【学会优雅14·如何提高审美力3：鉴赏名画（西画）】20200525

陈捷

音乐中的节奏、旋律，舞蹈中的人体、动作，绘画中的色彩、线条，摄影中的光影、构图，以及建筑、雕塑等各自的艺术语言，在深层意义上都是相通的。 因此，要提高审美力，学会优雅，就要多涉猎一些艺术门类，多掌握一些艺术语言，对多种艺术门类都略有一定的欣赏能力和情趣。 除了前面与大家分享的两个美篇《赏读名著》《聆听名曲》，多多地观览欣赏并深入理解领悟西方古典油画也是培养艺术形式感觉、提高审美水准的绝好途径。 （注：本文前半部分归纳整理了我所收集的西方美术史资料，并将我的读画心得穿插其间，与您分享那些伟大画家们所捕捉定格创作出的最令人心醉的动人瞬间。后半部分的观展感悟则为原创。） 　　在绘画中，中国绘画（国画）与西方绘画（西画）是两个截然迥异的领域，它们的区别太大太多了，根据书画家北人先生的阐述，大致概括如下： 西画：讲“再现”，重在写实，得“视觉真实”，凝重逼真。 国画：讲“表现”，重在写意，求“不似之似”，空灵简洁。 西画：以明暗、色彩为主要造型手段。 国画：以线条为主要造型手段。 　　西画：重视形体光影描绘，及客观对象色彩的真实精确再现，注重表现立体空间感的真实效果，用透视、素描、写生等一切手段让其逼肖如真，色彩变化极其丰富，风格典雅和谐。 国画：通过线条的粗细、顿挫、方圆、疾徐或转折等变化，表现物象的形体和质感，注重形象的神韵；以墨色的浓淡变化来描绘对象的色彩关系，着重表现审美感受的真实，容许虚拟和省略。 　　西画：定点写生，按透视法描绘特定视域内的景物，依照透视明暗的具体描绘显示出空间，全方位描绘对象的形体、色彩、光线等，以求真实地再现客观对象。 国画：散点透视，将不同时间、不同角度的形象特点有机组合在一起，着重表现审美感受的真实，在三度空间的要求上比较灵活概括，容许虚拟和省略； 　　写意并非中国画独有。 实际上西方美术到了印象派及至后来的现代派，都非常的写意。 如莫奈画睡莲，不再如古典主义、浪漫主义和现实主义纠缠于具象。 然而西方的写意与东方特别是国画的写意表面上看形式相似，但却有完全不同的本质。 西方画家不管怎样抽象变形夸张，他的艺术出发点是从外到内的，都是描写由外在客体世界所引起的艺术家内心的情绪变化，艺术的表现是被动的； 而中国画家的艺术出发点则完全是相反的流程，是由内而外，因为内心有块垒，而假借寄托一个客体发泄出来。因此中国画的写意，画山不是山，画水不是水，是借诗还魂，是托物明志。 　　以我个人的偏好看，还是更倾心于西方文化： 文学，喜欢西方文学名著甚于中国四大名著； 音乐，喜欢交响乐甚于民乐； 绘画，喜欢油画甚于国画； 舞蹈，喜欢芭蕾、摩登舞甚于民族舞； 服饰，喜欢晚礼服甚于旗袍； 摄影，也是西方传进来的。 唯有我喜欢的书法，是纯国粹，没有任何东西可以媲美取代。 本篇按西方美术的各发展时期，结合“优雅”主题，在浩若烟海的经典名作中，精选出我所喜欢的表现优雅女性的名画与大家分享。 在欣赏绘画大师们眼里、心中和笔下的优雅淑女时，我们可以从画家对光的重视、对色彩的运用、对眼神的描绘、对脸部表情的刻划、对肢体语言的展示、对衣饰器具物品细节的再现中，感受到那种从容安详，淡定平和，不卑不亢，得体适度，仪态万方…… 潜移默化之间，你便会慢慢形成那种因见多识广、眼界提高、心胸开拓、品味脱俗而由内至外散发出来的优雅。 　　一、古希腊罗马（公元前800年－公元600年，先秦－南北朝） 公元前5-4世纪，希腊艺术（诗歌、戏剧、雕塑、建筑）达到了高峰。 古希腊人崇拜力量和智慧，认为健全的精神必然高于健全的身体，力量就是来自人体那刚健的骨架的剧烈运动和跳动的肌肉。 因此，他们把人体看作是最美的东西。他们乐于裸体运动于大自然中以显示力量与智慧。他们在迎神游行时，可以裸体而舞；在战斗和竞技时，更是完全不穿衣服。 希腊雕塑家在艺术上最大的成就，是对于人体美的发现。当时艺术家们正开始以现实的人作为创作的主题，他们的注意力也从原来的直线和静止的形态，转移到表现人体的动作和曲线美上。 人们所看到的不仅是健美的身体结构，还可看到内在的生命活力以及其中所充溢的庄重感。这样的雕塑作品真可说是品质、力与美的完善结合。 这个时期的雕塑，最著名的便是举世尽知的《米洛维纳斯》（又称“断臂维纳斯”）。 健美的体魄，扭动的身躯，S形曲线，安详从容的面庞，无形的手臂，将维纳斯的优雅沉静之美发挥到极致。 　　二、文艺复兴（15－16世纪，明朝） 经历了中世纪（4-14世纪）教会势力1000多年的统治后，人们开始要求摆脱精神上的奴役，全面复兴古希腊罗马的艺术精神。其思想核心是个性自由、理性至上和人性的全面发展，否定神权及其提倡的禁欲主义和来世主义。 文艺复兴时期的绘画艺术，用人体解剖知识和透视法（在平面上塑造立体的三维空间）来描绘自然和人体，造型单纯，强调直线，喜用安定的金字塔形，以求其均衡稳定与美感。 　　1.波提切利（意）：《维纳斯的诞生》 这是美术史上最优雅的裸体。 画面中，爱与美之神维纳斯像一粒珍珠一样，从贝壳中站起，升上了爱琴海面。 