《原创短片》随笔

东兴

一、短片概述

在智能手机时代，我们从原创短片的层面，探讨“鉴赏→混剪→原创”的思路，符合学习曲线的自然规律，也体现了创作技能逐步提升的过程。

一、鉴赏是创作的起点，通过观看和分析优秀的影视作品，学习者可以培养审美能力，理解叙事技巧和视觉语言。

在这个阶段，学习者通过鉴赏来理解电影的构成元素，包括镜头语言、剪辑节奏、音乐运用等。

通过鉴赏，可以激发灵感和创意，为后续的混剪和原创提供素材和思路。

二、混剪是将已有的影像素材重新组合，创作出新的视频作品。

这个过程，可以帮助学习者实践剪辑技巧和叙事结构。

通过混剪，学习者可以提升对视频编辑软件的熟练度，学习如何通过剪辑来控制节奏和情绪。

在混剪阶段，鼓励创新思维，通过不同的素材组合来探索新的故事线和视觉风格。

三、原创是创作流程的关键阶段，学习者开始从零开始创作自己的视频作品。

在原创阶段，学习者需要综合运用在鉴赏和混剪阶段学到的所有技能和知识。

原创作品是个人创意和风格的体现，允许创作者完全自由地表达自己的想法和情感。

1、先易后难

这个流程，从相对容易的鉴赏开始，逐步过渡到更具挑战性的混剪和原创，符合学习者逐步建立信心和技能的自然过程。

2、由浅入深

通过鉴赏和混剪的实践，学习者可以将复杂的电影制作流程分解为更简单的步骤，逐步深入理解和掌握电影语言。

四、智能手机

智能手机时代，视频拍摄和编辑工具变得更加普及和便捷，使得更多人能够参与到视频创作中来。这使得“鉴赏→混剪→原创”的流程，变得更加可行和普及。

总结来说，关于“鉴赏→混剪→原创”的思路，不仅是一种有效的学习路径，也是一种符合创作规律的实践过程。从简单的短片鉴赏和混剪，逐步过渡到更复杂的短片创作，最终实现个人创意的完全表达。

在短片的制作过程中，从前期的影像、声音，到后期的剪辑、特效，始终是自己动手，才称为原创短片。

原创短片和混剪短片的区别

前期：原创短片是采集素材，混剪短片是收集素材；

后期：在剪辑、特效的过程，原创短片和混剪短片是大同小异。

原创短片离不开视听语言，也是勤学苦练的过程。初级阶段的风光片、中级阶段的纪实片，高级阶段的剧情片，这是循序渐进提升技术和艺术的美学修养。

巧妇难为无米之炊。从原创短片的流程来说，“前期”的素材是“生米”，“后期”的作品是“熟饭”。

二、视听语言

在日常生活中，“口头语言”、“书面语言”、“画面语言”和“视听语言”是沟通和表达的四种不同形式。

视听语言的“影像”和“声音”是两大核心元素，通过高度集成的硬件和先进的软件技术实现。

在视听语言的层面，从“前期阶段”的素材到“后期阶段”的“剪辑”和“特效”，主要表现以下几个方面：

1. 前期阶段

采集素材：涉及到使用智能手机的高清摄像头捕捉视觉内容。这可能包括拍摄不同角度、不同光线条件下的景物，以及录制高质量的音频。例如，使用智能手机的4K视频录制功能，可以捕捉到丰富的细节和色彩，为后期编辑提供高质量的原始素材。

收集素材：涉及到从不同来源获取所需的视觉和听觉元素。这可能包括从互联网上下载或收集音乐、音效、视频片段等，以及使用智能手机录制的原创内容。素材的多样性和质量直接影响到后期编辑的可能性和作品的最终效果。

2. 后期阶段

剪辑：在后期阶段，将采集的素材进行选择、排列和组合的过程。使用智能手机或专业的视频编辑软件，如Adobe Premiere Pro或Final Cut Pro，用户可以剪辑视频片段，调整顺序，添加过渡效果，以及去除不需要的部分。剪辑的目的是讲述一个连贯的故事，强化情感表达，提高观众的观看体验。

