写这一篇时赶上我刚刚落地上海，也赶上中国的元宵节。就算在此埋下时间胶囊吧 接part 2 哈 <p class="ql-block">DIA在其众多展室画廊中展出了来自世界各地的艺术品，但它最关注的是美国艺术。我特别喜欢有关美国风景的画廊。说到美国风景画，可以说是历史与文化的传承，美国没有走弯路，没有自我破坏：环境保护非常好，现在的自然景观与150年前的“哈德逊河”画家笔下的风光，几乎没有什么变化，“直接继承五千年以来的人类文化”，但是没有改写历史，没有回避人类走过的弯路，而是“重新拿起来，重新审查”人类的文化和艺术。</p><p class="ql-block">美国的风景画艺术，一次性跨越了欧洲三千年，走向了世界的巅峰。</p> <p class="ql-block">美国风景画大牛，弗雷德里克·埃德温·丘奇（Frederick Edwin Church，1826-1900年）。他属于哈德逊河派风景画艺术家。丘奇以戏剧性的现实主义风格为西半球地质奇观创作了大型的全景式画作。</p><p class="ql-block">弗雷德里克·埃德温·丘奇被看作是美国19世纪后半期最伟大的风景画家，他是托马斯·科尔(1801-1848年)的学生，科尔死后，他就成为风景画派的主要人物。他画的大山、冰峰、热带森林等原野景色，逼真而富浪漫主义情趣。</p><p class="ql-block">我在华盛顿国家美术馆见过大师更多的全景绘画，他善于描绘山脉、瀑布和落日，通过对光与色的微妙控制，以柔和的笔触赋予画面逼真而浪漫的视觉享受。</p> Frederic Edwin Church<br>Cotopaxi, 1862<div>尺寸：66 5/8 in. × 103 in. × 6 1/4 in. (169.2 × 261.6 × 15.9 cm)</div> Cotopaxi是十九世纪大自然崇高而可怕的力量的典型图景，是丘奇成名的巅峰之作，是为名藏书家和慈善家詹姆斯·莱诺克斯（James Lenox）委托绘制的。这幅画对美国艺术界产生了巨大的影响，被后人认为是当时正在进行的内战的地质寓言。观众的注意力集中在两个主要主题上 - 冉冉升起的太阳与热烈闷烧的火山。色彩突出了在低矮的珍珠般光泽天际线上散发出炽热的光芒。在这场以光明驱散黑暗的宇宙戏剧中，丘奇反映了内战的当代悲剧，并通过太阳在湖面上反射形成的十字架为解决它提供了希望。在美国历史的这个关键时刻，没有其他人能够如此概括出美国的理想和希望的作品。 <p class="ql-block">Randolph Rogers, The Lost Pleiad, 1850, marble</p> <p class="ql-block">Randolph Rogers, Nydia, the Blind Flower Girl of Pompeii, modeled 1853-1854, marble（尼迪亚，庞贝城的盲人花童）</p> <p class="ql-block">这两尊大理石雕塑都是Randolph Rogers的作品，我在华盛顿国家肖像馆，华盛顿国家美术馆也见过</p> <p class="ql-block">Frederic Edwin Church，《Syria by the Sea》，1837</p><p class="ql-block">丘奇的这幅作品并不是真正历史遗迹的再现，但他利用所学知识以及对艺术的真实感受，描绘出了自己心中的叙利亚古城景观。19世纪初，浪漫主义作为启蒙时代的反理性主义的运动，在英国和法国十分突出。浪漫主义时期的画家常常用理想化的场景来描绘自然，描绘自然的丰富性和美丽，有时还强调其宏大的规模。浪漫主义这一传统在丘奇的作品中延续了下来，突出表现在他极其精细的艺术中。</p> <p class="ql-block">Rembrandt Peale</p><p class="ql-block">The Court of Death, 1820</p><p class="ql-block">尺寸巨大：12 feet 8 inches × 24 feet 7 inches × 7 inches (3 m 86.1 cm × 7 m 49.3 cm × 17.8 cm) 几乎占据了一面墙</p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">伦勃朗·皮尔（Rembrandt Peale），1778年生于宾夕法尼亚州巴克斯县，是美国艺术家和博物馆管理员。他是一位多产的肖像画家，尤其因其对乔治华盛顿（George Washington）总统和托马斯·杰斐逊（Thomas Jefferson）总统的肖像画而广受赞誉。皮尔的风格受到法国新古典主义的影响。</p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">伦勃朗·皮尔（Rembrandt Peale）选择描绘一个旨在成为当代道德宣言的主题。这部作品基于一位圣公会主教的一首诗，描述了死亡如何召唤凡人。在中心人物死神坐在阴影里，最左边是战神（剑上还滴淌着鲜血）和他的随从，他们践踏着受害者、寡妇和孤儿的尸体。在死神的右侧（画面左侧）是一群人，代表着从放纵到自杀的各种罪恶，所有这些人都与那些因过着颓废，饮酒过度而引发各种疾病的生活而死亡的人有关。中间蹲坐的漂亮女人仍在用她的杯子去舀满那有毒的汁液。在死神的脚下是一个壮年被砍倒的人的身体，这表明了死神对每个人的力量。接近中心人物的是一位老年，他受到信仰的支持，在过着漫长，富有成效和虔诚的生活之后，他伸出双臂欢迎死神。</p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">“All People will die. But if you live virtuously, you can face death without feat"......</p> 如果有时间听听讲解员，仔细看看说明牌，对一幅作品的理解会更深。拍下来，回去做功课。 Washington Allston<br>Belshazzar's Feast（伯沙撒的盛宴）, between 1817 and 1843<div>华盛顿·奥斯顿（Washington Allston， 1779年11月5日 – 1843年7月9日）美国画家和诗人，出生于南卡罗来纳州的Waccamaw Parish。奥斯顿开创了美国浪漫主义风景画运动。在他的一生中，他以戏剧性的主题和大胆使用光和大气色彩的实验而闻名。Allston有时被称为“美国提香”，因为他的风格类似于威尼斯文艺复兴时期伟大的艺术家，他们展示了戏剧性的色彩对比。他的作品极大地影响了美国山水画的发展。此外，他的许多画作的主题都来自文学，尤其是圣经故事。<br></div> <p class="ql-block">展厅中展示教堂中彩色玻璃画</p> DIA除了有可以大量欧洲艺术品，从古希腊和罗马雕塑，您还可以看到更现代的绘画。您还会发现梵高、莫奈和毕加索等著名艺术家的画作。 DIA 引以为豪的是，它是美国第一家购买梵高的公共画廊。 下面是Thomas Wilmer Dewing的作品。