<p class="ql-block">二月四号从华盛顿DC赶来参加底特律艺术学院博物馆（Detroit Institute of Arts）会员专属特展：By Her Hand: Artemisia Gentileschi and Women Artists in Italy, 1500–1800</p><p class="ql-block">除了 Artemisia Gentileschi 之外，参观者还将看到一个多元化且充满活力的意大利女性艺术家群体，从宫廷艺术家 Sofonisba Anguissola (1532-1625) 到来自博洛尼亚 Elisabetta Sirani (1638-1665) 的画家和版画家，以及其他才华横溢且几乎不知名的意大利女艺术家。特展包括动态多媒体，包含音频、图像、视频和交互式讲述故事，将这些艺术家 400 年前的故事带入现代对话。</p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">DIA 官网: https://www.dia.org/</p> <p class="ql-block">先简单介绍一下底特律艺术学院博物馆（Detroit Institute of Arts，DIA）建立于1885年，自称是美国排名第六的博物馆，2003年曾被评为美国第二大市属博物馆，馆内有100多个画廊，藏品包罗万象，包括大约 65,000 件作品，涵盖从古代到当代艺术的各个时代。对艺术文化发展的历史整理也很完备，陈列着来自世界各地的著名美术珍品。</p><p class="ql-block">底特律美术馆的展馆有100多个，展出作品涵盖油画、雕塑、家具、建筑、纺织品、金器、木雕、陶器等，其中较具特色的是十七世纪荷兰人和荷兰裔比利时人的绘画、印象派绘画珍品展以及非洲艺术展等。</p><p class="ql-block">博物馆有三层，一层还设有餐厅，咖啡厅，礼品店。</p> <p class="ql-block">有许多人问我，你真的喜欢看绘画作品吗？言外之意就是你是不是装的？其实谁都不是一下子就喜欢艺术品。我觉得首先不要自己吓唬自己，对艺术品欣赏也不是要通读了西方艺术史之后才能欣赏。当然对西方艺术史有一个大的框架了解，再对具体的画作慢慢积累，做到框架下的“有血有肉”，极好的艺术修养也是靠自己慢慢学习，实践得来的。对艺术品的鉴赏能力也是靠自己多看多听，慢慢“熏出来”的。你会越来越觉得有看头，毕竟人类文明的最佳体现，就是艺术。</p> <p class="ql-block">一进大厅左手是美洲文明艺术展览</p> <p class="ql-block">古哥斯达黎加： 酋长的象征 </p><p class="ql-block">古代哥斯达黎加人生活在现在哥斯达黎加和巴拿马部分地区 。 他们在海岸附近种植玉米并收获海洋生物。 权贵家族的长者领导着小型酋长 领地，哥斯达黎加的大部分艺术作品都是为了 象征领导权和酋长权威。 金饰、装饰陶器和石雕在祭祀仪式场合展示或在使用时传达财富和 领导地位。艺术家经常以动物为表现手法，因为哥斯达黎加权贵领导人希望通过来自不同环境的生物的不同技能和力量来彰显对权利的认同。</p><p class="ql-block">老鹰—— 森林中的大型掠食性鸟类 </p><p class="ql-block">美洲虎——丛林中的危险生物 </p><p class="ql-block">树蛙—— 毒药，致命的动物</p><p class="ql-block">鳄鱼—— 水域中最凶猛的捕食者</p> <p class="ql-block">作品介绍，我慢慢写，慢慢补充哈</p> <p class="ql-block">Jalisco, Precolumbian</p><p class="ql-block">Standing Warrior with Club, between 100 BCE and 250 CE</p><p class="ql-block">彩陶俑</p><p class="ql-block">南美洲的秘鲁，墨西哥，是一片神奇的土地，以印加文明著称于世，经过长期的生息繁衍，其陶器、金属器、纺织品、建筑、雕刻等方面的文化都具有非常独特的、与众不同的装饰风格。陶工们通过富有特色的陶器造型和精致的线条，在描绘战争、狩猎、祭祀、音乐、舞蹈等重要场面和武士、神话人物等重要人物的活动方面，取得了令人震惊的成就（图1-37〜图1-39）。这些器物雕刻准确、彩绘精致、技艺精湛，展示了印加文化所蕴藏的灿烂辉煌且独具一格的装饰美。</p><p class="ql-block">这尊手持棍棒的武士雕塑在墨西哥西部的一座 坟墓中挖掘出来的，代表了死者对坚强和勇敢 的渴望</p> <p class="ql-block">这个罐子代表一只美洲豹，它是哥斯达黎加丛林中最强壮、最危险的生物。 艺术家展示了美洲豹的怒吼姿势， 就像古代哥斯达黎加的酋长 一样， 双手放在弯曲的膝盖 上。罐子传达了其 原主人的权力和权威，很可能是一位强悍的首领。美洲图案色彩鲜明、装饰性强，其花纹复杂，边缘清晰，富有动感，民族风格浓郁。根据其传统的宗教观，美洲图案中的动物和鸟类都拥有神奇的魔力。</p> <p class="ql-block">带有动物头像的凹面砂浆磨盘(墨西哥和美国西南部用以碾磨谷粒、玉米等)。