<p class="ql-block" style="text-align: center;"><b style="font-size: 22px;">蒙娜丽莎</b></p> <p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作者：达芬奇(Leonardo da Vinci) （ 1452年4月15日 - 1519年5月2日 ）</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">国籍：意大利</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作品：蒙娜丽莎</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">英文：Mona Lisa</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">类型：板面油画</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">尺寸：77cm × 53cm</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">日期：1503-1506年</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">收藏：卢浮宫，法国</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">《蒙娜丽莎》（意大利语：La Gioconda；法语：La Joconde；英语：Mona Lisa，1502-6）是意大利文艺复兴时期艺术家达·芬奇的作品。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;"> 这是一幅享有盛誉的肖像画杰作。它代表达·芬奇的最高艺术成就，成功地塑造了资本主义上升时期一位城市有产阶级的妇女形象。画中人物坐姿优雅，笑容微妙，背景山水幽深茫茫，淋漓尽致地发挥了画家那奇特的烟雾状“无界渐变着色法”般的笔法。画家力图使人物的丰富内心感情和美丽的外形达到巧妙的结合，对于人像面容中眼角唇边等表露感情的关键部位，也特别着重掌握精确与含蓄的辩证关系，达到神韵之境，从而使蒙娜丽莎的微笑具有一种神秘莫测的千古奇韵，那如梦似的妩媚微笑，被不少美术史家称为“神秘的微笑”。 </b></p> <p class="ql-block" style="text-align: center;"><b style="font-size: 22px;">星夜</b></p> <p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作者：文森特·梵高(Vincent van Gogh) （ 1853年3月30日 - 1890年7月29日 ）</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">国籍：荷兰</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作品：星夜</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">英文：The Starry Night</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">类型：布面油画</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">尺寸：73.7cm × 92.1cm</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">日期：1889年 </b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">收藏：纽约现代艺术博物馆，美国</b></p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">《星夜》（The Starry Night，1889年）是荷兰艺术家梵高的作品。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">这幅画，展现了一个高度夸张变形与充满强烈震撼力的星空景象。那巨大的、卷曲旋转的星云，那一团团夸大了的星光，以及那一轮令人难以置信的橙黄色的明月，大约是画家在幻觉和晕眩中所见。对梵高来说，画中的图像都充满着象征的涵义。那轮从月蚀中走出来的月亮，暗示着某种神性，让人联想到梵高所乐于提起的一句雨果的话：“上帝是月蚀中的灯塔”。而那巨大的，形如火焰的柏树，以及夜空中像飞过的卷龙一样的星云，也许象征着人类的挣扎与奋斗的精神。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">在这幅画中，天地间的景象化作了浓厚、有力的颜料浆，顺着画笔跳动的轨迹，而涌起阵阵旋涡。整个画面，似乎被一股汹涌、动荡的激流所吞噬。风景在发狂，山在骚动，月亮、星云在旋转，而那翻卷缭绕、直上云端的柏树，看起来像是一团巨大的黑色火舌，反映出画家躁动不安的情感和狂迷的幻觉世界。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">梵高在这里并没有消极、被动地沉溺于他那感情激流的图像中。他能将自己作为一个艺术家而从作品中抽离出来，并且，寻找某种方式，用对比的因素与画面大的趋势相冲突,从而强化情感的刺激。我们在画中看见，前景的小镇是以短促、清晰的水平线笔触来描绘的，与上部呈主导趋势的曲线笔触，产生强烈对比； 那点点黄色灯光，均画成小块方形，恰与星光的圆形造型形成鲜明对比。教堂的细长尖顶与地平线交叉，而柏树的顶端则恰好拦腰穿过那旋转横飞的星云。 </b></p> <p class="ql-block" style="text-align: center;"><b style="font-size: 22px;">西斯廷圣母</b></p> <p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作者：拉斐尔(Raphael) （ 1483年4月6日 - 1520年4月6日 ）</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">国籍：意大利</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作品：西斯廷圣母</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">英文：The Sistine Madonna</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">类型：布面油画</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">尺寸：265cm × 196cm</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">日期：1513-1514年</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">收藏：德累斯顿历代大师画廊，德国</b></p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">《西斯廷圣母》（The Sistine Madonna,1513年-1514年）</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">《西斯廷圣母》为意大利画家拉斐尔圣母像中的代表作，装饰于为纪念教宗西斯笃一世而重建的皮亚琴察圣西斯廷教堂，最初它被放在教堂的神龛上，至1574年为止，一直保存在圣西斯廷教堂，故得此名。现为德国德累斯顿的历代大师画廊（萨克森州立艺术博物馆的一部分）收藏。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">画中表现圣母抱着圣子从云端降下，两边帷幕旁画有一男一女，身穿金色锦袍的教宗西斯笃一世向圣母、圣子做出欢迎的姿态。而稍作跪状的圣芭芭拉，她虔心垂目，侧脸低头，微露羞怯，表示了对圣母、圣子的崇敬和恭顺。位于中心的圣母体态丰满优美，面部表情端庄安详，秀丽文静，在更高的起点上塑造了一位人类的救世主形象。扒在下方的两个小天使睁著大眼仰望圣母的降临，稚气童心跃然画上。 </b></p> <p class="ql-block" style="text-align: center;"><b style="font-size: 22px;">沉睡的维纳斯</b></p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作者：乔尔乔内(Giorgione) （ 1477年8月1日 - 1510年9月17日 ）</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">国籍：意大利</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作品：沉睡的维纳斯</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">英文：Sleeping Venus</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">类型：布面油画</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">尺寸：108.5cm × 175cm</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">日期：约1510年 </b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">收藏：德累斯顿历代大师画廊，德国</b></p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">《沉睡的维纳斯》（Sleeping Venus，Dresden Madonna，1510年）</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">画作描绘了罗马神话爱神维纳斯赤裸沉睡的情景。乔尔乔内未完成该画，后由提香完成景观和天空。现藏于德国德累斯顿的历代大师美术馆。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作品中的维纳斯展示出造化之美，没有任何宗教女神的特征：在自然风景前入睡的维纳斯，躯体优美而温柔，形体匀称地舒展，起伏有致，与大自然互为呼应。这种艺术处理不是为了给人以肉感的官能刺激，而是为了表现人的具有生命力的肉体和纯洁心灵之间的美的统一。这副画在形体、色彩、柔和的线条和景色的层次上都达到了高度的统一。这种充满人文精神的美的创造，是符合文艺复兴时期理想"美"的典范的。 </b></p> <p class="ql-block" style="text-align: center;"><b style="font-size: 22px;">向日葵</b></p> <p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作者：文森特·梵高(Vincent van Gogh) （ 1853年3月30日 - 1890年7月29日 ）</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">国籍：荷兰</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作品：向日葵F458</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">英文：Sunflowers (F.458)</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">类型：布面油画</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">尺寸：95cm × 73cm</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">日期：1889年 </b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">收藏：荷兰梵高博物馆，荷兰</b></p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">《向日葵F458》（Sunflowers (F.458), repetition of the 4th version (yellow background)）是荷兰艺术家梵高的作品。