您只要是看到这种绿色朦朦胧胧诗一般的画面，再配上女性人物模糊的风格，可以断定这就是Dewing的作品 Thomas Wilmer Dewing<br>The Recitation, 1891 <p class="ql-block">唯美主义画派的代表詹姆斯·惠斯勒的小画儿</p><p class="ql-block">James Abbott McNeill Whistler</p><p class="ql-block">Violet and Blue: Among the Rollers, ca. 1893</p><p class="ql-block">詹姆斯·惠斯勒在俄国和法国受艺术教育，定居英国，艺术活动主要在法国，曾访问过欧洲许多国家，他很难属于哪一个国家，他属于艺术，他是19世纪美术史上最前卫的画家之一。</p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">在相框的限定的狭小范围内，詹姆斯·麦克尼尔·惠斯勒（James MacNeill Whistler）很好地表现了海洋的力量。1893年夏末，在布列塔尼长期逗留结束后，惠斯勒和他的妻子在布雷哈特（Bréhat）度过了一段时间，布雷哈特是崎岖最北端海岸附近的一个小渔岛。惠斯勒画了紫罗兰色和蓝色：粗重的笔触 - 特别是在描绘长而膨胀的波浪， 以及相框面板的小尺寸，更加有一种海浪的冲击感。虽然画的迅速，但惠斯勒传达了体验的全部：在动荡的夏末天空的紫色云层下，汹涌的深蓝色波浪冲破白色的波峰。</p> James Abbott McNeill Whistler<br>Robert Barr, 1894 or 1895 <p class="ql-block">惠斯勒曾说过："艺术应该是独立的，它诉诸于视觉和听觉的艺术感受，而不应和与此毫不相干的情感搅和在一起，诸如虔诚、怜悯、爱情、爱国主义之类。"</p> <p class="ql-block">我在华盛顿弗利尔美术馆孔雀厅里见过惠斯勒的名作：《瓷国公主：粉色与银色》</p><p class="ql-block">弗利尔收藏了惠斯勒的一千多件艺术品——包括孔雀厅，有兴趣的可以去看我之前写的文章：我的艺术，文化之旅！第四十八篇：华盛顿弗利尔美术馆闲逛 Part 4，美国艺术收藏</p> JOHN WHITE ALEXANDER<br>Panel for Music Room，1894<div>约翰·怀特·亚历山大（John White Alexander，1856-1915年），美国画家。尤其以装饰性的肖像画和壁画闻名。他也曾求师于惠斯勒。</div> <p class="ql-block">下面约翰·怀特·亚历山大这幅女性肖像画（“六月”），是我在华盛顿史密森美国艺术博物馆看到的，把女性温柔婉约的气质刻画得入木三分</p> <p class="ql-block">温斯洛·霍默(Winslow Homer) </p><p class="ql-block">晚餐号，1873</p><p class="ql-block">Winslow Homer温斯洛·霍默（1836－1910）是19世纪下半叶最重要的美国画家,也是我最喜欢的风景画家之一。我喜欢他那些海岸画和反映渔民生活为主题绘画作品，孤独的身影背后，却蕴藏着一般以绘画表达出来人类向大自然挑战的热情与勇气。他开创一种美国特色鲜明、既现代又古朴的画风。我在纽约大都会艺术博物馆，华盛顿国家美术馆，华盛顿史密森学会艺术馆都看过他大量作品，特别喜欢他那幅“起风了”也有翻译成“微风”的名作。之前美篇写过，我就不展开详细讲了</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block">下面上一张homer在华盛顿国家美术馆的另外一幅“晚餐号”（1870）</p> <p class="ql-block">Winslow Homer</p><p class="ql-block">A Littoral Tile, 1878</p><p class="ql-block">"沿海瓷砖"是温斯洛·霍默（Winslow Homer）制作的七种已知的单瓷砖之一。Homer是瓷砖俱乐部的创始成员之一，瓷砖俱乐部是内战结束后成立的几个私人男士俱乐部之一。内战后，美国见证了繁荣的崛起，创造了过度拥挤的工业化城市，以纽约为代表，并为不断增长的人口创造了越来越多的闲暇时间。瓷砖俱乐部由一群居住在纽约市的年轻艺术家和作家于1877年秋天成立，在会员的工作室非正式会面。他们在夏季的几个月里在户外工作，绘制了奶油白色的预制瓷砖，尺寸为8 x 8英寸（所有已知的例子都印有Josiah Wedgwood或Minton Stoke-on-Trent）。为了确保排他性，成员仅限于十二人，并且为了呈现"刻意的俚语和波西米亚气息"，每个成员都被分配了一个幽默的昵称：Homer是“迟钝的吟游诗人”。这些俱乐部名称总是在他们的出版物中使用，以强调团队的选择性质，以及创造一种神秘感并注入幽默元素。</p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">这幅描绘一个男人和女人在海滩上野餐的瓷砖与他19世纪70年代的类型主题一致，但天空的整体构图和与大海的关系预示着Homer在接下来的二十年里的将以这种构图方式尽情挥洒他的才华。</p> <p class="ql-block">温斯洛·霍默(Winslow Homer) </p><p class="ql-block">女孩和桂冠</p><p class="ql-block">Girl and Laurel， 1879</p> <p class="ql-block">温斯洛·霍默(Winslow Homer) </p><p class="ql-block">四叶草</p><p class="ql-block">The Four-Leaf Clover，1873</p><p class="ql-block"><br></p> Daniel Ridgway Knight<br>The Water Carriers, 1892<div>丹尼尔·里奇维·奈特（Daniel Ridgway Knight）是美国艺术家，出生于宾夕法尼亚州的钱伯斯堡。他把农民妇女描绘得非常成功。1882年，他在法国巴黎沙龙上首次获得了重大荣誉。<br></div> Thomas Waterman Wood<br><p class="ql-block">Sunday Morning, 1877</p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">《周日早晨》，托马斯·沃特曼·伍德（Thomas Waterman Wood，1823-1903 年）创作了一幅图像，讲述了废奴后不同世代的生活经历。中心人物、非洲裔妇女的高龄和这幅画的创作日期（约 1877 年），暗示她出生在奴隶制中，没有合法的权利或机会自由阅读或崇拜。稀疏的环境——对于沉浸在 Harriet Beecher Stowe 的反奴隶制小说《汤姆叔叔的小屋》（1852 年）的视觉文化中的观众来说，令人联想到奴隶宿舍——进一步表明了这位女性之前的奴役，并暗示了南方风景的背景。