形式，不仅成为了一种新的艺术主流，更是艺术消费市场发生突破性变革的标志。 　　布朗库西年轻时在自己的祖国学习艺术，1904年前往巴黎继续在美术学院进修。在那里，他被邀请与著名的雕塑家奥古斯特·罗丹一起工作，但他拒绝了这个提议，并决定为自己工作，他喜欢在的雕塑中使用最简单的形式，并不喜欢罗丹作品的外在表现。 康斯坦丁·布朗库西的一生都受到国际社会的广泛关注。 “我的工作目标，最重要的是现实主义，“ 他曾经宣称。“ 我追求的是内在的，隐藏的现实下，物质的本身是自己内在的根本；这是我唯一深切注重的。” 作为现代主义的奠基人之一，布朗库西的作品在很大程度上是具有比喻性的，由各种材质构成，包括闪闪发光的青铜、大理石、石头、木材。 在他成熟的职业生涯中，布朗库西与当时居住在巴黎的几位知名的前卫艺术家结识，如路易丝·布尔乔亚，毕加索和马赛尔·杜尚等，并开始在巴黎，布加勒斯特和纽约展出他的作品，值得注意的是，他于1913年纽约军械库展览会展出他的作品，在那里他的雕塑革命性的抽象性质引发了争议。（注：军械库展览会，即绘画和雕塑展览会，1913年在纽约市第69兵团军械库举行。展览会的举办由美国画家与雕塑家协会构思，原本仅选择美国艺术家的艺术品参展，后来加进了欧洲现代艺术派别的作品。） 后来，他在欧洲、印度和亚洲旅行，最后返回巴黎，在那里继续工作直到1957年3月16日去世。2017年5月，布朗库西的雕塑《La muse endormie》（1913）在佳士得拍卖会上以破纪录的5740万美元的价格成交，打破了他在2009年创下的3730万美元的拍卖记录。参考：每周资讯| 自年初以来销售的10件最昂贵的作品。 如今他的作品收藏在许多艺术机构和博物馆中，包括所罗门·R·古根海姆博物馆，纽约大都会艺术博物馆，费城艺术博物馆，芝加哥艺术博物馆，伦敦泰特现代美术馆，巴黎蓬皮杜艺术中心以及里约热内卢现代艺术博物馆。 ［祈祷者］布朗库西代表作之一。 从布朗库西早期的作品中我们还能看到罗丹的艺术影子，从《祈祷者》以后的作品我们看到他已突破罗丹，开始了他自己的创作道路。在《祈祷者》中我们发现，析祷的女人身体被变形了，身躯变长，双膝跪地，四肢和躯干粗放简练，缺一只手臂。布朗库西通过他充满情感的宣泄和刀法的变化创造了一种新的节奏，对所刻画人物作了高度的极为恰当的简化。像罗丹的《巴尔扎克》一样，《祈祷者》被预定者所拒绝，但罗丹却从他的雕像中感受到一种新的语言正在生成。 ［吻］ 布朗库西代表作之一。这件作品完美融合了罗丹独特的浪漫主义和理想主义的同时，又将印象派画家捕捉瞬间自然光影的手法融会贯通，塑造了两个不顾世俗诽谤、毅然幽会的裸体男女。布朗库西的《吻》则选用了完全不同的表现方法 — 男女体积精简呈现几何形态，形体间结合完美，整件作品仿佛浑然天成，具备只有大自然中才存在的和谐与张力。在1912 年，这件作品的形态无疑是对传统雕塑形式的巨大变革。 这种语言在《吻》中进一步体现，并且越来越明显。当时已有罗丹歌颂男女纯洁、崇高、静穆的具象雕像《吻》存在，然而布朗库西却从另一个角度直接在石料上雕刻，稍加雕凿即宣告完成，展示了不但相恋、而且共生的男女。他在一块长方形的石块中间刻一条线，把石头象征性地一分为二，石头上部刻几缕头发和一个眼睛，表示这是两个紧紧贴在一起的恋人。石像没有腿，他舍奔了无关紧要的部分。《吻》怪诞的形式让人们震惊。如果说《吻》是作者创造力的爆发，那么《波嘉尼小姐》的创作过程则说明了他是如何通过艰苦探索才找到从具象到抽象之路的。 《波嘉尼小姐》——布朗库西作。 这是一件最著名的人像雕刻。马尔吉特·波嘉尼是一位罗马尼亚女画家，她与布朗库西于1910年在巴黎相识。1910年至1933年，布朗库西用不同材料给波嘉尼塑造了许多雕像，但是只保存下来三件大理石雕像和三件青铜雕像，这是其中最出色的一件铜雕。在这件作品中，作者运作夸张和概括的形式，表现了波嘉尼的内在精神世界和气质。这件铜雕的椭圆形脸庞、大眼睛和用手托腮的动作，与波嘉尼自画像十分相似。