亚洲唯一巡展～《物的声音》2023/3/9

莉莉

前言 今天我喜出望外地得到表妹的邀请，去西岸美术馆参观亚洲唯一巡展的《物的声音》艺术展览会。我们一路顺风又畅游了西岸滨江的新地标一一西岸凤巢。此行一日游宛如乘坐豪华游轮悠游在艺术和艺术生活的浩瀚海洋中。 《西岸凤巢》 地铁11号线云锦路站5号出口处“西岸活力谷”动画般的画面引人入胜我拍下了第一张照片。向前漫步“西岸凤巢”就呈现在马路对面。 ， AI PLAZA西岸凤巢紧邻“垂直硅谷”AI Tower西岸智塔，是西岸集团首个商业旗舰项目。 我第一次去西岸凤巢据宣传西岸凤巢整体空间融入自然、艺术、智慧、人文等元素，以「OPEN TO OPEN无限生长」的商业理念，锻造西岸服务品牌，打造最具水岸温度的生活“热力场”。 ，高耸入云的智慧塔，建筑底部的开叉彼具个性设计。 “塔”与“巢”遥相辉映，二者在造型上的对抗，线条上的融合呈现建筑设计中的独特魅力。 这里曾是龙华机场的原址。“凤巢”就源于建筑以机翼为灵感的凤尾设计，既是对文化、工业遗迹的致敬，也透露出“筑巢引凤，无限生长”的期许。在建筑设计中加大艺术概念的融入，为文化艺术气质的西岸注入烟火气和生活力。 ， 建筑外观的造型、线条、色彩呈显出很強力的立体感，令人驰思遐想。 ，昂望着巨伞般的屋顶和吊坠的园环那么复杂的结构，不会是天上的神工巧匠所造。 横空的天桥连接左右、穿天的电梯贯通上下，让你可以尽情地游刃在艺术和生活的天地中。 ，车窗外的凤巢。 ，别有洞天，似乎凤巢中处处都是奇景。 凤巢的每一层楼面都有半开放的阳台，使商场引入更多的阳光，为游客开辟更多的憩息地。 我与阳光聊天。 人文场域为客户提供了释放压力的疗愈空间、独处或齐聚的温暖生活场所，使之沉浸于室内外之间的艺术气场。 ， 青梅竹马同框至今。 小辈的给力如坚固的靠栏。 从底层一层一层地走到顶楼，静坐在顶楼阳台的吧台上小憩。黄浦江上的小船一艘一艘在眼前无声地滑走。浦江上拂面而来的春风带着一股水香，湿润了脸颊，对岸清晰的建筑与我们共享静谧的时光。 我们推门进入了凤凰之巢的豪门贵宅一AI PLAZA西岸。体验 “推门即艺术，门内享生活”的新一代商业空间。 贯穿中庭的科技瀑布屏，将艺术、智慧作为项目演绎因素，将室内空间衍化成类艺术馆的软空间，无限拓宽艺术与商业共融共生的可能。 我是咖啡的卫士。 慷慨大方的女主人。 ， 场内OPEN. TO. OPEN 无限生长的广告。 咖啡、啤酒、早餐应有尽有， 中午时分我们在凤巢内乐山跷脚牛肉餐厅享用午餐：入口即化的牛肉，晶莹剔透的鱼片美美的一顿午餐，品尝各种美食也是游玩的一个重要环节。 ， 　　《西岸美术馆》一《物的声音》 午餐后我们立刻趕到了西岸美术馆。开始了西方艺术欣赏之旅。 前言 “万物的声音”展览汇集了160余件蓬皮杜中心馆藏的力作，通过18个章节带领观众深入二十世纪初至近年全球化背景下艺术先锋运动的腹地，以“物”触碰历史时代脉搏，沉入聆听艺术背景后的声音。 展品呈现了广泛的艺术创作与艺术作品中所使用物品的演变。这些作品集中展现了20世纪及21世纪之间“物品”所承载的丰富含义及对它的反思。 从立体主义到超现实主义，从“主观”摄影到波普艺术，彼时起审美标准和艺术品的概念发生了革命性的变化，直到如今依然影响着当代艺术家对于我们所居住的世界的一系列思考。 踏进美术馆大厅，我被悬挂着的象扇子般的百叶窗吸引住了。这是韩国艺术家梁慧圭在2016年创作的一种抽象的构图《萦绕的智性》他剥离了家俱用品的功能，认为材料具有神奇的力量。 楼上二个展厅共分成18章节向我们逐步展开，我就跟随着这个节奏去欣赏篷皮杜中心的馆藏，去理解和思考艺术家们的时代杰作。我们开始参观吧！ 【1】《物与空间建构》 巴勃罗·毕加索和乔治·布拉克于 1907 年在法国开始了立体派风格，而静物创作则是立体派和亲近这一流派的艺术家们十分钟爱的绘画主题。