</p><p class="ql-block">即使在今天，美洲的石头也被用来研磨玉米和其他食品。哥斯达黎加Guanacaste-Nicoya某些古老的仪式要用到这种磨盘，并且需要为此目的创建特殊的造型。这种砂浆磨盘的装饰品质也暗示了一种仪式功能。该物件采用火山石雕刻而成，边缘有微纹，三脚架腿上覆盖着几何浮雕和镂空，一端是抽象的鸟头图案，可能是一只鹦鹉。</p> <p class="ql-block">我在新奥尔良美术馆New Orleans Museum of Art，NOMA美洲文化艺术展厅见过美洲豹头像的</p> <p class="ql-block">下面这个磨盘是在宾夕法尼亚大学考古及人类学博物馆看到的，当时没有拍下说明铭牌，现在也看不出装饰的动物图案是啥了😂</p> <p class="ql-block">各种陶土制作的彩陶容器</p><p class="ql-block">彩陶图案除了较为写实的动物、植物、人物纹样外，最普遍的还是几何形纹样，主要由线的粗细、疏密、长短、交叉和各种网纹、绳纹、日纹、月纹、水纹、火纹、雷纹、涡旋纹等有规则地排列组成。这些几何纹样通常又按二方连续、四方连续和适合纹样等各种不同的骨格方式来构成，从而产生一种既富于节奏和秩序，又蕴涵变化的形式美感。在创意上，彩陶图案含有一定的原始宗教色彩和图腾意味，但其基本的构成方式确定了中国传统图案的基调，并在图案的演变历程中发挥着重要的作用。</p> “老婆，情人节快到了，你看好的包儿，咱买了！” <p class="ql-block">Maya, Precolumbian</p><p class="ql-block">Embracing Couple（拥抱的夫妇）between 700 and 900</p><p class="ql-block">terracotta and pigment（彩陶俑）</p> 下面这个石头制作的东西叫石轭，它是古代中美洲球赛的球员穿着由木材，橡胶或皮革制成的宽阔，带衬垫，皮带状的轭。这种球赛仍然在墨西哥的土著人中进行。游戏的目的是通过用身体的任何部位（手除外）击打球来保持球在空中。沉重的石轭（这个重45磅）是仪式物品。<div>Veracruz, Precolumbian<br>Ceremonial Yoke, between 250 and 950<br>stone<br></div> 中间：帕尔马与玉米神接受人祭。<div>Veracruz, Precolumbian<br>Palma with Maize God Receiving a Human Sacrifice<br>Date between 250 and 950</div><div><br><div>这块Palma是一块石头制品，在代表宇宙二元宇宙力量的两支球队之间进行的仪式球赛中，Palma作为保护装备戴在球员的腰部。失败团队的队长被杀作为祭品，以安抚众神并确保土地的持续肥沃。在这里，一个猴头神站在一个牺牲品的胸前。在他身后是玉米秸秆，这是古代墨西哥的主食。</div></div> Mochica, Precolumbian<br>Stirrup-Handled Vessel: Two Seated Monkeys, between 200 and 500<div>两只坐着猴子的马镫手柄容器：<br></div> <p class="ql-block">Neil R. David</p><p class="ql-block">Polik mana Kachina, 1980</p><p class="ql-block">wood, paint, feathers and turquoise（木材、油漆、羽毛和绿松石）</p><p class="ql-block">美洲的土著民族有着悠久的图案制作传统，其装饰风格多样，色彩鲜艳，简洁明了。土著民族聚居地墨西哥、秘鲁和危地马拉的装饰图案可追溯到玛雅文明，很多抽象图案表现了神话世界和本土文化中的神灵和巫术。在现实世界里，每一个能够被装饰的物体，大到建筑、雕刻，小到纺织品、器皿，都充斥着图腾和具有象征意义的装饰图案。</p> <p class="ql-block">给个特写</p> <br>上半部：Sisiutl, ca. 1927<div> Dick Price, Kwakiuti, Native American, 1880-1936<br></div><div> 彩绘木材<br></div><div>下半部：Kwakiutl, Native American</div>Whale Design House Board, 19th century 美洲原住民的Kachina Dolls Native American<br>Bowl, ca. 1800<div>雕刻在碗上的两张相对男性和女性面孔。许多美洲原住民文化承认男性和女性在社区生活中的互补而不同的社会角色。这种相互依赖延伸到宗教仪式，男性和女性的头部在盛宴碗中面对面，可能用于提供作为美洲原住民宗教仪式。<br></div> 各种竹编 造型可爱的陶器 陶俑 走出展室，顺着楼梯通往二楼 <p class="ql-block">二层走廊上有很多巨幅油画</p> <p class="ql-block">Louis-Philippe, Duc d'Orleans, Saluting his Army on the Battlefield, 1757</p><p class="ql-block">Alexandre Roslin，亚历山大·罗斯林，Alexander Roslin (1718年7月15日 - 1793年7月5日) 是瑞典著名的人像画家。