逛英国国家美术馆

哪个不是游客？

伦敦是英国的政治、经济、文化、金融中心，同时也是全世界博物馆、图书馆和体育馆数量最多的城市。 提起伦敦的展馆，便不得不提大名鼎鼎的英国国家美术馆。有人说过，所有学西画的画家，到英伦最幸福的事，便是天天啃着面包，喝着矿泉水泡在英国国家美术馆中。 英国国家美术馆位于英国伦敦市中心特拉法加广场的正北方向，又称伦敦国家美术馆，成立于1824年。在当时，全美术馆仅有38幅画作。后来，乔治四世说服政府购买林布兰、拉尔等人的38个作品，美术馆便陆续拓展为以绘画收藏为主的国家级美术馆。 英国国家美术馆的藏品在世界上都非常罕见。目前国家美术馆已有2300多幅馆藏作品，收藏了13世纪到20世纪为数众多的欧洲各画派作品。 在国家美术馆迷宫似的展厅中，从达·芬奇、拉斐尔，到威尼斯画派、英国山水画派、法国写实派、前期印象派，到塞尚、梵·高，都是一代艺术大师们的稀世珍品。 毕加索的签名。这幅画是镇馆之宝之一 梵高的《向日葵》、莫奈的《睡莲》，修拉、高更、鲁本斯、米开朗基罗等作品都在其中。虽然它不如大英博物馆般雄伟浩大，收藏量也无法与罗浮宫相比，但那些以独具的慧眼精选收藏的画作就如颗颗璀灿的珍珠，在西方美术史上散发着耀眼的光辉。 国家美术馆秉承 “画作的存在并不是收藏的最终目的，而只是为了大众的审美乐趣，提升国人对于艺术知识的涵养”的创始宗旨，从建立之日起就承担起艺术教育的责任，除免费参观的方式向大众开放外，还允许学生前来学习绘画，临摹馆藏，为他们复制艺术作品。 梵高《向日葵》镇馆之宝之一。在这幅画中，可以看到整幅画都是黄色调，柠檬黄、土黄、深黄，各种黄色交织在一起，传达出了画家对于生命的热爱。梵高在他的一生中画了11幅向日葵，这是其中的一幅。 法国新古典主义的代表画家让·奥古斯特·多米尼克·安格尔。其作品《大宫女》、《泉》即使是在中国都容易看到。这次看到的作品是《莫第西埃夫人像》（Madame Moitessier）全名《保罗-西吉斯贝尔·莫第西埃夫人肖像》（Portrait of Madame Paul-Sigisbert Moitessier），是安格尔76岁时完成的一幅肖像杰作。这幅画画的时间很长，画家作画非常严谨而认真，这是古典主义画家作画的共同特点。有的史学家盛赞安格尔：他的肖像画成就就是他最大的丰碑。 《莫特西埃夫人像》这一幅属于画家晚年时期最后完成的贵夫人肖像，从1846年就开始着手了，直至1851年始告完成。这幅肖像整体简洁、形象明快、沉着稳健，但有色块的配置而无色彩的变化，这是因为安格尔向来认为色彩对于绘画是次要的。他说过要用颜色作画，为了使颜色新鲜夺目必须画得快，这样就很难表现形体的深刻周到。形象极端的准确唯有靠素描。所以他的画是用颜色画的素描，准确、深刻、细腻。 镇馆之宝之一《岩间圣母》列奥纳多·达·芬奇创作此画是列奥纳多·达·芬奇应一宗教团体之请而为米兰的圣弗朗切斯科教堂的一间礼拜堂作的祭坛画。此画以圣母居图中央，她右手扶婴孩施洗约翰，左手下坐婴孩耶稣，一天使在耶稣身后，构成三角形构图，并以手势彼此响应，背景则是一片幽深岩窟，花草点缀其间，洞窟通透露光。此画虽属传统题材，然表达手法和构图布局皆表明达芬奇的艺术水平之高深。人物，背景的微妙刻画烟雾状笔法的运用，科学地写实以及透视，缩形等技术法的采用，表明了他在处理逼真写实和艺术加工的辩证关系方面达到了新的水平。 The Supper At Emmaus（中文：在伊默斯的晚餐）是意大利16世纪末至17世纪初的著名画家米开朗基罗·梅里西·德·卡拉瓦乔（Michelangelo Merisi da Caravaggio，1571—1610）作于1601年的著名油画作品。