针对物品的描绘使得他们可以更为自由地尝试一种全新的空间概念，这是基于多个视角对物体进行形状观察和分解。 《杯子静物》 阿契本科乌克兰《女人的头像和桌子》1918，用水泥和石膏制成，由女人的头和一些几何图形组成。 阿契本科是乌克兰最早的立体派雕塑家之一，从他作品中看到抽象雕塑的前兆.。 我离西方艺术距离太远看了有点发懵。 1919年-乔治·布拉克《吉他与水果盘》，一盘水果、一把单簧管、一把吉它把对物体的经典透视打得分碎，物体的碎片倾落在这幅经典的油画中，20世纪初他与毕加索成为立体主义的重要人物。 巴勃拉．毕加索《含古代头像的静物》1925年，一个盘子、一本书、一个古代人头、一把吉它平均地摆放，棕色、黑色和纯白色強力对比，弯曲的线条具有古西腊的元素，这些组成了这件优雅的作品。毕加索在他立体主义事业中彻底改变了对物体的表现方式。 【3 】纯粹主义:新精神 一战末期，许多知识分子着迷于机械。1918 年，停战协议签署后不久，画家阿梅德·奥占芳和建筑师兼画家勒·柯布西耶发表了宣言《立体主义之后》，由此定义了纯粹主义的原则。这些全新的准则旨在超越科技进步与创造性之间的冲突。两位艺术家肃清了“抗议艺术”，以及被定义为“混乱时代的混乱艺术”的立体主义。他们宣扬“庄重的严谨性”和“现代的古典主义”。纯粹主义从无装饰的、标准化的、无比清晰的日常事物形象出发，是对具象与几何的综合概括。 勒·柯布西耶《静物》1922年。画中的元素指向工业产品的完美性。瓶的瓶颈象征工厂的烟卤、凹型的瓶子想象到罗马的柱子⋯他从工作设计和建筑设计的图纸中撷取灵感， 费尔南·莱热法国《手和帽子的構成》， 1924 年至 1927 年期间，莱热画了一系列气势恢宏的静物画，把各种常见物体以孤立及特写的方式画在大画幅上。在这幅不朽的画作中，最普通的元素和巴黎模特兼女演员“蒙帕纳斯的吉吉”的轮廓被不成比例地拼贴在一起，仿佛游走在电影胶片上。二个救生圏象征二个齿轮⋯这些具有形式之美的物品让人想起了快节奏的现代生活。作为最后的致敬，画面底部有一个手拿圆顶礼帽的“人物形象”，暗示他热衷的人物，并将他吸引到电影界的查理·卓别林。这幅画代表了对静物的研究成果。 【 4 】达达之物、现成品和无异之美 《礼物》从巴黎到纽约，马塞尔·杜尚用“现成品”在一次世界大战初期发起了一场艺术革命。被剥离了原本使用功能的日常物品，仅因艺术家的决定就跻身艺术品行列，颠覆了一直以来艺术品经由艺术家亲手制造的概念。1916 年，达达主义运动在苏黎世以诗人特里斯坦·查拉为中心正式被发起。杜尚的朋友曼·雷和这一流派的艺术家们通过对物件的使用，或赋予物件新的角色和名称，继续探索着杜尚所开创的这条艺术之路。 马塞尔·杜尚《帽架》1917一1964年 他认为艺术中的理念胜过创造，帽架是现存品，现存品在经过艺术家的选择后被提升到艺术品的范畴，他颠复了20世纪的西方艺术，突破了现存品不是唯一品的理念。 【5 】超现实主义与物品:物品崇拜与颠覆 1924 年，诗人安德烈·布勒东在巴黎发表了《超现实主义宣言》，阐明了这一新艺术运动的基本理念，在之后数十年间影响了大量艺术家。超现实主义艺术家们在将物品灵活组合、创造和使用中赋予了它们生命和能量，赞美着在各种外形之下的神奇力量和自主意识。他们热衷具象、精确地复制梦境，来展示超然的彼岸世界。天马行空的自由创作也伴随着玄奥与隐晦。 勒内马格丽特。1927年。比利时《双重秘密》以大海为背景，一个被淘空的人物里面填满了铃铛，他受达达主义的深刻影响是超现实主义的重要人物之一。更侧重幽默和文字游戏，他改变物品不恰当的大小和视角让观众思考，他的作品来自于确信，确信我们的一切来自于神密的世界。 胡安．米罗。西班牙 1935一1936 《日落的物体》 在一块木头上涂抹了红漆，在自然木节改画了一个兰色的巨大眼睛，旁边木头上画了一个黑色的记号，在木块平台上推放了一堆废铁.。