喜欢的十位油画家

图姐

我喜欢的国内外画家1. 伦勃朗.哈尔曼松.凡.莱茵2.. 莫奈3. 亨利.方丹.拉图尔/法国4. 理查德.埃斯蒂斯/美国5. 文森特.梵高/荷兰6. 贝尔纳.卡特林/法国7. 张晓刚/中国8. 拉斐尔9. 巴勃罗毕加索10. 陈丹青 1.伦勃朗是17世纪荷兰最优秀的现实主义画家,他开创了欧洲绘画的新境界,为世界美术的发展作出了贡献.伦勃朗吸收了意大利画家卡拉瓦乔的明暗对比法并加以发展,形成了自己独特的艺术风格.伦布朗的光影表现形式，俗称为“三角光”，“三角光”运用使画面具有强烈的明暗对比效果；鼻部的投影与面颊的暗部连接，使人物面部形成三角形的亮部区域，人物的眼窝、鼻底和下巴大都隐藏在阴影之中。伦勃朗在油画作品中，尤其遵循光线统一的原则，在用色上强调色彩的补色对比，将少量的人物局部呈现在光照下；如果你想尝试一下“伦勃朗调色板可使用:黄赭色、焦赭色、焦棕褐色、白色、黑色、深镉红色。 伦勃朗在油画作品中，尤其遵循光线统一的原则，在用色上强调色彩的补色对比，将少量的人物局部呈现在光照下； 伦勃朗如何使用一个削尖的刷子柄的末端，来画头发？仔细看一下伦勃朗早期自画像中的头发。 2. 莫奈 奥斯卡-克劳德·莫奈是法国人印象派代表人物和创始人之一，实施并推广了大部份印象派的实践和理论。莫奈极为擅长光影与色彩，创造性地改变了阴影和轮廓线的画法，在莫奈成名后的画作中看不到非常明确的阴影，也没有突显或平涂式的轮廓线。莫奈对于光影与色彩的运用相当细腻、娴熟，常常在不同的时间和光线下，对同一对象或者相同主题作多幅的描绘，从自然的光影与色彩的变幻中抒发瞬间的感觉。印象派的创始人虽说是爱德华·马奈，但真正使其发扬光大的却是莫奈，因为他对光影之于风景的变化的描绘，已到出神入化的境地。而且“印象派”名字的由来，也正是因为当时因莫奈的油画《日出·印象》受到嘲讽而得名。 《日出·印象》描绘的是勒·阿弗尔港口的清晨，太阳刚刚升起的时候。由于画家要在很短的瞬间，将早晨的美景在光线还没有变化前，就要完成作品，因此画面不可能描绘的很仔细。当学院派的画家们看到这幅作品时，认为很粗糙，过于随便，就用讥讽的语言嘲笑，那是一群根本就不懂绘画的画家，《日出·印象》完全就是凭印象胡乱画出来的，其他人也附和着说，这些画家统统都是“印象主义”，没想到，这些挖苦的话，反而成全了这批画家，“印象派”随之诞生。这幅画在由淡紫、微红、蓝灰和橙黄等色组成的色调中，一轮生机勃勃的红日拖着海水中一缕橙黄色的波光，冉冉升起。海水、天空、景物在轻松的笔调中，交错渗透，浑然一体。近海中的小船，在薄雾中渐渐变得模糊不清，远处的建筑、港口、船舶、桅杆等也都在晨曦中朦胧隐现。多种色彩赋予了水面无限的光辉。 莫奈对妻子卡米耶的爱，让他的画作充满了柔和。《海滨公园打伞的女子》画中的人物是他妻子卡米耶和儿子约翰。卡米耶曾是巴黎有名的模特，印象派画家最爱画的姑娘，出身富裕却依然嫁给了穷画家莫奈，她是莫奈画中的重要模特，如《绿衣女子》、《穿日本和服的卡美伊》、《草地上的午餐》等。在仰视的角度下，阳光闪烁、飘逸的白裙、流动的白云、茂盛的草地，卡米耶手持阳伞半侧身的姿态显得格外生动感人。白裙在光的辉映下随风舞动，人物映衬在蓝天白云的宽大背景中，尽显绰约妩媚，面庞边轻轻飘起的白纱和转动的裙摆显示出风的抚弄，顿感人与大自然的和谐融洽。 卡米耶32岁早逝后，莫奈就几乎不再画人物肖像了。莫奈比任何画家都喜欢捕捉一瞬即逝的景象，然后用神奇的画笔记载下来。就像这幅画《干草堆》。在阳光照射过来的那一刹那，天、山、屋、草垛都是什么样的？莫奈通过自己细致地观察，画下的这些物体的变化。他并不注意物体本身的轮廓，因为光是主角。 莫奈晚年最重要的一件作品是连作《睡莲》。