布朗库西用优美而和谐的线条突出了女画家的主要特征，使雕像具有一种迷人的力量。 《睡中的缪斯（La muse endormie)》布朗库西代表作。 缪斯是希腊神话中九个司文艺的女神的总称，常在山洞岩穴和清凉泉水旁歌唱欢娱。布朗库西在这一作品中打破常规，只塑造了一个椭圆形头部，稍微刻出眼、鼻、嘴等的造型。她那闭合的眼睛，修长的鼻，纤小的嘴，凝聚了女神的主要特征，表现出沉睡的神情。如果仔细观察，就会联想到她是一个正在岩洞里沉睡的美丽女神。这个 " 睡美人" 仅以一个头部来体现，其余留给观赏者去想像了。 布朗库西的雕塑艺术在当时和今天都有着了巨大的影响力。表现主义画家莫迪里亚尼领略了布朗库西作品中的单纯、变形、流畅、抽象的真谛，特别是大胆而适度的夸张和优美的形象，使自己深感获益匪浅，布朗库西作品中所具有的深远和朦胧的意味，让 1986 年去世的英国现代雕塑大师利 ·摩尔终生得以享用。布朗库西对待自己的事业一丝不苟，从不妥协迁就自己，他的传世作品几十年来越来越受到人们的喜爱。在创作《沉睡的缪斯》时，数易其稿，他都抱定一种对艺术的态度，毁掉自己很多不满意的作品。就算是对待较小型的写意式作品，他也十分严肃地对待，用自己的理念及智慧通过潇酒自如的雕凿与公众心灵沟通。布朗库西以独到的未来感去表现他所领悟的一切，无论是谁都会在他的雕塑作品中得到教益和陶醉。 ［Une muse ］ 他以优雅的几何形式重新审视雕塑的躯体和想法的艺术表现，通常是具备卵形和椭圆形状的特点，来唤起运动的，静止的和反射精神层面的。 ［布朗库西作品《睡》］ 来自罗丹传统的人物《睡》，有阴影的头部沉入大理石岩体之中，是追随这位大师的后期习作。 ［新生］ （上）布朗库西作品在《新生》这件作品中，椭圆的体积被切去一块，像是婴儿张着大嘴哇哇啼哭的样子。（下）（沉睡中的孩童头像及新生儿之二）。 ［王子X］ 布朗库西作品《王子X》的主题是非常初步的，题材也是非常基本的，尽管他的直接追随者极少，但后来在雕塑方面所发生的事态，事事与他有关联。 ［克娄巴特拉自尽］ 法国雕塑家Gabriel Jérame 创作于1910年的作品，克娄巴左手握有一条毒蛇，让毒蛇咬伤自已以中毒自杀。 ［法国雕塑家Deville Chabrolle ］ Deville Chabrolle 出生于1952年，在法国生活工作，青年时期就读于巴黎高等美术学院。以人物雕塑而闻名。对女性气质表现的尤为突出，作品沉思的表情，顺滑的线条，成为温柔的诱惑，有着无法抗拒的力度。 美国籍法国艺术家Philippe.Faraut雕塑作品 ［爱因斯坦头像］ ［Jacques Le Nantec 刻刀下美丽的人体，激情与优雅的完美融合］ 法国著名雕塑家Jacques Le Nantec（李能迪），1940年出生于法国南特，13岁开始学习青铜雕塑，16岁就举办了自己的艺术展，长大后深造于巴黎高等美术学院，作品几乎全是青铜材料制作而成。 他创作出来的人体雕塑具有理想化的造型，身体各部位对称匀称，表情平和坚毅，姿态优雅大方。因为从小就向往东方文化，他还给自己取了一个中文名字“李能迪”，东方的传统文化和艺术给予了李能迪源源不断的创作源泉。 他的作品如同一本书籍，需要摒除杂念细细品味，体会他想表达的那种恬静、抒情和纯洁的美，用心体会就能发现其中包含的精神。 　　但他不满足于往日的辉煌再创新绩，冲破抽象艺术与人物造型之间的界限，将十九世纪的写实艺术与二十世纪的现代主义相结合，终于创立自己独特的新写实主义风格。 　　经过长期的实践操作，他运用自己绝佳的天赋、灵动的双手和独特的艺术风格，创作出的作品被全世界收藏家所青睐。 　　雕塑家们喜欢通过雕塑人体来表现思想，传递感情和体现美感，李梦迪将这一层次再度拉升。他手下的人体雕塑体态轮廓清晰，肢体修长，肌肤光滑如缎。 ［猫与蝙蝠］他还参与了一些游戏角色的设计。 ［他所参与的游戏角色的设计］ ［他所参与的游戏角色的设计］ ［被紧缚人体雕塑 ］ 法裔美籍雕塑家Emmanuel Fillion，1966年出生在法国的索瓦松。