澳大利亚最大的美术馆（上）

༺ 报子胡同 ༻

文字，摄影，编辑 — 报子胡同 墨尔本是澳大利亚第二大城市，拥有“澳大利亚文化之都”的美称，从世界闻名的澳网、F1一级方程式到英澳板球系列赛的传统赛事；从遍布全城的公园到极富特色的建筑物，到处都散发着艺术气息。 在市中心Carlton老啤酒厂区这座百米高楼上，澳大利亚著名土著领导人、Wurundjeri土著部落的首领、墨尔本城市中的第一批土著居民和发扬土著文化的艺术家威廉·巴拉克（William Barak）的面部肖像占据了整个楼身，而人像的雕刻主要依赖阳台处所使用的白色混凝土形成的光影效果，使它成为世界独一无二的以人的头像作为装饰的建筑物。 悉尼歌剧院在世界上出名以后，墨尔本人也不甘落后，花大力气建造了属于自己引以为傲的国际一流的美术馆。 但是悉尼和墨尔本的“纷争”，并不会就此停息。这是一个堪比“京沪”之争的双城记。墨尔本人嫌弃悉尼人土，悉尼人嫌弃墨尔本人装，悉尼和墨尔本两个城市之间的明争暗斗已经持续了很多年了。悉尼人和墨尔本人，甭管有钱没钱的，尤其是墨尔本人，都有谜之优越感。 悉尼金融中心的地位成就了悉尼人的优越感。那种骨子里的乐观和随意，都能让你从言谈话语中传递出来，但这一切的一切，在墨尔本人眼里，就是一个字：土。你钱再多，经济再发达，少了文化，就是一片沙漠，这同皇城根下提笼架鸟的老北京人的优越感有异曲同工之处。 到每个城市首先想要看的就是它的美术馆、博物馆，来墨尔本也没例外。观看澳网期间，慕名前往著名的维多利亚博物馆参观。 维多利亚州国立美术馆(National Gallery of Victoria，简称NGV)它成立于1861年，是澳大利亚历史最悠久、规模最大的美术馆。馆内藏品极为丰富，包括许多世界公认的一流艺术品。 馆藏展品分别在NGV国际馆(NGV International)和NGV澳大利亚馆：伊恩·波特中心(NGV Australia: Ian Potter Centre)两座展馆展出。前者收藏欧洲、亚洲、美洲和大洋洲的艺术作品。 维多利亚国家美术馆国际馆本身的建筑也别具匠心，蓝色的城楼倒映在水中，成为一种别致的景色， 最特别的是大门，大门是用玻璃镜制成的屏墙，清水不断沿玻璃镜倾泻而下，犹如形成一挂迷迷蒙蒙的瀑布。 后者在NGV澳大利亚馆：伊恩·波特中心负责展示澳大利亚艺术，藏有殖民时期至今的原住民及非原住民的艺术作品。 美术馆的建筑十分引人注目，设计前卫新颖令人赞叹不已。有广大的中庭和以彩色玻璃为天花板的大厅，非常值得一看。 NGV的国际收藏品包括古代埃及雕塑和希腊陶器以及罗马艺术和哥伦布时期前的艺术。 还有一个专门的画廊，海洋艺术以及太平洋地区（美拉尼西亚，密克罗尼西亚和波利尼西亚）的土著文化展示。 它的亚洲部分以一系列壮观的装饰艺术品，以及一个展示约4000件作品的画廊空间，中国和日本艺术以及东南亚其他地区（包括印度尼西亚）的展品。 欧洲艺术收藏以绘画作品为主，创作时间可追溯至公元13世纪，拥有澳洲最大规模的法国印象派绘画收藏；NGV收藏品中的《欢乐的促进》、《牧羊和杂物贩》、《黄牛》、《雨中的就寝》都是法国印象派的艺术珍品。 著名的收藏品中有是罗丹的《思想者》、《罗素夫人》等青铜铸造作品；毕加索著名的《哭泣的女人》，法国印象派著名画家克劳德·莫奈和爱德华·马奈的作品也被该馆收藏。 巴勃罗·毕加索 PABLO PICASSO1937年1月，毕加索应西班牙共和国政府代表之邀，为即将在该年夏季举办的巴黎世博会中的西班牙馆绘制巨型壁画。1937年4月26日，正值毕加索创作壁画期间，德国飞机应弗朗哥将军的指令，对格尔尼卡市的巴斯克镇实行了三小时的轰炸，将其夷为平地。这场对西班牙平民的大屠杀震动了毕加索，激发他创作了大型壁画——《格尔尼卡》(Guernica)。 “哭泣的女人”系列创作于1937年底，被视为《格尔尼卡》的补充作品集。这一系列触目惊心的画作中，贯穿着一个鲜明的共同主题—将一个女人的悲伤赤裸裸地展现在公众眼前。