她的年轻同伴也是非洲裔，更有可能出生在废除奴隶制之后，1863 年颁布了《解放奴隶宣言》，1865 年第十三修正案在全国范围内得到巩固。她的识字唤起了非裔美国人，特别是接受高等教育的可能性儿童，通过重建时代的倡议。</p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">这一幅我在华盛顿史密森艺术馆也看过</p> <p class="ql-block">Eastman Johnson</p><p class="ql-block">In the Fields, between ca. 1878 and 1880</p><p class="ql-block">多年来，伊士曼·约翰逊（Eastman Johnson）一直是美国最重要的流派画家，是他这一代人中第一批在国外接受广泛培训的美国艺术家之一。因此，他的作品是两代人的重要纽带，将传统的家庭主题与更先进的技术和表达相结合。</p><p class="ql-block">约翰逊于1824年出生在缅因州的洛弗尔，约翰逊画作广泛展出，并活跃于国家学院，世纪和联盟俱乐部，大都会博物馆，甚至美国艺术家协会，一个通常与年轻一代画家有关的团体。他在上流社会过得很舒服，在曼哈顿拥有一座大房子，夏天在楠塔基特岛上度过，这是他许多画作的场景。在他生命的最后二十年里，他的工作发生了明显的变化。虽然在风俗画领域相当成功，但他因不明原因放弃了它，并回到了肖像画，这是他年轻时的艺术活动。他能够支付非常高的费用，他的余生都在画纽约市着名绅士的肖像，他于1906年在纽约去世。</p><p class="ql-block">我去过缅因州，沿海的大片沙丘，漫无人烟的蒿草，就是画面上那种疏离感觉，有几个人物在其间，会让您觉得非常温馨，在对抗大自然的冷酷与寂寞中，抱团取暖…..喜欢这幅画！</p> 女神雕像和一屋子的绘画艺术品在一起，相互对视，彼此传达着温情，在这空旷的展室里相互陪伴，一点也不会寂寞 早期古典希腊雕塑-佩内洛普雕像 把上一篇放不下的视频放这里吧（美篇限定一篇文章视频总长不超过30分钟，前边放不下了）<div>How to recognize Italian Renaissance art<br></div> Gari Melchers<br>The Communicant, ca. 1900<div>加瑞 梅雀斯（Gari Melchers）（Julius Garibaldi Melchers朱利叶斯加里波第梅雀斯）（1860年8月11号- 1932年11月30日）美国艺术家，是美国自然主义画派主要成员之一。<br></div> Julius L. Stewart<br>The Glade, 1900<div>朱利叶斯·勒布朗·斯图尔特（Julius LeBlanc Stewart，1855年9月6日，出生于宾夕法尼亚州费城 - 1919年1月5日，法国巴黎去世）是一位在美国艺术家，在巴黎度过了他的职业生涯。斯图尔特是外籍画家约翰·辛格·萨金特（John Singer Sargent）的同代人，被昵称为"来自费城的巴黎人"</div><div><br></div><div>他的父亲，糖百万富翁威廉·胡德·斯图尔特（William Hood Stewart）于1865年将家庭从宾夕法尼亚州的费城搬到巴黎，成为杰出的艺术收藏家，也是玛丽福图尼和巴比松艺术家的早期赞助人。斯图尔特十几岁时就读于巴黎中央美术学院的约翰-莱昂杰罗姆工作室，在西班牙画家爱德华·萨玛可依斯的手下学习，后来是伊曼德·玛格拉左的学生。</div> 我很喜欢这个富二代画的画儿，那种画纯粹就是画的感觉，上一张吧<div>室内的女人 斯图尔特 美国 1895年</div> William W. Churchill<br>The Letter, ca. 1905<div><br></div> <p class="ql-block">William McGregor Paxton</p><p class="ql-block">Woman Sewing, ca. 1913</p><p class="ql-block">《女人缝纫》是帕克斯顿在1910年后所做的工作的典型代表，当时他将注意力转向了中产阶级和仆人阶层。这个模型是帕克斯顿的最爱，他出现在许多其他画布中。与他非常欣赏的十七世纪的荷兰绘画一样，绘画中经常有与主题有共同关系的绘画。在这里，墙上的绘画是采用同一个模特的早期作品。</p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">这幅画和上边"the letter"那幅画，都是有荷兰黄金时期风俗小画派的风格，强调室内光线与画面的质感 。馆方的解释说明牌上放了一张维米尔的“拿水罐的年轻女子”，大概就是讲解二者画作的关联吧</p> <p class="ql-block">FRANK WESTON BENSON</p><p class="ql-block">My Daughter Elisabeth, ca. 1914</p><p class="ql-block">弗兰克·韦斯顿·本森（Frank Weston Benson，1862年3月24日- 1951年11月15日)是美国马萨诸塞州塞勒姆市的一位画家，以写实主义肖像画、美国印象派绘画、水彩画和蚀刻版画而闻名。他的职业生涯始于为国会图书馆绘制名门望族肖像和壁画。像法国印象派画家一样，本森专注于捕捉光线。他对女儿埃莉诺（Eleanor）说：“我跟随光，它从哪里来，它去哪里。”一位评论家这样评价本森的作品：“简直无法相信，油画颜料 无论涂得多么清楚，它都能像画布上的金色光芒一样发光，闪烁和闪耀。“</p><p class="ql-block">这女人的肖像画的真有味道👍</p> Childe Hassam<br>Notre Dame Cathedral, Paris, 1888<div>弗雷德里克·蔡尔德·哈萨姆（又名柴尔德·哈桑）是一位美国印象派画家，以其城市和海岸风光闻名。<br></div> 但我也喜欢他的肖像画，确切的说是他那个时代女性肖像画。上一幅我在华盛顿史密森美国艺术博物馆看到《The Victorian Chair》 Mary Cassatt<br>Alexander J. Cassatt, ca. 1880<div>1872年，玛丽·卡萨特在巴黎沙龙展出了她的作品，引起了埃德加·德加的注意，埃德加·德加将她介绍给印象派画家，并与她一起展出了几次。卡萨特与印象派画家分享了对日常场景的兴趣，主要以她对妇女，儿童和家庭成员的亲密描绘而闻名。<br></div><div><br></div><div>玛丽·卡萨特多次画过她心爱的哥哥，但这幅肖像画是她的最爱，因为她说，这幅画"非常像那些日子里的他"。<br><br>在画这幅肖像时，亚历山大·卡萨特（Alexander Cassatt）是宾夕法尼亚铁路公司（Pennsylvania Railroad）的第一副总裁，也是美国最有权势的高管之一。商人在画面中全神贯注于他的思想，丝毫没有意识到他正在被他的妹妹画。他向后靠在椅子上，在检查左手的东西时，可能望向远方某处。这幅肖像画饱含了亚历山大所具有的人性一面。