世界名画观展

淞然

《静物》乔治·莫兰迪最初沉迷于印象主义，对塞尚的静物和风景画颇感兴趣，也模仿过立体主义。在经过兴奋、茫然、探寻后，莫兰迪终于找到了属于自己的艺术道路，他开始了属于自己的艺术语言探索，以微妙的“冥想”式静物画著称，成为20世纪最受赞誉的画家之一[3] [2] 。哥特弗莱德·勃姆在他的《乔治-莫兰迪的艺术观念》一文中写道：莫兰迪在他的“形而上”时期借用了这一异质，他着迷于塞尚对想象、构成和创造的拒绝。以上哥特弗莱德·勃姆的这段文字，对理解莫兰迪的绘画十分重要[4] [1] 。 《风景》莫兰迪 乔治·德·基里科（1888-1978），他是20世纪意大利著名画家，是“形而上画派”的主将，也被视为超现实主义艺术的先驱人物。在世界美术史上有一定影响，他是油画家、文艺理论家。1916年8月，翁贝托·波丘尼逝世之后，基里科成为意大利画坛上的主角。 1918年，基里科第一次参加世界大战，他创作了《令人不安的缪斯》这幅作品，当时的世界动荡不安但是这幅画却带给我一种平静安详的感觉。整个世界都是寂静的，没有一丝动乱，有一种不真实的感觉油然而生令人困惑。作品画的是意大利的一个广场，画面上的建筑物被深绿色的天空笼罩着，直耸入云的高塔和房屋上的旗帜迎风飘扬，这一切都表现出一种现代文明的科技的感觉;画面的斜下方有两个模特，他们都穿着的雅典古典服饰，一个站着一个坐着，一个抬头仰望天空一个坐着思考人生，一个表现出喜悦的情绪一个悲伤的想要哭泣，同时画面的阴影的里还有一个模特雕塑，仿佛在暗地里观察阳光底下的两个模特。画面里的模特都是没有生命的物体，他们随意的出现在画面里，让现代的模特穿着古希腊雅典的衣服，这时古代与现代的一次碰撞，是古代与现代的一次完美融合。在阳光下的两个模特中间有一个直立的棒棒糖和色块拼接而成的立方体，散发着一种孩童般喜悦，这些物体都有着奇形怪状的阴影，与整个画面融为一体形成一种时空的对立，表现出一种对现代工业的态度。画面上的水平线被看作是时空的分界线，阴沉的天空代表了过去，地面上阳光照射的地方代表了现代工业，画面里的这些物体并不是静止不动的，让人有一种慢慢下滑远离尘世的感觉。对于阳光下的雕塑占了整幅作品构图中的大半部分，由此可见雕塑的描述在整个画面里还是有很重要的作用，而对水平线以上的描绘却显的如此的单薄。画面上方的工业城市里长短不一的烟囱高塔给人一种不一样的宁静感，但只有在暗红色别墅旁边的白色建筑是倾斜着的充满了运动感;直线与斜线的对比，静态与动态的对比，这种动静结合的气氛按实力广场上隐藏的危险;画面下方阳光下站立的雕塑头部与上身面向广场的方向，没有面部的表情使人们更加充满了想象力，他扭曲的身体使人感受到雕塑内心的不安于惆怅，对这个世界的无限眷恋;坐着的悠闲的雕塑背对着后面的工业城市，他的头颅也被放在一边，让人有一种观望和听天由命的态度。这幅作品诞生于第一次世界大战期间，画面里的城市是基里科参军的地方，战争在这里持续了四年，对这座城市造成了极强的破坏力，不仅有大量的市民死亡，同时对这座城市的经济造成了致命性的打击。基里科的这幅作品就是要表达这种人类对于生命无法掌握的无奈和对于灾难来临时人们态度。这便是基里科这幅画的真正含义，以一种看似平静的假象掩盖着画面的悲伤，隐藏着人们对于现实生活的恐惧、担忧与希望。这便是契里柯观察事物的特殊视角，一个形而上的特殊视角，一种人们在真实生活中不可见的现实。 