这一主题源自《格尔尼卡》壁画最左侧的人物形象——一个歇斯底里地尖叫着的，将死去的孩子紧抱胸前、徒劳地想要逃离轰炸的女人。 爱德华·马奈（Édouard Manet）通常被认为是现代城市生活的画家，其主要图像反映了他那个时代的社会和心理模糊性。这件作品站在马奈职业生涯的开始，以特有的新鲜感完成，属于他一生中多次回归的次要主题：海洋和船只的图像。1848年，马奈未能通过法国海军军官学校的入学考试，但他在勒阿弗尔和瓜达罗普岛（Le Havre et Guadaloupe）上获得了自己的初级舵手通道，这是一艘前往里约热内卢的三桅船。在马奈关于这一主题的大多数其他画作中，海洋占据了画布的大部分，但在这里，马奈的兴趣在于船本身作为他沉浸在大自然中的载体。从舵手截断的视角来看，倾斜的角度和鲜明的灯光传达了画家对大海的热情。 奥古斯特·弗里德里希·阿尔布雷希特·申克《痛苦》（约1878年，安戈伊斯）布面油画（151.0 x 251.2 厘米）维多利亚国家美术馆，1880年购买， 是在一幅动物画的背景下审视更广阔的人类环境，《痛苦》是维多利亚国家美术馆最早的收藏之一，而在这幅画中所表达的崇高理想并没有被早期的参观者遗忘。1906年，这幅画被选为墨尔本收藏中最受欢迎的五张之一，2011年，在维多利亚150周年纪念日的国家美术馆里，这张照片再次被选为最受欢迎的五张之一， 《维特伊》克劳德·莫奈法国 1840-1926，1879 布面油画，费尔顿遗赠，1937 406-4Vetheuil是塞纳河上的一个农业社区，位于巴黎和鲁昂之间，当克劳德·莫奈于1878年4月搬到那里时，这里只有622名居民。 在整个1878年和1879年，莫奈在Vetheuil及其周边地区绘制了许多景观，观察了该镇在不断变化的月份的各个方面，因为季节性光线为其建筑和环境带来了不同的影响。莫奈对闪闪发光的彩虹色调的精湛处理为这幅典型的印象派画作赋予了夏日、抒情的感觉。 《埃特雷塔格罗斯的恶劣天气》克劳德·莫奈法国 1840-1926，1883 年布面油画，费尔顿遗赠 1913 582-2位于诺曼底海岸的热门海滨度假胜地埃特雷塔特位于海滩正上方，紧邻莫奈画作中描绘的景色的右侧，但这里没有给出繁华小镇的迹象。相反，该视图的框架集中在大自然的可怕力量上，水边挥舞的人物的微小尺度强调了大自然的威严。然而，提醒人们在埃特雷塔特周围无情的旅游路线，这在远处悬崖上步行道的沉重之字形中可以看到。 《蒙马特大道，早晨，多云的天气》 卡米尔·毕沙罗丹麦/法国 1830-1903，1897布面油画，这幅作品是NGV收藏中的第一幅印象派画作。为了更多地关注城市绘画，这位艺术家晚年在巴黎蒙马特附近的一家酒店里租了一个房间，在1797年的两个月的时间里，他从酒店房间的窗户上画了14幅蒙马特大道的景色。在这些画布中，毕沙罗不太关心地形，而是观察和捕捉光线和天气不断变化的影响。此外，酒店上层窗户提供的固定视角使他不仅可以记录天气模式和光线对林荫大道的影响，还可以记录下面的人群和交通不断变化的配置。 《灰色天气中的奥斯尼的维奥斯内河岸》卡米尔·毕沙罗丹麦/法国 1830-1903，1883 布面油画。费尔顿遗赠，1927 3466-31882年，毕沙罗和他的家人搬到了巴黎西北部的奥斯尼村，距离首都很近。这幅奥斯尼一角的画作，透过一棵树可以看到，是在毕沙罗摆脱典型的印象派风格，转而采用更坚韧的油漆表面的实验之后创作的，从油漆层的密度和笔触的复杂性可以看出。 《17世纪晚期的家禽场》梅尔基奥·德·洪德科特，荷兰1636-95，布面油画，费尔顿遗赠，1920 1067-3绰号“鸟类中的拉斐尔”，Melchior d'Hondecoeter是十七世纪荷兰最著名的鸟类画家。根据轶事记录，他训练了一只公鸡作为他的模特。艺术家可以这样那样弯曲公鸡的头并张开翅膀，而鸟将保持姿势，直到主人完成他的作品。他异国情调的动物园场景备受推崇，但他最受欢迎的画作是家禽场，巧妙地覆盖着道德主义的叙述。在这里，恐慌似乎战胜了鸟儿，原因是他们看到前景中躺着一个破碎的水壶手柄。