1718年7月15日生于瑞典马尔默，其画作遍及斯德哥尔摩、拜罗伊特、维也纳、巴黎以及意大利，在 18 世纪中叶成为欧洲贵族的时尚肖像画家。</p> Jean Baptiste Marie Pierre<br>The Adoration of the Shepherds（牧羊人的崇拜）, 1745<div><br><div>让·巴蒂斯特·玛丽·皮埃尔(Jean-Baptiste Marie Pierre，1714～1789)是法国画家、出版商及插图画家。他是一个以历史及宗教题材为主的画家。他在18 世纪法国传统历史绘画向新古典主义的演变的过程中，起到一个承上启下的作用。</div></div> <p class="ql-block">Antonio Gonzalez Velazquez</p><p class="ql-block">The Birth of the Virgin, between 1755 and 1757</p><p class="ql-block">安东尼奥·冈萨雷斯·委拉斯开兹</p><p class="ql-block">圣母的诞生</p> <p class="ql-block">这个主题展览太香了。。。。。该有的虔诚，权力，荣耀，多才，健美，典雅，高尚，您都能感受得到！</p> View of Dolo on the Brenta, between 1774 and 1776<div> Francesco Guardi, Italian, 1712-1793 <br></div><div>弗朗西斯科·瓜尔迪，意大利威尼斯画家。他以擅长威尼斯城市风景画知名，也创作海景画、肖像画和废墟风景画等。他曾是威尼斯画家卡纳莱托（Canaletto）的助手，但他不像卡纳莱托那样忠实于描绘建筑物的精确形态，而是更注重传达情调和气氛，对变化中的光线和颜色的闪烁点也更敏感，因此他被视为印象主义先驱之一。在18世纪初期，意大利艺术仅仅在一个专门化的分支中产生了新的思想。那是相当独特的风景油画和风景雕版画。旅行者们从欧洲各地到意大利来欣赏意大利昔日的光辉伟大，往往要随身带走一些纪念品。特别是在景色使艺术家如此神往的威尼斯，产生了一派迎合游客需要的画家。而那一派画家之一弗朗切斯科·瓜尔迪生前作品并不受重视，大部分都是作为这种旅行纪念品出售。直到20世纪，他的作品才得到认同。</div> <p class="ql-block">再看看大师卡纳莱托（Canaletto）的画儿</p><p class="ql-block">The Piazza San Marco, ca. 1739</p><p class="ql-block">卡纳莱托于1697年10月28日出生于威尼斯，出生于贝尔纳多运河和阿尔泰米西娅巴比里，并与他的父亲和他的兄弟一起学徒。他从父亲的职业开始，他也是一个戏剧画家。Canaletto绘画一贯以精心挑选的城市场景为特色，集中体现了当地建筑和普通百姓日常生活活动的组合。卡纳莱托专门研究他的家乡威尼斯的景色，为一个忠诚的而且经常为外国客户工作。这幅朝向圣马可广场西端的景观是艺术家“对自然的改进”的典型代表，在这幅画作中展示了钟楼和 Torre dell' Orologio。实际上，这两个地标，显示为构图的左右边缘，不能从一个位置同时看到。此外，艺术家采用了略微抬高的视点，强化了铺路石形成的透视线。这幅画是一份重要的历史文献，因为它展示了 19 世纪初拿破仑下令改建之前广场的样子。</p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">我有一个介绍卡纳莱托（Canaletto）作品的视频讲解，但时长超过美篇的限制（美篇把一篇文章视频总长限制在30分钟，美篇现在办的越来越。。。。。。）。哎，无法和大家分享了。</p> <p class="ql-block">人物细节。我非常喜欢卡纳莱托的巴洛克风格，他把内在精神通过动作表现和对空旷场景大胆效果把握的嗜好，甚至能够表现在一幅简单的城市风景画中。卡纳莱托已经完全掌握了17世纪的画家研究过的那些效果。他已经知道，一旦把某一个场面的总体印象给予我们，我们就相当乐于自己去提供和补足那些细部。如果我们仔细看一看他的细小人物，就会意外地发现他们不过是由几个巧妙布置的色块构成搭配——可是如果我们往后退几步，那就产生了完全不一样的错觉。这种保留在意大利艺术后期成果之中的那些巴洛克传统的艺术发现，让人沉醉，也赢得人们的尊重。我在华盛顿国家美术馆和大都会博物馆都看过他不同版本的“圣马可广场”画作，确实喜欢。鉴于篇幅所限，我就不再上传画作，横向展开了。</p> 所以把画作放在一起，比较弗朗西斯科·瓜尔迪和卡纳莱托的画儿，您就可以看出老师卡纳莱托更加注重写实细节，忠实于描绘建筑物的精确形态（卡纳莱托在18世纪30年代到40年代期间用一架针孔照相机把摄得的画面投影到幕布上，然后在幕布上精确地描绘威尼斯的风景，能不精细吗！），而弗朗西斯科·瓜尔迪更注重传达情调和气氛，对变化中的光线和颜色的闪烁点也更敏感。。。。。。 在此插播2019年底一条旧闻，威尼斯的地标建筑圣马可大教堂（St. Mark's Basilica）耸立在洪水包围中的图像震惊世界。