“从波提切利到梵高”不能错过的八大看点之二

瓶子梅子

文艺复兴五位大师：佛罗伦萨画派达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔；威尼斯画派乔尔乔内、提香。 佛罗伦萨画派强调沉稳、肃穆；而威尼斯则欢乐、辉煌，洋溢着热情的新面貌。 5. 驾驭色彩的超凡大师提香不是达芬奇那样包罗万象，米开朗基罗那样超群出众，也不是拉斐尔那样多才多艺，博雅迷人的人物， 但，查理五世大帝为他弯腰捡起过画笔，就值得说好几辈子！ 提香驾驭颜色的能力可以与米开朗基罗精通素描法相匹敌。我们来看提香的《圣母、圣徒和佩萨罗家族成员》：圣母竟然被移到边上去了；圣母抱着圣子低头，一副与大家庭唠嗑儿的邻家媳妇的世俗模样；开启天国的钥匙被彼得随随便便仍在台阶上。好一个大胆的提香，他除色彩鲜艳、轮廓明确外还竟然颠覆任何久负盛名的构图规则，这让信徒们如何能够接受。因为彼时的威尼斯正是靠丝绸之路和地中海贸易赚的盆满钵满的时期，天高皇帝远，教皇想管也管不到，威尼斯人没有宗教的包袱，只有尽情的享乐。 从这次展出的提香《女子肖像》我们可以看出，一位普通妇女动人而自信的神态，与威尼斯的富足息息相关。 无论是浮雕的透视感，还是色彩，以及以上两幅画的平衡稳定，不难看出佛罗伦萨画派对提香的影响。提香在同代人中以肖像画博得最伟大的名声。 6. 把人画的特别“像”人的高手 从想象、幻想到看，15世纪遭遇了一位画的特别“像”的天才，米开朗基罗的师傅-吉兰达约，他也被认为是15世纪湿壁画的顶点。 吉兰达约就是看人的引擎，在他的画中，我们看见他的“看”，而不是他的想象。 从中世纪幻象领域进入个人的视角，是文艺复兴的伟大突破。也就是说中世纪画的东西都是幻想出来的，现在都是亲眼看到的。 要知道15世纪初的观众还没见过人脸能画的这么“像”。 当教皇看着《教皇英诺森十世像》里的自己凶险、狡诈的眼神时，不无揶揄的对委拉兹凯斯说：“你画的过分像了。”（野史：据说他没有兑现绘画的承诺所以被丑化了图片） 委拉兹凯斯是西班牙17世纪宫廷画家，本次上博展出了《费尔南多总主教肖像》。 主教崇高的神态传达了教会与政府的权利。多看一眼都有一种被他盯死的感觉。图片 委拉兹凯斯受国王腓力四世委托的传世杰作《宫娥》现收藏于西班牙普拉多美术馆。大家是否发现，委拉兹凯斯正拿着画笔看着我们？ 玛格丽特公主一副未来女王了然于胸的神态，高傲的斜视着我们。 画中人、画中的画中人都盯着我们看，我甚至担心离开后一回头，画中的人物都不见了图片。 15世纪主流美学的大腕，他们共同构成了文艺复兴的识别标签，虚构天国，理想化的脸。一切都被极力修饰，使之美化圣化，非人间化。 但吉兰达约和委拉兹凯斯他们的观察处处来自生活！ 7. 英国乡村绘画诗人过去风景画画家不被当作艺术家，但是以下两位19世纪伟大的浪漫主义画家一生的目标就是把风景画提升到高贵的新地位。康斯特布尔与透纳并称为"真正使英国风景画摆脱荷兰、法国或意大利绘画影响而走上自己独立道路的两个人。 透纳是一位声望很高的艺术家，他的画经常在皇家美术学院引起轰动。 但是他一生的宏图就是超过或者最少赶上他的偶像法国画家克劳德。 当他把自己的画捐给国家时，提出了一个要求，克劳德的画在哪里，我就在他隔壁。（好括爱呀图片） 在英国游学期间，我经常来到英国国家美术馆，这两位大咖的风格不分伯仲，没有可比性。 克劳德的画作之美在于静穆、单纯和安宁，在于梦境世界的清晰和具体，在于没有任何庸俗的效果。 而透纳也在幻想世界的景象，浸沐着光线，闪耀着迷蒙的美丽，但那世界却不是安宁的，而是运动的；不是单纯和谐，而是壮丽炫目。 透纳的画中洋溢着能够迸发震撼力和戏剧效果的气氛。我们几乎可以感觉到狂风在疾吹、波涛在冲击。 