这是一部宏伟史诗，是他一生中最辉煌灿烂的“第九交响乐”。1880年之后，莫奈与印象派的其他画家们疏远了，他在吉维尼造了一座小花园，住在里面作画。他喜欢把水与空气和某种具有意境的情调结合起来，这样产生了《睡莲》组画。沿着水面，美丽的睡莲一片片向湖面远处扩展开来，画家利用了树的倒影，衬托出花朵的层次，是十分有创造性的构思。莫奈把整个身心都投在这个池塘和他的睡莲上面了，睡莲成了他晚年描绘的主题。此后27年里，他几乎再也没有离开过这个主题。 在莫奈晚年时期，印象派曾经一度风光不再，唯有莫奈坚守正宗。受东方艺术影响，晚年莫奈追求写意。他以一己之力，把印象派从“即将过时”的境地一下拉升到“永恒光彩”。《睡莲》系列可谓登峰造极，画到了红尘尽处。 3. 亨利·方丹·拉图尔(1836/1/14 – 1904/8/25) 是一位很难进行归类的画家，他可以说是画家们的画家。拉图尔生于格勒诺布尔市，只在巴黎美术学校学习了1年时间，之后就在卢浮宫里临摹大师们的作品为生。拉图尔非常擅长人物画，我们曾提到他的名作《巴迪侬画室》，在这幅的群像画里，出色地将自己的好友——印象派的马奈，及雷诺阿、莫奈、左拉等有机地组合在一起。他的人物画含有古典学院派严谨的写实手法与印象派的综合技法。亨利·方丹·拉图尔最擅长画花卉静物，配以精致的容器加以点缀，追求朴素写实的特点。拉图尔并不像印象派画家那样注重户外的瞬间光色影像，他总是在画室中把经过长时间思索获得的客观性赋予那些美丽的花朵。 4. 美国照相现实主义画家理查德·埃斯蒂斯（Richard Estes）， 1932年5月14日出生于伊利诺伊州的科瓦那，在他漫长的艺术生涯中创作了大量佳作，以城市风景写实画为主。他的作品以优美的写实风格画作著称，画面质量完全堪比20世纪傻瓜相机的像素。理查德最著名的是他的超级写实主义绘画。绘画一般由反射、清洁和无生命的城市和几何景观组成。他被认为是20世纪60年代末国际照相现实主义运动的奠基人之一.埃斯特斯对照片保持真实态度：当他的画包括招贴、标志和橱窗展示时，总是因为影像而被描绘成反射的倒影。他的作品很少包括建筑物周围的垃圾或积雪，因为他相信这些细节会分散人们对建筑物本身的注意力。选材总是在白天，而不是夜间，建议“空旷安静的星期日早晨”。埃斯蒂斯的作品力求在二维画布上创造一种立体感。他的作品被认为是从超级现实主义、尖锐聚焦现实主义、新写实主义、摄影现实主义到激进现实主义的各种术语。最经常出现的术语是照相现实主义。绘画从20世纪60年代初开始是从事日常活动的城市居民。从1967年左右开始，他开始用玻璃窗画店面和建筑物，更重要的是，这些窗户上反射的图像。这些画是基于他将拍摄的彩色照片，这些照片捕捉了反射的消逝性质，这将随着光线和白天的时间而改变。 为美化作品而进行了一些改变，但重要的是要注意中央和主体。反射的物体是可识别的，但也保留反射的倏逝性 5. 文森特.梵高/荷兰 文森特·威廉·梵高（Vincent Willem van Gogh，1853－1890，梵高，荷兰后印象派画家。出生于新教牧师家庭，是后印象主义的先驱，深深地影响了二十世纪艺术，尤其是野兽派与表现主义。1890年7月29日，因精神疾病的困扰，曾割掉左耳，后在法国瓦兹河开枪自杀，时年37岁。 一个个呈旋涡流动的星辰，敏感而不稳定。几近骚动的线条，刺目的换色或耀眼的红色在激情的指挥下恣意舞动，就连生长于大地的扁柏也在尽力挣脱地心引力，直刺向急流涌动的蓝天。在梵高的绘画中，所有的色彩与形象都必须服从他不羁的激情表达。这幅油画是他所画的为数不多的，不靠直接观察对象，而用虚构的形与色，凭想像创造某种气氛的作品中的一幅。他的这幅画，画着一些入睡的小屋，丝柏从下面伸向深蓝色的天空；一些黄色的星与闪光的橘黄色的月亮形成旋涡，天空变得活跃起来。