S形站姿和紧紧并拢的双膝将曲线美显露无遗，偏侧的头颈勾划出妩媚与柔弱，纯真无邪的眼神略显忧郁。 波提切利以秀逸的装饰风格、明丽灿烂的色彩，和诗一般柔美流畅、极富节奏感的线条，表现了女神的飘逸与神秘。 她的颈和手臂照解剖学看都过长，但却增加了优雅的魅力。 金色的长发亦呈“S”形线条，蜿蜒回旋。其神韵接近中国的艺术风味。 　　2.达芬奇（意）：《达芬奇自画像》 文艺复兴时期有三大巨匠： 达芬奇的艺术，精巧含蓄，富于哲理，是智慧的象征； 拉斐尔的艺术，婉雅和谐，抒情优美，是理想的化身。 米开朗基罗的艺术，雄伟壮丽，充满激情，是力量的体现； 达芬奇是文艺复兴时期最全能的大师。 甚至也可以说是人类历史上绝无仅有的创造者和发明家。 他不仅道德高尚，举止温雅，有光辉四射的美貌，生气勃勃的仪表，体格伟健，力量过人， 他还是第一流学者：几乎和哥白尼同时发现了太阳中心说，设计出世界上第一个飞行机。 他是建筑家工程师：战争时，可发明武器，筑垒攻城；和平时，会兴修水利，建筑宫殿。 他是医学家：亲手解剖过30多个尸体，第一个发现了胎儿在母体内生长的过程。 他是音乐家：用一种自己发明的古琴乐器参加音乐竞赛；文艺复兴的资助人梅第奇把他当作音乐家向宫廷推荐。 他当然更是画家：他的创造力渗透到图像表现的每个领域：绘画、雕塑、建筑。他把解剖、透视、色彩与明暗规律的研究成果用于绘画实践中，使现实主义创作达到了一个新的高峰。 他创造了绘画上的薄雾法（物体愈远就愈隐没在淡蓝的雾气中），比印象派画家早400年就看出了阴影中是有色彩的。 他第一个精辟地提出：眼睛是心灵的窗户，强调绘画的任务在于表现人的灵魂。 他经过精密的测量得出结论说，人体的各部分间的比例，都是整数的比例，因而呈现为和谐之美，他把这个比例称为神圣的比例。 他还是一个怪才：他是一个“知道许多秘密的人”，左右手都会写字。为保藏秘密，据说他有120部之多书是左手自右向左反写成的，必得用镜子反映出来才能读。 　　达芬奇·《抱银貂的女子》 达芬奇的《蒙娜丽莎》《最后的晚餐》早已是家喻户晓的名画。 这里主要欣赏他的另一幅《抱银貂的女子》。 明暗的处理，是这幅肖像画中最引人注目之处。 光线和背景的阴影衬托出年轻女子优雅的头颅和柔美的面孔。 从她时尚的服饰打扮看，她应该是一名贵族女子。 但她坚定的眼神和紧闭的双唇，却透露出刚毅果敢的性格。 这是一位“有个性”的女子。 3.拉斐尔（意）：《西斯廷圣母》 这是拉斐尔一生中最后一幅作品。 也是世界上所有圣母像中最有光彩、最伟大、最成功的作品。 画面色彩以宁静、雅致的冷绿色为主调。 人的皮肤及教皇的袍子、圣女的上衣是一种温馨而高贵的黄色暖色调。 圣母的红色上衣象征天主的圣爱，蓝色斗篷象征天主的真理。既突出又与其它颜色十分和谐，散发着美丽动人的光彩，共同奏出一种典雅优美的曲调。 画中大量运用圆润流畅的造型与线条，产生碧波流荡般的节律，形成秀美典雅的独特风格。 圣母温柔的大眼里含有一种哀伤悲悯的目光，托起怀中的婴儿似已准备把他献给这个多难的人间。为了拯救人类，甘愿献出自己的儿子，这是一个具有崇高牺牲精神的母亲形象，体现出温柔端庄慈爱和典雅娴静的母性之美。 圣母、教皇、圣女正好构成了金字塔形，这样的构图给人以一种稳定感。 为增加画面的动势，画家在下面加了两个天真烂漫的小天使，使整个三角形构图受到了一定的破坏，但这样就又形成了环状的形象组合。 无数小天使的头像隐约出现在天光云气中，好象是一朵朵团云。 在这幅画中，拉斐尔把自己美好的理想寄托在圣母的身上，希望他笔下的圣母能为人类带来希望和美好的一切。 　　4.提香（意）：《花神》 提香比别人画了更多的肖像，从他开始将肖像画作为独立体裁，为形成肖像画的样式做出划时代的贡献。 他笔下的妇女，有着由优裕的生活滋养出来的温柔而丰腴的肉体，像夏日盛开的花朵，到了成熟的顶点，这使女性裸体更具蓬勃的生命力。 古罗马神话中的花神是美丽、智慧和爱情的象征。 提香创造性地把花神描绘成健康庄重的民间少女形象，有着少女温雅端庄的神态和成熟女性丰腴的肉体。 花神右手持花，左手紧捏滑落的衣服，罗马式的洁白内衣衬托出肉红的肤色和半裸的胸脯。 她双眸清澈，垂头沉思，神情含蓄而宁静。 棕色，是西方古典油画最为推崇最显高贵的色调。 棕色与金色是绝配，在这幅图里也得到了印证。 　　二、巴洛克、洛可可艺术（17－18世纪，清朝） 巴洛克原义：形状不规整的珍珠。 巴洛克以大量细密优美繁复的曲线，追求华美纤巧的风格和富丽堂皇的贵族趣味。 画中人物多丰满健壮雄伟豪迈，采用斜线或对角线构图，喜用动感较强的S形、波浪形或放射形，加以强烈的明暗对比和绚丽的色彩，使人有极度夸张之感。 洛可可原义：像贝壳表面那样的形状不规则而且闪亮的东西。 洛可可艺术不遗余力地追求各种蜷曲线条的精细的穿插和整体造型上的繁复装饰斑烂耀人的风格，比巴洛克风格更悠闲、更怡人精致纤巧，可说是巴洛克艺术发展到极致的结果。 　　1.委拉斯开兹（西班牙)：《镜前维纳斯》 委拉斯开兹是西班牙的第一位世界级绘画巨匠（之后有戈雅、毕加索、达利等）。 他的巴洛克风格体现在画面中复杂的明暗对比，物体的暗部和阴影都由丰富的色彩组成，力求在光线和色彩的律动中刻画人物的性格。 