丁思群书画杂谈五十讲（第一部分）

梦兮

简介

　 丁思群，辽宁抚顺人，生于一九四九年当过知青丶美工丶中学美术教师丶市直机关干部。毕业于辽宁师范大学，二OO一年从市政府退休后专习书法篆刻，多次参加省市书画展并获奖。

开篇语：

本人一生同各种门类艺结缘，五十多年总结经验学好每一样艺术必须要同时学习其他门类的知识现将个人的体会同学艺者共享。

文章 书画 雕刻 丁思群 编辑 梦兮

书画杂谈之一



音乐、书法、绘画之异同

人类在时空中生存。人借助时空的媒介把音阶有组织起来产生的艺术形象。所以有人把音乐称为时间艺术，成为时间艺术音乐是音的高低长短，在一定的时间内完成的艺术形象。

音乐丶书法和绘画是在平面上用线条和色彩完成的艺术作品。人们只能通过视觉和听觉去感受人为的艺术形象。有人把音乐和书法称为抽象艺术。对三者的欣赏去感受的艺术形象上升到理智是艺术主要社会功能。所以每个社会就会产生音乐。反映劳动者优秀音乐作品和书画作品。音乐语言是通过旋律｀节奏｀节拍、速度｀力度丶音区｀音色｀和声丶调式等诸多音乐要素表现，思想内容和情感。音乐上的旋律又叫曲调。如同绘画前根据内容和主题定调。绘画基调由主题决定，比如文革绘画，英雄人物基本上都要高大全，色彩都要红光亮。音乐舞剧中出现正面人物时。旋律要突出。而且和弦音色明朗稳定。如出现反面人物时多用不和谐稳定音色。有时还要有点不合谐的燥音。

书法创作前。先要确定主题和表现方法，心中有数。书法创中有的竖划故意无限地拖长。有的嘎然停止，主要是根据作品表达的感情需要而定。书法中的语言要素主要是线条的变化。还有墨的枯润，笔的快慢。音乐中的七个音符如同绘画中的七色彩虹一样。国画讲＂墨分五色＂古代主要用五音（宫商角子羽）国画与音乐的相通性，这可能是中国持殊的文化现象。

古代诗词和古代音节有许多数字，如。＂胡笳十八坡＂“阳关三叠＂”扬州慢＂。这些数字是否和音乐中的拍节段落有关？这和古代皇宫做乐，歌舞升平有关。李白据说就是专门作为皇帝做诗词供宫女歌唱娱乐，李白也算音乐家了，李白也是当朝的书法家。音乐书法是抽象艺术，而绘画呢是具象艺术总之三者有着一定的一致性，互通性，渗透性。提倡三者都要精通最好。艺多不压人，但也无法全通全精。多多益善吧。

篆刻属于空间艺术中的平面艺术，毕竟是在平面上刻字。

书画杂谈之二



关于黄金分割线

从美学角度世界上最合理，最美丽的线是，分割比例应该是1比1.618。一本书报长宽比例都接近1.618。世界上所有建筑丶绘画丶书法等等。都要符合这亇黄金比例。

马克思说＂人类是按照美的规律发展的＂。黄金分割线对于艺术发展具有普遍的美的规律，比如联合国的建筑高度和宽度基符合这个规律设计的，一幅画的视觉中心，不在画面的几何中心点。而是按照黄金分割比例，在中心点地偏上部分。我怀疑书法中米字格和九宫格的教法是否正确？书法装裱后的长宽比例，基本不符合黄金分割。还是几千年的传统难以改变。古人画人像有三庭五眼之说，就符合黄金比例分割。歌谱中的符点音符也是黄金分割。黄金分割的曲调优美，3/4拍的曲子最美。她符合强弱弱的生理节奏感。人体的各部分的比例美是上帝造人时，按照黄金线最美比例赋予人类。就连美院教学都以头的长度得出各种姿态的比例，比如有“站七坐五蹲三半＂的说法。所有造型艺术人体美是几千年来千古不变的主题。法国著名建筑埃菲尔铁塔，它的高度和曲线支架的长度就是黄金分割的典范。成为一个国家的标志性建筑。

抚顺有一个标志性建筑叫大环。他就是几何中的圆形建筑。没有实用性的十大丑建筑之一。不知道他的黄金分割线在哪里？大自然的东西都赋予美的黄金分割。最普遍的禽类的蛋，她没有绝对圆的。它的形状基本符合黄金分割。设想我们每天都吃乒乓球一样圆的鸡蛋。你的感觉如何？

人类评判某人的功过常说的一句话是，三七开。是基本符合黄金分割线的规律。说明是功大于过，基本完美，世界上没有绝对的完美。

书画艺术杂谈之三



书画的朦胧美

今天早上大雾弥漫，整个城市建筑白云缭绕如仙境。这是难得的都市奇观。自然界中的景色云雾缭绕，时隐时现视觉上产生一种模糊迷茫的状态。这就是美学中的朦胧美。

中国古代山水画大都以远山近水为主。云雾飞动，漂浮变幻为题材。表达上层文人志士厌世超脱的闲情逸志，吟诗作画，修身养性。古人正是追求这种朦胧美，通过山水画去展示他们迷茫模糊的意识崇拜。古代山水将”远山无树，近水无波＂就是古代文人对朦胧美的具体感受。远山的树看不清，就用点｀圈｀三角形等区别各种树。把具象的树和叶规则化｀概念化了。云雾的地方就是空白。海上天空大海迷茫成一体。海市蜃楼就是云雾水气和光的反射丶折射。空中偶尔出现楼台亭阁。这种虚无缥缈的光的反射。折射成的朦胧美最典型的现实形象。