特效：添加特效，可以增强视频、音频的冲击力和艺术性。使用智能手机上的特效应用，如剪映、VSCO等，用户可以为视频、音频添加各种视听效果，如滤镜、动态文字、电闪雷鸣等。特效的使用，可以提升作品的专业感，增加创意和个性。

智能手机的便携性和功能性，成为拍摄和编辑的强大工具。通过合理利用各种硬件和软件资源，即使是非专业人士也能创作出具有专业感的短片作品。

随着技术的进步，智能手机在影像处理和后期制作方面的能力也在不断提升，为创作者提供了更多的可能性。

技术与创意：技术是实现创意的手段，而创意是作品的灵魂。掌握技术的同时，更重要的是发挥创意。

实践与反馈：通过实践来提高技能，并从观众的反馈中学习和改进。

后期制作：是创作过程中不可或缺的一部分，可以极大地影响最终作品的效果。

从美学的角度来讲，审美贯穿于摄影、摄像和剪辑、特效以及鉴赏、解析的全过程。

三、镜头语言

镜头语言是涉及硬件和软件等多个方面的复杂过程，需要创作者在技术、艺术和创意上都有深入的理解和实践。

1、摄影摄像

在时间维度的层面，摄影是0维（瞬间、点），摄像是1维（时段、线）。

在空间维度的层面，摄影是2维（静态、定格），摄像是2维（动态、变化）。

透光成像是三维空间(立体)转化为二维影像(平面)的过程，源于生活，高于生活。

取景是“大处着眼”，指主体、陪体和环境（前景、中景、背景）的画面布局。

取景要素

在取景时，"主体—陪体—前景—背景—留白"是构建画面的基本元素：

1. 主体（Subject）：

主体是画面的核心，是观众第一眼看到并关注的对象。选择一个清晰、有趣的主体是构图的第一步。

确保主体在画面中足够突出，可以通过大小、颜色、光线或位置来实现。

2. 陪体（Secondary Subject）：

陪体是辅助主体的元素，它可以帮助解释主体，增加故事性或提供上下文。

陪体不应与主体竞争注意力，而应增强主体的表现力。

3. 前景（Foreground）：

前景是画面最接近观众的部分，可以用来增加深度感和引导观众的视线。

选择与主体相关联的前景元素，可以增强画面的主题和情感。

4. 背景（Background）：

背景是主体背后的区域，它为画面提供了环境和上下文。

背景应该简洁，避免过于杂乱或分散注意力的元素。可以使用浅景深来模糊背景，使主体更加突出。

5. 留白（Negative Space）：

留白是画面中未被任何元素占据的空间，它可以帮助观众的注意力集中在主体上。

留白可以是任何颜色，但通常是画面中较亮或较暗的部分，或者是单一色调的区域。

构图是“小处着手”，主要指二维平面内的构图。实际上，影像所呈现给观众的，不仅是一个二维的平面，还会让人产生三维空间的幻觉，让观众误以为画框所包括的区域，是一个有深度的空间。