他是一位师出有悠久传统雕塑学徒制的艺术家，这种制度可以追溯到中世纪。他从15岁开始雕刻，并作为学徒开始修复法国著名的历史古迹，如：圣母院、夏博尔德城堡、卢浮宫、文森的圣查佩尔教堂、亚眠大教堂、森斯大教堂、博韦大教堂、鲁昂大教堂、布尔日大教堂、穆林大教堂、布卢瓦大教堂等等… 舞蹈是他作品中的一个重要主题，女性形象是他灵感的源泉，作品也从古典华丽的巴洛克风格演变为更加流畅和有力的当代艺术表达。Emmanuel Fillion 的作品材质经过严格的手工雕刻；主题女人的形象，在无限的表达可能性中发展；最后是雕塑家赋予他的每件作品的深刻意义，这促使用户在形式和内容之间进行一次解释之旅，并且往往具有丰富的象征意义。 　　 卡尔·佩恩Carl Payne 是一位英国的雕塑家，出生于1969年的英格兰斯塔福德郡。他从小就喜欢艺术，曾经受当地议会的委托给喷泉公园的音乐台创作背景墙绘。在他的艺术道路上他一边学习一边进行雕塑创作，从伯斯勒姆艺术学校到亨利道尔顿雕塑学校再到斯塔福德学院，他的雕塑技艺一直在快速的提高。 在学校期间他也接触和学习其他艺术家的作品，例如 Rodin, Alfred Gilbert 和Charles Sargant Jagger等大师的雕塑作品深深地影响了他，而且他也从音乐以及女性形体上获得了大量的创作灵感，再结合拉斐尔前期的艺术风格，创作出了独属于自己的一系列艺术雕塑作品。虽然在大学时他读得是平面图案设计，但当获得一位商人的委托创作雕塑时，他大胆地接受了这一工作，并发现了自己在具象雕塑上的天赋，这改变了他以往的创作风格。 ［英国雕塑艺术家卡尔·佩恩雕塑作品欣赏］ 　　卡尔·佩恩：“我的雕塑是最高级别的具象艺术。每个创作的作品都成为一扇门，通过它我们可以进入超越物理的虚幻维度。对我的工作的需求，使我能够充分发挥我的创造性冲动。” 　　卡尔·佩恩：“我的雕塑的想法来自许多途径，包括神话，历史，宗教，音乐，这些都围绕神圣的女性进行。这个主题很多年前就找到了我，从此我就一直着迷。” 　　委内瑞拉雕塑家Maria Gamundi 的女性雕塑作品中孕育着一种力量，充满了强大的拉丁美洲血统。1970年至1973年，她曾在在纽约和意大利学习艺术。自1973年以来，她在意大利、欧洲、美国和拉丁美洲举办了重要的个人展览。 　　20世纪最有影响力的雕塑家之一，乔治·西格尔（George Segal）1924年，出生在纽约布朗克斯区，双亲具有犹太血统，是从波兰移居美国的平民。17岁时, 他参加库珀艺术与建筑联校(Cooper Union School of Art and Architecture)绘画班, 23岁进入普拉特设计学院(Pratt Institute of Design) , 两年后获得纽约大学艺术教育学士学位。 1956年西格尔被介绍到汉莎画廊。第二年阿伦·卡普罗(Allan Kaprow)选中西格尔的农场作为他早期偶发艺术的场景。几年后汉莎画廊关闭，他们又一起进人鲁本画廊。1958年,西格尔将自家鸡舍改建为雕塑工作室, 着手尝试各种雕塑的表达方式。 20世纪60年代初期，西格尔以其独特的画风步人美国画坛，开始成为一个艺术家。 西格尔参加了卡普罗在他的农场举行的一些活动，但他没有跟随卡普罗的演剧路线走。而选择了基于“劳动者的简洁和表面的粗糙感”的美术形态。1961年夏,西格尔在新Brunswiek教授一个成人绘画班。他经常鼓励学生利用零碎的或者平时不太可能使用的材料来装置作品。 　　 西格尔的石膏人像，通过组装实物的桌、椅等，来创造日常的环境。而后又开始摸索制作雕像的其它手法，如今已负盛名的“绷带缠绕技法”便由此产生。1965年，他开始将强烈的广告色涂在雕像上，其最好的例子应该是空想的《化装晚会》。代表作有：《电影院》《正餐》《坐在桌子旁的人》《刮腿毛的妇女》《时代广场之夜》《从瓷砖墙出来的姑娘》《毛毯上的姑娘》《大屠杀》《在红色柳条沙发上的姑娘》《塞尚之静物》等。 　　西格尔更关注现代人生活中越来越多的冷漠和备受关注的社会题材。