自2019年11月中旬，威尼斯遭受了自1966年以来最严重的一次洪水灾害。1.87米高的潮水危及全市85％的街道和建筑物，城市部分地区遭到严重破坏。威尼斯的地标圣马可大教堂也遭受了“严重破坏”，其它世界遗产建筑也受到重创。 <p class="ql-block">Edward Swinburne, 1785</p><p class="ql-block">Thomas Gainsborough，大名鼎鼎英国画家庚斯博罗</p><p class="ql-block">庚斯博罗曾被选为皇家艺术学院院士，庚斯博罗的作品强调光和奔放的笔触，加之精致的色彩，使庚斯博罗成为英国皇家宠爱的画家。人物肖像画儿对于他来说简直是小菜一碟，炉火纯青。庚斯博罗善于捕捉绘画对象的特点，他运用色淡而经常闪烁的色彩和松散的笔触在他的作品中营造出一种自发性和新鲜感。他最著名的作品有《蓝色男孩》大家都可能看过，《西登斯夫人》等等，太多了。</p><p class="ql-block">尽管庚斯博罗以肖像画而广为人知，但他更喜欢画风景画。许多肖像画，如 《罗伯特·安德鲁斯和他的妻子》，都以大幅风景为背景。 庚斯博罗是最早描绘英国乡村风景的画家之一。我也喜欢他的风景画，在此就不展开了。用英国另一位风景画大师约翰·康斯特勃做总结：“看着他的画，我们就会感到眼中有泪水，却不知是从何而来”。</p> <p class="ql-block">中间的画作</p><p class="ql-block">Sebastiano Ricci，塞巴斯蒂亚诺·里奇（Sebastiano Ricci） （1659年8月1日至1734年5月15日）是意大利威尼斯后期巴洛克式画家，画有很多宗教题材的作品。这幅画反映了加利利海的基督，是里奇早期的重要作品。圣经中西蒙，彼得，急于加入耶稣，他从船上跳下，急切地想去见海滩上的基督（约翰福音 21：1-8）。这幅画可能是为教堂或私人小教堂设计的。</p> <p class="ql-block">Woman with a Mandolin, ca. between 1755 and 1760</p><p class="ql-block">Giovanni Battista Tiepolo，乔凡尼·巴蒂斯塔·蒂耶波洛，巴洛克及洛可可时期意大利著名画家，威尼斯画派最后的代表人物。大家可能对蒂耶波洛不熟悉。了解艺术史的朋友，可能知道他。蒂耶波洛被誉为巴洛克及洛可可时期威尼斯18世纪最伟大的天才。他以色彩鲜艳的幻想场景，以新的方式描绘光线。巴洛克风格利用明暗来展示动感，蒂耶波洛则利只用亮色。在他的画作以及天花板壁画上，无论是宗教还是神话题材，都采用了戏剧般的布景方式。含义更加容易理解。</p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">Tiepolo 的作品反映了威尼斯巴洛克传统的巅峰之作。在这幅画中，艺术家颂扬了女性美的理想。融化的笔触所描绘的发光的皮肤为了提高绘画的感性诗意。这位年轻的女士是蒂埃波罗最喜欢的模特，名叫克里斯蒂娜，她拿着一个 18 世纪的曼陀林，一边调整琴键，一边听着音符的音高。这幅画被认为是为俄罗斯女皇凯瑟琳大帝委托创作的。</p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">Tiepolo影响了整整一代的画家，令意大利洛可可绘画向着壮观、明亮的方向发展：里奇[Ricci]、皮亚泽塔[Piazzetta]、皮托尼[Pittoni]……<br></p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">所以展方把Tiepolo和Ricci的画儿摆放在一起，让您了解一下那个时代不同画家的特色</p> <p class="ql-block">中间：Giovanni Battista Foggini 乔瓦尼·巴蒂斯塔·福吉尼雕塑作品</p><p class="ql-block">Cupid and Psyche（丘比特和普赛克）约1710 至 1720 年间</p><p class="ql-block">材质：青铜，棕色铜绿和红金漆</p><p class="ql-block">丘比特与普赛克的故事最早出现在公元二世纪罗马作家阿普莱乌斯所著的《变形记》中。这件青铜器描绘了一个戏剧性的时刻，普赛克在嫉妒的姐妹们的鼓励下，用油灯照着醒着的丘比特，并发现了他的真实身份。美第奇宫廷的官方雕塑家和建筑师福吉尼以高度巴洛克风格诠释了这一场景，其特点是动感的节奏和戏剧性的姿态。</p> 左侧：Virtue Triumphant over Vice（美德战胜罪恶）, ca. between 1710 and 1720<div>Massimiliano Soldani<br></div><div><br></div><div>右侧：Dancing Faun, Early1700</div><div>Massimiliano Soldani<br></div><div><br></div> Concert in a Garden, ca. 1750<div>Filippo Falciatore，意大利画家<br></div><div>法尔恰托雷优雅风格和色彩许多早期作品中都很明显，法尔西亚托雷一些描绘那不勒斯资产阶级日常生活，街景，当地习俗和其他叙事事件的小型风俗画，在品味上都更像法国洛可可风格。