<br></div> <p class="ql-block">我不太喜欢单纯地堆积100张照片，没有给出任何说明的美篇。也不喜欢从别处搬运一些网图，我喜欢结合自己真实的视角，表达自己的理解。顺便好奇一下，大家点赞是因为我出镜吗？😂😂😂开个玩笑</p> <p class="ql-block">萨金特的女性肖像画儿</p><p class="ql-block">John Singer Sargent</p><p class="ql-block">Madame Paul Poirson, 1885</p><p class="ql-block">萨金特作为一位时髦的社会肖像画家获得了国际声誉。在正式和非正式的场景中，萨金特捕捉到了他的富裕客户的身体和心理本质，那个时代的绅士和奢华，以及转瞬即逝的时刻的印象。萨金特的肖像画，抓住了画中人，含蓄而又灵动的一面。那些眼神，好像直接，跳脱于画布之外，与流连于画前的人，进行灵魂的交流。在这幅肖像画中，细长身影的性格自然而直接，从四分之三的视角来看，她的头好奇地转过身来，好像她可能立即走到你面前，看着我们。Poirson夫人的个性通过她冷漠的目光和背景的冰蓝色来暗示。</p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">1883年，约翰·辛格·萨金特（John Singer Sargent）租下了保罗·波尔森（Paul Poirson）拥有的工作室。根据家族史，这幅波尔森妻子的肖像画，以代替租金。萨金特与波尔森夫妇的友好关系比商业行为更紧密。</p> John Singer Sargent<br>Mosquito Nets, 1908<div>《蚊帐》是萨金特将瞬间印象转化为精湛构图的一个很好的例子。这幅画作描画了艺术家的妹妹艾米丽和她的朋友伊丽莎·韦奇伍德（她是着名的瓷器制造家族的成员）。它是在马略卡岛的瓦尔德莫萨（Valdemosa）画的，三人在那里度过了一个秋天的假期。在那里，用伊丽莎的话说，"萨金特用油画了一幅艾米丽和我如此有趣的画面——约翰称之为'Garde Mangers'，这是艾米丽用来驱赶蚊子的发明。在这种亲密而深情的视角中，我们看到女性特写和对角线角度，让人想起卡萨特和德加使用的"快照"手法去扑捉画面。艾米丽坐在扶手椅上，靠在她旁边沙发上的一个红色枕头上，伊丽莎则斜倚在沙发上。<br></div> <p class="ql-block">John Singer Sargent</p><p class="ql-block">Home Fields, ca. 1885</p><p class="ql-block">萨金特除肖像画之外，还常画水彩风景。他的水彩风景画，多即兴速写，特点突出，水份淋漓，色彩凝重而悦目，在表现光色效果上有独到之处。从客观的描绘，代之以主观的表现，可见对于光、色、形的表达，已达到了更高更美的境界。</p> <p class="ql-block">又回到北侧大厅走廊</p><p class="ql-block">中世纪欧洲骑士铠甲</p> <p class="ql-block">Alberto Giacometti</p><p class="ql-block">Standing Woman II, 1960</p><p class="ql-block">阿尔贝托·贾科梅蒂（Giacometti， Alberto,1901～1966），瑞士存在主义雕塑大师，画家。早年画过素描和油画，成就最大的是雕塑。作品反映了第二次世界大战之后， 普遍存在于人们心理上的恐惧与孤独。2010年2月3日，拍卖师在英国伦敦苏富比拍卖行拍卖瑞士雕塑家贾科梅蒂的雕塑作品“行走的人”。 该作品最终以6500万英镑（约合1亿多美元）的价格成交，刷新了艺术品拍卖成交价格的世界纪录。<br></p> <p class="ql-block">展室之间走廊上摆放的精美瓷器</p> 精美的餐具 下图左一：Grueby Faience Co.<br>Trefoil vase（三叶草花瓶）, between 1905 and 1907<div>波士顿的格鲁比彩陶公司（Grueby Faience Company）雇用年轻女性作为建模师，她们在物体烧制前从事表面装饰工作。这个花瓶是由Wilhemina Post设计的，其装饰是由Wilhemina Post建模或应用的，她在1904年之前开始在Grueby工作。人们对波斯特的背景知之甚少，也没有关于她在马萨诸塞州师范艺术学校或美术博物馆学院学习的记录。在格鲁比工作的大多数女性被认为是波士顿设计学院的毕业生。Grueby Faience公司蓬勃发展，并通过他们的手抛（hand-thrown）器皿，应用装饰元素和哑光釉料在国内和国际上赢得了良好的声誉.这件器皿的形状可能受到莲花科的美国鸟足三叶草的启发，莲花科是美国最常见的物种。三叶草的花以其长茎（茎），叶子结构和树叶而著称，通常从柠檬黄色（花瓶上的情况）到橙色不等。<br><div><br></div><div>图片左二：Orange Berry Vase, 1902</div><div>Newcomb Pottery成立于19世纪末，位于新奥尔良的纽科姆学院，为女性提供设计师培训。由Harriet Joor设计的Orange Berry Vase是陶器制作作品的早期例子。Orange Berry Vase展示了一种简化的装饰方案，这要参照了早期的亚洲陶瓷实例。</div><div><br></div><div>图片左三：Rozane "Della Robbia" Vase, between 1906 and 1908<div>这个花瓶的大尺寸和复杂性使其成为罗斯维尔陶器的重要和罕见的例子。直到1910年，陶器在罗斯维尔和曾斯维尔都经营，这些陶器最终将他们的名字让位给了Rozane器皿，成为一个流行和成功的系列。花瓶标题的后半部分受到文艺复兴时期佛罗伦萨雕塑家卢卡·德拉·罗比亚（Luca della Robbia）的启发，他开发了一种使用釉面陶土来形成浮雕的工艺。<br></div><div>除了花瓶本身形状外，花瓶还具有许多显着特征，包括容器的上环（衣领）开放式镂空，采用抽象的图案。镂空是一种精致的美学体现，并且像花瓶本身一样，保持了非常好的状态。花瓶的另一个方面是垂直的涂鸦面板（sgraffito panels），其中切割的设计揭示了粘土中的各种颜色层。面板包含风格化的罂粟花的排列，这是这一时期流行的花卉，处于不同的开花阶段。底座的脚下是切开的首字母"EC"，可能是身份不明的装饰师或画家的首字母缩写。<br></div></div></div><div><br></div><div>图片右一：Rookwood Pottery， Ewer, 1894 釉下装饰抛光陶器</div> 太多好东西了，写不过来。。。。。。 进入印象派展厅 Paul Cézanne 塞尚<br>The Three Skulls, ca. 1898 Pierre-Auguste Renoir 雷诺阿<br>The White Pierrot, between 1901 and 1902 Pierre-Auguste Renoir<br>Seated Bather, between 1903 and 1906<div>在他职业生涯的后期，印象派艺术家雷诺阿画了一系列华丽的女性裸体。