这件物品似乎是用来杀死食用鸟的临时工具，在许多家禽场景中作为纪念品元素出现。 《穿越红海》尼古拉·普桑，法国 1594-1665，约1634年，布面油画，费尔顿遗赠，1948 1843-4尼古拉斯·普桑出生于法国，但他的大部分工作生涯都在罗马度过，在那里他画了这幅作品。普桑描绘了出埃及记（14：26-31）中的戏剧性场景，就在以色列人逃离埃及之后，法老的军队被红海卷走。站在右边的摩西向上帝示意，上帝已经变成了一朵大云。普桑通过绘制一系列放置在不同画面平面上的人物组来创造平衡的构图，这些人物群的比例从画的正面退去。这顺利地将视线引导回作品中，并创造了视觉节奏。他还在整个构图中小心翼翼地重复色彩，以补充他用来在作品中创造平衡与和谐的线性装置。 《塞萨琳·德·胡德托，巴兰特男爵，阅读保罗和维吉妮》路易丝·布泰勒法国1783-1828，1818年布面油画。Louise Bouteiller出生于海地一个富有的法国种植园主，并在巴黎接受培训。布泰勒的画作技艺精湛，色彩鲜艳，深受法国贵族的珍视。 这幅全身肖像是年轻的贵族塞萨琳·德·胡德托，男爵德·德·巴兰特（1794-1877）的保姆，她直到四岁才住在法国殖民地毛里求斯，她的祖父是庞普勒穆斯植物园的主任。塞萨琳二十三岁，拿着一本以毛里求斯为背景的流行小说《保罗与维吉妮》时，迷失在遐想中。穿着印度平纹细布礼服和佩斯利披肩，她像一个时髦的人。 《面包和鱼的奇迹》詹巴蒂斯塔·皮托尼意大利1687-1767，约1725年布面油画，费尔顿遗赠，1951 2360-4詹巴蒂斯塔·皮托尼与詹巴蒂斯塔·提埃波罗一起是十八世纪威尼斯的主要画家之一。皮托尼的方法与提埃波罗的方法大不相同，他以法国洛可可风格而闻名，依靠对图案的精心积累和对细节的频繁修改。面包和鱼的奇迹的叙述记录在基督教圣经的所有四福音书中。皮托尼的描写具有约翰福音（6：3-13）所特有的特征：“耶稣进了山......一大群人跟着他，他叫他们坐下，拿了五个饼和两条鱼，感谢他们把它们掰开，门徒分发了它们。 《约瑟夫被他的兄弟卖掉》弗朗切斯科·特雷维萨尼意大利 1656-1746，约1710年布面油画，费尔顿遗赠，1955 3209-4特雷维萨尼在这里创造了一个情节场景，同时展示了旧约中雅各的儿子约瑟被他的嫉妒兄弟卖为奴隶的三个阶段。从左边的森林里出来的是购买约瑟夫的商人，中间是他从他兄弟关押他的坑里抬出来，右边是二十块银子的交换。特雷维萨尼将这一场景设置在一个古典风格的风景中，参考了他的主要灵感来源，十六世纪的大师科雷焦和安尼巴莱卡拉奇。 《康沃尔郡的圣迈克尔山》克拉克森·斯坦菲尔德英国 1793-1867，1830年布面油画1830年作品在伦敦皇家学院展出，成为克拉克森斯坦菲尔德的第一幅引起广泛关注的画作。正如著名评论家约翰·拉斯金所写的那样：仅斯坦菲尔德的一部作品就为我们提供了与任何一位古典大师一样集中的海洋和天空知识，稀释后，他的生命都会持续下去。 《来自广场巴西诺·迪·马可》卡纳莱托意大利 1697-1768年，约1750年的布面油画从十二世纪到1797年被拿破仑军队接管，威尼斯一直是欧洲最重要的贸易强国之一。由于与君士坦丁堡的早期商业联系，威尼斯是拜占庭帝国贸易、产品和艺术传统的欧洲门户，包括壁画和壁画。在文艺复兴时期，这座城市也成为制造业中心，为欧洲和东方市场提供丝绸等奢侈品。到了十八世纪，威尼斯作为贸易超级大国的地位正在下降，但这座城市仍然是一个国际大都会中心，每年吸引成千上万的游客。卡纳莱托对威尼斯的看法主要是为意大利发展中的旅游市场制作的。 《阿姆斯特丹市政厅》格里特·伯克海德荷蘭 1638-1698，1690年布面油画1728年，英国记者丹尼尔·笛福写道：“荷兰人是世界的载体，是贸易的中间人，是欧洲的保险商和经纪人；他们买再卖，收进送出去，他们庞大的商业中，大部分是超越来自世界各地的供应，以便他们可以再次供应全世界。阿姆斯特丹市政厅是荷兰因其在早期现代全球贸易中的核心作用而积累的财富和权力的有力象征。