画中的场所是复活后的耶稣在耶路撒冷附近伊默斯的一家小旅馆，内容讲述了基督的两位门徒恍然大悟，与他们共餐的男子正是复活的救世主。 看看耶稣与以往不一样的形象。 《沃德勒伊伯爵》弗朗索瓦-休伯特·德鲁埃 1758 年，德鲁埃为沃德勒伊伯爵画肖像时，只有 18 岁。他是当时位于加勒比海伊斯帕尼奥拉岛西端的法国殖民地圣多明格的总督兼总司令的儿子，这就是他在地图上指出它的原因。沃德勒伊穿着一件衬有松鼠皮的蓝色天鹅绒外套和一件饰有金银花边的锦缎背心。他的假发用一条黑色丝带系在脖子上的蝴蝶结上。鞋子上的红色高跟鞋表明他的贵族身份。他的脸蛋和嘴唇都红润，一双明亮的大眼睛完美无瑕。这幅肖像给人一种随意的感觉，而不是姿势僵硬，沃德勒伊修长的身体有轻微的倾斜。 《红衣少年》托马斯.劳伦斯(Thomas Lawrence ，1769—1830)是十八、十九世纪英国著名画家。只有社会名流、政府首要才有资格请他画画，事实上，他是一位宫廷画家。他的画，色新、形真、神似，色、形、神三者能很好地结合，使他成为一代画坛名师。劳伦斯所作的《红衣少年》，画的是一个真正的伯爵的儿子，画面色调清新，细腻柔和，人物潇洒自然，形神兼备，返璞归真。 卡纳莱托 Canaletto 国家: 意大利画家 1697-1768作品名称: 威尼斯圣马可流域耶稣升天节 [The Basin of San Marco on Ascension Day] 细节看看，包括水面的倒影，好花功夫、好考功底。 镇馆之宝之一《使节》，小汉斯·荷尔拜因作于1533年。荷尔拜因绘制了众多都铎王朝君主和贵族的华丽画像，《使节》这件可谓独树一帜。署名和日期在画作下方，这幅画是这位德国画家的巅峰之作，也是文艺复兴时期最成熟最复杂的肖像画之一。 这幅画创作于伦敦，画家移居伦敦之后，很快就成为了国王亨利巴士宫廷中的红人，国王的肖像也委托他绘画。从这幅画两米乘两米的可观规格，说明这是一幅庆功之作。这是由法国驻伦敦大使让·德·丁特维尔（Jean de Dinteville）委托的，为了纪念1533年复活节朋友乔治·德·赛尔维（Georges de Selve）的接待访问，后者就是画中右边那位身穿低调考究的牧师服的先生。画中的两位年轻人显然有着相似的社会地位、品味、生活方式、志趣爱好：他们靠在一个架子上，流露出不经意的优雅，从架子上的物品，你也可以猜到两位大使喜爱音乐和数学。但有一个强烈的象征元素主宰着整个画面，弥漫着一种显然而见的不安。让我们来看画中最著名的细节，中央那一大片灰色：如果你从下方观察画面，你会发现，这是一个骷髅，通过“反光歪像”的光学手法造成变形，所以，如果你看到有的游客躺在地上去看这幅画，请不要惊讶。骷髅为画面加入了尖锐的戏剧冲突，失调的尺寸比例也加重了不和谐的感觉。 画中还存在诸多能够反映时代风潮的细节：法国大使让•德•丁特维尔手中的匕首上，刻着数字“29”，这表明他当时29岁。格奥吉斯•德•塞维尔主教压着的书页上写着数字“25”，表明他当时25岁。两位使臣脚下的地板图案，与威斯敏斯特宫的地板图案完全相同，这表明了他们前来英格兰进行谈判的事实。画面左上角的基督受难像只露出一角，其余地方被幕布遮盖着。这暗示着当时的欧洲正陷入宗教战争，导致基督被人遗忘的现实。上层桌子上紧靠着让•德•丁特维尔的天球仪，同样内含玄机。它指的方向正好是教宗驻地——梵蒂冈。这暗示着两位大使出使英格兰所执行的外交任务：代表教宗与英王亨利八世谈判，以防止亨利八世背叛天主教势力，支持新教。