《舞台摄影的探讨》文字:君子兰先生 摄影:马俊儒

君子兰先生

　　我学习摄影已经有几十年的时间了，以拍摄风光见长，偶尔也会接触一些舞台摄影。以我这些年的经验与体会来说，舞台摄影的复杂性，最能考验一个人的技术和能力。说句不客气的活，没有两把刷子，还真不见得能拿的起这个活儿。在圈内经常看到大家发表的风光片、纪实片、人像片等等，而舞台片却很少出现，就足以说明这一点。

（此歌曲《无虑》的演唱者:刘珂矣）

　　那么，舞台摄影的复杂性和难度在哪里呢？

一是，舞台区域间的光反差大。如色彩、明暗、强光、弱光，比自然条件下的光，要复杂得多。一段舞蹈，可能会出现多个色彩和强光、弱光，所以就给拍摄者的判断和设备的设置，带来很大的困难。

二是，拍摄点的相对固定。一般情况下，都是固定在一个位置，还不要影响观众的视线。所以，拍摄的角度比较单一。

三是，拍摄的距离变化小。由于拍摄的活动区间有限，不能有效的发挥设备的作用，设想的变化，根本无法实现。

四是，舞台表演的情节性。我们不是专业的舞台摄影师，更不是舞蹈编导的参与者，临时上阵，无法判断和理解表演的程序和内涵，所以就带有一种盲动性。

　　近些年来，由于旅游事业的发展及群众文化艺术活动的繁荣，我们所接触的舞台摄影越来越多（包括室外表演、大秧歌、广场舞等），也经常得到一些主办方的邀请。那么，如何拍好舞台的片子呢，我想不外乎有这几个方面。

　　要有足够的精力准备。舞台摄影不比表演者轻松，自始至终要保持注意力的绝对集中，几乎没有休息的时间，其强度不亚于跋山涉水拍摄风光。

　　要具备一定的艺术修养。对于舞台表演的程式化和规律要基本了解。一般情况下，这种“临时抱佛脚”的拍摄，不容你拿出时间去观察。因此，需要对演员的举手投足，下一个动作的出现，要有预知感和灵动感，洞察舞蹈的精髓，才能拍出你所要的东西。要想做到这些，都来自于拍摄者对艺术的理解水平。

　　要捉住最美的瞬间。观众看到的美和摄影者拍到的美，是截然不同的美。那么，究竟什么是“最美”，以我的理解，舞者在旋转、移动、跳跃中的动作是最美的。甩动的长发，飘逸的裙摆，相机扑捉到的快速动感瞬间，肯定与视觉看到的是不一样的。每个舞蹈都会有一个到两个静止造型，虽然是美的，却不是摄影师的经典选择。

　　要选择最佳的拍摄位置。所谓的选择，是在不阻挡观众视线的前提下，尽量选择靠近舞台的地方。如果连这样的地方都没有的时候，那就充分发动你的主观能动性了。

　　要设定好测光与曝光值。为了得到相对准确的曝光值，最好采用点测光或者局部测光的方式，尽量对着被摄主体测光，在缩小测光范围的同时，也会减少现场光线对曝光值的影响。拍摄时要以主要人物为曝光标准，随时注意现场灯光变化，并及时调整光圈、快门数值。

　　要做好快门的调整。根据自己的拍摄意图以及现场光线的强弱，来控制快门速度。我们既可以用较快的速度，将舞台上的情景定格。也可以用慢速快门，表现一种虚幻缥缈的感觉。根据需要，适当调整相机的感光度，从而提高或降低快门速度。有人要问，是否使用三脚架，要根据需要而定，也根据你个人的习惯而定。

　　要大胆的构图。在自己能够控制的基础上，可以进行大胆构图。在无奈的条件下，实在不行，先拍下照片，回去之后再裁剪，以免失去捕捉精彩的机会。

　　要禁止使用闪光灯。一是避免因为拍摄而影响观众的情绪。二是因为闪灯的瞬间高光，会影响到演员的发挥。一般情况下，拍摄距离较远，使用闪光灯也没有什么实际意义。

　　要时刻注意自己举止文明。无论是在拍摄中，还是在拍摄间歇时，不要伸着脖⼦，举着相机，在观众面前晃来晃去，适当的让自己和观众都能够有一个允许的空间。

　　舞台摄影是一个非常复杂而又艰巨的事情，只要掌握好了它的技巧，呈现给你的，一定是五彩缤纷的绚丽画面。