他把这些捡到的废品创作了一个粗旷的超现实主义的雕塑。他觉得这些物品对他有着磁力。在他周围围绕着众多诗人和艺术家，他本人也是一位充满诗意的人。 马塞尔·让法国《加尔德尼的幽灵》1936 1972年。 一个女人的头，头上象盖了黑色的羊毛，眼睛上安了拉链，头颈里一条在巴黎跳蚤市场觅得的电影胶卷，是电影“加尔德尼的秘密作品由此而名。他认为物品充满着神秘性，马塞尔．让在1952年参加了超现实主义的团体，他也是舞美设计师。 展厅 【06 】现实的表象 在二战后掀起的艺术浪潮中,许多艺术家选择回到艺术改革的起点--抽象艺术。而有另一些像贝尔纳·布菲或于尔格·克莱恩布尔这样的艺术家，选择了在创作中传递有关人性的思考，表现一种深刻的现实，见证生活的日常性。他们的作品赋予了一切形式和物品新的意义。通过对现实主题的直面刻画，他们力求理解和传达这个时代正在发生的变革。 贝尔纳．布（法） 1950年《内饰》这是他的工作室的一部分，二张铁架的藤椅，拼花磁砖地板，一个碳炉⋯。他的作品通常以正面的视角呈现，在抽象主义盛行的时代这位画家属于回归到具像画的新一代。 马克斯·恩斯特《洛普洛普介绍一位年轻女孩》 德国出生的艺术家马克斯恩斯特、其作品与达达主义和超现实主义运动息息相关，通过将没有任何相联系的元素拼接在一起，他转变了现实。带来了充满矛盾的梦幻的图像。在这幅画中，他将各种物体和材料粘在一扇涂有石膏的旧木门上。它堪称恩斯特式作品的集大成之作。"鸟中至尊”洛普洛普的形象是艺术家的另一个自我，它在其创作的发展和不断分裂中构成了属于自己的自我。 【07 】镜頭下的物体 作为摄影史上十分成熟的题材，“物体”从一开始就受到了特别的关注。在20 世纪20 至30 年代，物体凭借其诗意和象征性的潜能吸引了超现实主义艺术家的注意力。摄影升华了物体，也让物体成为了撰写视觉诗篇有力且有效的工具。物体在这一时期还被捍卫“新视觉”的先锋派艺术家们频繁取用，他们追求改变媒介的运用方式，也改变观察的角度。 《茶壸》 多年来生活在美国的英国艺术家麦克．亚当斯一直在探索摄影～的战争潜力。他从流行文化，尤其是侦探电影中汲取灵感。在社会规范的边缘创作出神秘的场景。在他的“后现代悲剧”系列中他选择了 盖伊·奥伦蒂1993年《巡回桌》 玻璃台的四个脚被自行车轮替代，这是一件趣味作品.。他的作品涉及建筑、工业设计、平面设计、室内装饰、舞台设计等领域。 埃拉德拉斯（以色列）2010年《鸡蛋》，2011年《穗》、《图形42》。 通过对摄影。电影和雕塑的融合，埃拉德·拉斯瑞质疑物体和再现之间的关系。凭他这些既熟悉又神秘古怪的图像-物体，他对既定的图像学规则发起挑战，开僻出一个灵活的空间，在这里，每张照片都会令人联想起另一张，并无休止地在物体的功能和意义间灵活跳转。这位以色列出生的艺术家将当代的去物质化现象与他选择使用的几乎过时的模拟技术相并置，在去物质化现象中，图像被剥夺了物理特性，以数据的形式变得无处不在。 【08 】物的简史 1950 年代消费社会的兴起，物品除了在艺术创作中越来越频繁地出现，也在设计领域占据了一席之地。设计师们从“现成品”的理念出发，对物品进行组合搭配或转用。他们探询着物品的历史，包括传递信息的能力以及与人类身体情感之间的关联，并从功能和精神意义层面不断拓展其概念边界。 【9】人生拼图 乔治 · 布莱希特美 1962 一1973年《三种布置》 呈现的是一个衣帽架、一把椅子、一块置物板。置物架上摆满寻常物件，包括一块海绵、一个带着勺子的碗和一本侦探小说；衣架上挂一件红色的女士雨衣、一顶鸭舌帽，椅子上应放一件黑色物品，而这些物件在实际中也的确按照严格规定摆放，而这些日常物品的组合可以用任何方式去解读。邀请我们重新用嘲讽的眼光去解释日常生活的平庸和艺术作品的地位。