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">这些简单地插在花瓶里的向日葵，呈现出令人心弦震荡的灿烂辉煌。梵高以重涂的笔触施色，好似雕塑般在浮雕上拍上一块黏土。黄色和棕色调的色彩以及技法都表现出充满希望和阳光的美丽世界。 </b></p> <p class="ql-block" style="text-align: center;"><b style="font-size: 22px;">戴珍珠耳环的少女</b></p> <p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作者：维米尔(Johannes Vermeer) （ 1632年10月31日 - 1675年12月15日 ）</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">国籍：荷兰</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作品：戴珍珠耳环的少女</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">英文：Girl with a Pearl Earring</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">类型：布面油画</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">尺寸：44.5cm × 39cm</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">日期：约1665年 </b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">收藏：莫瑞泰斯皇家美术馆，荷兰</b></p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">《戴珍珠耳环的少女》（Girl with a Pearl Earring，1665年）是荷兰黄金时代巨匠维米尔的代表作。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">这是一幅小小的油画，比八开纸大不了多少，油彩都已经干得开裂，但就是这样一幅看似不起眼的小画，却使得许多文人墨客、游人看客在画前欲走不能，是什么在震撼他们的心灵？就是画中的主人公——一位戴珍珠耳环的少女。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">画中少女的惊鸿一瞥仿佛摄取了观画者的灵魂。维米尔在这幅画中采用了全黑的背景，从而取得了相当强的三维效果。黑色的背景烘托出少女形象的魅力，使她犹如黑暗中的一盏明灯，光彩夺目。画中的少女侧着身，转头向我们凝望，双唇微微开启，仿佛要诉说什么。她闪烁的目光流露殷切之情，头稍稍向左倾侧，仿佛迷失在万千思绪之中。少女身穿一件朴实无华的棕色外衣，白色的衣领、蓝色的头巾和垂下的柠檬色头巾布形成鲜明的色彩对比。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">维米尔在画中使用平凡、单纯的色彩和有限的色调范围，然后用清漆取得层次和阴影的效果。这幅画另一个瞩目之处，是少女左耳佩戴的一只泪滴形珍珠耳环，在少女颈部的阴影里似隐似现，是整幅画的点睛之笔。珍珠在维米尔的画中通常是贞洁的象征，有评论家认为这幅画很可能作于少女成婚前夕。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">画中少女的气质超凡出尘，她心无旁鹜地凝视着画家，也凝视着我们。欣赏这幅画时，观者会很轻易地融化在这脉脉的凝望中，物我两忘。荷兰艺术评论家戈施耶德认为这是维米尔最出色的作品，是“北方的蒙娜丽莎”。《蒙娜丽莎》的魅力就在于她的神秘，无人知晓这个女子到底为何能散发出如此恬静的微笑，而画家又是在怎样的心情下画下了这样的作品。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">此画面世三百多年来，世人都为画中女子惊叹不已：那柔和的衣服线条、耳环的明暗变化，尤其是女子侧身回首、欲言又止、似笑还嗔的回眸，唯《蒙娜丽莎》的微笑可与之媲美。画中女子的真实身份，亦如《蒙娜丽莎》一样，是一个千古遗谜。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">《戴珍珠耳环的少女》被称为北方的蒙娜丽莎。</b></p> <p class="ql-block" style="text-align: center;"><b style="font-size: 22px;">两位塔西提妇女</b></p> <p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作者：保罗·高更(Paul Gauguin) （ 1848年6月7日 - 1903年5月8日 ）</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">国籍：法国</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作品：两位塔西提妇女</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">英文：Two Tahitian Women</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">类型：布面油画</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">尺寸：94cm × 72cm</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">日期：1899年 </b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">收藏：大都会艺术博物馆，美国</b></p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">《两位塔西提妇女》（Two Tahitian Women，1899）是法国艺术家高更的作品。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">它是赞美感官之美的简短赞美诗。在从黄色到各种深浅不同的绿色的色彩结构中，现出两位妇女的轮廓，象低浮雕一样出现在背景上。虽说是线造型，但人物头部和手臂却是以微妙的明暗变化来表现的。在这幅作品中，煞费苦心杜撰的神话已踪影全无，艺术家的造型结构理论，服从于表现主题的极端快乐，虽然色彩的和谐和从前的作品一样可爱，绘画的空间和从前一样封闭而有限制，然而这个有立体感的人物浮雕般的投影，与古典浮雕的新古典神态，拉上了关系。 </b></p> <p class="ql-block" style="text-align: center;"><b style="font-size: 22px;">维纳斯的诞生</b></p> <p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作者：波提切利(Sandro Botticelli) （ 1445年3月1日 - 1510年5月17日 ）</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">国籍：意大利</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作品：维纳斯的诞生</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">英文：The Birth of Venus</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">类型：布面蛋彩画</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">尺寸：172.5cm × 278.5cm</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">日期：约1486年 </b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">收藏：乌菲兹美术馆，意大利</b></p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">《维纳斯的诞生》（The Birth of Venus，La Nascita di Venere，1486年）是意大利文艺复兴时期艺术家波提切利的作品。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">构图比较单纯，全画以裸体的维纳斯女神为中心。画面上人物的体态和衣纹表现十分出色，人物与自然背景也达到巧妙的统一和谐，维纳斯是那样无动于衷地以羞怯和幽怨的感情在对待一切，她对于生活的未来不是充满乐观的信心，而是感到惆怅和迷惑，这也是波提切利矛盾的世界观的反应。此画中的维纳斯形象，虽然仿效希腊古典雕像，但风格全属创新，强调了秀美与清纯，同时也具有含蓄之美。也预示着美需要像贝壳一样去打磨。 </b></p> <p class="ql-block" style="text-align: center;"><b style="font-size: 22px;">无名女郎</b></p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作者：伊凡·克拉姆斯柯伊(Ivan Kramskoi) （ 1837年5月27日 - 1887年3月24日 ）</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">国籍：俄罗斯</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作品：无名女郎</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">英文：Portrait of an Unknown Woman</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">类型：布面油画</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">尺寸：75.5cm × 99cm</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">日期：1883年 </b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">收藏：特列季亚科夫画廊，俄罗斯</b></p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">《无名女郎》（英文：Portrait of a Woman，俄语：Неизвестная，1883年）是俄罗斯艺术家克拉姆斯柯伊的作品。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">克拉姆斯柯伊作此画时正同时给托尔斯泰作肖像画。画中人物非良家女子，据说就是安娜·卡列尼娜的形象。</b></p> <p class="ql-block" style="text-align: center;"><b style="font-size: 22px;">最后的晚餐</b></p> <p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作者：达芬奇(Leonardo da Vinci) （ 1452年4月15日 - 1519年5月2日 ）</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">国籍：意大利</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作品：最后的晚餐</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">英文：Last Supper</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">类型：壁画</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">尺寸：460cm × 880cm</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">日期：1495-1498年</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">收藏：米兰恩宠圣母，意大利</b></p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">《最后的晚餐》（The Last Supper）（意大利语：Uomo vitruviano）是意大利文艺复兴时期艺术家达·芬奇的作品。