然而，画家又通过这个细节向我们暗示，两位大使与亨利八世的谈判并没有成功。细节之一是桌子的第二层上摆着一把断弦的鲁特琴和一本翻开的乐谱。琴弦既然已经断了，那么鲁特琴显然无法再演奏。没有了能够演奏的乐器，乐谱也就派不上用场了。这一不和谐的意象表明，两位法国使臣与伦敦宫廷的谈判未能达成共识。 超多的细节和故事在画里，下次一定要带上高像素相机拍了看仔细。 《格尔奴叶的浴者》（Bathers at La Grenouillere）奥斯卡-克劳德·莫奈（法文：Oscar-Claude Monet，1840年11月14日-1926年12月5日），法国画家，被誉为“印象派领导者”，是印象派代表人物和创始人之一。莫奈擅长光与影的实验与表现技法，他最重要的风格是改变了阴影和轮廓线的画法，在莫奈的画作中看不到非常明确的阴影，也看不到突显或平涂式的轮廓线。光和影的色彩描绘是莫奈绘画的最大特色。 《睡莲.落日》（Water-Lilies, Setting Sun）克劳德.莫奈(Claude Monet)在他生命的最后二十年里，莫奈致力于画他在吉维尼家中创建的水上花园，创作了大约 250 幅创新油画。他的绘画变得越来越具有实验性，转而专注于光线的微妙调制，因为它改变了水以及树叶和云彩的反射。在这幅画中，夕阳的粉红色和黄色光线在池塘上闪闪发光。我们的视线似乎在水面和池塘深处摇摆不定；在水平的睡莲和垂柳的黑暗垂直反射之间。夕阳下的粉色和黄色光芒在睡莲漂浮的静止水面上闪烁。莫奈传达了水面的平坦度，同时指示了它的深度。 《两只螃蟹》是梵高（Van Gogh）1889年的作品，高47厘米（19英寸），宽61厘米（24英寸），这幅画是由国家美术馆，从私人收藏家借来的。 这是梵高的《种着柏树的麦田》，是在梵高患病住进精神病院之后的作品。事实上，与它同类的画梵高画了好几个版本，而国家美术馆收藏的这幅是终极版本，被梵高视为他最好的风景画之一。他画了同地点的第一个版本的麦田，现藏于纽约大都会艺术博物馆。当梵高因病复发暂时被关在房间里时，他画了藏于国家美术馆的这幅画，其比例与第一版相同。这幅风景画没有明显的人的迹象，却包含了典型的普罗旺斯主题，有金色的麦田、高大的常青柏树、橄榄树丛、和蓝色的阿尔卑斯山背景。这幅风景画对梵高来说，有着特殊的、甚至是象征性的意义。特别的，这是一个基于圣经寓言的关于生与死的隐喻。从麦子播种到收割这样的周期，通常情况下会用播种者和收割者的形象来代表。在这幅画里道路旁的柏树就像黑色的火焰，这些卷曲着的线条相互扭结着窜向天空。柏树旁是一片金色耀眼的麦田，它是太阳的色彩，生命的象征。用一种短促急速和旋转的线条，把天空和道路描绘成永不休止、滚滚向前的湍急河流。这些色彩和笔触表达出梵高内心的紧张和冲动，即使相当理智的人，也很难在这幅画前保持平静的心情。 《The Immaculate Conception with Two Donors》莱亚尔的作品胡安·德·巴尔德斯·莱亚尔 (1622-1690年)，生于塞维利亚，他是17世纪塞维利亚画派的最后一位伟大的画家，同时也是西班牙画坛一位怪杰。 这幅《whistlejacket》是以擅长画马著称的George Stubbs在1762年的一幅经典之作，英国《独立报》将这幅作品誉为”阿拉伯纯种马完美无瑕的巅峰之作“。 镇馆之宝之一《阿诺菲尼的婚礼》（Arnolfini Portrait），又名《阿尔诺非尼夫妇》又名《阿诺菲尼的肖像》，由荷兰画家扬·范·艾克画于1434年。画家于镜上方位置签名："Jan van Eyck was here."