前景中熙熙攘攘的场景以穿着非西方服装的人物为特色，反映了这座城市作为国际大都市和商业大都市的地位，吸引了来自世界各地的商人和游客。 《地中海港口场景》扬·巴普蒂斯特·维尼克斯荷兰 1621-1660，1652年布面油画在意大利工作了几年的荷兰画家维尼克斯（Jan Baptist Weenix）将意大利风格引入荷兰风景画。这幅画阐明了地中海对欧洲商业海事活动的商业重要性以及对荷兰财富和商业的广泛影响。在这个港口的塔文发生的贸易，旅游和工业组合中，有一位女士拿着阳伞，这是最近从亚洲引入欧洲的时尚配饰。一个穿着土耳其服装的男人似乎正在酒馆内部给他人看指纹。 《圣母子》佛兰德斯 Flanders，15世纪中叶 - 15世纪末木板油画，费尔顿遗赠，1923年这幅画背景中豪华的绿色和金色天鹅绒天篷反映了玛丽亚的高度地位和重要性。这是威尼斯发明的西赛尔天鹅绒的一个例子，涉及编织织物经线的高度以创建纹理图案，并且还具有产生闪闪发光效果的金属线环，称为allucciolati。文艺复兴时期的佛兰芒画家将这些纺织品收藏在他们的工作室中作为参考材料，并将天鹅绒融入他们的作品中，作为地位、荣誉和财富的象征。这幅画中天鹅绒上的石榴图案是生育、永恒和复活的象征，通过与奥斯曼帝国的贸易引入欧洲文化。 《礼仪问题》埃德温·朗1829-91，1870 布面油画，1871年购买NGV于1870年委托英国肖像画家埃德温·朗（Edwin Long）创作了这幅画，埃德温·朗是历史和圣经场景的画家。这个主题取自弗朗切斯科·帕切科的书《艺术》（Arte de la pintura，1638年），后来在亨利·沃兹沃思·朗费罗的戏剧《西班牙学生》（1843年）中被戏剧化。它展示了一名吉普赛舞者因被指控败坏公共道德而被带到西班牙宗教裁判所。被她的表演迷住了，神圣的审查员们身体前倾，他们严厉的面容因惊奇和愉悦而变得柔和。 《令人愉快的课程》弗朗索瓦·鲍彻法国 1703-70，1748年布面油画在1750年的巴黎沙龙上，法国洛可可时期最伟大的艺术家之一弗朗索瓦·鲍彻展出了四幅椭圆形画作。其中两个可以确定为《神秘的篮子》和《愉快的课程》。它们是鲍彻对田园风格绘画特别贡献的代表作。它们是对萌芽的浪漫的感伤描绘，背景设定在理想化的风景中，充满了对备受钦佩的古老年代的暗示。这里的母狮雕像是借鉴于内克塔内博狮子（约公元前350年）之一，这是埃及雕塑，在鲍彻时代是被放置在罗马万神殿外的，现在收藏于梵蒂冈博物馆。这些背景是以十八世纪中叶席卷法国的新古典主义为代表的。 《勒帕尼尔神秘的篮子》弗朗索瓦·鲍彻法国 1703-70，1748布面油画鲍彻创作这两幅画的灵感来源于巴黎的流行剧院。他是查尔斯·西蒙·法瓦尔特的朋友，后者在1740年代制作了许多戏剧。1745年，他的一部作品《坦佩的葡萄酒收获》取得了巨大的成功。该剧牧羊女和牧羊人之间的爱情故事被上演为一系列静态画面，上面表现了浓厚的田园气息。 《一位女士的肖像》安东尼斯·莫尔荷兰约1516-20年，木板油画作为十六世纪最重要的佛兰芒画家，安东尼斯·莫尔花了很多时间在安特卫普、奥格斯堡、罗马和马德里之间旅行，为欧洲贵族工作。他的主要赞助人是西班牙的菲利普二世。这幅肖像中女人的身份是未知的，但她被描绘得很正式，对莫尔典型的性格有敏锐的洞察力。她闪闪发光的黑色礼服意义重大；染黑的织物价格昂贵且很快褪色，因此被保留只用于重要的场合。 《伊丽莎白·沃茨利》托马斯·庚斯博罗英国 1727-88年，后来的格拉夫顿公爵夫人（Duchess of Grafton 1764/65）木板上布面油画庚斯博罗为十九岁左右的伊丽莎白·沃茨利绘制的肖像反映了他在绘画技巧中受到法国的影响。在1760年代，庚斯博罗在时尚的温泉小镇巴斯建立了成功的实践。由于健康状况不佳，庚斯博罗的佣金开始减少，但他在见到贝德福德公爵的管家时说：“我无法抗拒为贝德福德公爵做点什么的荣誉，以获得更多的好处”。庚斯博罗为贝德福德一家画了许多肖像，包括伊丽莎白和她的妹妹贝蒂·沃茨利也是一位著名的美女，于1769年嫁给了英格兰首相格拉夫顿公爵。 