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">画面中的人物，以惊恐、愤怒、怀疑、剖白等神态，以及手势、眼神和行为，都刻画得精细入微，惟妙惟肖。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">画中人物从左到右是：巴多罗买（Bartholomeus）、小雅各（Jacobus Alphei）、安德烈（Andreas）、叛徒犹大（Judas Scariotes）、西门彼得（伯多禄 Simon Petrus）、约翰（若望 Iohannes Zebedaei）、耶稣（ Jesus）、多马（多默 Thomas）、大雅各（Jacobus Zebedaei）、腓力（Philippus）、马太（玛窦 Mattheus）、奋锐党的西门（热诚者西满 Simon Cananeus）、达太（圣犹大 Thaddeus）。 </b></p> <p class="ql-block" style="text-align: center;"><b style="font-size: 22px;">格尔尼卡</b></p> <p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作者：毕加索(Pablo Picasso) （ 1881年10月25日 - 1973年4月8日 ）</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">国籍：西班牙</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作品：格尔尼卡</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">英文：Guernica</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">类型：布面油画</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">尺寸：349.3cm × 776.6cm</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">日期：1937年 </b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">收藏：索菲娅王后国家艺术中心博物馆，西班牙</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;"> </b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">《格尔尼卡》（Guernica，1937年）是西班牙艺术家毕加索的作品。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">是毕加索最著名的绘画作品之一。当时西班牙内战中纳粹德国受弗朗西斯科·佛朗哥之邀对西班牙共和国所辖的格尔尼卡城进行了人类历史上第一次地毯式轰炸。当时毕加索受西班牙共和国政府委托为巴黎世界博览会的西班牙区绘一幅装饰性的画，从而催生了这幅伟大的立体派艺术作品。作品描绘了经受炸弹蹂躏之后的格尔尼卡城。所以它不是一副简简单单的画，它记录下了一段历史。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">二次大战德军占领巴黎期间，毕加索在画室内闭门作画，当年冬天，天气严寒，德国大使送他一批燃料，却被他拒绝，并回答：“西班牙人是永远不会感到冷的。”临走前大使看到一张《格尔尼卡》的照片，问毕加索：“这是你画的？”毕加索回答：“不，是你们画的！”</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">这幅画仅使用了黑色和白色，和广泛的灰色油漆。画的结构和三联画十分相似。画的中央是一只死去的马和一位拿着灯的妇女。右边是着火的房子和尖叫的女人。左边是一只公牛，一位妇女还有她死去的儿子。不过它也不是三联画，这幅画是被排列成三角形的，而画的核心是那死去的武士还有那顶点的灯。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">七十年过去，这幅杰作已经成为警示战争灾难的文化符号之一，也使格尔尼卡的悲剧永远留在了人类伤痕累累的记忆中。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">画面里没有飞机，没有炸弹，却聚集了残暴、恐怖、痛苦、绝望、死亡和呐喊。被践踏的鲜花、断裂的肢体，手捧死去的孩子号啕大哭的母亲、仰天狂叫的求救，身残倒地，断臂仍然握着断剑的战士、濒死长嘶的马匹、光芒冰冷尖锐的顶灯……这是对法西斯暴行的无声控诉，撕裂长空。画家以象征和半抽象的立体主义手法，以超时空的形象组合，打破了空间界限，蕴含了愤懑的抗议，成就了史诗的悲壮；在支离破碎的黑白灰色块中，散发着无尽的阴郁、恐惧，折射出画家对人类苦难的强大悲悯。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">毕加索对于他的作品经常保持沉默，希望给予观赏者自由的体验空间，但是对于《格尔尼卡》这幅作品他曾解释道画作中的牛、马和以生气勃勃的线条绘出的手的涵义，以及西班牙神话中那些象征的起源的涵义。他说：“……牛代表残暴，马则代表人民。不错，我在那画里用了象征主义，但并不是在其他画里都这样做……。”“那幅画是存心向人民呼吁，是有意识的宣传……” </b></p> <p class="ql-block" style="text-align: center;"><b style="font-size: 22px;">吹笛子的少年</b></p> <p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作者：爱德华·马奈(Édouard Manet) （ 1832年1月23日 - 1883年4月30日 ）</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">国籍：法国</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作品：吹笛子的少年</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">英文：The Fifer</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">类型：布面油画</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">尺寸：160cm × 98cm</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">日期：1866年 </b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">收藏：巴黎奥赛美术馆，法国</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;"> </b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">《吹笛子的少年》（Young Flautist,The Fifer，1866年）是法国艺术家马奈的作品。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">马奈是最早打破传统的棕褐色调，使画面明亮、有外光新鲜感的画家。这幅画在总的暗调子中，突出几块明亮鲜艳的色彩，使之更加响亮耀眼。 </b></p> <p class="ql-block" style="text-align: center;"><b style="font-size: 22px;">创造亚当</b></p> <p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作者：米开朗基罗(Michelangelo) （ 1475年3月6日 - 1564年2月18日 ）</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">国籍：意大利</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作品：创造亚当</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">英文：The Creation of Adam</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">类型：壁画</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">尺寸：280cm × 570cm</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">日期：约1512年 </b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">收藏：梵蒂冈宫，意大利</b></p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">《创造亚当》（The Creation of Adam，1512年）是意大利文艺复兴时期艺术家米开朗基罗为梵蒂冈宫殿内的西斯廷礼拜堂所绘《创世纪》穹顶画的一部分。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">《创造亚当》是整个天顶画中最动人心弦的一幕，这一幕没有直接画上帝塑造亚当，而是画出神圣的火花即将触及亚当这一瞬间：从天飞来的上帝，将手指伸向亚当，正要像接通电源一样将灵魂传递给亚当。这一戏剧性的瞬间，将人与上帝奇妙地并列起来，触发我们的无限敬畏感，这真是前无古人，后无来者。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">体魄丰满、背景简约的形式处理，静动相对、神人相顾的两组造型，一与多、灵与肉的视觉照应，创世的记载集中到了这一时刻。上帝一把昏沉的亚当提醒，理性就成了人类意识不停运转的"机器"。亚当慵倦地斜卧在一个山坡下，他健壮的体格在深重的土色中衬托出来，充满着青春的力与柔和。他的右臂依在山坡上，右腿伸展，左腿自然地歪曲着。他的头，悲哀中透露着一丝渴望，无力地微俯，左臂依在左膝上伸向上帝。上帝飞腾而来，左臂围着几个小天使。他的脸色不再是发号施令时的威严神气，而是又悲哀又和善的情态。他的目光注视着亚当：他的第一个创造物。他的手指即将触到亚当的手指，灌注神明的灵魂。此时，我们注意到亚当不仅使劲地移向他的创造者，而且还使劲地移向夏娃，因为他已看见在上帝左臂庇护下即将诞生的夏娃。我们循着亚当的眼神，也瞥见了那美丽的夏娃，她那双明亮妩媚的双眼正在偷偷斜视地上的亚当。在一个静止的画面上，同时描绘出两个不同层面的情节，完整地再现了上帝造人的全部意义。</b></p> <p class="ql-block" style="text-align: center;"><b style="font-size: 22px;">印象·日出</b></p> <p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作者：克劳德·莫奈(Claude Monet) （ 1840年11月14日 - 1926年12月5日 ）</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">国籍：法国</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作品：印象·日出</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">英文：Impression, Sunrise</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">类型：布面油画</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">尺寸：48cm × 63cm</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">日期：1872年 </b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">收藏：巴黎玛摩丹美术馆，法国</b></p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">《印象·日出》（法文：Impression, soleil levant，英语：Impression, Sunrise，1872年）法国印象派大师莫奈的作品。