画中人都脱了鞋，代表圣洁，暗示正进行神圣仪式，即结婚。画中女人头戴白头纱，亦暗示正在结婚。只有一枝蜡烛，就代表了上帝。橙代表了财富，亦是代表神圣的。小狗则代表忠诚，借此为婚姻祝福。这幅画十分重要的一点就是画家的刻画十分逼真，不管是妻子毛绒布料的衣服，还是铜镜和蜡烛的质感。 《时间揭开真相》让-弗朗索瓦·德·特洛伊有翼的时间之父揭开了真理的面纱，她身著白衣，脚踩在一个地球上，象征着她从中诞生的地球。真理用她的左手揭开欺骗的面纱，而她的右手则指向四种基本美德：谨慎，握着一条蛇；节制，提着水壶；正义，有剑有鳞；和毅力，她将肘部放在狮子身上。该主题基于经典格言“真理是时间的女儿”，这意味着真理会随着时间的流逝而变得明显。这些不朽的人物像舞台布景上的演员一样占据了前景。它们以平衡的金字塔排列方式组织，时间和真理位于顶部，也许表明它们将取得胜利。当所有人物都看着真相时，她看着我们，将我们吸引到图像中，并通过眼神和手势的相互作用引导我们绕过它。 《在空气泵中对一只鸟进行的实验》，作者Joseph Wright，作于1768年。这幅作品描述了当时发现的一个现象：如果没有氧气，鸟就会死亡。这项实验曾经在很多观众面前多次重现，大部分人关注实验结果，也有少数人关心鸟的命运。 《拉巴雷和其他音乐家》安德烈·布伊斯 安托万于 1722 年被任命为路易十四的皇家财务主管。里戈是法国最负盛名的肖像画家，以其优雅而写实的对贵族、金融家和路易十四宫廷成员的描绘而闻名。他展示了安托万坐在图书馆里一张精致的桌子旁边，手里拿着蓝色的天鹅绒窗帘，转过身来，好像在迎接一位看不见的访客。安托万右手的手势被认为最适合雄辩的公开演讲。头部的精细刻画是 Rigaud 和他同时代的 Largilliere 的标志，似乎几乎被宏伟的场景和戏剧性、华丽的帷幔绘制方式所掩盖。 《亚历山大圣凯瑟琳自画像》（“Self Portrait as St。 Catherine of Alexandria”）。 英国国家美术馆宣布以360万英镑，约合480万美元购入了阿特米谢-简特内斯基（Artemisia Gentileschi，1593-1653，活跃于17世纪的卡拉瓦乔画派女艺术家）的这幅画作。　　阿特米谢可不是籍籍无名的画家，在世时她就被誉为“绘画奇才”、“可以嫉妒却很难模仿”，她是意大利巴洛克绘画时期最著名的女性艺术家，米兰和罗马分别在2011年和2016年为她举办个人回顾展。阿特米谢非凡的人生故事已经成为女性主义艺术史的一套文本。　　1611年，17岁的阿特米谢遭到与画家父亲奥拉齐奥-简特内斯基（Orazio Gentileschi）合作的艺术家阿戈斯蒂诺-塔西（Agostino Tassi）的强暴。直至阿特米谢被迫承受着巨大的精神折磨和道德指责当庭作证后，塔西才被指控并判处了罪行，但是那个强奸犯却没有服刑流放。 　　《亚历山大圣凯瑟琳自画像》绘于1615-1618年的佛罗伦萨，画家倚靠在镶嵌着铁钉的轮子上。英国国家美术馆意大利、西班牙、法国17世纪绘画部策展人莱蒂齐亚-特里夫斯（Letizia Treves）表示，“它吸引人们以传记式的角度去解读作品”，“长久以来，作为艺术家的阿特米谢并没有列入我们的收藏，”，“她无疑是一位杰出的女性艺术家，此外我们更希望展示出她的艺术成就。”此次购入，使得拥有2300件藏品的英国国家美术馆迎来了第21件女性艺术家的画作。 《雨伞》描绘了一条繁忙的巴黎街道，由皮埃尔·奥古斯特·雷诺阿分两个阶段绘制，每个阶段之间的间隔约为四年。雷诺阿的艺术风格在他的整个职业生涯中不断发展，他从印象派转向古典艺术。