《乔凡娜·玛丽亚·费利斯身穿意大利服装》安妮·福布斯 1745-1834年， 1771年布面油画安妮·福布斯（Anne Forbes）是一位苏格兰肖像画家，她于1771年在罗马工作，这幅肖像是当时的女演员乔凡娜·玛丽亚·菲利斯（Giovanna Maria Felice）。在这里，菲利斯被画成西比尔斯之一的形象，西比尔斯是古希腊神谕，以代表古代众神传达预言而闻名。它们在十八世纪的文学和艺术中很受欢迎，当时许多女性被描绘成戴时髦的头巾，西比尔人经常穿着这些服装。这幅画于1772年在伦敦皇家学院展出，当时叫《一个意大利女孩》。约翰·拉斐尔·史密斯（John Raphael Smith）在这幅肖像之后制作了版画，他的职业生涯也很成功。 《伊丽莎白·兰巴特》，卡文郡伯爵夫人，艾伦·拉姆齐苏格兰 1713-84，1751 布面油画1740年代初，伊丽莎白·沃尔嫁给了卡文县的第5代伯爵福特·兰巴特，卡文县是阿尔斯特边境地区的一个爱尔兰县。可能是为了纪念他们的十周年结婚纪念日，在1750年代初期，这对夫妇在著名的苏格兰肖像画家艾伦拉姆齐住在伦敦时为他坐下。这件作品的特点是拉姆齐精致细腻的技术和矩形格式中的椭圆形边框。拉姆齐是十八世纪的主要艺术家，他的现实和自然主义方法打破了早期英国肖像画的形式僵化。他的作品强烈影响了一代艺术家，最著名的是约书亚·雷诺兹。 《路易丝-玛丽·德·法兰西》弗朗索瓦-休伯特·德鲁埃法国 1727-75，1763 布面油画从历史书到索菲亚·科波拉的电影，凡尔赛公主总是激发大众的想象力，经常被设想为婚姻谈判中的柔和色彩棋子。年轻的路易丝公主在亲戚的日记中是这样描述的；一个傲慢的孩子，喜欢奢侈和放纵。然而，在十几岁的时候离开宫殿，在巴黎郊外的一座修道院度过了几年之后，路易丝回来后对宗教比对婚姻更感兴趣。这种决心似乎在1760年代随着她的兄弟、嫂子和母亲同时去世而变得更加坚定，她觉得他们的财富和地位似乎对保护他们几乎没有任何作用。1770年，路易丝除了她的父亲没有告诉任何人，离开宫廷成为了一名修女。 《洛林的安妮·夏洛特·布里昂小姐》伊丽莎白·路易丝·维吉·勒布伦法国 1755-1842，1775 布面油畫维吉·勒布伦让人们看起来很漂亮。作为一名在男性主导的行业中工作的女画家她取得了前所未有的成功，因为她的画反映了她周围的现实世界。她对皇室和贵族的肖像是自然主义的，以一种打破常规的方式捕捉了个人的真实和特定的个性。她的一些（男性）评论家认为她的作品轻浮且品味不佳，但她知道她的客户想要什么：看起来自然，毫不费力地迷人。 《克娄巴特拉的宴会》贾姆巴蒂斯塔·提埃坡罗 GIAMBATTISTA TIEPOLO由伯爵Francesco Algarotti在1744年初直接从提埃波罗的威尼斯工作室购得，献给萨克森选侯兼波兰国王奥古斯特三世。作为萨克森宫廷成员，Algarotti在1742年向国王进言，提议“为德累斯顿的皇家博物馆进行严密合格的展品布置”。作为计划的一部分，他建议购入少量现代绘画，加入国王原有藏品中的早期大师作品当中可形成更为平衡的展品组合。 《京都市景鸟瞰图》(Rakuchu rakugai)屏风是日本城市的全景图，坐落在徘徊的金箔云中。这些史诗作品中最重要的主题是京都的帝国和首都文化。这些屏幕详细地描绘了城市居民的日常生活，正式仪式节日活动和重要地标，其中许多至今仍然存在。左边的屏幕显示了城市的西侧，有二条城以及帝国和幕府的盛会活动，右边的屏幕显示了城市的东侧，有充满活力的商人活动，京都着名的夏季节日祇园祭，鸭川和东山脚下许多着名的宗教地标。 从左至右：《俄罗斯夫妇》歌川国久二世日本 1832-1891，五国系列1861，江户（东京），日本彩色木版画《俄罗斯人郊游—横滨的假期》歌川贞秀日本 1807-1873，日本江户（东京），1861年，彩色木版画 《思想者》奥古斯特·罗丹法国 1840-1917，1884年青铜这是罗丹于1880年由法国政府委托的不朽的地狱之门项目的主要元素。