现代都市高楼林立，一场大雾把人们值入了仙境，有的建筑物在云雾之上，有时只能看到中间。有种不知人间天上的感觉。这就是景物的朦胧美，变幻美。去过黄山的人都知道。云海的变幻壮观。不知引来了多少画家和摄影师追逐写生和拍摄。

其实民间也流行一种说法，叫距离产生美，也可称也可以称为距离美。这就是空间艺术，朦胧美的翻版。古人说”不识庐山真面目，只缘身在此山中＂。距离在角度｀远近，光线｀明暗等因素影响下，会产生不同的感觉。书画家为什么在作画中总是走到远处去观察画面？首先。距离远近，决定画面的总体效果。油画色彩之间的笔触只有在一定距离之后能产生交融渗透，才能知道总体的基调，然后进行修改。当然画面的美感并不在于色彩的变化。中国画墨色的浓淡和空白变化就产生朦胧美。

改革开放初期，文学解放。思想受西方影响，中国的诗界也出现过朦胧诗。只是一种文艺诗潮，诗歌不属于空间艺术，朦胧诗只流行了一阵子，其实就是年轻人要求思想自由化的一个变种。

书画杂淡之四

关于扇面

夏季将至天气炎热，空调电风扇去消暑失去中国传统的扇子驱虫消暑又增加多少文化情趣？扇面分团扇和折扇两种。扇面也同书法和一样，是中国传统的艺术品。上面必须有题款和印章。所以它是完整的中国画或书法形式。最初是非实用价值，供上等人家讲究提升身价，成为身份和学识的标志。属于文人，把玩欣赏之物。画面表现大都精致淡雅。

近代发展主要体现在实用性方面。有的人把大幅折扇，挂在中厅。成为了单纯的艺术品或工艺品，供人欣赏。

字和画根据扇形的大小多少和构思不能太满。只要上大下小。沿着折页归行写。一般团扇好处理。初学者用印刷好的扇面。团扇形宣纸练习即可。等达到了熟练程度后，再直接写在扇子上面。日本团扇适用于大家闺秀。也是一种装饰品，没有实用价值。

书画杂谈之五



小议篆刻的边款

边款，是篆刻完成以后。在印章的四边上刻上字，说明制印者名和完成时间。这就是边款。古人对边款也非常重视。好印不见款如见人，只见面，确实为美中不足，所以说边款是初学者学习篆刻的必修之课。用墨拓边款和红色的印章。朱印墨款才成为完整的篆刻艺术作品。

边款的由来，你就是你给别人刻刻完印章之后数上名时间和称呼。古代文人有雅兴利用四面提几句名言警句或者诗词文字，可长可短。边款的字体，你一般都是楷书最多，或者是从楷书入手。边款白文居多笔划深浅适中，太浅太小拓印后模糊不清，深度在1毫米左右为宜。笔顺的可逆可顺，有以石就刀或以刀就石二种方法。章法如同书法。要讲究刀法圆韵和粗糙的结合完整和残破的结合。初学者呢？开始入门比较难，时间长了之后你就如同你在宣纸上写字。用刀当笔写书法一样。具体刀法的就是什么呢？主要采用冲刀和切刀。双刀和单刀结合的办法。

只要有书法基础持之以恒就不难学会。

学书杂淡之六



关于书法中起笔运笔和收笔

书法中的起笔运笔和收笔看似简单，其实并非如此。

起笔的一般规律是藏锋起笔，欲下先上，欲左先右，欲快先慢。运笔的方向，总感到有种相反的的力量，笔与纸之间有种穿透力，或者叫涩笔古人叫力透纸壁，实际说的是防止出现轻浮华腻无力之感，要在实践反复体验，笔者喜欢逆锋起笔才大气豪爽的效果，运笔跌宕起伏，收笔时或嘎然停止或慢慢脱笔以达到情犹未尽之境界，创作一件书法作品，一定要根据书写的内容，然后确定什么风格表现，要根据自己的擅长技法和与众不同的风格确定字体，然后选择合适的章法，一定要写出自己的个性化作品，书法的生命力就是求变以达到与众不同。

本文所谈其实就是书法创作的全过程，所谓高手是指书者刻苦看帖读帖和临帖，要达到广博精深，其次是字外功夫，既知识广博修身养性高人与俗人的区别就悟性和素养。

书画杂谈之七



书法中的浓淡变化的和谐统一

书法多年来在墨色的运用上沒有大胆的探索者，本文以个人斗胆谈谈有关书法墨色浓淡变化规律。

国画和书法都是传统的国粹，古人云书画同源，这主要因为汉字以象形文字为主。书画家常说墨分五色就指书法要有浓淡变化，艺术的生命力就是变化统一原则。美学上的淡者1给人轻柔高远飘逸超脱，而墨色浓者，产生厚重醒目沉稳之感。书者在书写作品和情感变化产生意想不到（偶发性）的效果。有时墨的浓淡突变和渐变都会产生意想不到的效果跃然纸上。

