《书法美学》

Angela

陈振濂，当代著名的书法家、书法理论家和评论家，现任中国文联副主席、中国书法家协会副主席、中国文艺评论家协会副主席。他是一位学者型的艺术家，研究的领域包括书法、篆刻、中国画、日本书法绘画等等。

陈振濂通过《书法美学》这本书，从理论上把“书法”和“写毛笔字”给区分开了。自古以来，实用都是书法最重要的属性，甚至当代很多讲书法的书，都认为理解和欣赏书法，不能脱离文字本身的意思。但是，陈振濂认为今天书法的出发点已经变了，书法提供给我们的，主要是审美的功能，而不是实用。既然这样，欣赏书法的标准也应该改变。而书法的美，又来自汉字独特的方块结构与书写方式。书法家正是通过线条这种抽象的形式，来表达自己的审美意念和主体精神。明白了这些，我们就能掌握欣赏书法的基本标准和方法。

书法不等于写毛笔字，书法的美来自于汉字特有的空间构造以及书写时的连续性和节奏感。

书法美由意境美、线条美和材料美这三个层次构成的，三个层次融合统一在具体的书法作品之中的，最重要的内容是线条美。

书法是一种视觉艺术，欣赏书法首先要欣赏它的艺术性，同时还要适当遵守书法史上形成的那些原则和标准，而且要善于把这些这些原则和标准转化为具体的操作方法。

陈振濂认为，书法是一种时空统一的艺术，这就是书法的本质。

👉汉字是一种空间构造📌的文字，这是书法能成为艺术的基本条件。今天，当你看一幅书法的时候，你可能看不懂这幅字的内容，但是你依然可以被线条的空间结构和美感所打动。这就是书法的空间特征。

👉写汉字另外一个特点，就是要按照一定的顺序来写📌，这是书法能成为艺术的第二个条件。你刚开始学写字的时候，老师肯定讲过写字一定要讲究笔顺。笔顺的规定，其实是一种时间节奏的规定，这样，各种不同方向、不同形状、不同质感的线条放到一起时，才不会显得杂乱无序，给人整体的美感。而且，写书法要求一气呵成，一般是不允许涂改重复的，这点有点像音乐演奏。正是因为书法是连贯的书写，所以书法家才能连贯地表达情感和思想。古代著名书法理论家孙过庭在《书谱》这本书里就说过，写书法时，落笔的第一点，已经决定了一个字的基本风格。在这里起作用的，显然不是空间构思，而是运动的节奏，第一个点就是这一段时间内运动的起点。

自古以来，人们就已经认识到如果把书法当作艺术来欣赏，最重要的就是它有空间和时间统一的特点。从本质上说，书法的美也就存在于这种统一之中。王羲之就说过：那些方方正正、整整齐齐的字，不能算书法，只能算是笔画堆在一起罢了。他批评的，就是只有空间结构、缺乏时间节奏的书法。

同样，只追求书写时挥洒自如的时间感，不顾及空间意识的书法创作，也是不可取的。比如说《冷斋夜话》中有一个故事，宋代有一个宰相叫张商英，很喜欢写草书。有一天，他龙飞凤舞地写了一大张纸，让他的侄子抄下来，侄子抄写的时候，发现有些字认不出来，只好拿去问张商英是什么字。张商英看了看，发现自己也认不出这些字了，他只好说：你为什么不早点拿来问我呢，现在我自己也忘记了。

这个故事讽刺的，就是那些只顾写得痛快，却忘记了书法空间结构的书法家。

书法是时空统一的艺术，它的美体现在三个层次里。

最高层是意境美，这是书法美的精神起点；

最底层是材料美，这是书法美的物质起点；

中间层是线条美，这是书法美的形式起点，也是书法美的核心。

👉关于材料美。说的是材料对于书法的辅助作用。材料就是“文房四宝”，最主要的当然是纸和墨。在历史上，骨头、石头、竹简和绢帛都曾经作为书写的材料，但只有到了纸的应用之后，书法材料美的价值才有了一种新的高度。

从不渗化的宣纸(熟宣)到渗化的宣纸(生宣)，是书法材料美变化的另一个历史性过程。比如宣纸渗化的特点，可以灵敏地表现出线条的浓淡、枯湿、轻重、粗细的瞬间转化，这样书法的美才能更好地展现出来。

(笔毫要取那高山绝壁中的兔毛，八九月间猎取，笔头要一寸，管长要五寸，锋毫要齐整，锋腰要有强度。

砚台要选用浅黑干涸的新石，润滑与滞涩兼顾，能浮耀墨汁的光泽。

至于墨要取庐山的松烟、代郡的鹿角胶，要十年以上，强硬如石的作为制造的原料。

纸则要取东阳鱼卵纸，柔软滑净的。)