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">画面描绘的是在晨雾笼罩中日出时港口景象。在由淡紫、微红、蓝灰和橙黄等色组成的色调中，一轮生机勃勃的红日拖着海水中一缕橙黄色的波光，冉冉升起。海水、天空、景物在轻松的笔调中，交错渗透，浑然一体。近海中的三只小船，在薄雾中渐渐变得模糊不清，远处的建筑、港口、吊车、船舶、桅杆等也都在晨曦中朦胧隐现。这一切，是画家从一个窗口看出去画成的。如此大胆地用“零乱”的笔触来展示雾气交融的景象。这对于一贯正统的沙龙学院派艺术家来说乃是艺术的叛逆。该画完全是一种瞬间的视觉感受和活泼生动的作画情绪使然，以往官方学院派艺术推崇的那种谨慎而明确的轮廓，呆板而僵化的色调荡然无存。这种具有叛逆性的绘画，引起了官方的反对。 </b></p> <p class="ql-block" style="text-align: center;"><b style="font-size: 22px;">宫女</b></p> <p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作者：委拉斯开兹(Diego Velázquez) （ 1599年6月6日 - 1660年8月6日 ）</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">国籍：西班牙</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作品：宫女</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">英文：The Maids of Honour</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">类型：布面油画</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">尺寸：318cm × 276cm</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">日期：1656年 </b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">收藏：马德里普拉多博物馆，西班牙</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;"> </b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">《宫女》（西班牙语：Las Meninas，1656年）这是西班牙艺术家委拉斯开兹的作品。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">描绘的大房间位于国王西班牙菲利普四世的马德里皇宫内，画中所描绘之人物为西班牙宫廷内成员，画面的撷取方式有如快照摄影。部分人物面向观画者，有些则正在与其他人物互动。在画面中心，宫女、护卫、一名侏儒与一只狗所环绕的小女孩是德雷莎小公主，腓力四世之女。在这些人的后方，则是面向观画者的画家委拉斯开兹。背景中悬吊的镜子反映出国王与皇后的上半身，他们处在画作所描绘的空间之外，相当于观画者的位置。有些学者指出，若依此镜像来推测，画中的委拉士开兹正在描绘的就是国王与皇后。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">这幅作品光暗分明，灰中含仔细。镜中的皇帝、皇后，以及门口的人，造成前后申延。可见固定视点，但可延伸。画家戴上十字架在身，是他死后，后人为其加上去的。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">《宫女》长期以来是西洋美术史上的重要作品，巴洛克时期画家卢卡·焦尔达诺曾说此作品表现了“绘画的神学”；19世纪的画家托马斯·劳伦斯则称其为“艺术的哲学”；此外，《宫女》也曾被描述成“委拉斯开兹的最高成就”。 </b></p> <p class="ql-block" style="text-align: center;"><b style="font-size: 22px;">我们从哪里来?我们是谁?我们到哪里去？</b></p> <p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作者：保罗·高更(Paul Gauguin) （ 1848年6月7日 - 1903年5月8日 ）</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">国籍：法国</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作品：我们从哪里来?我们是谁?我们到哪里去？</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">英文：Where Do We Come From? What Are We? Where Are We Going?</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">类型：布面油画</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">尺寸：139cm × 375cm</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">日期：1897-1898年</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">收藏：波士顿美术馆，美国</b></p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">《我们从哪里来?我们是谁?我们到哪里去？》（Where Do We Come From? What Are We? Where Are We Going?, 1897年）是法国艺术家高更的作品。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">1897年2月，高更完成了创作生涯中最大的一幅油画《我们从哪里来?我们是谁?我们到哪里去?》。这幅画，用他的话来说，“其意义远远超过所有以前的作品；我再也画不出更好的、有同样价值的画来了。在我临终以前我已把自己的全部精力都投人这幅画中了。这里有多少我在种种可怕的环境中所体验过的悲伤之情，这里我的眼睛看得多么真切而且未经校正，以致一切轻率仓促的痕迹荡然无存，它们看见的就是生活本身……整整一个月，我一直处在一种难以形容的癫狂状态之中，昼夜不停地画着这幅画……尽管它有中间调子，但整个风景完全是稳定的蓝色和韦罗内塞式的绿色。所有的裸体都以鲜艳的橙黄色突出在风景前面。”在恶劣的环境中，以痛苦的热情和清晰的幻觉来描绘，因此画面看起来毫无急躁的迹象，反而洋溢着生气。没有模特儿，没有画技，没有一般所谓的绘画规则。” 画面色彩单纯而富神秘气息，平面手法使之富有东方的装饰性与浪漫色彩。在斑驳绚丽、如梦如幻的画面中，暗寓着画家哲理性的对生命意义的追问。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">这幅画的婴儿意指人类诞生，中间摘果是暗示亚当采摘智慧果寓人类生存发展，尔后是老人，整个形象意示人类从生到死的命运，画出人生三部曲。画中其他形象亦都隐喻画家的社会的、宗教的理想，颇具神秘意趣。这幅画是高更全部生命思想及对塔希提生活的印象综合，是他献给自己的墓志铭。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">众所周知，任何一件艺术品都是得自现实的印象抽理论领域的易位；因此，艺术作品同时既是抽象的又是具体的。高更同印象派画家的差别就在于与现实相关的抽象在他的创作中所起的那种巨大的作用。起码如我们所见到的，这不仅是高更一人所具有的特点，在塞尚和修拉的作品中也可以见到。使高更有所不同的，是他的抽象的特点：他的纯色、他的综合方法、线的装饰性和不要深度。他的这种手法，被他自己和文学家命名为象征主义（综合主义）的风格，同时也为高更一生的创作留下了不朽的记忆。</b></p> <p class="ql-block" style="text-align: center;"><b style="font-size: 22px;">女占卜师</b></p> <p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作者：卡拉瓦乔(Caravaggio) （ 1571年9月29日 - 1610年7月18日 ）</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">国籍：意大利</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作品：女占卜师</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">英文：The Fortune Teller</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">类型：布面油画</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">尺寸：99cm × 131cm</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">日期：1598-1599年</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">收藏：卢浮宫，法国</b></p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">吉普赛女郎告诉青年运势。画中，年轻人戴着手套的手放在剑柄上，未戴手套的手伸向女郎，女郎拉着他的手，并在他的手上改运。这两位人物的半身像非常写实，证实了画家自己的阐述。 </b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">与卡拉瓦乔同时代的传记作家巴里欧列、佩罗利、马其尼三人，都对这件作品留下“吉普赛女郎告诉青年运势”的记载。佩罗利记述：“卡拉瓦乔此作是在宣示：只有‘自然’才是画家的范本，不是古代不朽的雕刻或拉斐尔的绘画。”</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">他更进一步写道：“为证明他的宣示，就把过路的吉普赛女郎叫进来，让她摆出占卜的姿势，然后对其进行描绘。”</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">《占卜者》是意大利的卡拉瓦乔早期风俗画的代表作品，画中描绘的是流浪的吉普赛女占卜，在为一个贵族子弟看手相。这是一个街头常见的风俗场面，人物形象目光相对，那个头戴羽帽的贵族青年以轻蔑挑逗的目光看着女占卜者，而她虽地位低下，却显得庄重自尊，回敬的目光中既真诚又含智慧，对比之下，贵族青年却显出华而不实的肤浅。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">这是一幅具有肖像性的半身构图风俗画，这种布局形式使人物形象更加简洁突出，由于免去了一切不必要的细节描绘，使人物个性更加鲜明，目光和手势更加引人注目。社会底层的流浪人第一次作为主人走进绘画，这在意大利以往的绘画中还不曾见过。 </b></p> <p class="ql-block" style="text-align: center;"><b style="font-size: 22px;">草帽</b></p> <p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作者：鲁本斯(Peter Paul Rubens) （ 1577年6月28日 - 1640年5月30日 ）</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">国籍：荷兰</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作品：草帽</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">英文：The Straw Hat</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">类型：木板油画</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">尺寸：79cm × 54.6cm</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">日期：1622-1625年</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">收藏：伦敦国家美术馆，英国</b></p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">《草帽》又名《海伦娜·弗尔曼肖像》(英语：The Straw Hat，Portrait of Susanna Lunden，Le Chapeau de Paille )</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">画中是苏珊娜伦丁（née Fourment），鲁本斯第二任妻子海伦娜·弗尔曼（Helena Fourment）的姐姐。 </b></p> <p class="ql-block" style="text-align: center;"><b style="font-size: 22px;">珍珠女郎</b></p> <p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作者：柯罗(Jean-Baptiste-Camille Corot) （ 1796年7月16日 - 1875年2月22日 ）</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">国籍：法国</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作品：珍珠女郎</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">英文：Woman with a Pearl</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">类型：油画</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">尺寸：70cm × 55cm</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">日期：1868-1870年</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">收藏：卢浮宫，法国</b></p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">《珍珠女郎》（women with a pearl）是法国艺术家柯罗的作品。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">法国巴比松派画家柯罗在画中描绘了一个戴着用树叶编的花环头饰的少女，一片树叶在她的前额投下了影子，使人误认为是一粒珍珠，因此得名“珍珠女”。从这幅画的构图上，我们似乎可以看到达·芬奇《蒙娜丽莎》的影子，所不同的是两位女性的个性气质截然不同。柯罗以一种平民的心态、质朴的笔触，赋予了少女纯真、朴素的美感。 </b></p> <p class="ql-block" style="text-align: center;"><b style="font-size: 22px;">自由引导人民</b></p> <p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作者：德拉克洛瓦(Eugène Delacroix) （ 1798年4月26日 - 1863年8月13日 ）</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">国籍：法国</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作品：自由引导人民</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">英文：Liberty Leading the People</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">类型：布面油画</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">尺寸：260cm × 325cm</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">日期：1830年 </b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">收藏：卢浮宫，法国</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;"> </b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">自由引导人民（英语：Liberty Leading the People，法语：La Liberté guidant le peuple，1830年）是法国艺术家德拉克拉瓦的作品。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">他1830年的著名画作《自由引导人民》影响了浪漫主义作家维克多·雨果，30年后写成著名的文学作品《悲惨世界》(1862)。该文学作品是对德拉克拉瓦画作的呼应。这幅画曾被印入法国政府发行的100法郎的钞票和1980年的邮票上。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">高举三色旗的象征自由神的妇女形象在这里突出地体现了浪漫主义特征。她健康、有力、坚决、美丽而朴素，正领导着工人、知识分子的革命队伍奋勇前进。强烈的光影所形成的戏剧性效果，与丰富而炽烈的色彩和充满着动力的构图形成了一种强烈、紧张、激昂的气氛，使得这幅画具有生动活跃的激动人心的力量。 </b></p> <p class="ql-block" style="text-align: center;"><b style="font-size: 22px;">拾穗者</b></p> <p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作者：米勒(Jean-François Millet) （ 1814年10月4日 - 1875年1月20日 ）</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">国籍：法国</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作品：拾穗者</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">英文：The Gleaners</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">类型：油画</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">尺寸：83.8cm × 111.8cm</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">日期：1857年 </b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">收藏：巴黎奥赛美术馆，法国</b></p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">《拾穗者》（英语：The Gleaners，法语：Des glaneuses，1857年）</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">可说是米勒最著名的画作。此画描绘三名农妇在一片金黄色的麦田中捡拾收割过后的麦穗。在画面中充满的感伤与人性尊严的宁静，奠定了米勒在法国自然派画家中的重要地位。</b></p> <p class="ql-block" style="text-align: center;"><b style="font-size: 22px;">伏尔加河上的纤夫</b></p> <p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作者：列宾(Ilya Yefimovich Repin) （ 1844年8月5日 - 1930年9月29日 ）</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">国籍：俄罗斯</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作品：伏尔加河上的纤夫</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">英文：Barge Haulers on the Volga</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">类型：布面油画</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">尺寸：131.5cm × 281cm</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">日期：1870-1873年</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">收藏：俄罗斯博物馆，俄罗斯</b></p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">《伏尔加河上的纤夫》（Volga Boatmen 1870-1873）是俄罗斯艺术家列宾的代表作之一。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">烈日酷暑下，漫长荒芜的沙滩上，一群衣衫褴褛的纤夫拖着货船，步履沉重地前进着。一曲低沉的号子在炎夏的闷热中与河水的悲吟交织在一起。现收藏于圣彼得堡俄罗斯国立美术馆。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">27岁的圣彼得堡美术学院学生列宾，一天在涅瓦河上写生，突然发现河的那头有一队人像牲口似地在河岸边蠕动，走近了才看清是一行拉着满载货物大船的纤夫。他又把目光转向涅瓦河大桥上往来人群中红男绿女和热烈豪华的场景。这是两个完全不同的世界，因此萌发了创作纤夫生活的构思。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">他利用暑假与风景画家瓦西里耶夫一起去伏尔加河考察民情和写生，画了很多纤夫真实的形象和素材。用3年的时间创作完成这幅世界名作。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">在宽广的伏尔加河上，一群拉着重载货船的纤夫在河岸艰难地行进着。正值夏日的中午，闷热笼罩着大地，一条陈旧的缆绳把纤夫们连接在一起，他们哼着低沉的号子，默默地向前缓行。残酷的现实将他们沦为奴隶，其中有破产的农民、退伍军人、失去信任的神父、流浪汉等。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">画面以一字形排列，由远渐近。11个人分成四组，最前面一组中领头的那个老者叫冈宁，此人原是神父，后被免职沦为纤夫，他是大家的领路人。他有智慧和组织才能，朴实坚韧且有善良性格。第一个最卖力气弯腰拉纤的红头发男子，一看就是破产的敦厚农民。而那个戴小帽嘴上叼烟斗，还戴一副墨镜的男子是个痞子，在万般无奈的情况下，也混到这个队伍中。他偷懒，避重就轻，纤绳都是弯着的。画家还有意描绘了一位孩子，他从没吃过这般苦，身体后倾而用手极力推着纤绳板以减轻痛苦。