我们在读浪漫主义诗篇和音乐所想象的风暴就是这样令人悚然生畏。我们会突然感觉到自己的渺小和束手无策。到这里，我们不得不赞美随意支配自然力量的艺术家！ 走在英格兰的乡村我几次萌发了当油画家的梦想，那美丽的乡村和童话般的小屋、河水...... 所以当我在英国国家美术馆看到这幅《甘草车》时，沦陷其中不可自拔。 康斯坦布尔想法与透纳不同，他想画自己所见，而不是克劳德所见，除了真实性以外他别无所求。他仅仅想忠实自己的视觉，先去乡间写生速写，再回到画室细心加工（请记住这个细节）。 本次展出了康斯坦布尔的《史特拉福磨坊》。 有一种在风景上加白点（俗称点“高光”）的画法，仿佛瞬间把阳光引入画作，这个画法也是康斯坦布尔创造的，被称作“康斯坦布尔的雪花”。 在以上两幅绝美乡村画上我们都能被他的雪花点闪耀到。 康斯特布尔使英国风景画突破了古典主义的束缚，他对于光和它的微妙调子、色彩的敏感，影响了19世纪印象派对于光和色彩的探索。 8. 走出画室的班首印象派就是一群拎着小板凳去室外蹲在野地里画画的小青年。 到自然光底下去捕捉太阳光下物体瞬息万变的色彩。 古典主义绘画虽然追求真实，那是在画室内完成；康斯坦布尔与巴比松派虽然也在室外绘画，但仍然是学院派的，需要回到室内细心加工，线色分明。 而印象派的线条是模糊的，完全是看到什么画什么，他们认为捕捉到了他们要的，就拎起小板凳回家。这些画家拼的是才能、经验和状态，最重要拼的是时间。 在文杜里的《西欧近代画家》中称莫奈是印象派的班首。 莫奈认为对自然的一切描绘都必须“在现场”完成。 莫奈等印象哥们儿可以如此任性，还要感谢管状颜料的发明。因为没有时间去调配色彩，更谈不上像前辈大师们那样一层一层涂色。 本次展品莫奈《鸢尾花》用了大量浓重的紫色、蓝色和绿色，而边缘处是一些明亮的留白。他欢畅和自由的笔触好似在歌唱印象派的胜利。 莫奈与他的同道马奈、毕沙罗、德加、巴齐耶、雷诺阿、塞尚等印象派画家从此改变了美术史。 另一位躲在树后等着以上印象派画家点评的穷小子出场了。 梵高的绘画分三个阶段：在荷兰的写生时期，到法国的临摹印象派时期，以及在巴黎最后的辉煌。 想了解梵高是如何构思、画画的诀窍，一定要听一听梵高的自白：“我并不着力表现眼前事物，我随心所欲的运用着色彩，为了更有力的表现自己，举例说：假定这个人长了一头淡黄色的头发，我要倾注我全部的爱，我要加重他的头发的淡黄色，一直加到橙黄色、铬黄色和明亮的柠檬黄色。在他的头后面，我要画成一望无际的远景，以代替一间小屋的平淡墙壁，造成一个丰富的、强烈到只要我能调制出来的蓝颜色的背景。 由于这种单纯的组合，衬在这个丰富的蓝色背景上光辉的金发头像就会给人造成一个神秘的印象，宛若挂在万里碧空上的一颗星星。” 梵高成熟期的风格纲领，再不能说得比这更透彻了！ 本次展出的梵高作品《长草地与蝴蝶》我以为是蝴蝶吸引了梵高，这是他生命最后光辉的时刻。 在一片杂草中他定是把自己想象成一只蝴蝶，这次是将自己祭献给色彩的艺术世界。他飞过田野、飞越星空，飞向他为自己构思好的幻想世界。 梵高摆脱一切有碍于达到更有综合性、更直接的艺术表现手法影响了日后的野兽派和表现派画家。 在他死后近一个世纪，仍然活在世界艺术中！ 毕加索曾经说过：“希腊人、罗马人、文艺复兴人都有一个画画规则，但是从梵高开始，每个人必须做自己的太阳！” 此次展览是上海博物馆 “对话世界”文物艺术系列大展第二个展览，共展出52件油画作品，涵盖了波提切利、拉斐尔、提香、戈塞特、卡拉瓦乔、伦勃朗、克劳德、康斯特布尔、塞尚、马奈、莫奈以及梵高等欧洲艺术巨匠，这也是上海博物馆馆庆70周年为公众奉上的重磅展览。也是拉开2024年英国国家美术馆建馆200周年纪念的序幕。 参考资料：《艺术的故事》《西欧近代画家》《陈丹青.局部》