整个画布充满了温暖的光线和柔和的色彩，为女性裸体营造出一种明亮的梦幻般的氛围，她以一种既亲密又永恒的姿态抬起头发。这幅作品的色调是极其柔和的，形体和背景交接处的界线不明显，使画面的色彩产生了 一种微妙的朦胧感。彩色色调织物慢慢过渡到裸体的少女，粉色的光像瀑布一样流泄在人物整个身上，少女的肌肤更增添了娇嫩透明的效果，表现出了青年女性那柔润而又富有弹性的皮肤和丰满的身躯。在所有印象派画家中，雷诺阿也许是最受欢迎的一位，因为他所画的都是漂亮的儿童，花朵，美丽的景色，特别是可爱的女人。1900年代，雷诺阿晚年仍勤勉的在绘画上精进，他画了很多裸体的女性，将柔软的视觉触感表现的栩栩如生。</div><div><br></div><div>雷诺阿曾经说过，这世界已经不美好了，所以我希望多去描绘美好的事物。<br></div> Vincent van Gogh<br>Bank of the Oise at Auvers, 1890 <p class="ql-block">放大看看，梵高的笔触，那刻画怒放茂盛生命的绿色！喜欢他这种用短笔触，把一个流线的线条，摆成几段，非常有力量感，那种植物生命的顽强肆意。印象派的大师莫奈一生都在全力以赴追逐光，“捕捉最短暂而易逝的瞬间”，无论是他的哪幅画，每幅画真正主题都是光！梵高，其实比莫奈走得更远，莫奈虽是印象派的表现手法，但是他依然是自然主义，是对大自然描绘，和古代人的区别仅仅在于户外写生和色彩分割，只不过固定一个瞬间给我们看。莫奈的印象主义对于绘画任务的认知与古典艺术基本相同，都是为了描绘自然，描绘客观世界的真实，追求画得“像”。而梵高虽不能说已是纯粹地追求自我，但他的作品已经明显开始用“自我”去影响笔下的“自然”了。他用自己方式（色彩极其鲜亮，颜料厚重的短笔触等等）去影响、改变，甚至扭曲自然。用更深的解析，刨开事物的内部，在空间上，时间上，结构上都掰开给我们看，梵高通过笔触本身展现情感，他将笔触作为个体的表现力提升到表现整体的新层次。仔细看他画儿，您就能看到塞尚的纯粹和真诚（画儿就是画儿的抽象），也能看到后来立体派的内部解构，也能看到野兽派色彩的大胆，直接。能看懂这幅小画儿，就能理解梵高的麦田，星夜…..</p><p class="ql-block">那天下午，我久久站在这幅画儿面前没有离去，眼睛莫名的湿润了，真的感动了。</p> <p class="ql-block">梵高的画作极具感染力，我再怎么描述，但不如您亲自站在真迹面前才能感受到那种强烈的情感冲击来的真实。梵高极其强烈地强调笔触本身，其画作中的颜料都极厚，这也是为何欣赏他的画作，真迹与画册感受会极其悬殊。通过厚实的颜料塑造笔触本身，这种厚度给梵高的画作以深浅上的“浮雕感”，而这种浮雕感在照片上是感受不到的，少了一个维度的表现力，观感差异自然极大。我找不到合适影像来表达对他画作的敬意，谁说那些厚重的短笔触就不能有生命，它们一样可以舞动起来，静与动，都在一瞬间！</p> Edgar Degas<br>Jockeys on Horseback before Distant Hills, 1884 Edgar Degas<br>Morning Ride, ca. 1866<div>《早晨骑行》描绘了一群穿着现代服装的人沿着诺曼底港口附近的海滩骑行。这幅画尚未完成，这让观众对德加的工作方法有了独特的见解。以传统方式，他首先应用初步图纸来布置构图。这个过程的痕迹在画中仍然很容易看到。德加通过对马腿的刻画（优势可以看到五条腿，有时是三条腿）来显示马匹的动态。<br></div> <p class="ql-block">Edgar Degas</p><p class="ql-block">Dancers in the Green Room, ca. 1879</p><p class="ql-block">其实您有没有注意到画面左侧舞者脚踩着横躺的大提琴？仔细读读说明牌就会明白。所以说，逛博物馆，可以走马观花，也可以认认真真的走心。。。。。。拍下来，回去细品</p> Vincent van Gogh<br>Portrait of Postman Roulin, 1888<div>1888年2月，梵高搬到了法国南部的阿尔勒，并继续画风景和肖像画。在 1888 年 7 月下旬至 1889 年 4 月之间，他为阿尔勒的邮递员约瑟夫-艾蒂安·鲁林（Joseph-Etienne Roulin，1841-1903 年）画了至少六幅肖像。在这里，艺术家专注于柔林的头部，他在一封信中将其描述为"有点像苏格拉底，几乎没有鼻子，高额额头，秃顶，灰色的小眼睛，鲜红色胖乎乎的脸颊，大胡椒盐胡须，大眼睛。"<br></div> Vincent van Gogh<br>Self-Portrait, 1887<div>"因为缺乏更好的模特，"梵高选择在很多场合画自己的肖像。在1886年至1888年在巴黎期间，梵高在印象派画家的绚丽色彩的影响下减轻了他的调色板，但他很快就保留了使用这种浅色来表达特定的情绪。<br></div> <p class="ql-block">Edgar Degas</p><p class="ql-block">Violinist and Young Woman, ca. 1871</p><p class="ql-block">音乐是十九世纪巴黎社会的重要文化组成部分。非正式的衣服和温暖的阳光表明这是一场彩排。艺术家捕捉到音乐家被打断的时刻，女人转身好像在寻找干扰的来源。模特的身份尚不清楚，但艺术家非常简洁地区分了他们的角色。松散地绘制和浮冷的绘画女人传达了惊讶和轻微忧虑的印象，而更坚实的男人则忘记了，沉浸在他的乐器的调音中。</p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">放大看看说明牌，可以注意到男人腿部刻画的十分简略。虽然画家非常精确地画出了这两个人物的脸，但女人的衣服底部和男人的腿看起来都是简单的线条和形状。通过将这些留给我们的想象，德加有意将我们带入他的艺术作品中，刻意为之。</p> Edgar Degas<br>Portrait of a Woman, 1877 James Abbott McNeill Whistler<br>Arrangement in Gray: Portrait of the Painter, ca. 1872<div>在这幅画中，惠斯勒探索了技术和构图方面的问题，以及他自己的心理。观众面对的是一种冷静的、评价性的目光，这种目光来自一种欺骗性的即时性面孔。作品的扁平形式，灰色的微妙渐变和不对称的构图揭示了受到日本的强烈影响。<br></div> <p class="ql-block">Henri Gervex</p><p class="ql-block">Café Scene in Paris, 1877</p><p class="ql-block">咖啡馆为十九世纪城市的艺术家，作家和知识分子提供了一个重要的聚会场所。新闻，八卦和想法在倒饮料，抽烟斗，雪茄和香烟时分享。在这里，艺术家在附近的咖啡馆里为他的一些朋友画了一幅集体肖像。