他在1750年代中期的后期作品显示出向更古典的风格的转变，这种风格源自罗马。</div> Tarantella at Mergellina 放大拍一张 Bernardo Bellotto<br>View of the Tiber in Rome with the Castel Sant'Angelo, 1743 or 1744<div>贝洛托追随他的叔叔卡纳莱托的脚步，成为欧洲领先的城市景观画家之一。他的国际职业生涯将他带到了意大利半岛的各个地方，以及萨克森州，波希米亚州，并最终到达波兰，并定居在那里。这幅罗马一些最着名和最受欢迎的古迹的景色，包括圣天使城堡和圣彼得大教堂的圆顶，属于艺术家的早期作品。虽然它最终摆脱了他叔叔卡纳莱托的影响，展示了贝洛托自己的一些风格，特别是一种即时感。<br></div><div><br></div><div>所以结合之前卡纳莱托[Canaletto]和瓜尔迪[Guardi]的画作，您就会对这三个人所代表的意大利风格题材有一个了解。他们都是专注城市风景，“景观画”[veduta]。他们以极为精确的方式描绘威尼斯和意大利其它城市。在这一题材中，戏剧般的布景依然扮演着重要角色。他们就是当今旅游礼品店中的明信片。</div> <p class="ql-block">Interior of St. Peter's, Rome, 1750</p><p class="ql-block">Giovanni Paolo Panini</p><p class="ql-block">圣彼得大教堂是前往罗马的朝圣者和游客的必经之地。帕尼尼制作了这幅作品的多个版本（30多个，我在华盛顿国家美术馆，大都会博物馆都看过），并根据对大教堂的添加和更改对其进行了更新。最早的版本是巴黎卢浮宫博物馆的一幅大画布，于 1730 年为法国大使红衣主教 Melchior de Polignac 绘制。DIA的版本可以追溯到 1750 年，当时竖立了阿维拉的圣特蕾莎和圣文森特德保罗的雕像，在这里可以看到右侧前两个壁柱的壁龛是竖立的。我更喜欢华盛顿国家美术馆1754年那个版本，右侧壁柱颜色偏灰绿色，有一丝类似伊斯兰的神秘……我有点儿想华盛顿的家了，想两个女儿了……😅</p> <p class="ql-block">放大拍一张</p> <p class="ql-block">下面是华盛顿国家美术馆收藏的，忍不住插播一下</p> 再来一幅Giovanni Paolo Panini的作品：<br>View of the Roman Forum, 1735<div>（罗马广场景观，1735 年)<br></div><div>我当时被画面上天空中一抹亮色吸引住，可惜手机拍不下来那种激动色彩</div> Pompeo Girolamo Batoni<br>Samson and Delilah, 1766<div>尺寸超大：93 1/2 × 68 1/4 × 3 11/16 inches (237.5 × 173.4 × 9.4 cm)</div><div>到十八世纪中叶，蓬佩奥·巴托尼（Pompeo Batoni）成为罗马领先的肖像画家，为来自不列颠群岛的富裕精英客户，游客，提供服务。几十年前，他开始了自己的职业生涯，绘制历史和圣经主题，并在整个职业生涯中继续以端庄，经典的风格描绘这些主题。<br></div><div>在《参孙和黛利拉》中，巴托尼描绘了旧约故事中背叛的关键时刻。参孙屈服于非利士女人的奉承和烈酒，打破了他的誓言，分享了他力量的秘密："剃须刀从未出现在我的头上......我若被剃光，我的力气就要离开我"（犹16：17）黛利拉很快剪掉了他的长发，召来她的警卫冲进密室去抓住他。黛利拉仍然和参孙保持平静，参孙现在无能为力，瘫坐在她的脚下。这两个人物在混乱中显得平静自然<br></div> Baron Jean Baptiste Regnault<br>The Judgment of Paris, ca. 1812<div>尺寸巨大：95 5/8 × 77 1/2 × 3 3/8 inches (242.9 × 196.9 × 8.6 cm)</div><div>希腊神话故事：巴黎的评判，讲的是奥林波斯三位最美丽的女神 - 阿佛洛狄忒，赫拉和雅典娜 - 之间的竞争，争夺一个金苹果奖，上面写着"致最公平的人"。我就不展开了，您可以自行百度。</div><br> Betrothal of Cupid and Psyche, ca. 1808<div>Filippo Pelagio Palagi, Italian, 1775-1860<br></div><div><br></div><div>这个神话故事您了解吗？</div><div><br></div><div>从前在某个村庄里，住着一位名叫Psyche的公主，她是如此美丽，以至于她作为女神受到了人民的崇拜。被激怒的爱神维纳斯命令她的儿子丘比特（也是爱神，或"欲望"）惩罚她，让她爱上一个可怕的生物。然而，丘比特自己爱上了她，并娶她为妻，条件是Psyche被禁止看他的脸，直到他们有了第一个孩子，他们的婚姻才能最终实现。在她与丘比特订婚时，Psyche的姐妹们出于嫉妒心，诱惑她不服从誓言，激怒她，让她出于恐惧试图杀死她没看见过脸的丈夫。。。。。。