这是体现内心的、最紧张的幻想，是发泄无法抑制的强烈感情。 死前最后一副画作。《乌鸦群飞的麦田》在这幅画上仍然有着人们熟悉的他那特有的金黄色，但它却充满不安和阴郁感，乌云密布的沉沉蓝天，死死压住金黄色的麦田，沉重得叫人透不过气来，空气似乎也凝固了，一群凌乱低飞的乌鸦、波动起伏的地平线和狂暴跳动的激荡笔触更增加了压迫感、反抗感和不安感。画面极度骚动，绿色的小路在黄色麦田中深入远方，这更增添了不安和激奋情绪，这种画面处处流露出紧张和不详的预兆，就在第二天，他又来到这块麦田对着自己的心开了一枪。 《红色的葡萄园》：布面油画，75 X 93cm，藏于莫斯科普希金博物馆。在梵高众多的作品中，这幅画不是最出众的一件，但却是梵高生前唯一卖出的一件。1890年，比利时画家安娜·博赫以400法郎的价格买下了这幅画，现在存于莫斯科。让人唏嘘的是在《红色的葡萄园》卖出几个月后，梵高就自杀了。 6. 贝尔纳.卡特林1919年生於巴黎。1945-1948年为法国国家装潢艺术学院学生，并在名画家马蒂斯 (Henri Matisse) 的工作室学习。贝尔纳·卡特林兴趣广泛，无论在油画、版画及挂毯艺术方面，均堪称为世界级的艺术家。卡特林在其作品中大量运用红色。单一的红色不但有色相的变化，还有丰富的色阶层次，变化无穷，给人以视觉上的冲击和享受。他的画风属于以马蒂斯为代表的法国野兽派，讲究用色，色泽鲜明，给人以色彩变化丰富的印象。贝尔纳·卡特林更擅长使用未经调制的原色进行创造。他对色彩独到的运用，浓烈得化不开，冲不淡。即使是眩目的黄色、橙色，深沉似炭灰色、紫色，其浓厚及充满动力之质感都眩人眼目，带来无限惊喜。 7. 张晓刚生于1958年的中国，是最早为海外所认识和熟悉的中国当代艺术家之一，他将来自历史与现实、文化与社会、集体记忆和私人回忆的典型意象予以抒情性和高度自由的提炼、重组、并置和更新，将一代人历史经验普遍化的同时又赋予其全新的生命力。张晓刚的艺术不仅从传统向现代的转型，以及随之而来的撕裂和阵痛，来自历史、文化、传统、记忆等诸多问题的思考。 16岁时，父亲带他去看望水彩画家林聆，这位画家后来成了张晓刚的启蒙老师。1993年，张晓刚从北京回到昆明老家，偶然翻看父母的老照片，一时间受到了极大的触动，后来创作出的《血缘大家庭》系列、《同志》《记忆与失忆》等系列使其成为最早被海外所认识和熟悉的中国当代艺术家之一。父亲”在张晓刚的印象中，总是非常严厉。直至父亲晚年，父子之间的关系才有了“转变”，开始自然地交流。而与患有精神疾病的“母亲”之间的故事尤其令人揪心。他的成长便是自得知母亲患病之日起悄然开始的，这一独特的家庭经历是内心的隐痛，生活的较量，同时也是他的艺术创作源泉，得以在创作中重新“认识他们”。完美的家庭是童话。世上没有完美的家庭，正如没有完美的个体。所有的童话都来源于我们血液和内心深处的恐惧。对完美家庭的渴望已不仅仅是血缘的需求。 《大家庭》之后他真正地进入了关注历史的状态，但是他所说的历史概念不是社会学的历史，而是他内心的发展轨迹。 《大浴缸》，他见证了中国绘画艺术三十年的风云变迁，他的作品在中国当代人的群体意识中留下了难以磨灭的文化印记。他的作品所蕴世故的中国情境的最佳体现。 从九十年代中期开始，张晓刚运用近现代中国流行艺术的风格表现革命时代的脸谱化肖像，传达出具有时代意义的集体心理记忆与情绪。这种对社会、集体以及家庭、血缘的典型呈现和模拟是一种再演绎，是从艺术、情感以及人生的角度出发的，因而具有强烈的当代意义。 8. 拉斐尔·圣奇奥(意大利文：Raffaello Sanzio，1483年4月6日-1520年4月6日是一位意大利画家，亦是建筑师。1504—1508年，拉斐尔居留佛罗伦萨期间，那里一度恢复的共和政治、民主精神和人文主义思想影响了他。