孩子的脖颈上还挂着一个十字架，他是上帝虔诚的奴仆，但上帝也无力救助他。最后两位人物,一位低垂着头茫然地向前移动着身躯，一副听天由命的样子；一位回头怒视着后面船上的船主，脸上是愤愤不平的表情。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">《伏尔加河上的纤夫》充分表现了在封建势力和资本家的剥削下，俄罗斯劳动人民的悲惨生活，记录了当时社会的真实面貌 。11位纤夫的苦难代表了整个俄罗斯的苦难。画面的表现力，时至今日仍能给人以强烈的震撼。</b></p> <p class="ql-block" style="text-align: center;"><b style="font-size: 22px;">亚维农少女</b></p> <p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作者：毕加索(Pablo Picasso) （ 1881年10月25日 - 1973年4月8日 ）</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">国籍：西班牙</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作品：亚维农少女</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">英文：The Ladies of Avignon</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">类型：布面油画</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">尺寸：243.9cm × 233.7cm</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">日期：1907年 </b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">收藏：纽约现代艺术博物馆，美国</b></p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">《亚维农少女》（Les Demoiselles d'Avignon，1907年）是西班牙艺术家毕加索的作品。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">过去的画家都是从一个角度去看待人或事物，所画的只是立体的一面。立体主义则是以全新的方式展现事物，他们从几个角度去观察，从正面不可能看到的几个角度去观察，把正面不可能看到的几个侧面都用并列或重叠的方式表现出来。在《亚威农少女》中，五个裸女的色调以蓝色背景来映衬，背景也作了任意分割，没有远近的感觉，人物是由几何形体组合而成的。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">表现手法</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">画家把这五个人物不同侧面的部位，都凝聚在单一的一个平面中，把不同角度的人物进行了结构上的组合。看上去，就好像他把五个人的身体先分解成了单纯的几何形体和灵活多变、层次分明的色块，然后在画布上重新进行了组合，形成了人体、空间、背景一切要表达的东西。就像把零碎的砖块构筑成一个建筑物一样。女人正面的胸脯变成了侧面的扭曲，正面的脸上会出现侧面的鼻子，甚至一张脸上的五官全都错了位置，呈现出拉长或延展的状态。画面上呈现单一的平面性，没有一点立体透视的感觉。所有的背景和和人物形象都通过色彩完成，色彩运用的夸张而怪诞，对比突出而又有节制，给人极强的视角冲击力。毕加索也借鉴和吸收了一些非洲神秘主义的艺术元素，比如画面上两个极端扭曲的脸，扭曲变形的部位，红、黑、白色彩的对比，看上去狰狞可怕，充斥着神秘的恐怖主义色彩。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">创作思路</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">毕加索以他青年时代在巴塞罗那的“亚威农大街”所见的妓女形象为依据。这条街以妓院林立而闻名。画上的女人形象，就是这条街上的妓女们。画家曾多次易稿。在这件作品的草图中，曾出现一个海员和一个刚进门的医学院学生。毕加索大胆地画了五个姑娘和两个男人。背景是妓院的客厅或饭厅。后来几经修改，又作了大胆的突破。毕加索曾对人说，他讨厌这个题目。因为亚威农的姑娘并非是些风姿绰约的妙龄女郎，而是一些出卖爱情的妓女，她们与画上的女人毫无干系。这幅画的题目是诗人萨尔蒙给起的。也许诗人根据这些裸女，才把她们与亚威农妓院联系起来。由于这一幅以裸体女人为主的大型油画，与那个不光彩的亚威农背景相联系，使毕加索受到了猛烈的抨击。在此画的第一幅稿子上，一如前述，还有两个男子，一个持花束，另一个从布幕后面走出来。毕加索自己说，他原想画一个骷髅，以强调死亡。如是这样，似乎又多了一层“劝人为善”的意义，以符合西班牙人对花街柳巷蔑视的传统。但后来全部改变了，以立体主义方法来表现五个裸女。在这幅画上，观者多少可感觉到画家着意于纯粹的田园风趣。五个裸体女人的色调是以蓝色背景来映衬的。蓝色使他想起戈索尔那美丽宜人的风光。但观众看到的是一群几何形变异的女人。右边坐着的一个女人像戴上假面具一般，当她转过身来，脸容十分可怕，就像从阴间爬出来的鬼魅，颜色却又像烤熟了的乳猪。最左边一个女人，正拉开赭红色的布幕，为要展示她的姊妹们的菱形身体。她那严肃的表情，侧面的轮廓，简直像埃及的壁画。中间还有一堆水果。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">创作背景</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">正当人们在期待毕加索以“蓝色时期”和“粉红色时期”为起点而迈出新的探索阶段时，1907年，他画出了这幅《亚威农少女》。这是一幅与以往的艺术方法彻底决裂的立体主义作品，当时不免要遭到来自社会各方面的嘲讽和指责。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">立体派艺术家追求碎裂，解析，重新组合，形成一个单独的图片，在许多幅画面的组合下显示他的创作目标。.艺人从多视点来描述对象，把他们的图片，为了表达对象是最完整的图像。.的每一个视点的视图对象重叠的放电引起许多垂直和平行线角，散阴影使立体主义的画面没有传统西方绘画的透视三维造成错觉。背景和画面的主题是互动穿插，让立体主义的图片来创建一个二维空间的绘画特征。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">深远影响</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">第一张被认为有立体主义倾向的作品。这幅画在以后的十几年中竟使法国的立体主义绘画得到空前的发展，甚而波及到其他领域。不仅在美术上，连芭蕾舞、舞台设计、文学、音乐上，都引起了共鸣。《亚威农少女》开创了法国立体主义的新局面，毕加索与勃拉克也成了这一画派的风云人物。同时这些形象使人观后产生作呕感。当诗人把这些形象与亚威农相联系时，观众似乎受了侮辱一般，责骂毕加索的鄙俗。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">立体主义</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">立体主义(Cubism)是西方现代艺术史上的一个运动和流派，又译为立方主义，1908年始于法国。立体主义的艺术家追求碎裂、解析、重新组合的形式，形成分离的画面——以许多组合的碎片型态为艺术家们所要展现的目标。艺术家以许多的角度来描写对象物，将其置于同一个画面之中，以此来表达对象物最为完整的形象。物体的各个角度交错迭放造成了许多的垂直与平行的线条角度，散乱的阴影使立体主义的画面没有传统西方绘画的透视法造成的三维空间错觉。背景与画面的主题交互穿插，让立体主义的画面创造出一个二维空间的绘画特色。 </b></p> <p class="ql-block" style="text-align: center;"><b style="font-size: 22px;">夜巡</b></p> <p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作者：伦勃朗(Rembrandt) （ 1606年7月15日 - 1669年10月4日 ）</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">国籍：荷兰</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作品：夜巡</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">英文：Night Watch</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">类型：布面油画</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">尺寸：363cm × 437cm</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">日期：1642年 </b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">收藏：阿姆斯特丹国家博物馆，荷兰</b></p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">《夜巡》（荷兰语：De Nachtwacht）是17世纪荷兰画家伦勃朗的名画。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">此画所描绘的其实是白天民兵准备出巡的景象，因长期烟熏导致画面变暗而被误为是描绘夜间。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">此画为伦勃朗受雇于阿姆斯特丹射手连队为其所作的肖像画，伦勃朗一改以往肖像画中人物按照尊卑顺序排列的原则，另辟蹊径作出舞台化的效果。订画的当事人不满伦勃朗把自己画得不清楚，所以遭受画中当事人和画坛的恶意批评，伦勃朗也因此声誉大跌。 </b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">值得一提的是画面中出现的一个小女孩，逻辑上讲小女孩出现在这幅画中是十分不合时宜的，但伦勃朗的处理使其并不十分突兀，显得十分自然。同时小女孩的色调与后排的暗色调形成了对比，现多认为小女孩是光明与真理的象征。 </b></p> <p class="ql-block" style="text-align: center;"><b style="font-size: 22px;">后宫露台</b></p> <p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作者：热罗姆(Jean-Léon Gérôme) （ 1824年5月11日 - 1904年1月10日 ）</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">国籍：法国</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作品：后宫露台</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">英文：The Terrace Of The Seraglio</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">类型：油画</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">尺寸：82cm × 122cm</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">日期：1886年 </b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">收藏：私人</b></p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">《后宫露台》（英文：The Terrace Of The Seraglio，法语：La Terrasse du sérail，约1886年）是法国艺术家热罗姆的作品。