大家百度吧<br></div> Giovanni Maria Benzoni<br>Zephyr Dancing with Flora, 1870<div><br></div><div>太美了。罗马花卉女神和西风的化身少年共舞，这是整个艺术史上画家和雕塑家非常受欢迎的主题 。我注意到罗马雕塑美少年的脸庞趋于女性化，但身体保有男子的矫健，这是罗马雕塑的风格，和当时很多贵族，国王豢养男宠风气有一定的审美趋向。</div> 美少年，醉了！ Gaetano Gandolfi<br>Venus Ordering Armor for Aeneas at Vulcan's Forge, ca. 1775<div>精美的神话故事绘画，是意大利画家加埃塔诺·甘多尔菲（Gaetano Gandolfi，1734-1802）1775年绘制的。Gaetano Gandolfi是巴洛克晚期和新古典主义早期的意大利画家，活跃于博洛尼亚。加埃塔诺出生在博洛尼亚附近的圣马特奥德拉德西马，一个艺术家家庭。Gaetano成为博洛尼亚Clementina学院的"学生"，在那里他由Felice Torelli和Ercole Lelli教授。在学院中，他获得了人物素描和雕塑的多个奖项。后来，在一本自传中，加埃塔诺声称菲利斯·托雷利是他的主人。他前往英国，并受到Tiepolo的强烈影响。</div> 埃涅阿斯Aeneas<br>在希腊罗马神话中，埃涅阿斯是一个特洛伊英雄，他是希腊神话中的关键人物，也是荷马史诗《伊利亚特》中的关键人物。<br><br>埃涅阿斯在罗马神话中得到了充分赞美，在那里他被塑造成罗慕路斯和雷穆斯的祖先。他成为罗马第一位真正的英雄。<div><br></div><div>火神Vulcan<br>Vulcan是火神，包括火山的爆发，金属加工以及古罗马宗教和神话中的负责锻造。他的希腊对应人物是赫菲斯托斯，火和铁匠神。<br></div> <p class="ql-block">下面是几幅鲁本斯的历史题材画儿，肖像画儿。描绘历史才是最高的艺术类型。法国皇家学院把绘画分为五个级别，最高级别就是历史画（<span style="font-size: 18px;">描绘历史或故事的画作）</span>为什么呢？历史画的厉害之处在于，画本身是分镜脚本同时又是一支连贯的动画。艺术家为了提升自己的艺术造诣，需要从表现单一人物转向另一层次，处理历史和传奇主题，呈现出历史学家赞扬的伟大作为，或者来自诗人传达的愉悦题材。同时，为了达到更高境界，艺术家必须知道如何将伟人的美德和最崇高的秘密融入传奇故事和寓言史诗底下。凡伟大画家都能成功驾驭这种能力，这是他的画作有力、高尚、伟大之处。</p> <p class="ql-block">Peter Paul Rubens</p><p class="ql-block">Philippe Rubens, the Artist's Brother, 1610 or 1611</p> Warrior with Two Pages, ca. 1615 Peter Paul Rubens<br>Hygeia, Goddess of Health, ca. 1615<div>健康女神</div> 现代医学起源于古代世界。最古老的文明使用魔法和草药来治愈他们生病的人，但他们也使用宗教来使他们免受伤害并保护他们的健康。今天的医疗保健起源于古希腊。随着Asklepios和Hygieia在雅典的引入，从公元前500年到公元500年，出现了一个非常重要的治疗信念。Hygieia在希腊宗教中扮演着非常不寻常的角色，因为她的身份不明确。她在公元前5世纪与Asklepios有联系，他们一起成为希腊和罗马世界中最着名的治疗夫妇。其中以希波克拉底誓言提到健康女神最让我熟悉，它是每一名医学生成为医师时所宣的誓言：我以治疗师阿波罗，Asklepios，Hygieia和Panakeia发誓，我见证了所有的神，所有的女神，根据我的能力和我的判断，遵守以下誓言和协议。（希波克拉底的誓言）“the first Oath of Hippokrates, which states: I swear by Apollo, the healer, Asklepios, Hygieia, and Panakeia, and I take to witness all the gods, all the goddesses, to keep according to my ability and my judgment, the following Oath and agreement. (Oath of Hippokrates)” 放大拍一张 Peter Paul Rubens<br>The Meeting of David and Abigail, between 1625 and 1628<div>尺寸超大： 86 3/4 × 114 1/2 × 6 1/2 inches (220.3 × 290.8 × 16.5 cm)<br><div>大卫和阿比盖尔的相遇提供了一个充满动感和浪漫的圣经叙事（撒母耳记上25）。阿比盖尔害怕拒绝支付大卫的保护费而攻击她的丈夫，阿比盖尔和她的仆人收集食物礼物来安抚接近的部队。多亏了她的美貌和口才，阿比盖尔不仅成功地避免了战争，而且最终赢得了大卫的心。填充这幅大画布的人物和细节部分由鲁本斯发明，部分取自其他来源，包括艺术家收藏的古董雕塑。