这幅画体现了这一点，右侧的母亲和她的两个女儿以更印象派的方式绘画，而左侧的雷诺阿则采用了更线性的风格。 米西亚·塞尔特肖像画也是皮埃尔.奥古斯特·雷诺阿(Pierre-Auguste Renoir) 的作品。 小艇（La Yole）皮埃尔.奥古斯特·雷诺阿塞纳河上阳光普照的场景是印象派形象的典型代表。他通过直接从管中使用明亮的未混合涂料并避免使用黑色或大地色调来创造夏季炎热和光线的效果。在将亮橙色的船放在深蓝色的水面上时，雷诺阿特意使用了互补色，当它们并排观看时会变得更加强烈。 《摩西被救出水中》是1630年代早期奥拉齐奥·真蒂莱斯基（Orazio Gentileschi）的画作。有两个版本，主要版本在伦敦的国家美术馆，第二个版本在马德里的普拉多博物馆。此版本于 1995 年被私人收藏购买，并于 2002 年长期租借给国家美术馆｡2019 年 12 月画廊成功以 2200 万英镑的价格购买了该作品。 《雷翁那多·罗雷丹总督》这幅画的画家乔凡尼是一个十分重要的画家，他是威尼斯画派的创始人，他画的这个人当时位高权重，是威尼斯的统治者，所以我们看到画家画的也是十分的庄重，穿着国家统治者应该穿上的长袍，看起来自然而又得体。 约瑟夫·马洛德·威廉·透纳（Joseph Mallord William Turner，1775年4月23日－1851年12月19日），是英国最为著名，技艺最为精湛的艺术家之一，19世纪上半叶英国学院派画家的代表，在透纳以善于描绘光与空气的微妙关系而闻名于世，尤其对水气弥漫的掌握有独到之处。他在艺术史上的特殊贡献是把风景画与历史画、肖像画摆到了同等的地位。西方艺术史上无可置疑地位于最杰出的风景画家之列。透纳：真正的大师，是既属于时代又超越时代的人The Fighting Téméraire tugged to her last Berth to be broken《被拖去解体的战舰无畏号》 1839年作，他最著名的油画，一直在伦敦国家画廊展出。2005年，由BBC发起的公众投票中，此画《被拖去解体的无畏号战舰》被选为“英国最伟大的画作”。 《The Cumaean Sibyl with a Putto》（尺寸：222cm × 168.5cm）是意大利艺术家『圭尔奇诺』于1651年所作。Cumaean 女巫是 12 位异教女巫或女先知之一，据说预言了基督的到来。Cumaean Sibyl 的名字来自那不勒斯附近的 Cumae，她预言基督将在伯利恒的马厩中由一位处女的母亲所生。这里石板上的铭文是指基督被钉在十字架上的木十字架。这是盖尔西诺晚期最优秀的作品之一，构图气势磅礴，色彩丰富，姿态端庄。 《约翰·斯图亚特勋爵和他的兄弟伯纳德·斯图亚特勋爵》，约 1638 年。奢侈臭美的感觉 西班牙画家巴托洛梅·埃斯特万·牟利罗的作品"The Infant Saint John with the Lamb"《幼年圣约翰和羔羊》。施洗者圣约翰站在岩石景观中，指的是他年轻时生活的荒野，身着驼毛束腰外衣，只吃蝗虫和蜂蜜。他拥抱一只羔羊，这是基督牺牲的象征，并指向天堂。根据福音，当圣约翰遇见基督时，他宣称：“看哪，上帝的羔羊”。这些词用拉丁文刻在缠绕在芦苇十字架上的缎带上，这是圣约翰的属性之一（与他相关的象征物)。羔羊也是基督作为好牧人的象征，他为他的羊舍弃了自己的生命——正如人们相信基督为人类的救赎所做的那样。 卡纳莱托（1697-1768）出生于威尼斯，是意大利风景和海景画大师。他对威尼斯运河和总督宫的宏伟场景的描绘被认为是他最伟大的作品——捕捉了威尼斯的所有壮观和气氛。