另外，材料美也包括书法的装裱。一幅书法作品的最终完成，需要装裱的配合。精美的装裱，构成了书法审美丰富的层次和独特的视角，使人们在其中获得真正的审美愉悦。

👉关于线条美。陈振濂认为，线条要有立体感、力量感和节奏感，这都跟书写方式有关。

➡️先说立体感。书法是用毛笔在宣纸上写的，毛笔很软，笔杆是圆柱形的，笔毫是圆锥形的，宣纸吸收性好而且可以把水和墨渗开，所以你在看书法中线条的时候，会觉得它有“厚度”，不是单薄的、平的。

➡️再说力量感。写字要用巧劲，而不是蛮力。写字是一个力的传导过程，人的发力经过肘、腕再到手指再到笔杆再到笔毫，每一个环节，都可能因为技巧的不足而造成力的散失。力量感的关键在运动过程，也就是力在各个环节中的处理，而不在用了多大的劲。

力量感在线条中就表现为逆、蓄、留三个主要特征。在这里，我们举三个例子来说明这三个特征。

第一个例子，宋代的欧阳修曾经和蔡襄开玩笑，说蔡襄的字就好像是在很湍急的河流中撑船，用尽了力气还是没有离开原地，蔡襄对这个说法也表示认可。欧阳修描绘的这种感觉其实就是“逆”，线条中有了这样的感觉，它的力度和厚度都会明显增强。

第二个例子，有人向米芾请教书法的诀窍，米芾说，笔在运行的轨道中有意的停顿，能造成一种意犹未尽的感觉，而在停顿之后又有意地往回收，这样笔势的方向和速度就含糊了，这就给人以一种“蓄”的感觉，也就是把书法中的力隐藏了起来，形成了一种内在的力道。

第三个例子，清代的梁同书在谈书法心得时说，写字时要“处处留得笔住，不使直走”，意思是写书法的过程中要有顿挫，一笔飘过、快速滑行是不对的。这种感觉就是“留”。

做到了逆📌、蓄📌、留📌，书法就有了力量。

➡️最后是节奏感，书法的节奏感跟运动的关系更紧密。

在书法作品表现出的效果就是各种对比，黑白、粗细、干湿、方圆等等。比如我们写一二三的“一”字，不能一画而过，而要在线条的起与止两部分形成互抱的态势，这就是节奏感，体现出来就是粗细的对比。

另外，书法还讲究一波三折，也就是线条要有起伏，线条与线条之间应该有间隔，体现出一种连贯地节奏。这些共同构成了书法的节奏感。

所以，线条美是书法形式的美，这种美来自书写者的控制。五个指头握笔，五个指头都要发力，但每个指头发的力又不是平均的。而这些不均等的力，通过微妙的自我适应与调节，营造出线条的美感。陈振濂认为，研究线条的立体感、力量感和节奏感，是书法美学头等重要的工作，囊括了线条审美意识的全部内容。

👉最后，是书法美的最高层，意境。

意境是中国古代艺术中特别常用的一个词，但是好像又很难说清楚意境到底是什么。诗词有诗词的意境，绘画有绘画的意境，陈振濂从书法的创作者、作品和欣赏者去看，认为书法的意境分别对应着神采📌、韵趣📌和诗情📌。

📌神采就是书法家在写字的时候,流露出自己的个性，和表达自己的精神。比如唐代著名的书法家颜真卿有一个名篇叫《祭侄文稿》。颜真卿生逢安史之乱，唐王朝的江山岌岌可危，颜真卿和他的哥哥以及家族里的晚辈，都投入到了这场平定叛乱的斗争。他的哥哥和侄子都在战乱中为国捐躯了，《祭侄文稿》就是他悼念自己侄子的文章。即便抛开文章内容，单看作品的线条、布局，你一样能感觉到写字者的情感起伏，感到他的悲愤。

相反，王羲之的名篇《兰亭序》是在一种闲适放松的状态下写成的，所以《兰亭序》的线条是流畅的，你感到的是一种轻松悠闲的情绪。

神采说的是书法家的个性，📌“韵趣”说的是作品的个性，也就是抛开作者，单看字。比如草书里很多笔画都连在一起，整体个人感觉很飞扬，这种特点就是韵趣。

📌诗情是从欣赏者的角度讲的，也就是当你看书法的时候，抽象的线条能够引发你的联想，勾起你的情绪。这三个层面，共同构成了书法的意境美。

欣赏书法美的具体建议。

🚩首先，书法是一种视觉艺术，它是让人看而不是给人读的。书法的美是独立的，可以跟文字内容没有关系。所以，一副意思读不懂的书法也是有美学意义的。比如有的书法家会写“错字”，他们不是不知道这个字怎么写，而是为了好看故意改变字的笔画，牺牲字的实用性保证了书法的艺术性。这就是为什么外国人也能欣赏书法艺术，西方当代艺术家里，也有人把书法的线条拼接组合来进行创作，创作出不是汉字的作品。所以，欣赏书法你完全可以把自己当作外国人，不管汉字的意思，单纯从美不美的角度去看它。