他充分利用佛罗伦萨能提供给他的一切：他研究解剖学、观察大自然和新的社会中人际关系。他对生活、对人、尤其对女性和母亲更加充满感情和爱，他要把佛罗伦萨的全部艺术精华变成自己的营养。同时他对各画派大师的艺术特点均认真领悟，博采众长，特别倾心学习达·芬奇的构图技法和米开朗琪罗的人体表现及雄强风格，使其独具古典精神的秀美风格日趋成熟，从而迅速取得了和达·芬奇、米开朗琪罗鼎足而立的巨大成就。他的作品具有优雅、秀美的风格。他善于把“神”画成具有“人”的形象，他画的圣母就是生活中神态优美、心地善良的普通母亲的形象。他的代表作是壁画《西斯廷圣母》。这幅作品体现了拉斐尔独特的画风和人文主义思想。拉斐尔作品被人们称作是古典艺术最完美的体现，拉斐尔是西方美术史上最会画圣母形象的大师，在他那一系列的圣母像中，常常把人的感性美和精神美结合起来，从而来传达出人们美好的愿望。亲近自然、平易近人是拉斐尔作品最大的特点。 《西斯廷圣母》是拉斐尔最成功的一幅圣母像，是他怀着虔诚的心情谱写的一曲圣母赞歌。画面采用了稳定的金字塔形构图，人物形象和真人大小相仿，庄重均衡，画面背景全部用小天使的头像组成，构思新颖独到。圣母形象柔美圣洁，表现了母爱的幸福与伟大。而这幅《西斯廷圣母》塑造了一位人类的救世主形象：她决心以牺牲自己的孩子，来拯救苦难深重的世界。 拉斐尔极善利用台阶，使众多人物组合主次前后有序、真实、生动、活泼，画面将观赏者带进先哲们的行列。这宏大的场面，众多的人物，生动的姿态表情，布局的和谐、变化且统一的节奏，可谓把绘画创作发展到文艺复兴时期的顶峰。 《披纱巾的少女》又名唐娜·维拉塔，据说是拉斐尔的情人芙纳蕾娜的肖像，画家不仅描绘了她的美丽和多情，更是运用了一种极为丰富的色彩语言，把芙纳蕾娜的面孔和袒露的酥胸描绘得十分细腻，华贵的衣裙上，繁复精致的褶纹与单纯的披纱形成对比，更加衬托出肉体的温柔与魅力。银灰色调的衣裙与白皙肌肤的色彩交相辉映，使画面产生了一种纯洁的主旋律。 拉斐尔与达芬奇、米开朗基罗被人们誉为意大利文艺复兴三杰。他画的同时代的人物肖像也成就斐然。这幅《卡斯蒂廖内·巴尔达萨雷伯爵像》是他最著名的肖像画之一。这幅作品真切而生动地反映了这位政治家、外交家兼学者于一身的形象特征：他那黑亮、锋利而又平和的眼神，好象能够看穿一切。作品采用三角形构图，使画面沉稳和庄重，这与人物身分，修养和心态十分吻合。拉斐尔的《卡斯蒂廖内·巴尔达萨雷伯爵像》这幅肖像画，可以说是历代肖像画中经典之经典。 9. 巴勃罗·毕加索（1881年10月25日），全名巴勃罗·迭戈·何塞·弗朗西斯科·狄·保拉·胡安·纳波穆西诺·玛莉亚·狄·洛斯·雷梅迪奥斯·西普里亚诺·狄·拉·圣地西玛·特里尼达·路易斯·毕加索，西班牙画家、雕塑家，法国共产党党员。是现代艺术的创始人，西方现代派绘画的主要代表。毕加索是当代西方最有创造性和影响最深远的艺术家，是20世纪最伟大的艺术天才之一。代表作品:《格尔尼卡》《和平鸽》《亚维农的少女》《生命》。毕加索出生于西班牙的马拉加。1897年赴马德里的普拉多艺术馆进修。1903年完成画作《生命》，1907年，画作《亚维农的少女》的完成，成为他创造立体派风格的里程碑。1937年，毕加索创作大幅画作《格尔尼卡》，以纪念纳粹对格列尼卡的轰炸。1949年他的作品《和平鸽》被选为国际和平会议海报。1973年，毕加索于法国穆然去世，享年91岁。毕加索的艺术生涯几乎贯穿其一生，作品风格丰富多样，史学上把他浩繁的作品分为不同的时期——早年的“蓝色时期”、“粉红色时期”、盛年的“黑人时期”、“分析和综合立体主义时期”(又称“立体主义时期”)、后来的“超现实主义时期”等等。他于1907年创作的《亚威农少女》是第一张被认为有立体主义倾向的作品，是一幅具有里程碑意义的著名杰作。