维纳斯优雅的卧姿显现出优美的曲线，细嫩的肌肤温润如玉，充满了青春的气息，表现出端庄高雅的气质。 此刻，小爱神丘比特正为母亲扶住镜子。 2.布歇（法）：《蓬巴杜夫人》 布歇是法国洛可可绘画最重要的代表人物，首席宫廷画师，备受路易十五的情妇蓬巴杜夫人的青睐。 蓬巴杜夫人是路易十五时代的政治与文化的实力人物，她对法国的洛可可艺术有决定性的影响。 画面中蓬巴杜夫人略带微笑，显得雍容华贵。 她身穿华丽的绿缎子撑裙，上面缀满了蔷薇花，在她面前的地板上也放着两朵蔷薇花，这是蓬巴杜夫人的象征物。 她脖子上、胸前和袖口都装饰着蝴蝶结，衬托出夫人的美艳。 画面淡雅的色调衬托着夫人白皙的肤色，显得格外和谐。 这幅画捕捉到夫人读书时的片刻小憩这一瞬间，眼睛里闪烁着睿智的光芒。 左下角地板上还有乐谱和蚀刻铜版画的工具，右侧的几案下堆着书和蔷薇，背景的柜子中装满了书籍。 这些看似无心的背景摆设，不仅体现了蓬巴杜夫人的高贵典雅，而且暗示了她才智过人，富有学养。 3.格瑞兹(法)：《破碎的水壶》 格瑞兹的肖像画有过分理想化、唯美化的艺术倾向，带有浓厚的学院派气息，有用色细腻的古典画风。 《破碎的水壶》是画家代表性的作品。 它看上去是一幅肖像，实际上包含着丰富的象征意义，暗示着姑娘失去了童贞。 但那个手挽破碎的水壶、含苞欲放的天使一般的女孩儿，不管她遭遇过什么，她那穿透一切的无邪的眼神就是清纯圣洁本身。 这幅画的棕色调高贵奢华，是后来古典主义绘画的主要特征。 4.勒布伦（法）：《画家和她的女儿》 勒布伦生活在洛可可时代，但她厌恶那种浮夸的矫揉的庸俗画风，其作品具有超脱的、古典的韵味，带有纯朴、清新的气息。 她善于抓住最足以反映人物个性、最能使人感动的一瞬间，给以完美而充分的刻划。 对人物的外形特征、服饰刻划得十分细致，并利用色彩和明暗对比使人物性格十分突出。 这幅画是作者最出色的代表作，也是她的自我写照。 32岁的女画家装束朴素典雅，端庄秀丽，目光温柔而深情，十分潇洒优雅。 作品将母女之爱、亲子之情刻画得十分动人，也表现了画家自己的温婉多情。 构图采用了稳定匀称的三角形，线条优美洗练。 发带与腰带呼应，色彩雅致和谐。 背景不加任何陪衬，更突出了主题。 　　三、荷兰画派（17世纪） 虽然处于巴洛克时期，但荷兰艺术的风格却以写实、恬静、安宁、朴素、亲切的世俗趣味而区别于豪华宏丽的巴洛克风格。 荷兰艺术由于写实而受到市民的欢迎，人们纷纷购得油画悬挂室内，出现了画廊专门出售艺术家的作品。从此油画变成商品大量进入市场。 这是荷兰画派对现实主义艺术的一大贡献。 　　1.伦勃朗(荷) 伦勃朗是17世纪荷兰最伟大的画家。 他对艺术最伟大的贡献，就是“伦勃朗光”——以黑暗来绘成光明。 他能在有限的画面内制造神奇的光影，通过光暗的强烈对照，聚焦人的注意与兴趣。 这种明暗对比的聚光法显然受到卡拉瓦乔的影响，但伦勃朗的画面具有丰富的层次感。 我的摄影风格乃至审美观皆受到“伦勃朗光”的强烈影响。 伦勃朗是历史上多产的艺术家之一。 死后名声日增，拍卖出4千万美元天价。 他作品的伪作遍布全球。西方美术界有一则笑话：伦勃朗一生画了600张油画，其中有3000张在美国。不仅伦勃朗作品的真伪成为专家们研究的重大课题，而它的被盗也常是轰动世界的要闻。 　　《浴女》中这位质朴的女郎提着洁白的连衣裙，小心翼翼地走入池水中，脸上露出娇羞和胆怯。她低头望着清凉的池水，幽暗的背景突出了人物的形象。 女性亲切、自然的魅力和真实的体态深深地吸引了我们。 2.维米尔（荷）：《倒牛奶的女仆》 维米尔被称为“表现宁静生活的诗人，描绘光影变化的大师”。 他作品中的人物，都有一幅悠然自得、舒适安宁、十分满足的神态。 他不用伦勃朗的明暗法去强调绘画的戏剧性效果，而是减弱它的对比强度，用漫射光线造成微妙的光影变化和空间感，给画面抹上抒情色彩。 他大胆而巧妙、独特而又和谐地运用蓝黄两种颜色，这蓝黄色调被称为“维米尔标志”。 《倒牛奶的女仆》是维米尔的代表作之一。 此画构图单纯，轮廓清晰，环境朴素、宁静。 人物的体态健壮，神色温顺，尤有一种朴素之美。 维米尔特别喜欢画从玻璃窗射进来的天光流泻在窗前人物身上的美妙变化。 女仆的黄上衣和蓝围裙是鲜明的对比色，而墙壁地板竹篮等物，又以不同的偏黄色彩与沉着而鲜明的蓝色构成对立中的统一。 　　四、新古典主义(18－19世纪) 随着法国大革命的爆发，巴洛克宫廷趣味日渐式微，“新古典主义”兴起。 文艺复兴是对古希腊罗马人文精神的复兴，新古典主义则是对文艺复兴的回归。 新古典主义崇尚古典美的质朴、简练和自然，选择严肃的题材，强调理性而忽视感情，强调线条而忽视色彩，不论画什么都觉得棕色才是高贵的。 　　1.路易·大卫(法)：《雷卡米埃夫人像》 大卫是新古典主义领军人物。 这幅画典型地再现了从古希腊到文艺复兴风格的一脉相承。 画面非常简洁。雷卡米埃夫人在一袭白色长裙里娴静端庄，闪闪发光。 裙子去掉了洛可可式繁琐的裙撑、裙摆、花边、蝴蝶结等装饰，只留下简单的裙摆坠地，并且腰线被提得很高，更显得人典雅修长。 夫人额间仅用发带束着头，发带上也没有一点珠宝，甚至连鞋都没穿，就这样赤脚斜倚在长榻中。