在西格尔的早期作品中，“波普”因素体现在写实性上——白色的人物被置放在具体的环境中，形成强烈的反差和对比。他要表现现代工业景观对人类文明产生的特殊异化。西格尔曾经对自己的作品评价道：“人们将我创造的东西叫雕塑，但我对此的反应是，它就是日常生活中的人。” 他的石膏像与四周环境形成尖锐对比，参考米开朗基罗和罗丹的造型结合、塑造人物表面和躯干，以古典艺术的方式进入波普艺术。 　　乔治·西格尔是20世纪50年代末作为抽象画家开始他的职业生涯，但他逐渐感觉到，画室之外的世界有大多被忽略了。他尝试过制作石膏人像，但很快他就觉得还是另一种方法更好；用浸泡过石膏的布条包裹的办法制作真人翻模塑像。 西格尔通常会把他的人物安排在逼真的三维环境里，这些环境布置得像舞台布景，其中还有真实的物品作为道具，它们通常会让人想到某种都市环境。其效果就像石膏演员表演的戏剧中的某个时刻。西格尔的作品记录的是一种特殊的都市经验；我们每天都会遇到上百个陌生人。他们只是从我们眼前一闪而过，但他们常留下某种印象——地铁里的女孩、等待交通灯转绿的男子、旅馆窗户里的女人，或车库门口的男孩。从某些方面来说，他们是我们生活中的幽灵，西格尔也正是这样来表现他们的。粗糙无色的石膏表面让我们觉得这些人像毫无个性，但我们也发现，它们是直接从真人翻模而来，所以都是独特的个体。 ［乔治·西格尔及其作品介绍］ 乔治·西格尔（George Segal）是20世纪美国著名雕塑家和画家，他在20世纪60年代开始发展他的雕塑艺术，主要以人物雕塑为主，并将真实的工业材料与人物形象相结合，形成了他独特的风格。本文将从5个角度出发，对乔治西格尔及其作品进行。一、乔治·西格尔的艺术生涯 乔治·西格尔于1924年出生在纽约一座小城，他在纽约市立大学学习美术，并在20世纪50年代开始了他的绘画和雕塑创作，主要表现人物形象。1960年代他发现使用工业材料来创作雕塑可以产生更生动的效果，从而形成了他独特的雕塑风格。1963年，他的作品《商店》首度在纽约的现代艺术博物馆展出，成为了他艺术生涯的转折点。二、乔治·西格尔的诠释人物 乔治·西格尔的作品以人物雕塑为主，但他的雕塑不是简单的人体模型，他的作品中所塑造的人物往往有特定的意义，如《菲尔兹口罩厂工人》、《兵役医生》、《留学生》等作品，是专门为了表达特定的社会群体的生存状态，塑造了人性化和亲切感，受到了普遍好评。三、乔治·西格尔对材料的精细处理 乔治·西格尔处理材料非常精细，他在雕塑时使用铸型工艺，将真实的工业材料融入到雕塑中，创造了另一种新的雕塑语言风格。这种使用工业材料的技法创新，为他赢得了广泛的赞誉和更好的成就。四、乔治·西格尔作品的艺术风格 乔治·西格尔的作品风格独特，他的作品主要由大量的人物雕塑组成，形象逼真，衣服也非常细致，并以银色为主要色调，创造出一种新的“工业化”的美感。这种独特的艺术风格，使他成为20世纪重要的雕塑家之一。五、乔治·西格尔的作品对当今社会的影响 乔治·西格尔的作品揭示了人类面临的诸多问题，如商业化、战争等，通过他的作品将人类内心深处的压力和焦虑展现出来，具有强烈的现代主义表现力。在当今社会，乔治西格尔的作品仍然受到广泛的瞩目和欣赏，让观者在审美的同时，也能对社会问题有更深入的思考。总结： 乔治·西格尔是20世纪美国雕塑界的重要代表之一，他的作品风格独特，以银色和真实的工业材料为主要元素，以特定的社会群体生存状态作为表现主题，深刻揭示现代社会的诸多困境。在当代艺术领域，他的作品仍然具有强大的影响力。 DONT WA I ［偶然相偶］乔治西格尔(George Segal)，1989年，作品风格： ［大屠杀］乔治西格尔(George Segal)，1982年，风格：大地艺术。 ［休息舞者］．乔治西格尔(George Segal)，风格：大地艺术, 波普艺术。 ［超人类人物雕塑作品Jean-Louis Corby ］ 法国艺术家让 - 路易·科比（Jean-Louis Corby）扭曲和解构人体形态，以创造这些有趣的雕塑。