对于新装饰艺术博物馆的这对青铜门，罗丹最初打算描绘十四世纪佛罗伦萨《神曲》的作者但丁；然而，这个想法变成了一个更普遍的创意天才形象 — 赤身裸体并陷入沉思。这个版本的《思想者》是罗丹第一次用青铜铸造他备受喜爱和钦佩的雕塑。 《让·保罗·劳伦斯》奥古斯特·罗丹法国 1840-1917，1881年青铜让·保罗·劳伦斯比罗丹大两岁，是法国第三共和国时期著名的历史题材画家。罗丹为他的画家朋友创作的雕塑使劳伦斯成为一个粗糙而灰白的人物，就像劳伦斯描绘宗教裁判所中的一个角色一样。罗丹后来回忆说：很高兴制作他的半身像，他友好地责备我，因为他张着嘴代表他的个性。我告诉他，由于他的头骨形状，他很可能是西班牙古代西哥特人的后裔，这种类型的特征是下颚突出。 《玛丽安娜·罗素夫人》奥古斯特·罗丹法国 1840-1917，1900-04 铸造青铜这件作品的主题是意大利出生的模特玛丽安娜·马蒂奥科（1865-1908），澳大利亚艺术家约翰·彼得·罗素（1858-1930）的妻子。这对夫妇于1888年结识了罗丹，他们是这位著名雕塑家的终生朋友。罗丹欣赏玛丽安娜完美的古典美，雕塑家认为，每个国家或地区的人都有自己独特的面部特征。在整个1890年代，罗丹以玛丽安娜·罗素的高贵特征为基础，制作了各种经典的石膏、大理石和青铜肖像半身像。 罗丹著名的《帕拉斯（雅典娜）与帕台农神庙》大理石和石膏就是以玛丽安娜·罗素夫人为模特完成的。玛丽安娜是他欣赏的希腊长相的朋友，她的五官在模仿古代雕塑时被打磨和模糊，与粗略凿成的头发和身体形成鲜明对比。 《爱是转瞬即逝的》（也译：逃离爱情），奥古斯特·罗丹法国 1840-1917，1890-92年铸青铜美的短暂魅力，爱的脆弱本质和欲望的挫败感激发了这个蜿蜒的色情雕塑。这里。罗丹巧妙地运用人形来传达爱的原始情感，从男人微弱的喘息中滑过。就像罗丹著名的《思想家》一样，这个人物群体最初是为不朽的项目《地狱之门》构思的。这是罗丹生前创作的罕见的富吉特阿莫尔铸件，因此它具有他想要的美丽丰富的色彩和精致的抛光。 《没有头盔的密涅瓦》奥古斯特·罗丹法国，1904年前大理石罗丹的大理石雕塑的主题是密涅瓦，古罗马智慧女神，代表艺术，正义，医学和战争。她是罗马时代最杰出和最强大的神灵之一，被赋予了非凡的力量，她是最有魅力的女祭司之一。由于嫉妒使她变成了蛇发怪物美杜莎，在人们的注视下变成了石头。而罗丹却为这位女神发明了一种理想化的类型。这座雕塑的模特也是玛丽安娜·罗素夫人。 《伏尔泰》让·安托万·胡东法国1741-1828，1778年青铜为了塑造著名哲学家、诗人、戏剧家和历史学家伏尔泰的形象，让-安托万·胡东从生活中着手，从1778年2月到当年5月作家去世，伏尔泰多次为他坐下。伏尔泰被证明是胡东最受欢迎的主题之一，他塑造了哲学家的几种不同形象，其中一些是在伏尔泰死后很久完成的。 《九号自画像》1986年，安迪·沃荷 ANDY WARHOL 1928–1987年美国沃荷采用商业化、无干预的艺术手法，探索与抽象表现主义中充满情绪的画作不同的艺术形态。从这幅怪诞自画像的创作，到1987年2月沃荷去世，只过了寥寥数月。画中的沃荷仿似一副鬼气森森、不具肉体的面具。 维多利亚国家美术馆永久收藏了75,000多件作品，是画廊活动和计划的核心。自 1861 年成立以来，该系列已经跨越了澳大利亚、土著和国际艺术、设计和建筑的历史和发展。随着其成长和发展，该系列在连接艺术和人的过程中，拥抱并反映了文化身份、艺术实践和地理的多样性。 奢侈品商品化从十六世纪开始，全球贸易在现代奢侈品观念的发展中发挥了至关重要的作用。进口材料和消费品在早期现代世界是稀有和昂贵的，这些物品的物理距离提高了它们的价值和可取性。在全球贸易的早期，皇室和皇室宫廷是奢侈品的主要市场，但到了十八和十九世纪，市场扩大到包括新的富裕、无产权消费者阶层。商业、贸易网络和海上运输的发展使来自亚洲的货物以及来自美洲和太平洋的原材料更容易获得。 商人和贸易商根据品味和时尚来销售这些商品，在进口奢侈品和精致、国际化的生活方式之间建立了联系。