对于这幅画，乔瓦尼·卡纳莱托 (Giovanni Canaletto) 将总督 (威尼斯国家元首) 的宫殿置于云雾缭绕的天空和温暖的阳光之下。宫殿俯瞰位于圣马可起源盆地的 Riva degli Schiavoni 海滨长廊。卡纳莱托描绘了威尼斯人的日常生活，营造出一种平静的感觉。 看看画成这样的特洛伊木马 乔瓦尼．巴蒂斯塔．提埃坡罗(1696-1770)，《维纳斯与时间的寓言》，约1754-1758年作。不规则椭圆形天花板画，292 x 190.5公分（115 x 75吋）。此作于1969年6月27日在佳士得伦敦售出，成交价409,500英镑。 《罗马的西伯利亚崇拜》是一块73.5厘米x 268厘米的蛋彩画。它由安德烈亚·曼特尼亚（Andrea Mantegna）在1505-1506年创作。浮雕感非常强烈的佳作。 《巴尔比儿童》（The Balbi Children）安东尼·范戴克（Anthony van Dyck）1599 - 1641 三个英姿飒爽的小男孩站在一座令人印象深刻的建筑的台阶上。他们的服装都很昂贵——缎子、天鹅绒和锦缎、银和金编织物，带有精美的领口和蕾丝袖口——而且他们充满活力，随时准备脱身。Van Dyck 精致的亮点和敏感的造型向我们展示了每个眼睛明亮的男孩的样子，但他对他们的动作和交互的微妙而微妙的观察以一种开创性的方式告诉我们他们的个性。他制定了一种新的肖像画风格，在接下来的几个世纪里产生了巨大的影响。 《爱与贞洁的战斗》盖拉尔多·迪·乔瓦尼·德尔福拉这个芭蕾舞式的战斗场景展示了穿着飘逸连衣裙的优雅女人贞操，在爱的金色箭矢中保护自己，这个运动的裸体青年。战斗发生在一个夏日，自然界中唯一骚动的迹像是一只天鹅张开翅膀，追逐它的同伴。 提香《基督在抹大拉的玛利亚面前现身》（又名《不要碰我》）盛情如火的抹大拉因尘世之累跪在地上，复活的基督以无限尊严从她身边退开。提香Titian (Tiziano Vecellio)是 16 世纪威尼斯最伟大的画家，也是第一位以国际客户为主的画家。在他漫长的职业生涯中，他尝试了许多不同的绘画风格，这些风格体现了他那个时代的艺术发展。这是提香在国家美术馆收藏中最早的作品之一。其高调的色彩和人物在自然景观中的设置方式与提香训练的乔尔乔内风格相呼应。树和山坡的线条引起了人们对人物之间的注意。提香建议使用基督的薄纱缠腰布和抹大拉的玛丽的围巾，这些围巾带有拖曳的铅白笔触，与画布的质感相得益彰。 圣多梅尼科祭坛画是 1476 年的蛋彩画和金面板祭坛画，由Carlo Crivelli 创作。它的中央面板现在在纽约大都会艺术博物馆，而其他九个现在在伦敦国家美术馆。 英文：The Annunciation with Saint Emidius《与圣埃米迪乌斯一起的天使报喜》画家：卡洛·克里维利 [ Carlo Crivelli ，1430~1495 ]时间：1486年媒介：面板蛋彩油画，146.7 x 207 cm风格：文艺复兴早期这是画家卡洛·克里维利为意大利阿斯科利城所创作的一幅祭坛画。1482年，因教皇支持者弗朗切斯科·斯福尔扎被驱逐出阿斯科利城，西斯廷教堂的教皇西克斯图斯四世允许将部分自治权授予阿斯科利城管理，并且这一喜讯刚好在3月25日天使报喜节的那一天传达到了城里。卡洛·克里维利是文艺复兴早期、哥特式晚期，装饰风格鲜明的画家，其一生都以宗教主题创作为主，据说不喜欢油画，因此专注于蛋彩画。这幅作品就很好地展示了画家成熟的三维空间表现，丰富色彩的表达，以及对物品、人物、动物、衣饰的精细、考究的刻画。