既高雅庄重，又婉约自然，展现了一种古典式的庄重和美。 道具只有两件。夫人所倚的长榻，是古典主义装饰风格，模仿古罗马的庞贝样式，线条简明利落；挺拔修长，古意盎然。靠榻左侧放了一盏从庞贝遗址中发掘出来的铜灯。 除这位古代装束、神采奕奕的美女外，还有垂直的灯杆和罗马式卧榻及榻前的踏脚板，形成对比又保持平衡，构成了极富古代气氛的典雅环境。 背景仅一块素朴的布幕，色彩与形体相得益彰，呈现出一种高雅古朴的休憩状态。 简洁的艺术处理使这幅画在绘画史上占有光辉地位。 2.安格尔(法)：《泉》 安格尔是最讲形式美的画家。他所追求的是“永恒的美”。 他深信希腊人所说：在所有的形中，圆是最美的形。 他在女性柔软的肉体上找到了这种美的理想，如音乐的和声，人体曲线美，S型，优雅柔和，有气魄，能感觉到力量和生命。 1856年，76岁高龄的安格尔花了几十年心血，在数百张习作的基础上创造了古典美的典范《泉》，向世界表白了他的艺术的最高理想，那就是他一生所崇尚的“清高绝俗、庄严肃穆的美”。 简约而富有变化的线条，决不显出半点棱角，显示着少女的文静、丰满和成熟。 健康丰腴的体态洋溢着生命和青春的活力；表情平静、甜美、温和的面孔，典雅的站立姿态，大理石般质感的皮肤，更加强了无邪的神态，将人们带入一种圣洁的精神世界。 此画现成为巴黎卢浮宫的镇馆之宝。 　　 3.庚斯勃罗(英)：《西邓夫人像》 他的作品不描绘法国洛可可式的带挑逗性的谈请说爱，而是把洛可可风格英国化。画中人物常常是身着盛装的贵族男女，人体纤长，体态优雅而矜持。 西邓是当时英国著名女演员，具有出众的思想。 在她端正的身姿和秀美的容貌中，显露出一种智慧、尊严和独立的性格，有别于一般漂亮的贵妇人。 画家发挥他所擅长的色彩技巧，表现质感十分逼真，色彩鲜明而和谐，色调富有韵律感，华丽轻快而不觉俗艳。 　　五、浪漫主义(19世纪) 浪漫主义喜欢用饱满的色彩来表现人的激情和自由精神。 以变形夸张的造型，突出强烈的动势和紧张气氛的渲染。 　　克拉姆斯柯依（俄）：《无名女郎》 无名女郎穿着上流社会的冬令裘皮时装，高高地坐在华贵的敞篷马车上，高傲地望着观众。她不凡的气派和自尊，刚毅、果断、满怀思绪，散发着青春活力。 背景的虚幻性处理，使这个在寒凝空气中傲然而坐的女郎更加挺秀洒脱。 画面色彩在单纯中传达了丰富的意味。紫黑和橙黄揭示了明丽流荡的抒情心绪和矜持沉稳的性格特征。 　　六、现实主义（19世纪） 现实主义画家用忠实于对象的手法来描写自然风景和人民,客观再现当代生活。 一群因贫困或失意而又具有革新精神的画家，聚集在巴黎东南100公里外、枫丹白露森林西边的巴比松村，形成一个现实主义的风景画派。 他们注重户外写生，力求真实地描绘自然景物，善于以精妙的手法表现空气感及大自然中灿烂多姿的色调，直接启迪了印象派画家的外光技法。 　　柯罗（法）：《孟特芳丹的回忆》 我喜爱的风景画家有透纳、康斯太勃尔、列维坦、希施金等， 柯罗的《孟特芳丹的回忆》，是最让我心醉的一幅风景画。 柯罗是全世界最伟大的风景画家。 他独创了一种在未干的油彩底色上描绘物象的新的技巧，使物形的边线和远景溶和，一切自然之物都被笼罩在透明的薄雾之中，树丛的枝叶像细雾一样逐渐消散，从而产生出一种恍惚朦胧的美，具有梦幻般沉思的特色，带有某种淡淡的难以言传的忧伤，充满了抒情的韵味。 我所收集的柯罗作品并不多，但每次欣赏《孟特芳丹的回忆》中那些“会跳舞的树”，心中都会充满柔情和感动。 晨雾初散，幽静的林地与湖面的水气给人一种温暖湿润的感觉。 右侧那棵巨大的伞一样的大树形成了画面结构的主旋律，与左侧的一株小枯树相对应，使构图在强烈的对比中趋于平稳。 和煦的阳光透过初秋时分金黄色的树叶间的缝隙迷迷离离地洒落到那盛开着红色小花的草地上。 围绕着那株小枯树的三个人物显得生气盎然。他们鲜艳的衣服和曼妙的姿态与这个仙境般的林野十分谐和。 由于微风长期吹拂，那些大大小小的树枝一律朝着一个方向倾斜，就像一群青春少女在欢快地翩翩起舞，显示出一种婀娜多姿的舞蹈美。 整个画面是那样地和谐生动，富有音乐的节奏旋律与无限的诗意。 这种大自然的情趣不是梦幻，胜似梦幻。 　　七、印象派（19世纪） 浪漫主义风景画家不习惯到野外写生，故以古典主义的酱油色、棕调子为高贵。 在印象派画家眼中，光才是画面真正的主角。 他们把世界看成是由光反射组成的色彩，重视对自然界瞬间印象的追求。 他们坚持到大自然中去作画，直接描绘阳光下的物象，抓住光和色瞬间的变化，以响亮鲜明的色彩，表现阳光的明媚、树叶的抖动、草地的斑影。 印象派画家打破传统固有色的观念，绿树可能因天光的影响画成蓝色，白羊的肚皮可能被草映成绿色。 他们把自己身边平凡的一切，经过光的魔术，幻化为光怪陆离的色彩的斑点，跳跃着、闪烁着，从而使油画艺术进入一个前所未有的新时期。 　　1.莫奈（法）：《撑阳伞的女人》 印象主义最典型的代表和领袖人物。 莫奈不太重视形体的表达，而唯爱用纯粹的冷暖色彩来表现物象。 为了研究瞬间光线下的色彩变化，他孜孜不倦地研究同一景物在不同时间、不同光线下的色彩效应。 