布莱希特是激浪派艺术家之一。 【10】日常物品在克拉斯·奥登伯格（美国）创作中的角色切换1972年《架子鼓幽灵》 从1959年起他开始创作消费品的等比例复制品，他用白色画布制作成架子鼓，他抓住了当时摇滚文化的物品，用软布组成的这架子鼓已失去了原来的属性，白色画布象童年时听到的鬼魂，。奥登伯格这位波普艺术家创作消费品的等比例复制品，并在“商店”项目中将他的工作室变成了名副其实的、对公众开放的零售空间。 【11 】挪用现实 1960 年发起的“新现实主义”运动的艺术家们将消费品和大众广告融入创作，进行了一场对城市和工业现实的诗意回收。这些物品便是这场戏剧的核心。他们的创作形式千差万别，但艺术家们均取材于现实，并热衷客观地表现当代人类的都市消费社会生活环境。1990年-丹尼尔·施珀里《散架的宫女(假跳蚤市场)》1976年 - 阿曼《一捆单簧管》 丹尼尔·施珀里1990年的《散架的宫女（假跳蚤市场）》，艺术家用从跳蚤市场中淘来的物品，进行了重新的组合。我们看到了石膏像、礼帽、盒子、玩偶的局部、老式电话机、一段胸骨等，艺术家将这些物品摆放组合并固定后，垂直安置在墙面上，形成了一种“立体的绘画”。 ，1976年阿曼《一捆单簧管》 11 挪用现实 伊莎贝尔．科纳罗 1974年（法国）《含普桑和目击者的风景》，2010年 让．丁格利（瑞士）《门》1960年木门、电动马达、自行车轮等 克里斯托《桌子上的包裹》1961桌子，各种物品、木头、天鹅绒、画布、颜料、涂层。 埃里克 · 迪特曼《梳妆台》1963年 埃里克 · 迪特曼不断吸收着激浪派与新现实主义的观念，又常以一种讽刺的内涵改写它们。自 1962 年起，他创作了一系列“包扎的物品”，用纱布或氧化锌胶带包裹各种物件。迪特曼的创作也饱含幽默与自嘲，他给 1966 年最后一次“包扎后的物品”系列展览取的标题是：“埃里克 · 迪特曼：曾经的氧化锌胶布之王”。 ，【12】塞萨尔1921年马赛（法国）一1998年巴黎（法国）《压缩“里卡德”》，1962年 《新娘》汽车钢板制太不可思议了。将世俗的温情概念催毁得支离破碎。 【12】《瀑布的倒影 I》 路易丝·内维尔森(本名:萧亚·贝里亚维斯基)1829年、基辅(乌市兰、俄罗斯帝国) 1938年，紐约(美国) 路易丝、内维尔森在一次墨西哥之行中发现了神庙的几何外墙和壁画、随后她开始创作一系列具有“精壁”规模的巨型雕塑，这位鸟克兰裔艺术家的灵感还来自于年轻时研究的立体派作品，以及她所居住的城市纽约的笔直建筑。在这件作品中，几何形状的木箱被涂成黑色。进而获得了视觉上的统一，同时它们各自的身份也被消融其中，镜子可让观众操纵阴影和倒影，从而强化了标题所指的瀑布幻象。 【12】 埃蒂安-马丁《大衣》1962年。 【12】《为了忘却的节日》，1961年 法国艺术家约兰德·费耶尔是岱铎等超现实主义家的好友，她对材质的探索充满热情。由于在法语中“节日”这个词也意味着丰富的物品，在这件作品里，大量的“被截获”之物，如她在海滩上系统收集的浮木、石头、贝壳、骨头等，被精心存放在盒子里，最终如画作一般被直立展示出来。对于费耶尔的艺术家朋友贝尔纳·雷吉绍来说，盒子是沉淀记忆和存放真正“圣物”的诗意之地。 【13】事物的进程（录像） 《事物的进程》是双人艺术家组合彼得·费茨利与大卫·威斯的标志性影片作品，它循环展示了一系列令人难以置信的动作，各式各样的物体一个接一个地移动、旋转、坠落、跳跃，甚至爆炸，没有任何可见的人为干预，并且一刻不停地持续了 30 分钟。两位艺术家没有寻求对物品进行升华，也没有创造任何谜题。相对地，我们从观察者的角度来看，始终能够确信的是这些意外不会真的发生在我们身上。观看作品时，我们始终与那些现实中的潜在危险保持着安全距离。 【14 】当代世界之批判 《圩地》2001年，法意混血艺术家塔蒂亚姆．