<br></div></div><div>由于射灯反光，手机拍不下来细节，后边贴一张网图</div> 说明铭牌把画作细节介绍的非常详细，比如驴的耳朵下垂代表着温顺服从，马的耳朵却是竖立的？后排白色衣裙的美女以爱慕的眼神望向大卫。。。。。。放大下面的图片，自己看吧 <p class="ql-block">我在华盛顿国家美术馆西馆也看过鲁本斯同样标题的画作，背景颜色比这里的偏黄，人物朝向也稍有不同。</p> <p class="ql-block">Peter Paul Rubens</p><p class="ql-block">Warrior, between 1614 and 1616</p> 比利时出生，佛兰德巴洛克画家Jean-Baptiste de Champaigne<br>The Last Supper, ca. 1678<div>尺寸：55 1/4 × 76 1/2 × 3 1/4 inches (140.3 × 194.3 × 8.3 cm)</div><div>这个版本的色彩明艳，仿佛时装秀，俺的手机拍不下你的美</div> 走廊上巨幅油画，尺寸：33 1/2 × 99 1/4 × 4 inches (3 m 39.1 cm × 252.1 cm × 10.2 cm)<div>Guercino (Giovanni Francesco Barbieri)<br>Assumption of the Virgin, 1650<br></div><div>圣母升天在反宗教改革后的十七世纪成为一个重要主题。当天使将圣母送上天堂时，她指着罗马城。这个手势代表了天与地、神与人之间的相互关系。圣母玛利亚下方是罗马市的全景：从左到右是拉特兰圣约翰大教堂，罗马斗兽场，卡比托利欧宫，万神殿和圣依纳爵教堂。<br></div> <p class="ql-block">Nicolas Poussin 普桑</p><p class="ql-block">Selene and Endymion, ca. 1630</p><p class="ql-block">尼古拉·普桑（Nicolas Poussin，1594年6月15日－1665年11月19日）17世纪法国巴洛克时期重要画家，但属于古典主义画派。以《阿尔卡迪的牧人》为其代表作；《摩西的发现》是其古典主义的代表作。</p><p class="ql-block">Poussin 戏剧性地使用浅色和朦胧的色调创造了诗意和微妙的细微差别，适合这个浪漫的理想化场景。如果您仔细看看这幅画的布景构图，色彩，光线、组合、形状的整体效果，这不是一般画家能够综合把握的。在希腊神话中，月亮女神塞勒涅是凡人牧羊人恩底弥翁的情人；他们的约会只能在晚上举行。 Poussin 选择代表当太阳神阿波罗带来新的一天时，两人必须分开的凄美时刻，驾驶他的战车穿越天空。夜之翼的身影拉开了保护这对夫妇的黑暗帷幕。</p><p class="ql-block">这位艺术家一生大部分时间都在罗马工作，他的作品受到一群开明的杰出和精致知识分子的赞赏。在十七世纪，这幅画归法国红衣主教马萨林所有，他在路易十四统治初期巩固了法国的权力。普桑对法国艺术界有着无比深远的影响。他的艺术“在他去世后，仍永远深植在法国绘画的基因里”，被誉为法国版的拉斐尔。普桑在1665年死后，法国的绘画界为推崇他研究文艺复兴时间绘画的专注，出现了有“普桑主义”之称的派别。主张素描比颜色还要重要。</p> <p class="ql-block">对普桑而言，愚蠢轻浮、满足感官的享受称不上艺术。他深信绘画必须表现人类以理性的态度做出最适合当下的努力，所表现出的真诚和高尚情操。普桑的艺术法则并非偶然而生的。辛苦的训练和对优秀艺术前辈满怀热忱的好奇心——像是意大利文艺复兴大师拉斐尔、米开朗基罗和提香，以及古希腊罗马的艺术——再加上多年的反复沉思，才造就普桑成为名垂青史并备受尊崇的艺术家。</p> <p class="ql-block">Laurent de La Hyre</p><p class="ql-block">The Finding of Moses, between 1647 and 1650</p><p class="ql-block">Laurent de La Hyre是十七世纪法国著名巴洛克画家，他是巴黎古典主义新古典主义风格的主要代表人物。 Hyre迷人的色彩搭配和精美的人物形象是他早期的痛苦风格的标志。他是一位富有创新精神的艺术家，他利用自己的高超技巧作为故事讲述者来描绘很少描绘的主题。</p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">The Finding of Moses，有时被称为摩西在牛棚，摩西从水中得救，是希伯来圣经出埃及记第2章的故事，法老的女儿在尼罗河中发现婴儿摩西。这个故事成为艺术中的一个常见主题，特别是从文艺复兴时期开始。<br><br></p> <p class="ql-block">Nicolas Régnier</p><p class="ql-block">The Repentant Magdalene, ca. 1625</p><p class="ql-block">根据 17 世纪天主教会的信条，抹大拉的玛丽亚是悔改的罪人的典范，因此是忏悔圣事的象征。据传说，玛丽亚过着放荡的生活，直到她的姐姐玛莎说服她听从耶稣基督。她成为基督最忠实的追随者之一，他赦免了她从前的罪孽。