他将自己表现为中心点燃烟斗的人。1868年的法国巴黎，在一家名叫「盖尔波瓦」的咖啡馆里一群传统艺术的反叛者们聚集在一起追逐着自由创新的艺术。</p><p class="ql-block">盖尔波瓦咖啡馆对于这些贫困的、徘徊在画坛主流意识边缘的画家们来说，是编织艺术梦想的所在。这群年轻人不愿受传统观念的束缚，他们的名字包括马奈、 西斯莱、毕沙罗、 德加、雷诺阿、巴齐耶......</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block">Pierre-Auguste Renoir</p><p class="ql-block">Clearing in the Woods, 1865</p><p class="ql-block">雷诺阿虽然以肖像画而闻名于世，但他的风景画作品依然独具风格，他不同于其他画家善于对光线的描绘，在这件作品中雷诺阿并没有突出光影的特点。在这里，雷诺阿使用画笔和调色刀将颜料涂得很厚，为树叶创建点，为泥土和岩石创建矩形块。其结果是一幅充满柔和微光的风景画。</p> <p class="ql-block">Gustave Courbet库尔贝</p><p class="ql-block">Bather Sleeping by a Brook, 1845</p><p class="ql-block">一个裸体模特在溪流旁休息的情景表明，库尔贝对自然界中女性主题的色情表现手法以及他自称的现实主义。在睡眠中，她没有意识到观众，观众也不需要在她面前自我意识。库尔贝是19世纪法国写实主义领头人，香港话扛把子😂</p><p class="ql-block">写实主义，指的不是画面上写实，并非追求画得“像”，而是所画题材的“真”，真人、真事、真情实感。库尔贝的“写实主义绘画”描绘的就是生活中发生的事情，库尔贝描绘的许多人物，甚至是社会底层人物。库尔贝的绘画技法偏向于“广义的浪漫”“色先于形”这一脉，并不很注重透视法，在库尔贝的画中也不会看到安格尔那样明确的线条。库尔贝在激进的艺术表达上走得很远，创作了许多在内容上充满争议的作品，甚至有些色情的味道。库尔贝创作出如此离经叛道的绘画主题，是可以理解的：有时为了表达某种主张，只有用近乎“矫枉过正”的方式，才能获得足够关注，用现在的语境就是为了搏眼球。库尔贝的夸张正是如此，比如他夸张表情的自画像，库尔贝在创作自画像时，或许并非想画自己，而是通过自身的姿势、状态，表达自我的、真实的存在感。因为只有当你做出生活场景中的真实表情，自画像才是真实的，而不是“摆拍”、想象中的形象。</p> <p class="ql-block">ÉDOUARD MANET 马奈</p><p class="ql-block">On the Beach</p><p class="ql-block">ca. 1868</p><p class="ql-block">马奈不太喜欢塞尚，其实您看看您画的画儿，还就是塞尚最终把您的精髓发扬光大了，您走得太早了。。。。。。</p><p class="ql-block">马奈的绘画基础是较为学院式的，他经受过非常严格的学院派绘画训练，基本功扎实。但马奈从理念上不认同古典绘画，马奈是自成一派的画家，游走在官方与印象派之间（印象主义画家经常集结在一起举办自己的展览，马奈却均未参加）。马奈一方面支持印象主义艺术家创作，另一方面也常把作品拿去参加官方沙龙。马奈崇高的社会地位以及显赫的家世使他不需要依附任何人，反倒是别人会来依附他。马奈被称为“印象主义之父”或有印象主义艺术家对其依附之嫌。马奈这种犹抱琵琶半遮面的姿态，和他的出身，社会地位有一定的关系，内心不喜欢塞尚也是可以理解的。马奈并不认同古典绘画理念，不断用具有冲击力的、争议性的绘画主题来挑战公众以及业内对于绘画的认知界限。马奈的画作笔触粗糙，甚至画面常由大色块构成，更适合远距离观看，有异常真实的代入感。且大多印象派画家的作品都有这一特性：眯眼相隔一定距离欣赏，能给人以身临其境之感。究其原因，是这批画家不再研究所画对象究竟“是”什么样，而是描绘对象“看上去”是什么样。马奈的绘画理念，有一点与印象主义绘画甚为贴合：马奈认为绘画要表达的是人类的视觉感受。但视觉感官本质上是二维感官，古典绘画在二维画布上表现出的三维立体感和景深感，源于透视法以及明暗法的知识。而印象主义绘画的核心观点是，美术应忠实于视觉，要将二维画面描绘彻底，而不是遵循知识去虚拟三维的投影。</p><p class="ql-block"><br></p> Mary Cassatt<br>In the Garden, 1903 or 1904<div>《在花园里》属于一组1900年以后完成的粉彩，素描和绘画作品，基于居住在法国艺术家家附近村庄的儿童。卡萨特对这些儿童模特的做法是一次又一次地使用它们，所以他们习惯了她和摆姿势的要求。构图具有印象派共有的几个特征：高处的有利位置，地面几乎延伸到画布的顶部，裁剪后的人物在直接前景中的位置，以及人物和背景的大胆并置。<br></div> Claude Monet 莫奈<br>Rounded Flower Bed (Corbeille de fleurs), 1876<div>莫奈在巴黎附近阿让特伊的花园为这幅画提供了主题：高大的角斗士花坛在灯光下闪闪发光。站在雨伞下的人物是艺术家的妻子卡米尔（Camille），享受悠闲的散步。她不是这幅画的焦点，而只是一个用来定义空间的人物。花坛本身主导着构图。Monet使用厚重而短的笔触，在近距离看起来是点，但在远处合成，并将红色和粉红色的花朵与绿色的树叶并置，模拟了在炎热的夏日体验到的闪闪发光的视觉感觉。莫奈仍然是自然主义，和古代人的区别仅仅在于户外写生和色彩分割，但是他画出了所有自然主义者都没法达到的绚丽。塞尚羡慕莫奈的双眼，因为这个人能够看到其他人看不到的色彩，能够看到在一团灰色中究竟是哪些纯色在起作用，能够用这双眼还原最美的自然。<br></div><br> 在莫奈的画里，您除了要看到他空气感，还有一个就是概括能力。概括能力就是屏蔽掉无用的内容，但保留足够的变化。当我们看到一片花丛，先看到一片绿色，中间夹杂着星星点点的花朵。接下来仔细看，会看到叶子的亮暗，然后是夹缝中的透气。再走进看是枝干和每一片叶子，还可以看到质感上的刺和叶子齿状的边缘。最后是每片叶子都有着类似但完全不同的叶脉。究竟画到哪步才算是写实呢？是画出每片叶子的叶脉吗？写实一定是介于精细与粗放之间的某一个位置。是在最粗旷和最精细之间的某个点，而这个点是没法用数据衡量的，只能依靠画家的感觉。莫奈精准找到了那个最接近视觉真实的点，而这个点需要画家强大的概括能力，从简单又复杂的自然中概括出一张令人信服的作品。在这一点上，莫奈的能力已经达到了历史的巅峰。<div><br></div><div>正所谓艺术来源于生活，又高于生活。而这个“高”，来源于画家的概括能力。我们看画儿，如果能看懂到艺术家的这个“高”，就比仅仅看画的像不像内涵要丰富了。<br><br></div> <p class="ql-block">下面这幅是Paul Cézanne 塞尚</p><p class="ql-block">Mont Sainte-Victoire, between 1904 and 1906</p><p class="ql-block">塞尚经常画圣维克多山，这是一座巨大的石灰岩山，距离他在法国南部的家约十英里。