特罗维通过记忆进行创作，这些作品如谜一般，呈现出个人精神世界延伸到现实的模型。她的系列作品名“圩地”取自那些人类刻意占领的海域，或是不稳定的疆土。 该件装置作品的四周环绕着隔板墙，其中包含了办公室中的各种普通元素，形成一个摄像头自动监控下的复杂空间。塔蒂亚娜·特罗维的作品是对于日渐去人类化的生活环境的批判，同时也将我们的关注点引至所谓的技术进步上。 【14】托尼·克拉格 1949 年，利物浦(英国)《展开的螺旋体》，1982 年 英国艺术家托尼·克拉格在创作了一系列以自然元素为基础的装置之后,又从大众消费的废品中找到了钟爱的新材料，比如建筑工地垃圾。这些废弃物构成了这个展开的螺旋体。这个装置是他职业生涯早期的标志性作品，是对极简主义和大地艺术的批判性注解。它意指城市向农村地区的扩张:从平坦的风景到越来越高耸入云的建筑，细碎的物体一点点构筑起了这一现实。 托比亚斯．雷贝格《局外人和大阿罗约》 光彩陆漓，形状各异的物件组合成一道亮丽风景线。 【15 】句法体系时代海姆．斯坦因巴赫《小心》 随着广告日益侵入公共及私人空间，物品本身和描绘它们的广告言辞之间的语义关系也成为了艺术家们在创作中关注的一个重要问题。在这个充满了新符号和代码的世界中，物品经过新的包装、换个面貌，或仅仅是细微的装扮呈现，便已从基本功能属性中被转变出来，被人们像一幅图画那样仔细端详。 【16 】不使用／再使用 20世纪 60 年代起，在大众消费的社会背景下，废品逐渐堆积成山。以汉娜·阿伦特、让·鲍德里亚和居伊·德波为代表的西方知识分子开始思考人类未知而又令人不安的未来。这促使一些艺术家转变了方向:他们回归自然材料，偏爱本能、自然、转瞬即逝的东西，甚至用废品来创造出令人焦虑的世界。 《井盖》贝尔纳·帕杰斯在他的雕塑作品中将天然和人造的元素自由组合，并巧妙运用了协调性与矛盾性、体积与材质、颜色与纹理。新一代艺术家卡婷卡·柏克和泰奥·梅西耶则探寻着我们与废弃物、仿制品的关系。 ，【16】泰奥．梅西耶1964年巴黎。《对世界的占有不是我的首选》2009一2013。 泰奥·梅西耶的创作方法结合了挪用与再利用，与超现实主义有所类似。这位法国艺术家在了解到，中国文人从8世纪开始就收集石头作为他们冥想的媒介后，构思了这件作品。他自 2009 年开始收集水族馆的假石，去世界各地旅行时在水族馆商店购买，然后细心地展示它们。这些本该在玻璃缸中营造出一片水生环境错觉的家庭日常装饰品，通过对它们的移位，艺术家强调了这些模拟自然的合成树脂中所蕴含的强烈戏剧性和深刻的怀旧特质。 织物 【17】当镜子成为日常消费品 纪尧姆·比伊尔《镜子展位》1988年 比利时艺术家紀尧姆·比伊尔将自己定义为"人类文明的考古学家"。自20世纪70年代末开始创作"视错觉"式的装置，这些"三维静物画"复制呈现了时代的标志物。进而戏仿着我们的杜会。装置作品《镜子展位》(180年）首次展出于巴黎的一场当代艺术博览会，它模拟了一家镜子店中的景象。艺术家在作品中揭示了镜子﹣一作为资产阶级的象征与见证用寻常消费品的转变，也通过将日常商店场景在艺术环境下的言语境化，引起观众思索艺术与现实间的微妙关联联系，并探索它们之间的无形界定、相互渗透。 【17】弗朗克．斯库尔蒂1965年，里昂（法国）《只是甜甜圈》，2001年 弗朗克．斯库尔蒂1965年里昂（法国）《纽约，早上06：00》，1995一2000年 沙丁鱼罐头床以及墙上的都市晴天图景（由面包圈、咖啡等作元素）是消费主义现代社会的绝佳隐喻。 以前我对西方艺术了解匮少，觉得深不莫测，常常对着佳作发懵。这次能近距离地观察，通过每个章节的介绍和作品的注解，从发懵到朦胧，从朦胧到思索⋯直至震撼。一天又在人生的道路上跨出了一步，一天又在脑海里留下了挥之不去西方力作。说明：内容很多难免有误，可随时修正。