它不仅标志着毕加索个人艺术历程中的重大转折，而且也是西方现代艺术史上的一次革命性突破，引发了立体主义运动的诞生。 毕加索《拿烟斗的男孩》1905年，24岁的毕加索创作了《拿着烟斗的男孩》，画面集中展现了一位表情有点忧郁的青春期男孩，他身穿蓝色服装，头戴花冠，手里拿着一支烟斗，画面的背景是两大束色彩艳丽的鲜花。忧郁的唯美之作。毕加索是位多产画家，据统计，他的作品总计近37000件，包括：油画1885幅，素描7089幅，版画20000幅，平版画6121幅。在1999年12月法国一家报纸进行的一次民意调查中，他以40%的高票当选为20世纪最伟大的十个画家之一。 20世纪初法国画坛发生了一系列的变化：1905年秋季沙龙展出野兽派的作品，同时期在塞尚美术馆和1906年举办纪念这位大师去世的展览，这些与传统决裂的作品展对毕加索和一大批富有探索精神的青年画家具有决定意义的影响。1907年的春天，毕加索将所受的各种影响汇成一体创作了划时代的《阿维尼翁少女》。创作这幅画的动因是画家在偶然机会参观了巴黎人类博物馆时，被非洲土著人艺术，特别是黑人雕刻那种简练朴素、怪异和粗犷的造型所吸引，从中获得了灵感，开始了他的“黑人艺术时期”的创作，但塞尚后期作的那些《沐浴》女裸像也给他以具体的灵感。 在这幅画中没有统一的构图，色彩呆板生硬，指手划脚的人物没有了体积感。画中少女们变了形的脸，正是毕加索探索伊比利亚人和非洲黑人雕刻的结果。来自各方面的影响使这幅画有点折衷和自相矛盾，画家企图把几何形体化了的人物和封闭背景的几何形体结合起来，但整个构思、画面形象和空间处理都宣布了现代绘画的一个新方向——立体派的艺术已经诞生. 毕加索对塞尚的研究发现：“塞尚并没有真正地去画苹果，他画的是这些圆形上的空间的重量。”在结识布拉克之后开始了分析立体主义艺术的探索与创作。这幅工厂风景正是分析立体主义的成果。 在这幅画中把空间物象分解成许多几何形体并进行了必要的重新组合，排除了传统的透视观念和画法，却得到了新的统一的“三度空间”：即通过视觉幻象冲击观者的视力而引起一种情感反应、想像、回忆和感受。画家以其简化单纯的手法综合概括地描绘物象。 第二次世界大战时，毕加索作油画《格尔尼卡》抗议德、意法西斯对西班牙北部小镇格尔尼卡进行狂轰滥炸。这幅画是毕加索最著名的一幅以立体主义、现实主义和超现实主义手法相结合的抽象画，剧烈变形、扭曲和夸张的笔触以及几何彩块堆积、造型抽象，表现了痛苦、受难和兽性，表达了毕加索多种复杂的情感。 毕加索是个不断变化艺术手法的探求者，印象派、后期印象派、野兽的艺术手法都被他汲取改选为自己的风格。他的才能在于，他的各种变异风格中，都保持自己粗犷刚劲的个性，而且在各种手法的使用中，都能达到内部的统一与和谐。他有过登峰造极的境界，他的作品不论是陶瓷、版画、雕刻都如童稚般的游戏。在他一生中，从来没有特定的老师，也没有特定的子弟，但凡是在二十世纪活跃的画家，没有一个人能将毕加索打开的前进道路完全迂回而进。 10. 陈丹青在1978年，以英语成绩零分专业高分被中央美术学院破格录取的，后来以《西藏组画》火爆画坛，成为著名画家。1982年，陈丹青移居美国开始给画廊画画。2000年，陈丹青接受清华大学美术学院的特聘，任教授及博士生导师。 陈丹青，男，祖籍广东台山市三合镇良村，1953年生于上海，毕业于中央美术学院。艺术家、作家、文艺评论家。1970年—1978年辗转赣南、苏北农村插队落户，其间自习绘画。1980年以《西藏组画》轰动中外艺术界，成为颠覆教化模式，并向欧洲溯源的发轫，被公认为具有划时代意义的经典之作。绘画之余，出版文学著作十余部。陈丹青无论画风与文风，都具有一种优雅而朴素；睿智而率真的气质，洋溢着独特的人格魅力