艺术家仅通过并置暖色和冷色来显示距离。他通过以相同大小和强度的颜色斑块描绘图像，进一步削弱了空间深度感。由于表面的所有部分都得到平等处理，因此无法感觉到一天中的时间，或者就此而言，是时间的流逝。相反，您看维米尔的画儿，他用背景颜色由近及远的渐变，随着离光源的距离越来越远，墙面的颜色也在微妙的发生变化，如同光散漫温柔的消失一样，非常美。流动的光线，我们可以感受到就是时间。色彩上的过渡我们见过很多人画过，但历史上几乎从没有人像维米尔一样，把变化画得如此精准。别人画的都是概念中的真实，而他画的是感受中的真实，是光阴的流逝。所以，对比之下维米尔的光影显得格外迷人，散发着一种静谧的气息。</p><p class="ql-block">同样是对时间的表现，塞尚是那么的直白，或者说真诚，维米尔却是静谧抒情，那么的温柔暧昧。各种的滋味需要您慢慢咀嚼品味。。。。。。</p><p class="ql-block">作为一个在历史中出了名的性格执拗的画家,塞尚特别喜欢重复地画同一个事物。大家可能都知道,他画过几百幅桌上的苹果和水罐,各种颜色、各种角度,各种组合。画起人物时,他也总在抱怨模特会动。似乎,塞尚就是喜欢记录跟里的世界,根本对绘画的对象不抱有什么感情,而只是钟情于画画这件事本身。</p><p class="ql-block">因此,那些不会动的东西,像是山林、巨石、静物都成为了他反复描绘的对象。</p><p class="ql-block">塞尚这幅圣维克多是1906年完成的，如果您看过他早期10年前同样画作，您就能看到塞尚打破了十年前,山体简化之后,获得的质感的圆润,画面构图的稳定性。十年后开始画的这一幅,明显风格上感觉十分“破碎”。</p><p class="ql-block">艺术家不再试图用透视等技巧,去临摹和再现事物的表象,而是强调了绘画的动感，双眼与大脑在处理风景时所获得的主观、流动、主次分明的个人观看感受。</p><p class="ql-block">19世纪末的塞尚虽然在风景画中已呈现出平面化的处理,但圣威克多山依然显得稳定敦厚;而到了20世纪,塞尚的画面就展现了一个自由的、会随着时间改变的,如记忆般会流动的山川风景。这就是一种走向后来的立体主义的，多维度，多角度的，抽象意识的开端。</p> <p class="ql-block">贴上塞尚不同时期的圣维克多山的画作，对比上边DIA这幅1906年的，您就看出风格的变化。</p> Mont Sainte-Victoire with Large Pine-Tree 1887 Mont Sainte-Victoire ca. 1892–1895 Paul Cézanne<br>Madame Cézanne, 1886 - 1887<div>塞尚为他的妻子霍滕斯（Hortense）画了二十多幅肖像，他于1869年作为一名十九岁的模特第一次见到她。塞尚夫人毫无感情的五官，严重分叉的头发，折叠的双手，朴素的着装和传统的态度使她在这张照片中显得几乎毫无生气。塞尚对表达妻子的肖像或个性不感兴趣，而是通过他原创的绘画技巧传达自己的艺术个性。这正如贡布里希《世界小史》里说的：“我们当中的每一个人无非就是一个这样的闪光之物，是时间浪花中的一个小小水滴，在时间之流中流过，流入雾气蒙蒙且不确定的未来。我们浮上来，环顾四周，还没有来得及看清楚什么，便又消失了。在巨大的时间洪流里，根本看不到我们。一直有新的、更新的东西出现。我们称之为命运的东西，无非是为自己这颗水滴在浪花上的一次升落而进行的挣扎。但是，即便这只是一个瞬间，我们也想要利用好，因为它值得我们花费力气。”<br></div><div><br></div><div>我曾读过一本书，《不为人知的杰作》，里面涉及到两个大矛盾，大概的意思是一个是理想的艺术、完美的艺术是不可能存在的，每个艺术家几乎都是失败的，因为你不可能描绘出与现实一模一样的人出来。另一个是观看的欲望的问题，艺术本来应是“非功利”的，但是当我们真正在看女性的时候，欲望在其中多多少少都会发挥作用。。。。。。</div><br> Paul Cézanne<br>Five Bathers, 1879 - 1880<div><br></div> Jean Baptiste Armand Guillaumin<br>Schoolboy, probably between 1880 and 1900 Paul Gauguin<br>Self Portrait, ca. 1893<div>高更这幅自画像体现了躁动不安的艺术精神。在这张1893年从塔希提岛短暂返回巴黎时画的这幅画中，他扮演着"局外人"的角色，穿着布列塔尼农民的衣服和长发，而不是巴黎人的西装。背景是水平划分的，将大脑和精神世界与物质世界分开。他的手指向画家尤金·德拉克洛瓦（Eugene Delacroix）的素描复制品，该素描代表了被驱逐出天堂的亚当和夏娃。高更以这个姿态暗示了他对这对心烦意乱的夫妇的同情，因为他被暂时驱逐出他在塔希提岛发现的天堂。<br></div> <p class="ql-block">Vincent van Gogh</p><p class="ql-block">The Diggers, 1889</p><p class="ql-block">梵高也是经常户外写生，对他来说，观察自然不是最主要的，尽管他常常写生创作，但很明显梵高的写生只是在“自然”中为他的“自我”汲取更多养分。梵高画作中的客观事物是什么已不是关键，对他来说，“自然”只是“自我”的载体而已。梵高对于事物的夸张描绘并非完全来自他自身的强烈情感和旺盛表达欲，其精神状态同样深刻影响了事物在他眼中的形态。从笔触和笔画的走向中我们能隐约感受到，梵高其实是老老实实地、一笔一笔地把看到的事物记录下来。由于梵高几乎从未受过严格的学院式绘画训练，所以笔触中藏着一种笨拙感。这种笨拙恰恰以纪实的方式，将主观情感支配下的真实所见和情绪感受忠实地记录下来，画布上的情感冲击力即便跨越百多年的时光，仍能让人切身感受到。</p> Vincent van Gogh<br>Vase with Carnations, 1886 Camille Pissarro 毕沙罗<br>The Path, 1889 Georges Pierre Seurat 修拉<br>View of Le Crotoy from Upstream, 1889<div>修拉独特的绘画风格（称为点画主义，分裂主义或新印象派）是基于光学神经如何将并置的颜色传递到大脑的科学理论。修拉沿着画布的边缘画了一个互补色的边框，作为相邻的木框架上绘制的较暗值的过渡。这些深色边缘有助于绘画在框架上显得更加明亮，框架是由艺术家专门设计的，在视觉上不显眼于图像。<br></div> Edgar Degas<br>Woman with a Bandage, between 1872 and 1873<div>肖像的柔和色彩和对厚绷带的强调似乎暴露了德加对模特的某种同情。虽然这名女子的身份不明，但她可能是德加的嫂子埃斯特尔·穆松（Estelle Mousson），她于1866年开始失去视力。