《赫克托耳与安德洛玛刻》基里科（1917，布面油画，82厘米×60厘米）一画，描写的是古希腊特洛伊战争时的英雄、特洛伊人的统帅赫克托耳的故事。荷马在史诗《伊利亚特》中，用了非常抒情的笔墨描写赫克托耳出征之前与妻子安德洛玛刻的告别情景。这段脍炙人口的爱情故事，在基里科的画面上塑造成了依依相伴的两个人体模型，在他们周围，画家安放了木棍、三角板和直角划线尺等物品。画面带有种机械美感，似乎故事本身并不重要，画家只是在追求“形而上”的感党。 《静物与鱼》基里科 奥多阿尔多·博拉尼《卷毛线的姑娘们》 将一个图形重复多次，就是朱塞佩·卡波罗西成熟时期的创作特点。1950年，他的布面油画在罗马世纪美术馆首次展出，随即引发轰动。最初，这位罗马艺术家专注于探索形象表现领域的个人风格。在经历了短暂的后立体主义阶段后，他开始追求完全新颖的视觉创作，其作品以极度的概括和强有力的二维空间为特点，属于无形式艺术。跟其他无形式艺术家相比，卡波格罗西有着独到之处：他仔细研究实与空的组合和纯色的色彩序列，并在此基础上进行稳固而宏大的构图。图形符号是卡波格罗西的特点，也是《表面335号》的创作基础。在这幅布面油画中，图形符号体现了空间、深度和视觉结构的传统概念。作为原型符号，图形符号能够表达并不断创新存在的深度，因此总能形成新的构图。在这些新的构图中，符号不仅具有造型力与构造力，还有着神秘的模糊性，好似一本本炼金术秘籍。朱塞佩·翁加雷蒂曾详细分析过“表面”系列作品的这一特点。他在1969年写道：“卡波格罗西像是来到了占卜之锁的前方，那些锁永远紧锁，从不改变，只有懂得如何破解宇宙秘密的人，才能打开它们。这完全是个人的秘密，它像其他任何秘密一样，如果没有那个唯一的锁码，就会变得人尽皆知……他是世界上最多变也最坚持自我的画家。他作品中的变化往往是细微而合情合理的，但他的作品与作品之间、作品内部的各个时刻之间，又有着无限变化的差异和区别，可能是闯入的一抹红色，也可能是拴得更紧的锁链。” 1936年，西班牙内战爆发，经过3年战争，佛朗哥在德、意法西斯的支持下夺取了政权，实行独裁统治。毕加索痛恨法西斯，从内战一开始，他就以卖画所得，从经济上支援西班牙共和国政府。1937年西班牙政府委托他为次年的巴黎世界博览会西班牙馆画一幅壁画。毕加索画了一套讽刺性漫画式的版画《佛朗哥的梦和谎言》，这套版画画了一个奇怪的珊瑚状的、外貌凶狠的人物，他经历了一连串的恐怖场面，最后也被刺死。当年春天，西班牙内战加剧期间，法国当局把它作为宣传品用飞机散发到佛朗哥占领区，起到了鼓舞人民起来反抗和揭露专制主义罪行的作用。 西班牙画家巴勃罗·毕加索（Pablo Picasso）创作于约1933年的纸面蚀刻版画《酒神与米诺陶洛斯》。酒神和米诺陶洛斯都是古希腊神话中的偶像，弥诺陶洛斯是牛头形象，传说他被关在克里特岛的迷宫中。而酒神则手握酒杯正欲畅饮。毕加索的画作中时常出现公牛，比如著名的《格尔尼卡》。其实他创作早期也是写实风格，后来才发展成为了立体主义，从早期开始就非常有功底。 《安茹码头》陡然将透视的难度增加了一倍，塞纳河在这一段拐了个大弯。法国画家莫里斯·郁特里罗抓住这一点不放，大做文章：堤岸伴着河水呈弧形转弯，更上一层的街道也是如此，一幢老式的楼房也跟着“华尔兹”般旋出了弧度，行人也加入到旋转的行列中，由远及近地走来。