注意画作中少女玛丽亚手扶在一个放在书上的骷髅头骨，头骨是vanitas（虚无）的象征，暗示着生命的短暂。少女表情忧郁，神情恍惚，正在思考她的过去，思考真正的道路？这个题材的绘画作品，我最喜欢在华盛顿国家美术馆看到的拉图尔版本，拉图尔强烈的自然主义使每个观众都能理解宗教寓言，也就是更具有深刻的精神色彩，是法国巴洛克艺术的标志。之前博物馆游记中写过，我下面传一下华盛顿国家美术馆拉图尔同标题画作，您自己比较一下。</p> <p class="ql-block">画中的玛丽亚穿着非常朴素，一件白色的衬衫和一件深色的裙子。她正靠在一张普通的木桌上，一只手摸着放在一个置于几本书上的骷髅，面向着镜子里看。我们看到在镜子中映出的那个骷髅。在骷髅后面我们看到一支火光摇曳的蜡烛。这些全都是世界虚无的象征：肉体是无常的。骷髅显然是镜子的反射，因为是镜子造成了这样一种幻觉，而火光摇曳的蜡烛可以是蜡烛，也可以是信仰之光，但其摇曳不定的本质也暗示了无常。</p><p class="ql-block">这幅画有一种让人难以置信的基调。这幅画 50%以上的画面都处于黑暗中，真正的光，这也是她从蜡烛中看到的光，即追随耶稣的那些人所发出的光。</p><p class="ql-block">拉图尔是运用富有表现力光线的大师，他以描绘象这幅画这样的烛光场景而闻名。在这种场景中，光影的强烈对比能增强情感上的冲击力。</p> <p class="ql-block">欧洲绘画展厅逛完了，虽说比不了有些知名的博物馆，但这些画作，一样让人觉得绘画不仅是一种艺术，它更是一种思想的载体，反映了民族的文化、信仰，反映了绘画技艺、潮流的变化。翻开历史的画卷，时代的“痕迹”跃然纸上。很多人都痴迷于欧洲绘画，因为在那里您可以将艺术提升至和史诗，建筑，音乐，古典修辞学，宗教信仰，哲学同样的高度，通过绘画艺术传达出愉悦享受。正像许许多多大师们作品，将亚里斯多德的艺术定义融入自己的创作中：“艺术的目的不在于呈现事物的外表，而是其内在的意义。”在他们画作背后有太多隐藏的涵意，邀请观者仔细地反复观察。这就是为啥越看越有看头…..</p> <p class="ql-block">主题画展By her hand</p><p class="ql-block">女画家Artemisia Gentileschi 以及意大利的女艺术家们，1500-1800 年探索了从文艺复兴时期到启蒙运动中女艺术家们的作用和艺术成就。在由男性主导的意大利艺术界，这 17 位女性克服了许多障碍，取得了成功。自信的自画像、写实的静物、女性勇敢的场景和沉思的宗教场景，都展示了她们的技术技巧和独创性。</p> Not Italy as we know it today...... <p class="ql-block">Sofonisba Anguissola (Italian, ca. 1535–1625)</p><p class="ql-block"> "The Artist’s Sister in the Garb of a Nun," 1551</p> 到不了现场的，手机对准二维码可以听，看，更详细的介绍。也方便我日后复习重温 <p class="ql-block">Portrait of Massimiliano II, c.1558 oil on canvas</p><p class="ql-block">painting by Sofonisba Anguissola</p><p class="ql-block">着装显然受到了当时西班牙在伦巴第的统治地位，画风也受到了当时西班牙肖像画家的影响，如贵族般的冷峻姿态和象征财富和社会成功的寓言象征。</p> <p class="ql-block">Portrait of a Boy at the Spanish Court， 1570</p><p class="ql-block">Sofonisba Anguissola</p> <p class="ql-block">放大拍看看服装中金色丝线</p> <p class="ql-block">扫描二维码有更详细介绍</p> <p class="ql-block">Fede Galizia (Italian, 1578–1640)</p><p class="ql-block"> "Judith with the Head of Holofernes," 1596</p> <p class="ql-block">Vases of Flowers on the table</p><p class="ql-block">Orsola Maddalena Caccia</p><p class="ql-block">Orsola Maddalena Caccia，生于 Theodora Caccia (1596-1676)，是一位意大利风格主义画家和基督教修女。她画宗教图像、祭坛画和静物。</p> 你明白这些花儿代表的含义吗？看看下面的解释说明 <p class="ql-block">Mary Magdalene, 1620–30</p><p class="ql-block">Orsola Maddalena Caccia</p> <p class="ql-block">扫描二维码有更详细介绍</p> <p class="ql-block">已到100张照片上传上限</p> <p class="ql-block">未完</p>