欧洲制造的对亚洲奢侈品的仿制品产生了更多的新产品和市场。全球贸易促成的精致消费文化得到了剥削性劳动制度的支持，包括使用奴役劳工和殖民扩张。奢侈品的兴起是现代经济和设计发展的核心，也是皇权和控制的有力象征。 行动自由 — NGV收藏的当代艺术和设计 跨越文化、学科和传统鸿沟，NGV收藏的“行动自由：当代艺术与设计”展示了NGV收藏作品，这些作品通过手势、技术和地理在当今当代艺术和设计实践中揭示运动的中心地位。 展览展出了来自NGV收藏的60多件作品，包括家具，照明，绘画，电影，雕塑和装置。该展览调查了NGV致力于收集新的，突破性的当代艺术和设计，探索，解选，批评和具有当代问题的玩具。 本次展览中的艺术家和设计师讲述了关于艺术和设计制作的复杂故事。展览以三个“乐章”呈现，每个乐章都以主要作品为基础，邀请观众考虑藏品的能力，以告诉我们当代生活中的运动、变化、感知和转变。 第一乐章以精选日本设计工作室nendo标志性的50把漫画椅子开场，2015年。每把椅子都位于网格中，本身就是一个角色，在平面和抽象之间移动。受日本漫画线条图的启发，作品主体是对家具如何通过手势传达情感的研究。 杉浦功悦 SUGIURA NORIYOSHI1964年出生于日本北部，后于大阪学习工程。毕业后，由于渴望采用天然材料制作三维造型，他开始学习日本传统的竹编工艺。杉浦的雕塑作品因其工学元素而十分独特，他利用“之”字支架组成复杂的几何形状，通过轻质材料表现出结构的力量。上图为《虚空》(Void) 第二乐章提供了一个由沉浸式和互动装置、雕塑和设计组成的房间，它们共同将时间视为一种激励力量，以及我们生存的不可避免的条件。作品描述了简单的日常物品的提升如何有力地改变我们的感知。希尔帕·古普塔（Shilpa Gupta）的《无题（摇滚）》（Untitled （Rock），2012-15年，由数百个麦克风组成，描述了移民模式以及人们选择和被迫迁移。 墨西哥艺术家拉斐尔·洛萨诺-海默（Rafael Lozano-Hemmer）邀请您用2010年的作品《请清空口袋》扫描口袋里的东西，该作品由一条带有计算机扫描仪的传送带组成，该传送带记录了从其下方经过的所有内容。一旦物品通过扫描仪下方，它就会在传送带上留下自己的投影图像或记忆。 在家洗脏衣服家庭领域塑造关系，并受到社会，政治和经济力量的影响。麦加 x NGV 女性设计委员会 — 塔蒂亚娜·毕尔巴鄂（Tatiana Bilbao）提倡对建筑的讨论，并鼓励替代设计方法，为长期存在的社会不平等提供解决方案。 毕尔巴鄂的装置名为在家洗脏衣服，由十八个混凝土洗脸盆，金属电枢系统，协作纺织品，混合媒体拼贴和大型壁画组成，具有寓言意义。通过建筑元素，该作品讲述了一个关于家庭空间、无偿劳动和性别角色的复杂故事 — 将洗衣房作为潜在转型的场所。 洗衣服曾经是一种共享的社会行为，由公共洗衣基础设施支持，为人类互动提供了框架。从那以后，与洗衣相关的劳动变得商品化、私有化和剥削 — 隐藏在家庭的范围内，在那里没有报酬或报酬不足。巨大的混凝土水槽位于《在家洗脏衣服》的中心，预示着可以透明地进行的替代家务劳动系统。 参考墨西哥共享洗衣店Huichapan的Lavadero，这个建筑元素象征着现有的共享护理基础设施，这些基础设施是可持续的，可以在社区内建立更好的联系。像这样的洗衣店，以及整个二十世纪上半叶使用的更现代的洗衣房，促进了资源共享，并提供了一个公共平台，使家政劳动可见。在这种情况下，洗衣是一种重要的劳动行为，它表达了身份并有助于城市景观的社会结构。 《在家洗脏衣服》塔蒂亚娜·比尔鲍，毕尔巴鄂建筑师1972年出生于墨西哥，麦加 X NGV 女性设计委员会2022年塔蒂亚娜毕尔巴鄂拼贴画。纸和帆布数字印刷，棉花，铅笔，墨水。 《在家洗脏衣服》塔蒂亚娜毕尔巴鄂Estudio，拼贴系列，2022年第7期，纸和帆布数字印刷，棉花，铅笔，墨水…… 暗示建筑对当代社会结构施加了限制，麦加 x NGV 女性设计委员会塔蒂亚娜·毕尔巴鄂对建筑和施工标准化提出了批评。