最引人注目的是岸边的一排高大树木，已经预感到春天的气息，枝条像渴求被拯救的双手，拼命探向天空，淡淡的蓝天，辽阔明澈。郁特里罗用色细腻丰富，同时加入了主观色彩的表达。他活到72岁，画了一辈子巴黎的大街小巷，毫无疑问，他的艺术天分来自于母亲苏珊娜·瓦拉东——这位生活在社会底层的女人，长年混迹于蒙马特高地穷画家们中，几乎做遍了他们的模特，德加、雷诺阿、劳德累克等人的画中多次出现她的身影。被画的次数多了，瓦拉东也上了绘画这条船，自我培养成了一位足以列入西方现代绘画史册的女画家。 展厅中只来了康定斯基，有两幅小版画和一幅稍大些的布面油画。《成角的线条》上一根折叠的线条，划过大红的圆，构成点、线、面的联系，他致力于通过抽象形式引发直觉感受。至此，观众已走入彻底看不懂的现当代艺术领域。 《无题》康定斯基 一位意大利天才画家安东尼奥-曼奇尼。与其他的抽象画大师不一样，曼奇尼的作品手法是极为模糊与抽象，但所要表达的社会形态与内涵却是很接近于自己的现实生活简单一点来讲，他所绘画的风格与取材都是源于他的身边，而且是活生生的把普通生活记录在了自己的绘画作品之中。曼奇尼的作品有多牛？在当时国际上公认为第一流的大师，他的作品全是在描述着穷人，社会人士，而且涵盖面极广。当然作品更是非常了得，他就是属于天生是绘画天才一类的人物。作品的手法普通，而且给人一种模糊的意识感。但不知道怎么的，他的作品模糊感让人有点恣意，而且非常舒坦。每一个人物的绘画描述都深入人心，尤其是神态是100%还原于生活。绘画手法独特，用笔运墨毫无违和感，而且在每一张画作之中极具冲突性，但所要表达的东西不用说你也可以看出来。随意而散落的墨彩，再加上似乎是伤痕累累的笔触，不懂他是如何想的，但就是这种薄涂式的做法，又或者是堆叠式的绘画艺术性，看似乎是不入流的笔法，而且绘画之中还有着极强的灰暗深沈的色调，但这就是正是他曼奇尼的绘画特色与风格有人说曼奇尼的作品是深入到了自己的内心，他不是在绘画，只是在用心记录着自己的世界。所呈现给大家的就是当时的社会现象，这与他的内心世界有关系，与他的精神世界（精神病）毫无关系。 《草地上的午餐》爱德华.马奈 阿梅代奥·克莱门特·莫迪里亚尼（Amedeo Clemente Modigliani）主要在法国工作的意大利画家和雕塑家。他以现代风格的肖像画和裸体画而闻名，其特点是脸、脖子和人物的超现实延伸，在他有生之年并不受欢迎，但后来受到了广泛追捧。莫迪里亚尼年轻时在意大利度过，他在那里学习古代艺术和文艺复兴。1906年，他搬到巴黎，与毕加索和康斯坦丁·布朗库西等艺术家接触。到1912年，莫迪里亚尼在秋季沙龙（Salon d'Automne）与黄金分割（ Section d'Or，Golden Section）团体的立体主义者一起展出了高度风格化的雕塑。莫迪利亚尼的作品包括绘画和素描。从1909年到1914年，他主要致力于雕塑。他的主要主题是肖像和完整的人物，包括肖像和雕塑。莫迪里亚尼在世时几乎没有什么成功，但他死后却获得了巨大的声望。他在巴黎死于结核性脑膜炎，享年35岁。 多梅尼科·莫雷利（Domenico Morelli，1823 年 8 月 4 日 - 1901 年 8 月 13 日）是一位意大利画家，主要创作历史和宗教作品。