总之，书法的浓淡变化要以少胜多，浓多淡少为原则，不能过分脱离传统的法度。

书画杂谈之八

简约是抽象美的最高境界

美的形式多种多样。一般认为画面越满越好，越美越复杂，水平越高。其实不然，抽象美就是把复杂的事物，简单化。而且更能表达作者的创作意图。中国有句老话叫＂大道至简＂。用最少的题材，表达更圆满更完整的意念和境界。齐白石的画＂蛙声出十里＂。只用山泉和蝌蚪就达到了深远的意境。即是文学上的，“言有尽而意无穷＂。

现在，世上装修风格开始追求简单明快舒适。什么间壁墙，什么玄关统统砸掉。太复杂的装修，使人眼睛产生炫目和疲劳。所谓折叠家具，就是应合了大众的口味。有人把装修称之为＂拆修。西方的教堂建筑和中国式的飞檐建筑复杂繁乱，现在开始流行流线型的简约明快建筑。增加了城市的美感。

西方的毕加索崇尚简约，他创立了立体主义。万物在他的眼中都是立体的几何图形，他的非现实主义不为人理解。但对简单化的追求，始终没有放弃。

中国人对此有已有更深的理解＂大象无形＂，“大道至简＂重视对空白，虚中有实，实中有虚，达到的极致。

毕加索画的和平鸽。几笔栩栩如生，获得了世界和平艺术奖。

篆刻对简约的发挥更是有加。所谓的”借边＂就是减少笔画。减少字的弯曲和环绕。两个同样的字，可以用两个点来代替。字与字之间的粘连空白也是篆刻普通存在着，增加了天然的情趣。也符合佛教中“万事皆空＂的理念。

书画杂谈之九

素描是一切造型艺术的基础

素描是绘画中单色，把物体通过平面描绘出来的图像。是美术学院的基础课。听说现在又分为全因素素描和结构素描。

结构素描把物体的外形和内部结构都同时表现出来。它主要为现代工艺设计而设置的新课程。中国画不需要学习素描，这是好多人的共识，其实这是错误的。中国画中的白描和线描也是素描的一种形态和手法，他从所谓西画中的素描本质是一致的。中国画侧重的是用中国的毛笔的线条表现形态，而不重视明暗和块面。当然线描也可以表现外形结构和明暗。中国山水画讲究石分三面。唐代画圣吴道子画人物用笔起伏，天衣飞扬。有”吴带当风＂的佳话说明线描表现衣服的动态和质感？

古代＂六法＂中的＂经营位置＂也包含了造型准确。还有书法中的＂布白＂。都讲究字的形准同素描的形体准确是相通的。篆刻中的肖相，讲究字的设计和制作没有一定的素描基础形象无法准确的，更谈不上夸张变形。素描的创作和设计必须画出不同的角度的素描形象。立体造型作品才能更加准确生动，最起码能画出物体的三视图。

素描其实是把现实的东西重新组合再现出来，他绝不是自然主义的描写。素描严格上讲是一种创作。好的素描作品就能体现出作品的风格和精神风貌，现在的美术作品是首先要收集素材。经过素描的创作。而现在的人有的收集题材是通过拍照。然后不用去画素描了，那样永远创造不出好作品。所以说，素描是美术作品的前提，学好素描才能创造出更好的作品。

书画杂谈之十

书画的个性化是作品的生命力

书画老师一般都要求按自己的教学方式要求学生，这是一个愚蠢的做法。艺术创作不同于工艺制作，真正高明的老师是启发学生的创造力，想象力。创作出与众不同的效果和特点。设想老师教出的学生作品都是大同小异。如同复制品，那是对学生创造力的扼杀。

随着社会的发展，艺术的内容形式不断地发展变化，作品的风格和审美观念也在不断的变化，书法界长期以来传统与创新的争论，美丑的争论。主要集中到艺术发展的多样化和个性化的问题。

西方艺术发展史说明主流的现实主义被浪漫主义的印象派丶超写实派，立体派等代替。也出现了张扬个性产生了画坛大师毕加索，后来又回归到现实主义画派。如苏联列宾为代表的巡回画派。现在又有人追求油画的超写实派。追求超写实画的比高清照片还要清晰，实在是没有意义。没有笔触的油画，不能称其为油画。科技的发展收集题材也变得轻松了。用相机到处去采风，拍一些高清的照片，电脑进行加工后，就可以创作了。油画创作是一项艰苦的劳动创作过程。包含了作者的修养学识｀阅历｀想象力和创造力等方面的能力。美术学院主要是理论和基本技能的教学。没有创造力和个性的艺术是不能通过学校学到的。古人哪有转门教书法的学校，全靠学生原有的天赋和后天的素养，靠灵感厚积薄发，创造力，创作出有个性的作品，才有生命力。

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