不过，文字的意思对书法也有特殊的意义。书法家写字的时候，是在表达这段文字的意思，这段文字肯定会影响书法家的内心和情绪，所以理解文字内容，当然也会有助于我们理解书法作品。而且，这会让书法作品的审美层次更丰富。可以说，没有其他什么艺术形式，能用这么简单的元素，传递这么复杂的信息。

🚩欣赏书法的建议很多是相互矛盾的。比如我们前面说的，文字内容到底应不应该作为欣赏的一部分，这其实说明，欣赏书法的姿势有很多，并没有一定之规。有的人强调“先质后文”，质指的是朴实无华的内在力量，文指的是绚丽华美的外在效果。

所谓先质后文，就是看重书法内在的精神，而不是外在的形式。

但是也有人提倡“取神弃形”，也就是注重发掘书法中体现的作者的精神状态、思想境界和艺术趣味。

再比如，有的人看重书法的渊源，在欣赏时穷源溯流地分析书法家是怎么学习古人的，一定社会的环境条件又是如何影响到书法家的风格的等等。但是也有的人认为，书法创作中即兴自由发挥，感情自然流露，“无意于佳而佳”才是最高明的。这些原则和标准是我们民族审美心理的积淀，虽然未必完全适用于书法的现代化，但是它们是书法创新和发展的出发点。

🚩陈振濂在书中提出了五条，这五条最基本的原则，就是能够从线条出发，脑补出很各种信息。

👉第一种是想象写字时的运动过程。虽然书法作品是静止不动的，但欣赏时要把它还原为动的过程，这样才能在笔画中探索情绪的起伏变化。

👉第二条是把线条想象成具体的形象，也就是要从抽象的线条出发，想象出活生生的具体形象。古人欣赏和评价书法时喜欢用比喻，比如“龙跳天门，虎卧凤岗”，或者说某一点像高峰坠石，某一横像千里阵云，这都是从抽象到具体转化的表现。《汉字书法之美》

(我最初感受到书法之美，就是通过笔阵图对点画的描述，体会到了真气浩荡于胸的感受，才爱上书法的。👇

一[横]如千里阵云，隐隐然其实有形。

丶[点]如高峰坠石，磕磕然实如崩也。

丿[撇]陆断犀象。

乙[折]百钧弩发。

丨[竖]万岁枯藤。

丶[捺]崩浪雷奔。

刁[横折弯钩，以“刁”代替]劲弩筋节。

看，书法的美，一直是与生命相通的。

「高峰坠石」学习了重量与速度。

「千里阵云」学习了开阔的胸怀。

「万岁枯藤」知道了强韧的坚持。

通过书法，完成了感知世界一切现象的能力)

👉第三条把线条延伸，就是从实际的点画中延伸出虽然不存在，但可以补充完整的虚拟线条，领略书法线条的运动感和节奏感。

👉第四条把线条看成立体的。书法作品是写在平面上的，但欣赏时应该从它的线条、结构上感受它的立体感，想象三维的效果。

👉第五条是从明确到朦胧，要求欣赏者发挥自己的理解力，跟创作者进行朋友式的交流，调动自己的人生经验，感受书法的意境美。

在中国，书法是一种主要由受过良好教育的人实践的形式，也是一种表达多层意义的方式，被视为最高的艺术形式。

13世纪的人们收藏了10世纪的书法，10世纪的人们收藏了4世纪的书法。收藏的传统从一开始就是存在的。

书法家们也会对古人的作品进行临摹：学习模仿他们，然后试图超越他们，“这种通过复制，模仿学习，最终在实践中创造出自己风格的循环，在过去1500年左右的时间里，定义了中国的书法和绘画。”

如何判断一幅书法作品是否伟大呢？

雅虎创始人杨致远(书法作品收藏爱好者)认为，有两个决定层面：

🚩首先在于书法家本人。书法家首先必须通过学习来让自己成为一名书法家，必须能够临摹古代大师杰作，“你必须能够在创造出自己风格之前，练出古代大师们的漂亮风格。就跟以前一样，你可以成为一名抽象画家，但你必须学习如何绘画”。

🚩其次，是书法家们要结合并超越古代大师。要做到这点，通常意味着书法家要打破传统，不仅要让同时代的人接受自己的作品，还得要在之后数百年间让世人认可。

现代书法艺木家徐冰在谈到艺术时说：“对任何东西的判断，都得在一个流动的文明进程中来看，否则没有办法判断它的价值。”作品的价值在于它是否参与了文明的进程。”