作为对现代主义通用设计比喻的挑战，即绝不是包容性的，该作品邀请观众质疑严格的功能计划，这些计划预测人们的生活方式，强制行为并加剧家庭空间如何被占用以及家庭模式的假设轮廓。 在蜂窝平面图中，功能被隔离并远离公众视线，洗涤，清洁和洗涤被定位为最受诟病的家务工作。在《在家洗脏衣服》中，毕尔巴鄂要求我们考虑那些通过家务工作照顾我们的人如何冒着被剥削的风险，当他们工作的空间被建筑隐藏或降级时。正如毕尔巴鄂所解释的那样，“当涉及护理的工作被藏在一个个性化和隐形的空间中时，它是歧视性的 — 它消除了理解所涉及的劳动量、所涉及的费用的可能性，它消除了与他人交流的机会。这些限制的后果对妇女或社会根本没有好处。 《在家洗脏衣服》中的每一个元素都是在提醒我们反思个人家务劳动的经历 - 谁照顾了我们的衣服以及在什么条件下照顾了我们的衣服。在墨西哥城、柏林和墨尔本举办的工作坊中，展出的纺织品作品中的每件面料都是从捐赠的二手衣服上剪下来的，并嵌入了自己的家务劳动历史。织物的磨损是它曾经保护身体的记录，以及为确保其继续使用而存在的条件。画廊内的壁画是用画笔和油漆手工制作的，描绘了洗手间的场景，传达了随着时间的推移家务劳动条件的变化。这些壁画描绘了这项司空见惯的活动从集体经历到被家庭建筑掩盖的孤独责任的转变，突出了执行这一重要护理行为的女性。 麦加 x NGV 女性设计委员会 |塔蒂亚娜·毕尔巴鄂与城市和家庭领域的环境互动，正是通过这种与公共和私人生活的联系，毕尔巴鄂可以将两者的含义联系起来。通过关注洗衣服，《在家洗脏衣服》追溯了家庭劳动在当前社会结构中的重要性，并提出了更公平的劳动途径。在世界大部分地区，家务劳动的责任仍然落在妇女身上，由此衍生出一门基本的人文学科；建筑专业的一般基础是创造健康的空间并改善我们彼此之间的关系 — 建筑师和设计师有机会纠正性别失衡，这些失衡已经被广泛认为是可以接受的。 MECCA x NGV女性设计委员会是一个主要系列，邀请国际知名的女性设计师和建筑师为NGV系列创作重要的新作品。这个为期五年的系列得到了MECCA M-POWER的支持，这是一项社会变革倡议，旨在倡导妇女和女孩的平等和机会，包括提升女性在艺术和设计方面的地位。 第三乐章包括一系列探索人类和动物形态、人物和联想的雕塑，它们共同要求我们重新审视我们自己和世界 — 无论是伪装、通过游戏还是抽象得面目全非。这些雕塑是希望，庆祝和动态生活的轮廓，无论是真实的还是想象的。 本部分的艺术家包括考斯，帕特里夏·皮奇尼尼，弗朗西斯·乌普里查德，尼克·凯夫，丹·哈尔特和弗雷德·威尔逊。 波普艺术与极简主义波普艺术于1950年代首次出现在英国和美国，这是第二次世界大战结束后流行商品和服务制造繁荣的结果。波普艺术家使用商业艺术和设计的图像和技术来摆脱抽象表现主义的个人手势和触摸，这在以前是“高雅艺术”的标志。广告，电影，漫画和产品包装成为波普艺术的源头材料，一些艺术家庆祝流行文化，而其他人则使用从丝网印刷到包含发现物品的技术评论与消费主义和民族认同有关的问题。极简主义艺术家将艺术创作与过程和身体联系起来，使用织物和抛光金属等形式和材料来创造定义观看艺术空间的物体，同时也质疑其过去的定义和局限性。 《没有鼻子的笑脸》塔拉·马达尼伊朗 1981年出生，1994年移民美国，2015 布面油画马达尼的作品充满了叙事和讽刺意味，描绘了以秃顶的中年男子为主角的黑暗喜剧和戏剧故事。在2015年的《第一》和2015年的《没有鼻子的笑脸》和2017年的《客厅里的灯光》三幅画中，任何所谓的男性权威都在对权力关系的批判中遭到破坏。马达尼打破了艺术史的惯例，公开拥抱漫画、插科打诨和解除武装的视觉简单化。她的方法展示了受卡通、电影、视频和电视影响的当代排序、运动和速度感。 “行动自由”中的许多艺术品已被收集用于NGV具有里程碑意义的当代实践展示，即NGV多年展，该展览成立于2017年。 未完待续…… 文字、摄影、编辑 — 报子胡同。文字及图片均为原创，版权归作者所有，引用请注明出处，谢谢阅读。