莫雷利对 19 世纪下半叶的艺术产生了巨大的影响，他既是那不勒斯美术学院的院长，也是因为他对制度的反叛：这些特质蓬勃发展成充满激情、通常是爱国、浪漫和后来的他画布的象征主义主题。他出生在那不勒斯的一个贫穷家庭。他的母亲曾希望他能成为一名牧师。他的早熟天赋被注意到，他于 1836-1846 年在那不勒斯的皇家美术学院就读，在那里他结识了Francesco Altamura。他的早期作品包含取自中世纪故事和拜伦等浪漫主义诗人的意象。1845 年，他绘制了获奖作品L'angelo che porta le 日本动漫 al Purgatorio dantesco。凭借Saul Calmatato da David的画作，在慷慨的赞助人律师 Ruggiero 的帮助下，他获得了前往罗马学习的奖学金。1847-48 年，他画了科西嘉和游吟诗人的挑战、获奖的Bacio del Corsaro和天使出现的 Goffredo。1847 年在罗马，他在圣乔瓦尼的帮助下画了一个抱着孩子的麦当娜。莫雷利刚回到那不勒斯，那不勒斯爆发了 1848 年的起义。他在通过托莱多的路障中加入了抗议者，并受伤，几乎被杀，并被短暂监禁。在他死后发表的回顾展中，伊莎贝拉·安德顿将多梅尼科标记为意大利的战士艺术家之一，该团体还包括菲利波·帕利齐、Telemaco Signorini、斯特凡诺·乌西和弗朗切斯科·萨维里奥·阿尔塔穆拉。获释后，莫雷利返回罗马。他在 via romita（1851 年）的海盗中画了 Van der Welt，在一群女孩中画了 Capita 的 Cesare Borgia。1855 年在佛罗伦萨博览会上，他展示了他著名的《偶像破坏者》。他参加了 1855 年在巴黎举行的世界博览会。后来，在佛罗伦萨，他积极参与了关于现实主义的Macchiaioli讨论。莫雷利声称，正是这些讨论让他自己的作品不那么学术化，并帮助他发展出一种更自由的风格并尝试色彩。在此期间，他被归入现实主义学派。 在多梅尼科·莫雷利的《人物形象研究》中，审视事物的视角非常现代，人物与背景之间的关系消失不见了。巧妙的色彩控制，彰显了人物的性感。光影的衔接成了作品真正的主角，白色床单的反光出其不意，逆光的面孔任由表情隐藏于抽象的空间中。 《贝尔纳多塞伦塔诺肖像》 《拆除街区》马里奥.马菲，1939年，布上油画，意大利国家当代美术馆。我们知道罗马这个城市，承载这很多悠久的历史，波斯帝国，古希腊帝国，古罗马帝国，都曾在罗马留下过历史痕迹。画家用绘画记录了当时要拆的古代遗迹，墨索尼里要拆很多古老建筑，画家没有能力阻止，就用绘画记录并以作为对法西斯的反抗，留下了这样作品。马里奥·马菲（Mario Mafai，1902年2月12日至1965年3月31日）是一位意大利画家。他与妻子安东尼奥·拉斐尔（Antonietta Raphaël）共同创立了现代艺术运动，称为Scuola Romana（罗马学校）。 《蒙塔莱肖像》雷纳托古图索 《受伤的硫矿工》古图索 《朝露》埃米尔•克劳斯约1910年布面油画意大利国家现当代美术馆如果说“印象主义”是一群“追光的哥哥们”，那么“后印象主义”就是一群“好色之徒”。所以，从某种角度上说，“后印象主义”不是一个流派，而是一种艺术思潮。画面中的静物、人物、风景，都流露出艺术家们色彩表达情感的极致。 