为了表现光的闪烁效果，莫奈以明亮的色彩作为主调，用短小而清晰的笔触，把不同的色彩一点一点地排列上去，看去有一种光影在颤动的效果，而每一层次的色彩都是非常鲜艳的。 画面采用了仰视的角度。 我们可以看出撑伞女子与儿子的轮廓外貌，但他们的面容却因简化而模糊。 儿子的出现，加强了画面的纵深感，又与母亲和伞构成了一个稳定的三角型。 女子摆动的头巾和长裙的绉褶，加强了画面旋转的动感。 因为光影的作用，女人的上半身色调昏暗，表明她处于伞的阴影之下。蓝天白云的光彩、脚边墨绿的草与淡黄花朵的颜色，反衬在女子的裙子和袖肘上。 为了表现物体的动态变化和光色的斑斓绚丽、光怪陆离，画家采用小笔触，直接用原色（黄、蓝）并列，时而重叠，并用补色（绿、橙）补互对比，使色彩在强烈视觉冲击中产生新的和谐。 2.雷诺阿（法）：《康达维斯小姐的画像》 雷诺阿最擅长画甜美的女人和可爱的儿童。 他的画面上总是洋溢着欢乐的气氛，所有的女人都被描绘成不食人间烟火的仙女，她们有着桃红晶莹的肌肤、丰满光滑的胴体，娇丽妩媚动人。 他以明朗艳丽、丰富华美、令人眩目的光彩，呈现一种优雅自然的美， 画中最吸引我们目光的，是小女孩那金棕色而蓬松、长及腰际的头发。 （注意她的坐姿与侧脸的角度） 整个画面色彩明艳，光影斑驳。 画家用细碎短促的笔触，仔细描绘了女孩沐浴在光线中的自然景色，把变幻不定的光色效果记录在画布上。 　　雷诺阿（法）：《阳台上》 藉对比色（红、绿、黑、白）的运用，使画面鲜明动人。 这是雷诺阿最受欢迎的画作之一。 　　雷诺阿（法）：《布吉瓦的舞会》 女孩的一张年轻得让人嫉妒的光滑的脸蛋，在男子深情的注视下，泛起点点红晕。 女孩体态优雅，着装的色彩搭配简单明亮。 3.德加（法）：《舞台上的舞女》 德加最擅长画芭蕾舞女在舞台上下的瞬间印象。 他常以极大的兴致在后台和包厢里仔细地观察舞蹈演员优美的动作，他的色调温暖、轻快、鲜明。 德加特别重视形体的表达和线条、块面及色彩整体效果的处理，把印象派表现光、色的技巧用来描绘室内正在运动中的女性体态之美。 画面通过两位舞女舞蹈动作的刻划，强调和突出显示了舞蹈人体的运动美； 画家以她们的舞姿为媒介，刻意追寻光与色的表现，表现出强烈的灯光反射效果，舞台显得虚无飘渺、绚丽变幻，成为一个美的世界。 　　八、现代主义(19-20世纪) 现代主义表现了现代人的精神创伤和变态心理，对现实生活消极、悲观和失望的情绪，及强烈的个人主义和虚无主义。 现代派画家认为，艺术不必反映现实，现实是虚假的，不可认识的。因此，由描绘外部世界转向描写反映自己的内心世界，把表现自己内心的骚动和主观的感受作为艺术的根本。 他们以反传统的姿态出现，追求形式上的各种创新：夸张、变形、抽象，甚至怪诞、粗野、丑陋，造成西方美术界缤纷缭乱的热闹现象。 　　莫迪利阿尼（意）：《白领黑衣的珍妮》 我最喜欢的肖像画家，当属意大利的莫迪利阿尼。 他的画风非常独特，绝对让人过目不忘。 画中人物形象简洁而高贵，哪怕是裸体画，也绝不流露出一丝猥亵。 读他的画有如聆听天籁，应了“此曲只应天上有，人间哪得几回闻”的诗句。 他笔下的人物色彩对比鲜明，线条富有韵律感，头部倾斜，颈部细长，眼睛像桃核形，多数不点眼珠，涂上一片淡蓝色，犹如明净的一泓秋水，流露着无限的幽怨。 莫迪里阿尼独具的诗人气质和雕塑家的眼光，深刻地创造了一种特殊的艺术风格。 他所创造的独特的艺术样式并不居于某一时尚，不是属于形而下的世界，而是超越了时空的限定，成为一种恒定的美的形态。 他的那些线条精致、色彩柔和、笔触生动的作品，永远地诉说着存在于人类命运之中的灵魂的永恒哀愁。 　　莫迪利阿尼（意）：《露妮·柴可夫斯基》 模特儿的脸形拉长为尖椭圆形，脸上流露出温雅的忧郁神情。 画像线条高贵优美，是无声的精神絮语。 通过它们，莫迪利阿尼和我们相互对话。 　　莫迪利阿尼（意）：《站立的裸妇》 画面流露出温柔如水、怜香惜玉的爱的情愫：弧形的眉，灰绿的眼睛，小不胜娇的樱唇，蛋形的脸，丰满但颀长的身材，构成了莫迪利阿尼的特有的风格，流露着人生本质的美与调和了知性的感性。 　　莫迪利阿尼（意）：《仰卧的裸妇》 莫迪利阿尼的裸体画形态简洁。单纯流畅的弧形线构成肉体的柔和、丰满，从肩到腕、从腰到腿的线条都表现了女性的柔美的性感和肉体的诗意。 女人的身体修长舒展，朱红色的一抹乳头效果十分微妙。 这个女人安静地仰卧着，表现着她静默中的诱惑与渴望。 莫迪利阿尼的裸体画标志着裸体画发展的又一个巅峰。 　　艺术修养、文化素养愈高，知识面愈广，生活阅历愈多，艺术实践愈丰富的人，其审美感受力、想像力、理解力和判断力就愈强，他对作品二次再创造的力度就越大。 2012.2，我在重庆参观了一个“古典与唯美——西蒙基金收藏雕塑、绘画展”。 以下是我的观展后写下的感受与评论。 “古典与唯美”，单凭这标题，这字眼儿，就不由得令我心旌摇荡，油然而生出无限的向往与喜欢！ 待进得展厅一一看来，那真是叫怎一个“喜”字了得啊！高更、雷诺阿、德加、布格罗、毕沙罗、博纳尔、杜米埃、热罗姆、莱顿、罗丹……一个个如雷贯耳、在世界艺术史上占据着重要地位的鼎鼎大名，就这样似乎不经意般地一一出现在面前，真是惊喜连连啊！