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">1856年，他曾赴埃及与近东旅行，收集和纪录了大量关于近东的风土人情，创作了一批极富东方情调的作品，轰动了整个法国画坛。</b></p> <p class="ql-block" style="text-align: center;"><b style="font-size: 22px;">近卫军临刑的早晨</b></p> <p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作者：瓦西里·苏里科夫(Vasily Surikov) （ 1848年1月24日 - 1916年3月19日 ）</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">国籍：俄罗斯</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作品：近卫军临刑的早晨</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">英文：Morning of Streltsy's execution</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">类型：油画</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">尺寸：218cm × 379cm</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">日期：1881年</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">收藏：特列季亚科夫画廊，俄罗斯</b></p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">《近卫军临刑的早晨》（英语：Morning of Streltsy's execution，俄语：Утро стрелецкой казни，1881年）是俄罗斯艺术家苏里科夫的作品。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">是以彼得大帝于1698年镇压近卫军兵变这一历史事件为背景而创作的。画家选取了兵变失败的近卫军在莫斯科红场临刑前的悲壮时刻。 </b></p> <p class="ql-block" style="text-align: center;"><b style="font-size: 22px;">逐出伊甸园</b></p> <p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作者：马萨乔(Masaccio) （ 1401年12月21日 - 1428年8月31日 ）</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">国籍：意大利</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作品：逐出伊甸园</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">英文：Expulsion from the Garden of Eden</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">类型：壁画</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">尺寸：208cm × 88cm</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">日期：1426-1427年</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">收藏：圣母圣衣圣殿，意大利</b></p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">《逐出伊甸园》（又译：亚当被放逐出伊甸园，失乐园，英文：Expulsion from the Garden of Eden，意大利语：Cacciata dei progenitori dall'Eden）是意大利文艺复兴初期的艺术家马萨乔创作的一幅湿壁画，为佛罗伦萨圣母圣衣圣殿内布兰卡契小堂的壁画的一个场景。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">该作品描绘的是亚当与夏娃因为偷食禁果惹怒上帝而被逐出伊甸园的故事。画中的天使手持利剑，一脸盛怒，亚当掩面抽泣，夏娃仰面号哭，手捂着乳房和私处，他们正跌跌撞撞走向未知的前方。这一作品不纯粹是注解圣经，而是带有反禁欲主义立场。这一宗教性绘画作品采用裸体形象，是中世纪完全不能想象的事情。</b></p> <p class="ql-block" style="text-align: center;"><b style="font-size: 22px;">春</b></p> <p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作者：波提切利(Sandro Botticelli) （ 1445年3月1日 - 1510年5月17日 ）</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">国籍：意大利</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作品：春</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">英文：Primavera</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">类型：板面蛋彩画</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">尺寸：203cm × 314cm</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">日期：约1482年 </b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">收藏：乌菲兹美术馆，意大利</b></p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">《春》（Primavera，1482年）是意大利文艺复兴时期艺术家波提切利的作品。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">在美第奇家族掌权的期间，波提切利为他们做了多幅名画，声名大躁。1477年他以诗人波利蒂安歌颂爱神维纳斯的长诗为主题，为美第奇别墅所画《春》。这幅画已经和《维纳斯的诞生》一起，成为波提切利一生中最著名的两幅画作。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">在这幅画中，波提切利运用自己的想像力对古代神话故事重新演绎，人物线条流畅，色彩明亮灿烂，却又在充满着欢乐详和的气氛中，带有一丝忧愁。画面左上方是风神，他拥抱着春神，春神又拥着花神，被鲜花装点的花神向大地撒着鲜花；画面中间立着女神维纳斯，在她头顶处飞翔着手执爱情之箭的小爱神丘比特；维纳斯的右手边是三美神手拉手翩翩起舞，她们分别象征“华美”、“贞淑”和“欢悦”；画面的右下方是主神宙斯特使墨丘利。 </b></p> <p class="ql-block" style="text-align: center;"><b style="font-size: 22px;">大碗岛的星期天下午</b></p> <p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作者：乔治·修拉(Georges Seurat) （ 1859年12月2日 - 1891年3月29日 ）</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">国籍：法国</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作品：大碗岛的星期日下午</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">英文：A Sunday Afternoon on the Island of La Grande Jatte</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">类型：布面油画</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">尺寸：207.5cm × 308cm</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">日期：1884-1886年</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">收藏：芝加哥艺术博物馆，美国</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;"> </b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">《大碗岛的星期天下午》（或译《大杰特岛的星期日下午》；法语：Un dimanche après-midi à l'Île de la Grande Jatte）是法国画家乔治·修拉最著名的代表作之一，同时也是一幅典型的点彩画派作品。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作品描绘的是大碗岛上一个晴朗的下午，游人们在树林间休闲的情景。在画面中共有四十个人物。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">这幅巨大的绘画作品创作共耗时两年多。修拉为了创作这一幅作品绘制了四百多幅的素描稿和颜色效果图，以研究构图和色彩。在这幅作品中，修拉采取点彩画法，用大块的绿色为主调，杂以各种经过仔细分析处理的紫、蓝、红、黄等色点，经过一年的时间点满在画布上。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作品中的大碗岛实际位于法国巴黎塞纳河畔讷伊和勒瓦卢瓦-佩雷之间的塞纳河畔，与现在的拉德芳斯商业区有一小段距离。在1884年修拉刚开始进行创作时，这里是一个远离市郊的休息寓所。这里多年前也曾经作为工业场地，不过现今已成为了公共花园和住宅开发用地。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">这幅画首次于1886年展出。现藏于美国芝加哥艺术学院内。 </b></p> <p class="ql-block" style="text-align: center;"><b style="font-size: 22px;">玩纸牌的人（巴黎）</b></p> <p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作者：保罗·塞尚(Paul Cézanne) （ 1839年1月19日 - 1906年10月22日 ）</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">国籍：法国</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作品：玩纸牌的人（巴黎）</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">英文：The card players(Paris)</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">类型：布面油画</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">尺寸：47.5cm × 57cm</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">日期：1894-1895年</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">收藏：巴黎奥赛美术馆，法国</b></p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">《玩纸牌的人（巴黎）》（英文：The card players(Paris)） 是法国艺术家『保罗·塞尚』 1894-1895年 所作。 </b></p> <p class="ql-block" style="text-align: center;"><b style="font-size: 22px;">罗马尼亚人的上衣</b></p> <p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作者：亨利·马蒂斯(Henri Matisse) （ 1869年12月31日 - 1954年11月3日 ）</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">国籍：法国</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作品：罗马尼亚人的上衣</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">英文：The Rumanian Blouse</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">类型：布面油画</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">尺寸：92cm × 73cm</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">日期：1940年 </b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">收藏：法国国立现代艺术美术馆，法国</b></p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">《罗马尼亚人的上衣》（La Blouse Roumaine，1940年）</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">这幅画的灵感似乎来源于埃尔维拉·波佩斯库（Elvira Popescu，1894年5月10日-1993年12月11日，一位罗马尼亚裔法国舞台、电影演员和戏剧导演）、Elena Văcărescu、Anna de Noailles、Marthe Bibesco。 </b></p> <p class="ql-block" style="text-align: center;"><b style="font-size: 22px;">1948年5号</b></p> <p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作者：杰克逊·波洛克(Jackson Pollock) （ 1912年1月28日 - 1956年8月11日 ）</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">国籍：美国</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作品：1948年5号</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">英文：No. 5, 1948</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">类型：板面油画</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">尺寸：240cm × 120cm</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">日期：1950年 </b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">收藏：</b></p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">《1948年5号》（英文：No. 5, 1948） 是美国艺术家『杰克逊·波洛克』 于1950年 所作。 </b></p> <p class="ql-block" style="text-align: center;"><b style="font-size: 22px;">松林的早晨</b></p> <p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作者：伊万·希什金(Ivan Shishkin) （ 1832年1月13日 - 1898年3月8日 ）</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">国籍：俄罗斯</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作品：松林的早晨</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">英文：The Morning in a Pine Forest</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">类型：布面油画</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">尺寸：139cm × 213cm</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">日期：1889年 </b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">收藏：特列季亚科夫画廊，俄罗斯</b></p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">《松林的早晨》（Russian: Утро в сосновом лесу，English:The Morning in a Pine Forest）是希什金创作中流传最广的一幅作品，它揭 示了森林中神秘和幽深的意境，使人身临其境，心旷神怡。在这安谧寂静的环境中，几只活泼可爱的小熊在母熊的带领下，来到林中嬉戏玩耍，它们攀援在一根折断的树干上，相互引逗，似乎在练习独立生活的本领。这一生动细节的描绘，使整个画面产生了动静结合的艺术效果，同时也增强了观者身临其境的真实感。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">在艺术表现上，这幅画独具匠心，令人赞叹不已。大片松林虽然布满整个画面，但是，由于安排得错落有致，主次分明，虚实相间，使画面显得多而不乱，密而不塞，给人以疏朗、开阔、深远的感觉。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">特别是画家那种对大自然敏锐的观察力和精湛的写实功力，无论对粗犷的树干、舒展的枝叶，还是对盘曲的根部、附着的青苔的描绘，都使人感到格外的自然和亲切，毫无雕琢的痕迹。光，在这幅风景画里起了举足轻重的作用，阳光给画面带来生命的颤动，它透过枝叶，在树身上留下花边状的淡影，与地面的浓影形成对比。从密林深处升起的雾气，画得恰到好处，使画面明朗，并赋予松林以神秘莫测的意味。 </b></p> <p class="ql-block" style="text-align: center;"><b style="font-size: 22px;">煎饼磨坊的舞会</b></p> <p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作者：雷诺阿(Pierre-Auguste Renoir) （ 1841年2月25日 - 1919年12月3日 ）</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">国籍：法国</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作品：煎饼磨坊的舞会</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">英文：Dance at Le moulin de la Galette</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">类型：布面油画</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">尺寸：131cm × 175cm</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">日期：1876年 </b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">收藏：巴黎奥赛美术馆，法国</b></p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">《煎饼磨坊的舞会》（法文：Le Bal au Moulin de la Galette，1876年）</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">十九世纪法国画家雷诺阿以较乐观的主题表现在这幅作品上，光线透过树荫，照射在人体身上，呈现斑驳情况。描绘出色彩闪动在光点里，完全捕捉到光线落在景物上时，所创造出来的笼统瞬间印象。人物在树荫下，光线透过树荫照在他们的衣服、脸上，有印象派的轻快的构图。前景到后景变化很快，后景有往高处发展的呈现，表现出人形逐渐消融在阳光和空气中。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">笔触是松散的，画面上的人物和传统的画不一样，脸部的光线感觉上是扑朔迷离，很矇眬的，不是在讲求真正的肌肤感，脸部深度的描绘，眼睛被影子所遮蔽，看起来别有一番趣味。雷诺阿捕捉到人在大自然下，透过树荫透过光线，所投射下来的神秘色调。在色调的呈现上，他使用了印象派所使用色彩的方法。比如说：补色、对比色等这些方法，同时并列在画面上，在眼睛的视网膜同时调色的情况下，而产生耐人寻味的一个色彩变化与效果。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">印象派的绘画，因为摄影技术的产生，刺激了印象派的追求绘画新的使命，新的探讨方向。这时候日本的版画也刺激了欧洲对传统艺术开始发生质疑，开始有一种新的突破。 </b></p> <p class="ql-block" style="text-align: center;"><b style="font-size: 22px;">灰黑色排列：画家母亲的画像</b></p> <p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作者：詹姆斯·惠斯勒(James Abbott McNeill Whistler) （ 1834年7月11日 - 1903年7月17日 ）</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">国籍：美国</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">作品：灰黑色排列：画家母亲的画像</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">英文：Arrangement in Grey and Black: Portrait of the Painter's Mother</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">类型：布面油画</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">尺寸：144.3cm × 162.5cm</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">日期：1871年 </b></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">收藏：巴黎奥赛美术馆，法国</b></p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block"><b style="font-size: 20px;">《灰黑色排列：画家母亲的画像》（英文：Arrangement in Grey and Black: Portrait of the Painter's Mother） 是美国艺术家『詹姆斯·惠斯勒』 于1871年 所作。 </b></p> <p class="ql-block" style="text-align: right;"><b style="font-size: 20px;">（注：文中图片及文字内容均来自于网络）</b></p>