恩里科·普兰波利尼《日常机械》 《圣米歇尔广场与圣礼拜堂》拉法埃利 雅科夫斯基小品24篇瓦西里•瓦西里耶维奇•康定斯基1934年纸面针刻版画意大利国家现当代美术馆“形而上”画派，深受叔本华和尼采的哲学影响，并带有弗洛伊德思想的色彩，重视直觉、幻觉和潜意识的应用，力图揭示物质背后隐藏的精神因素，强调描绘物体的稳固性、无时间性和不朽性，大多充满了一种神秘而且怪异的气氛，以表现西方社会的病态形象，并对科技进步持有怀疑态度。 米莫.罗泰拉《抽象构成》 意大利画家埃米利奥·维多瓦（Emilio Vedova）创作于1953年的布面丙烯画《当代基督遇难》。整幅画似乎是用黑色、白色、红色随意地涂抹，毫无规则和秩序，似乎随机而为。但是在画面最下方，能清晰地一看到十字架和主的宝血 马克斯·恩斯特在作品《通史纲要》中，则为我们提供了“显”与“隐”相互转化的另一种可能。这幅画的形象展示方式别出心裁：在红色系的色彩变化中，几乎伴随着每次目光的移动，形象连续不断地让位于非形象，实与虚不断交错。每一眼都能够激发新的想象，下一次观看又会被新的想象取代。 约翰.伊顿《圆环》 吉诺塞维里尼《静物》》 《带狗的女人》卡洛.卡拉 《马》卡洛卡拉 亨利·马蒂斯《马拉梅小姐的扇子》 菲利普·德皮西斯《托内尔码头》 埃德加·德加《更衣室舞者》 法国画家亨利·马蒂斯（Henri Matisse）的石版画《弯曲右臂的坐姿女子》 马蒂斯的石版画《高举双臂的裸女》， 《人体》阿尔贝托·萨维尼奥 《燃烧》意大利，布里。则几十年如一日地寻找纸与画布以外的材料进行创作，他用打火机灼烧塑料布，向观众展示烧痕；他用刀割破麻袋片，再用针线缝合； 《SP铁板》 封塔纳…《空间概念》匪夷所思的行为是在画纸或画布上穿孔、打洞，或割破，他声称这是在消解作品内外的边界，创造一种新的空间。 《漫谈》封塔纳 意大利画家阿基利·佩里利（Achille Perilli）创作于1951年的油画《无尽的空间之后》。画面由线条和色块组成，很像印刷品，右侧的色块让我想到了Bape旗下潮牌Baby Milo的配色，因为画面上都是Baby Milo的常用色，也许潮牌和这些前卫艺术是相通的，潮牌是受到了前卫艺术的启发，从而把这种先锋感、时尚感运用在服装上。 星盘，1971年，纸面蛋彩意大利国家现当代美术馆亚历山大·考尔德 《日月》 《明确的目的地》阿尔贝托·马涅利 《D662号事故》马里奥.斯基法诺 《负一》皮耶罗.多拉齐奥 《构成》意大利.卡拉.阿卡迪 《渔船丰收》，意大利，安东尼奥科波拉，1949。这幅画作里渔船、渔网、桅杆等不同意象的侧影描绘既明显可以看出受到立体主义的影响，而绿青蓝紫的鲜明色彩又可以看出野兽派表现主义的风格。科波拉的绘画风格确实受到了毕加索、马蒂斯、莫迪里亚尼、夏加尔、布拉克的影响。他将各种风格融汇贯通，形成自己的艺术特色——抽象的形状和对比鲜明的颜色。 《浴火的风景》勒内•马格里特1928年布面油面意大利国家现当代美术馆“抽象主义”以视觉刺激引起的心理联想为通道，把纯绘画语素作为画面构成的主体，充分发挥点、线、面以及颜色的抽象特性，将绘画的“纯粹性”从客观对象中抽离出来，并把它推向极致，展现抽象的和非具象的艺术风格。他们抑制对空间的表现，以平面表现为主，同时也抑制具象的物体，以结晶质的几何线形式为主。 画中的园丁头戴遮阳帽站在郁郁葱葱的花园里，一脸胡茬，神情沉郁。梵高于1888年追随阳光和色彩来到法国南部阿尔勒，次年因为精神病频繁发作而住进了位于圣雷米的精神病院。