教人不敢相信面前琳琅满目的这些艺术珍品真的是出自他们伟大而超凡的手！不敢相信此刻真的是在与这些永垂不朽的世界级大师面对面！ 　　然而，这竟然确实是真的！我就这样带着无比的惊讶和窃喜，流连在近百件世界顶级艺术品（真真切切的是出自这些艺术大师的手，可不是什么仿制复制的赝品哟！）聚集在一起所形成的巨大磁场中，氤氲着，陶醉着，欣赏着，眩晕着，赞叹着，感动着，久久停留在每一件艺术品前，上上下下左左右右前前后后仔仔细细地欣赏每一个局部，每一个细节，以及它们所表现所传达出来的那种难以言表的韵律和意境。 你能感觉到，甚至连画框也是经过了精心挑选，其色泽与线条精美繁复，与古典唯美的画面表里呼应，浑然一体。面对真迹所感受到的那种巨大的视觉冲击力和强烈的心灵震撼力，真是看任何逼真精美的复制品印刷品都万万难以想象与感受到的！ 虽然因为白平衡关系，照片在热光下偏黄，不过，这不正是古典主义油画所崇尚的棕色调吗？哈哈！只是，确实非常遗憾，我的摄影技术没能如实逼真地再现这些顶级画作的风采。 在我印象中，这应该是重庆半个世纪以来最顶级的艺术展啊，让山城人民在家门口就能如进卢浮宫大饱眼福啦！ 以下是我欣赏了展出的油画与雕塑后写下的观后感： 　　布格罗！这位唯美的法国油画大师，我的电脑中收集了六十几幅他的画作（包括上面这三幅）。 他笔下的妇女儿童或者小天使，都是那样地端庄秀丽甜美清纯，但却都有着深邃忧伤耐人寻味的眼神。 他画的是理想王国中的人类，经受着苦难，却不失童真！ 　　布格罗（法）：《纯真》 当我伫立在这幅画前久久凝视时，有一瞬间，我的眼眶湿润了，我被这幅画传达出来的那种宁静安详怜悯柔软所深深击中！ 此刻，世界隐退了，万籁俱寂了，只有爱，那种天地间无所不包无所不在的大爱，轻轻地洋溢包绕在我的周围。 赤脚的圣母知道儿子未来的命运，她的脸上既有牺牲奉献的隐忍痛苦，更有仁慈善良坦然平静的光辉； 基督正在母亲温暖宽厚的怀抱中酣眠，他似乎还没准备好面对自己必将面对的一切； 迷途的小羊羔此刻却正清醒得很，睁大着眼睛，仿佛在等待和见证着一切的发生…… 虽然这是一幅宗教题材的画，但它所呈示的那种精神的纯美，却具有人类社会的普遍意义。 　　西涅克（法）：《宁芙女神》 纯净无邪的眼神，优雅妩媚的体态，白皙透明的肌肤，轻柔似水的褶绉质感，烘托着娇嫩丰满的躯体，还有那让人忍不住想伸手触抚的手指脚趾…… 逼真的现实主义笔触，营造出纯粹唯美的浪漫主义情调，让人沉浸在朦胧柔美的幻想之中。 西涅克是布格罗的学生，确实得到了老师的真传。 　　阿尔芒·普安（法）：《对镜梳妆的维纳斯》 这幅画有着典型的古典主义画风，端庄，典雅，简练，质朴，注重形象的塑造与构图的完整，强调理性而忽视感情，强调线条而忽视色彩，无论画什么都以棕色为高贵。 健康强壮的人体，与文艺复兴时期重视人的价值及人体美的艺术精神一脉相承。 　　这四幅画都是法国唯美的新古典主义大师阿尔玛的作品。 希尔我不熟悉，但他所追随的莱顿，尤其是阿尔玛，就如布格罗一样，是我的大爱！ 我的电脑里收集了四十几幅阿尔玛的画。 与布格罗的宗教与世俗题材不同，阿尔玛画得更多的是以罗马式宫廷为背景的上流社会人物生活的富足享受闲适愉悦。 　　希尔（法）：《裸体的吹笛者》 果然是名师出高徒！希尔这幅画中裸体女子在坚硬的大理石与柔软的丝绸浴巾的映衬下，有着S形的婉转优美体态，有着高贵典雅不容侵犯的气度，有着微妙的明暗光影变幻，有着不动声色的空间透视感，让我们也情不自禁地沉浸在她如歌如诉的美妙笛音中。 　　杜普雷（法）：《拾穗者》 一看到这幅画的名字，便想到法国巴比松画派的领军大师米勒那幅家喻户晓的同名画。 　　米勒（法）：《晚钟》 但杜普雷这幅画的内容，却更容易让我联想起米勒的另一幅画——《晚钟》。 都是对于土地近乎宗教感情般的深深依恋，都是辛苦劳作而所获无几的农人，都是宁静而带有忧郁色彩的画面，在静穆沉寂无垠的大地衬托之下，屏息静思的农人是那样地孤立无援，仿佛是矗立在田野上的纪念碑，在诉说着自己的过去现在和未来。 　　基耶里奇（意）：《忧伤》 生命，死亡，人与动物，人与自然，这是文学艺术创作永恒的主题。 曾经给小男孩带来无比欢乐的小鸟儿溘然而去，少不更事的孩子在懵懵懂懂之间，也开始模糊地意识到生命的价值和死亡的意义。 小男孩单纯的忧伤让驻足画前的人感同身受，唤醒了每一个饱经风霜的成人的同情怜悯和内在良知。 我们会更加尊重生命，善待他人和自己。 　　布鲁格：《好奇的女仆》 曲折有致的优美弧线、精细繁杂的装饰点缀，包括女仆身上夸张华艳的着装，无不具有典型的洛可可风格。 甚至外在的画框，都像是这间奢华大厅另一边的窗框，与对面精美绝伦的门楣遥相呼应。 这幅画中最精彩的部分，当属女仆偷听时全神贯注的前倾体态和有所发现的兴奋神态，这个“戏剧性的瞬间”，好像一出轻喜剧，成功营造了无限的想像空间，给观众带来窥探过程的极大满足与强烈快感。 　　弗拉贡纳尔（法）：《门闩》 《好奇的女仆》与另一位洛可可大师弗拉贡纳尔的名作《门闩》有着异曲同工之妙，所不同的是一对在门内偷情，一个在门外偷听。 画面采用了伦勃朗的照明光表现法，右上方一束强光照亮了这一对偷情的恋人，背景中的红色帷幕加强了画面的戏剧性。 