学国画为什么一定要练书法

素菲花絮

书法和绘画的关系是中国艺术史中最重要的命题之一，很多名家都有过论述。中国绘画和中国书法关系密切，两者的产生和发展，相辅相成，这就是所谓的“书画同源”。

早期的人类，用简单的符号和图形传递信息，在陶器上绘制鱼纹、蛙、鸟、花叶、人形等，这是最早的绘画作品，而最早期的象形文字也是用线条画成的一个个小画，逐渐演变成如今的汉字。图画与文字作为先祖们记事的工具，自是拥有相同的起源；而分别以图画和文字为基础而产生的中国绘画与书法艺术必也应有相同的起源了。





对此，早在唐代，张彦远在其《历代名画记·叙画之源流》中也为我们做出了精辟的概括：“颉有四目，仰观垂象。因俪鸟龟之迹，遂定书字之形，造化不能藏其秘，故天雨粟；灵怪不能遁其形，故鬼夜哭。是时也，书画同体而未分，象制肇始而犹略。无以传其意，故有书；无以见其形，故有画。”

中国书法与绘画的艺术追求不仅在于形式美，更在于蕴含抒情的艺术意境，“书画同源”的“源”字，不是仅停留于表面的表现形式和笔墨运用上的同源性，而是深入到了书法与绘画艺术的内在，二者具有相同的神髓、意境之源。

传统中国画追求重点并不在于形貌，而是神韵。宋代著名书画家苏轼曾有诗云：“论画以形似，见与儿童邻”。在中国传统绘画中，无论是写意山水还是写意花鸟，都是以贵在得其神髓而被世人推崇。如果画无神韵，那就只是一纸水墨，不能称之为画。而书法艺术在创作上也往往要借物象以创意，最终以文字本身抽象的形——间架、笔划、章法等来表达意境。由此可见，书法与绘画艺术不过是以其不同的形式，来追求事物共同的意趣和神髓之源——天地不言的大美，亦可谓二者具有相同的神髓、意趣之源。

如果书法不过关，在中国画的创作方面要想达到顶峰是非常难的。反之，在中国美术史上，有很多知名画家同时也是优秀的书法家，如宋代苏轼、王诜、米芾、宋徽宗赵佶、赵孟坚，元代的赵孟頫、倪瓒，明代的文征明、唐寅、徐渭、董其昌，清代的朱耷、金农、郑燮、吴昌硕等等。

中国人民大学教授、艺术评论家陈传席曾经说过“写意画家如果不懂书法，永远也画不好，绘画格调也上不去。可以说书法功底有多深，绘画格调才能有多高，黄宾虹、齐白石、潘天寿，一个都不例外。中国的写意画，如果有所谓捷径的话，那就是练字。”

练字对画画有什么帮助呢？显然不仅仅是为了让你的画有个漂亮的落款，更主要的还是练习对毛笔的驾驭能力，让指腕筋骨肌肉在特定的弹性伸缩范围内得到训练。

中国画的核心是笔墨，运笔的方法十分讲究，南齐谢赫在《古画品录》中提出了“骨法用笔”，强调用笔有力度，有骨气，心随笔转，意在笔先。具体说来即提按、顺逆、正侧、藏露、快慢等。用笔要沉着、痛快，讲究提按、顺逆、快慢、转折、正侧、藏露等变化。只有通过大量的反复练习，才能熟练掌握运笔方法，如前所述，这其中的捷径就是练书法。

我们知道，一篇书法通常是用同一书体完成，字形大小相近，在书写过程中，筋骨关节肌肉可以进行相对整齐而和谐的弹性伸缩运动，持续地训练，就能合理地运用你的臂力、腕力，你对毛笔的控制也才能得心应手。

也有人会说，我画画不是一样可以练笔力、笔法？没错，这也行，可是画画是慢功夫，通常来说，画一幅画比写一篇书法用的时间要长得多，因为你要构思布局、考虑构图，要层层渲染，对于专业学画者来说，这是可以的。但对于一些业余书画爱好者，用在学画上面的时间本来就有限，在学画的最初阶段，如果每天抽出来那么半小时、一小时的时间，下功夫认真地练习书法，学习用笔，学起画来，面目和没有书法基础的自然会有所不同。

山水画名家陆俨少先生曾说过“一支毛笔，用好它必须经过长期刻苦的训练，而写字是训练用笔的最好方法。要做到使笔而不为笔使，要笔尖、笔肚、笔根都能用到，四面出锋。要做到这点，是一辈子的事。所以老辈告诉我们，画不必天天动笔，而写字则不可一日间断。”

画家练字和书家练字的目的不一样，所以训练角度不尽相同。画写意画，讲究的是纵横挥洒，所以刚开始练书法时，尽量多练练大字，之后循序渐进。

陆俨少先生总结出来的画家练字方法非常实用：“宜先致广大，再求精微；然后再致广大，再求精微。在以后的阶段，就要大字和小字兼练，工整的和随意的字兼练。”另外也不能拘泥于一家一体，要遍学诸家、熟悉各体，勤临多看，揣摩其笔法、领悟其笔意，推陈出新，形成自己个人的风格。