在精神病院疗养期间，他描绘病院、院里的花园、橄榄树，创作出这幅《园丁》。此后不到一年，梵高开枪自杀，年仅37岁。这幅作品是梵高艺术风格成熟时期的重要作品，也是意大利公共收藏中最重要的梵高作品之一。 菲利切·卡索拉蒂1927年创作的《医院》刻画了病床旁柜子上的摆设，他突显了几何造型的重要性，在色彩的处理上刻意形成黑与白的强烈对比。 乔治·布拉克《单簧管、风扇和一串葡萄静物画》 意大利画家乔瓦尼·博尔蒂尼在当时以肖像人物画闻名，他旅法后实现了自己的艺术成就。他在巴黎生活期间，悉心观察和研究巴黎的风俗和人物，非常注重色彩和技巧的运用，往往采用虚实结合的笔法和柔滑细腻的色调，再加上对光线和色彩的把握，刻画了众多巴黎上层社会的名流，尤其是贵族女性。本展中的《罗斯福·吕塞侯爵夫人》充分体现了这些特色。 《浴女》是个传统题材，取材于古希腊神话，刻画了狩猎女神阿尔忒弥斯在林中沐浴休憩的情景，她坐在溪岸边，身姿迷人，四肢精致。历代画家都曾以此为题作画，其中以法国洛可可艺术代表画家布歇最为经典。 《被中断的游戏》阿德里亚诺·切乔尼 继1885年3月国家现当代美术馆于民族路美术宫向公众开放后，意大利政府进一步加强采购政策——直接从艺术家本人和他们的继承人手里，或从全国性展览中收藏品。乔阿基诺·托马(1836-1891)创作的《狱中的路易莎·圣菲丽丝》这幅画正是从1891年11月至1892年6月的巴勒莫的全国性展览上购得，这是意大利南部举办的第一个全国性展览。艺术家托马来自意大利普利亚大区，他很早就成为孤儿，在孤儿院、修道院和监狱中度过了童年和青春期，这些悲惨的经历强烈影响他的绘画创作。在参加意大利复兴运动的战争后，他在那不勒斯皇家美术学院接受绘画培训，转向历史题材的创作。本次在北京展出的这幅画作就属于这一类。它描绘了一位贵族女性路易莎·莫利诺的形象，路易莎17岁时嫁给堂兄安德烈亚·圣菲丽丝，画中，她在监狱中等待着1800年9月11日被斩首的命运。她被控告的罪名是揭露了巴克尔兄弟针对帕特诺珀共和国（1799年）的阴谋。波旁国王费迪南德无法原谅她与共和党人的合作并下令将她处决，她赢得了无辜受害者和“国家之母”为了躲避死刑，路易莎谎称自己已经怀孕，画家托马描绘了她为未出生的孩子缝制或刺绣衣服的场景。艺术家捕捉到的是这一历史题材中最私密和最伤感的一面，使得这幅作品成为意大利19世纪最著名的现代历史画作之一。一间光秃秃的、被阳光照亮的牢房里，路易莎·圣菲丽丝靠在床上进行缝纫。除了柳条篮里的物品外，房间里只有一行桌子和一条木凳。托马设计使用的明暗对比和一系列冷色调，适当诠释艺术家所要表现的人物精神状态。 意大利画家普利尼奥·诺梅里尼的《妹妹》 乌巴尔多·奥皮在1924年创作的《桑托斯皮里托的渔民们》也在向乔托壁画上的质朴美感靠拢。画面上一群健壮的渔民围住一名妇女，她高扬双臂，随着吉他的弹奏深情咏唱，画面热烈而肃穆。这位经历了第一次世界大战的画家努力回归秩序，回到传统的轨道上。当时意大利的艺术环境出现了重新走向现实主义的趋势，艺术家们将目光投向14-15世纪的古典主义传统，倡导一种感知、诠释日常生活的方式，但与传统的现实主义不同，画家往往从生活细节中寻找神奇或非同一般的场景。奥皮笔下的渔民像被定格在了舞台上，时间停止了，从而传达出一种奇特、魔幻的感觉。