右下角地上有一束鲜花，显然是年轻男子扔的，表明他对情人渴慕已久、迫不急待要和情人亲热的心情。 年轻男子一手搂着酥软无力的女子，一手去插上卧室的门闩。女子娇羞地阻止他的动作，但这种反抗是装腔作势的也是徒劳的。 画家着意刻画人物的动势和画面的明暗对比效果。 女性金黄色的服饰和浅绿的裙子表现出真实的质感和丝绸的柔软感。 此画对男女偷情的场面描绘得生动、大胆，体现了画家敏锐的观察力。 　　《古典与唯美——西蒙基金收藏雕塑、绘画展》是以雕塑作品为主，但因绘画作品的色彩、线条、形状、构图及意境表现得更为直接，更为明确，更为强烈，因此往往更加容易吸引观者的目光； 而雕塑作品的三维空间所打造出来的立体感、体量感以及不同材质的质感，则从不同的角度表达了艺术家心中的浪漫激情，诠释着他们对人类对生命对自然对社会的理解与追求，是我们在欣赏雕塑作品时不容忽视的。 　　亨利·威克斯：《沉睡的儿童》 可爱的小男孩那因沉睡而垂下的圆圆的大脑袋，那胖胖圆圆的小胳膊小腿小脚丫，那吹弹可破的细嫩皮肤，那熟睡中不经意构成的优美的曲线形体态…… 他是那样稚嫩幼小，那样天真脆弱，那样不谙世事，让人一看便立刻被深深地打动，心中顿时充溢着巨大的母性的温柔与怜爱，你会按捺不住想要亲吻拥抱触摸爱抚这个酣眠中的小男孩，你会油然而生关爱他保佑他庇护他的强烈愿望。 冰冷坚硬的白色大理石因柔和的线条而显得如玉一般温软光润，且更深刻地表现了小男孩可爱单纯天真无瑕的主题。 　　莱因哈特（美）：《沉睡的儿童》 如果不看解说，你穷尽想像也压根儿不会想到这样令人柔情激荡的雕塑，竟然是一座墓碑！ 把死亡尤其是生命的夭折，表现得如此美好、宁静而安详，那得要雕塑家心中怎样的豁达、通明而开朗？！ 如果说宗教对我有一定程度的吸引力，除了它所倡导的善良之心、感恩之心、敬畏之心外，它对生命与死亡的态度，认为生命是轮回的，死亡是生命的另一种形式的观点也让我非常着迷。 这两座雕塑，一样的材质，一样的标题，一样的主题，一样的风格，有着异曲同工之妙，几乎让人以为是同一位艺术家的同一组作品。 　　乔万尼·马里亚·本佐尼（法）：《蒙面纱的利百加》 这是这次展出的所有雕塑中最令我叹为观止的一座。 在我看来，这一尊雕塑把坚硬的大理石所能表现的细腻轻薄柔美流畅推向了极致，把材质的物质形式与表现的情感内容的矛盾反差所产生的艺术张力与美感推向了极致。 她也理所当然地成为了西蒙藏品展览宣传展板上的代表作品。 　　拉近一点仔细欣赏。 薄如蝉翼的面纱从头顶如瀑布般垂泻而下，仿佛能感觉到轻纱握在手中的柔软丝滑轻盈灵动。 那行云流水般的线条，那明暗不定的阴影，那随面庞与身体的凹凸起伏而自然产生的纹理褶皱，都是那样令人痴迷，令人遐思万千；更别说那娇美的容颜、羞涩的神态和敏感温柔的纤纤玉手…… 这尊雕塑所产生的强烈艺术美感，让我深深地为之震撼！ 　　布歇（法）：《沃吕比利斯》 一整块大理石上，一个优雅完美的女体脱颖而出。 一切都恰到好处。矜持含羞而低垂的头颅，呈45度角的最佳侧面，轮廓分明的五官，坚挺浑圆的乳房，纤细有力的腰肢，紧致细腻的肌肤，S形的优美体态中蕴含着坚定的张力。 你会想像这是一位什么样的美丽姑娘，她有着怎样的身世，她有着怎样的性格，她有着怎样的际遇和命运。 你会觉得这是一位很有内涵很有故事很有吸引力的美女。 艺术家用同一块大理石来表现粗糙与细腻、模糊与精致及其形成的巨大反差，也表现了自身无穷的想像力与创造力。 　　布歇（法）：《挖掘者》 此尊雕塑刻画的是阴柔之美的另一端：阳刚之美。 依然是古希腊罗马时期崇尚人体美、力量美的古典传统，与文艺复兴时期米开朗基罗的雕塑风格一脉相承。 在这里，肌肉有着丰富的表情，刚强，坚毅，果敢，隐忍，耐性，力量……人们所看到的不仅是健美强壮的骨骼肌肉，四肢、躯干、铁锹和地面形成的多种稳定的形体结构，还可看到内在的生命活力以及其中所充溢的庄重感。 这样的雕塑作品真可说是品质、力与美的完美结合。 　　布歇（法）：《冲向目标》 这座表现运动中不同时刻的不同姿态的雕塑，让我立刻想起了意大利未来主义画家巴拉的《链条上的狗》《在阳台上奔跑的女孩》等作品。 未来派努力在画布上阐释运动、速度和变化过程，热衷于用分解物体的方法，以层叠重复连续的线条和色彩来表现运动的场面和动的感觉，表现物体动态的美，甚至试图用线来描绘光和声音。 纵观世界艺术史，从古希腊罗马时期，到文艺复兴，巴洛克罗可可，新古典主义，浪漫主义，现实主义，印象主义，现代主义……艺术都是相通的，不同的艺术形式，不同的风格流派之间，都势必会相互渗透交叉穿插影响。  巴拉（意）：《链条上的狗》  巴拉（意）：《在阳台上奔跑的女孩》 　　莱顿（英）：《缠毛线》 莱顿是19世纪末英国最有声望的学院派画家。 年轻的母亲坐在凳子上，姿态优美地绕着毛线，衣裙的表现呈现古典风格；小女孩全神专注地配合着母亲，扭动着身体，一团稚气。 平衡的构图和色彩的宁静，使人感到这里就是一个典型的静穆、单纯、高贵的古代世界。 　　莱顿（英）：《与巨蟒搏斗的运动员》 莱顿的这尊雕塑明显受到古希腊罗马时期的群雕名作《拉奥孔》的影响。 