1872 年至 1873 年，德加拜访了他哥哥在新奥尔良的家人，这暗示了这项工作的日期。<br></div> James Abbott McNeill Whistler<br>Nocturne in Black and Gold, the Falling Rocket, 1875<div>这幅作品描绘了伦敦克雷蒙花园的烟花汇演，涉及艺术评论家约翰·拉斯金（John Ruskin）和艺术家的诽谤诉讼的核心问题。批评者认为这幅画太草率，难以理解，甚至侮辱。艺术评论家约翰·拉斯金（John Ruskin）认为惠斯勒的努力是"在公众面前扔了一锅油漆"，因为他认为它不包含任何社会价值。"在此之前，我见过，也听说过很多无礼的无礼行为。但没想到会听到一个考克斯科姆在公众的脸上倒了一罐油漆要两百几尼（英国的一种旧金币）“。惠斯勒赢得了诽谤诉讼; 然而，他只被判了获得一个farthing（英国旧硬币）的象征性损害赔偿。这是惠斯勒的众多"夜曲"之一，其特点是喜怒无常的氛围，微妙的调色板和整体的色调美学。这些是建立在画家和谐与美的超然理想之上。<br></div><div><br></div><div>黑色和金色的夜曲，落下的火箭，1875年。在大量阴暗的深色、模糊的游荡人物和绚丽的色彩中，观者可能会从同一场景中解释出无数的含义：也许是炽热的篝火、闪烁的日本灯笼的火花，或者遥远的星系神秘地出现在晴朗的夏夜。事实上，虽然出生于马萨诸塞州的艺术家詹姆斯·阿博特·麦克尼尔·惠斯勒（James Abbott McNeill Whistler，1834-1903）受到一个特定事件的启发（伦敦克雷蒙花园的烟花汇演），但画板上的油画在外观和主题上的无形性都是经过深思熟虑的。它所唤起的问题，它所唤起的情感，可能因观众而异，坦率地说，这就是重点。<br></div> 惠斯勒将他的画作视为视觉插图的音乐作品，并在1885年着名的"十点钟"演讲中描绘了这个想法：”大自然包含所有图片的颜色和形式的元素，就像键盘包含所有音乐的音符一样。但艺术家天生就是挑挑拣拣...结果可能是美丽的 - 当音乐家收集他的音符，形成他的和弦，直到他从混乱中带出光荣的和谐。“ John Singer Sargent<br>Judith Gautier, ca. 1885 Pierre-Auguste Renoir<br>Woman in an Armchair, 1874<div>雷诺阿对一个女人的把握具有素描的品质，他快速的笔触描述了光线在模特的脸部，手臂和躯干上温柔的拂过。这个画面中人物的身份仍然是一个谜。<br></div> Auguste Rodin 罗丹<br>The Age of Bronze青铜时代, 1876 Albert Joseph Moore<br>Study for Birds, 1878<div>作为"为艺术而艺术"理论的追随者，阿尔伯特·摩尔将绘画视为缜密安排（构图）和色彩和谐的表达。他将自己的作品命名为一种情绪或色调质量，而不是解释视觉内容。画作《鸟》的模型（全尺寸研究）展示了一个雕像般的女人，比例经典，穿着淡金色的chiton（礼服）和透视的白色himation（矩形包裹）。但她并不是一个从古代地中海历史中召唤出来的人物。相反，她优雅的姿势和坚实的结构使摩尔着迷于光线和色彩在三维形式上覆盖的织物光泽中微妙的相互作用。至于标题中的"鸟"：在完成的画作中，一只小鸟落在了人物的脚下。它苍白的金色羽毛和白色的尾巴为这幅画提供了色调模板。<br></div> 走廊间中东伊斯兰精美图案的瓷盘，花瓶 A.W.N. Pugin （英国）<br>Garden Seat, ca. between 1848 and 1850<div>这只花园瓷凳，颜色，形状，花纹都吸引我</div> Henry Siddons Mowbray<br>The Calenders, 1889<div>《日历》的灵感来自爱德华·莱恩（Edward Lane）十九世纪翻译的一系列传统阿拉伯故事，可追溯到中世纪时期，名为"一千零一夜"。三位王子伪装成卡伦德（一个由流浪的苦行僧组成的苏菲派），他们只有一只眼睛，剃光了下巴，留着细长的胡子，用他们最近不幸的故事来娱乐一群巴格达女士。Mowbray还与希腊，东方和意大利文艺复兴时期的主题互换使用。<br></div> <p class="ql-block">亨利·西登斯·莫布雷（Henry Siddons Mowbray，1858－1928年），美国画家。他的作品展示了精湛的技巧、温暖的色彩和微妙的概念。我在华盛顿史密森美国艺术博物馆见过Mowbray最著名的作品《休闲时间》。画中的人物，色彩都暧昧，悠闲。无论何时何地，Mowbray都试图为他的异国情调的主题创造一种美学氛围。</p> Frederic Arthur Bridgman<br>Moorish Interior, between ca. 1875 and 1879<div>弗雷德里克（原文如此）亚瑟·布里奇曼（Arthur Bridgman）在年轻时就与家人一起从阿拉巴马州搬到了纽约。他最终被聘为美国钞票公司的雕刻师。他开始在布鲁克林艺术学院和纽约国家设计学院学习艺术。他于1866年前往巴黎，成为Gérôme最喜欢的学生，这导致了布里奇曼于1868年在巴黎沙龙的展览。1870年，他将法国作为自己的永久居所，并在布列塔尼的素描之旅中度过了他的夏天。他于1871年与美国国家设计学院一起展出。他于1873年居住在埃及。埃及古代的场景在他的作品中很突出。布里奇曼的才华延伸到写作和音乐;他是一位著名的作曲家和音乐家。这位艺术家于1928年在法国鲁昂去世。<br></div> Jean-Léon Gérôme 热罗姆<br>Solitude, 1890<div>热罗姆是法国十九世纪学院派的著名画家和雕塑家，表面上他是新古典主义的继承者，实际上他是浪漫主义的热衷者。虽然热罗姆并不有意识地在作品中揉进浪漫主义的色彩，但是在古典主义严谨的构图、色彩之中所表现的强烈的东方情调，异国气氛，又不得不让人感到他的浪漫主义倾向。热罗姆于1856年曾远赴埃及和近东旅行，对东方文化发生浓厚的兴趣，并因此画了许多描绘埃及和近东风土人情的作品。在巴黎沙龙展出后，轰动一时。1854年，他前往土耳其，后又去埃及，并多次往返这两个国家。多次的东方之行在他描绘社会风情的东方画派的作品中得到了反映，成为人们了解这个画派的重要参考资料。1868年，他又随地质学家们穿过西奈沙漠，到达开罗的亚历山大港。这次游历，非常艰险，但是东方文化留给画家以深刻的印象，他对阿拉伯市场，土耳其浴室及宫女的沐浴，伊斯兰的宗教仪式，以及东方的具有某种神秘色彩的闺阁，这些在欧洲人的眼里深感神秘又深感奇特、有趣和美的事物，十分迷醉，以为深具魅力，从而频频入画，绘制了不少充满东方情味的佳作。<br></div><div><br></div><div>沙滩上留下斑驳的树影，狮子慵懒的卧姿，远处蓝灰色海岸线，太美了。</div> 戒备的狮子 热罗姆 法国 1890年 How to do visual (formal) analysis in art history <p class="ql-block">100张图片上传上限已到</p> <p class="ql-block">未完</p>