不过我还是觉得，在表达“畏惧、恐怖、同情”这三种人类对自己和别人的痛苦的感觉上，在以高度的悲剧性和生命激情激发人们的想象力方面，莱顿并没能超越《拉奥孔》这个永世的经典。 　　阿格桑德罗斯（古希腊）：《拉奥孔》 《拉奥孔》是希腊化时期的雕塑名作。创作于公元前一世纪，1506年在罗马出土，被推崇为世上最完美的作品。 作品用极其高超的技艺，表现了特洛伊战争中拉奥孔父子三人在与巨蟒搏斗中的痛苦扭曲与挣扎，具有浓郁的悲剧色彩。 整座雕塑采取了金字塔形的处理。以人物拉奥孔形体较大，次要人物较小，两条扭动的巨蟒成为把三者连在一起的纽带，形成一个完整的三角形构图，显得稳定而变化丰富。人物随蛇的缠绕扭动，相互呼应组成一个多变的整体。 文艺复兴时的雕塑巨匠米开朗基罗从中得到了很大的启发。躯体的扭动和旋转，强烈感情的表达成为米开朗基罗艺术的奥秘之一。 　　雷诺阿（法）：《持手鼓的舞者》 许多举世闻名的大画家同时也是雕塑家。 如前所说，雷诺阿最擅长描绘甜美的妇女与儿童，他可能是唯一从未画过悲伤作品的画家。他的画中总是洋溢着欢乐的气氛，呈现一种优雅自然的美，除了最直接的愉悦感受外，不会让人有任何思考性的负担。 雷诺阿的这件浮雕作品，女性形体线条沉静优雅丰腴圆润，让人清晰地感觉到文艺复兴时期的提香，及巴洛克时期的鲁本斯在他艺术灵魂中的影子。 　　 提香（法）：《维纳斯与丘比特》 鲁本斯（法）：《美惠三女神》 　　德加（法）：《舞台上的舞女》 法国印象派大师德加把印象派表现光、色的技巧，用来描绘舞台灯光下正在运动中的芭蕾舞女一瞬间激烈的动作所体现出来的女性体态之美。 　　德加（法）：《观察足部的舞者》 德加这尊雕塑则仿佛是为了探索和实验运动中人体骨骼肌肉变化的一个半成品，更多科学客观的观察、再现与描述，而最终形成的绘画作品则带给我们极大的视觉享受。 　　高更（法）：《女性裸体立像》 这是法国另一位更加为人耳熟能详的印象派大师高更的雕塑作品。 高更长期生活在塔希提岛上，甚至娶了土著女子为妻，塔希提炎热的气候，原始的部落，土著人茶色的皮肤，厚厚的嘴唇，裸露的身躯，热带地区火红的太阳和红色的土地，浓绿的树荫和碧蓝的天空与大海，都使他感到了大自然的原始生命力量。 他的雕塑也同样体现出了鲜明的地域特征、强烈的个性特征和独特的艺术特征。 　　高更（法）：《你何时结婚》 高更喜用平涂的色彩造成平面性画面效果，以粗犷的线条和强烈的色彩来表达图形，抒发感情，他的画风更接近东方艺术传统。 　　罗丹（法）：《持着躯干的罗丹的手》 这是一只怎样的手哦！ 敏感，细腻，柔软，多情，健康，有力，能精细捕捉到最细小的状态，能深切体悟到最微妙复杂的情绪，能天才地创造出最具震撼力和独特个性的作品，能完美地表达出最深刻最极致的激情。 这是举世无双的艺术家的手！ 罗丹，可以说是继米开朗基罗之后，人类艺术史上最伟大的雕塑家，他的《思想者》《吻》《青铜时代》《巴尔扎克》简直就成了雕塑名作的代名词。 天哪，在同一个展览上竟然看到了这么多世界级大师的绘画雕塑作品，我仿佛在一个五彩的梦中悠游徜徉，眼前的这些伟大的艺术精品可都是经由这些大师之手，一点一滴地苦心打磨精心雕琢出来的啊！ 　　罗丹（法）：《思想者》 《思想者》塑造了一个强有力的男子沉浸在极度痛苦中的姿态。 他神态庄严肃穆，似在审视着宇宙中的一切。 此作品将深刻的精神内涵与完美的人物塑造融于一体。不仅展示人体的刚健之美，而且蕴藏着深刻与永恒的精神。 　　罗丹（法）：《吻》 罗丹借但丁《神曲》题材，以坦荡的形式，塑造了两个不顾一切世俗诽谤的情侣在幽会中热烈接吻的瞬间。 这件雕塑以极为古典的写实手法雕刻而成。他们起伏、细腻、优雅的肌体和姿态，引起了极为生动的光影效果。仿佛其内在的青春热情与生命，正凭借这些光影在闪烁。 当我们望着这生动眩目的杰作时，每一个人都不得不为生命之本源而感动。 　　罗丹（法）：《永恒之春》 罗丹的艺术直接传承了米开朗基罗的英雄气质。 《永恒之春》中强壮的肌体，突起的肌肉，强烈扭曲的身躯，夸张激烈的形体，遽然爆发的生命激情，不可遏制的爱恋欲望，内在的紧张亢奋激动，刚与柔的完美糅合，物我两忘的非凡境界…… 作品中有雄伟而紧密的庄严气象，有奔放而热情的浪漫主义气息，有纯粹而崇高的审美体验与观照，人们从中感受到的是对人类的庄严颂歌。 　　克洛代尔（法）：《华尔兹舞曲》 克洛代尔是罗丹的学生和情人。 罗丹既是她爱情的归宿，也是她艺术生涯的梦魇。 她的艺术天才，终被遮掩在罗丹无与伦比的光芒之下。 这座雕塑借助舞裙飘逸的长长下摆，倾斜的S形，表现出强烈的旋转动感，柔软温和的身体线条表现出慵懒的情态。 这一对恋人仿佛早已脱离尘世，飘飞云端；时间已然停滞，他们久久沉醉在爱的二人世界。 　　欣赏名画的渠道很多。 最方便的是在网上查找名画图片，但网上图片相素太低，画质很差，只能看个大概。 如能看到画册，相对网上找图片要好许多。 最好的选择是去博物馆或美术馆看真迹。不过遗憾的是，现在国内高规格、高水准的精品美展实在太少。 如有机会能去卢浮宫、大英博物馆、梵蒂冈美术馆，而且能有充裕的时间徜徉其间，直接近距离面对琳琅满目的艺术瑰宝、稀世珍品，那可真是我的平生夙愿，梦寐以求啊！