构图要素，涉及视觉语言的“形”（点、线、面）和“色”（彩色、消色）两大方面：

形的构图

1. 规则构图：

使用几何形状和线条来构建画面，如直线、曲线、圆形等，可以创造稳定和有序的感觉。

2. 不对称平衡：

通过在画面的一侧放置较重的元素，在另一侧放置较轻的元素来实现视觉上的平衡。

3. 对称构图：

使用对称元素，如反射、镜像等，来创造和谐和平衡的视觉效果。

4. 动态构图：

利用对角线、曲线等动态线条来引导观众的视线，增加画面的活力和动感。

5. 框架构图：

利用自然或人造的框架（如窗户、门框、树枝等）来突出主体，增加深度感。

6. 分割构图：

将画面分割成不同的区域，如三分法，来安排主体和陪体，创造有序的构图。

7. 重复和节奏：

通过重复的图案或形状来创造节奏感，引导观众的视线在画面中移动。

8. 空间感：

通过透视、大小对比等手段来创造空间感，使二维画面具有三维的效果。

9. 焦点和清晰度：

通过控制景深来确定哪些元素是清晰的，哪些是模糊的，从而引导观众的注意力。

色的构图

1. 色彩对比：

使用互补色（如红与绿、蓝与橙）来增加视觉冲击力，使主体更加突出。

2. 色彩和谐：

使用相似色或相近色来创造和谐统一的画面，避免过于强烈的视觉冲突。

3. 色彩情感：

利用色彩来传达情感，如暖色调（红、橙、黄）给人以温暖、活力的感觉，冷色调（蓝、绿、紫）给人以冷静、宁静的感觉。

4. 色彩平衡：

通过调整色彩的分布和强度来实现画面的色彩平衡，避免某一种颜色过于突出。

5. 色彩强调：

在画面中使用小面积的鲜艳色彩来吸引观众的注意力，作为视觉焦点。

6. 色彩渐变：

使用色彩的渐变来创造深度感和柔和的过渡效果。

7. 色彩饱和度：

调整色彩的饱和度来影响画面的活力和情感表达，高饱和度色彩更加生动，低饱和度色彩更加柔和。

8. 色彩温度：

利用色彩的温度感（暖色或冷色）来影响画面的氛围和情感。

9. 黑白摄影：

在黑白摄影中，通过灰度的变化来表现形状、纹理和光影，强调形式和结构。

构图是摄影艺术的基础，在摄影时，根据实际情况和创意需求，应该灵活运用。通过实验和创新，可以发现更多独特的构图方式，创造出具有个性和表现力的照片。

构图原则：

平衡：确保画面在视觉上是平衡的，无论是通过对称还是通过不同元素的权重分布。

焦点：使用对焦技术来控制画面的清晰区域，使主体清晰而背景模糊。

层次：通过不同的焦距、大小和清晰度来创造画面的层次感。

创意运用：

对比：利用颜色、形状或纹理的对比来突出主体。

节奏和重复：使用重复的元素或节奏来创造视觉流动和和谐。

视角：改变拍摄角度可以改变观众对画面的感知，增加创意。

后期处理：

在后期处理中，可以通过裁剪、调整亮度和对比度等手段来进一步优化构图。

记住，这些原则并不是一成不变的，可以根据创意和拍摄目的灵活运用或打破这些构图原则。摄影是一种视觉艺术，实验和创新是提高摄影技巧的重要途径。

由于机位、摄距、焦距、光轴的变化，还有灯光、色彩、背景乃至人物活动等诸多元素的现场调度，也可能导致影像效果和画面变化。

再有照明、色彩的不同，会在画框中形成区域不同的光斑、色块；不同的光线强弱、色彩对比，也是构图需要考虑的重要方面之一。

2、镜头分类

通常情况下，我们把光学镜头的焦距、光轴和机位、画框称为“四项指标”。在焦距、光轴和机位的“三项指标”中，如果有一项指标有变化，画框就处于动态。

“四项指标”的概念

焦距是指从镜头的光学中心到成像传感器平面的距离。它决定了镜头的视角宽广程度和放大倍数。较短的焦距（广角镜头）提供较宽广的视角，适合风景摄影；较长的焦距（长焦镜头或望远镜头）提供较窄的视角，适合拍摄远处的物体。

光轴是指通过镜头中心并垂直于成像传感器平面的假想直线。它代表了镜头的拍摄方向。光轴的方向决定了拍摄时的视角和被摄物体在画面中的位置。在拍摄过程中，改变光轴的方向或角度，可以实现摇摄（pan）或倾斜（tilt）等效果。

机位是指摄影摄像器材在空间中的具体位置，包括摄距、高度和水平角度。机位的变化会影响画面的构图、透视感和被摄物体的相对大小。例如，较低的机位可以使得被摄物体显得更加高大，而较高的机位则可以提供更广阔的视野。

画框是指镜头捕捉的画面范围，相当于传统摄影中的照片边框或电影银幕的边缘。画框的大小和形状，决定了观众看到的视觉信息。

固定镜头和运动镜头的根本区别，画框是处于静态，还是处于动态。光学镜头的焦距、光轴和机位，跟画框的“动静”状态有关。

固定镜头的“四项指标”始终保持不变，跟被摄主体处于静态或动态无关。

运动镜头的“四项指标”中，至少有一项指标发生变化，跟被摄主体处于静态或动态有关。

根据“静中有动”、“动中有静”和“动静结合”的原则，选择相应的镜头语言和运镜形式。

(一) 固定镜头，画框处于静态，光学镜头的光轴、焦距和机位要保持“三不动”。

(二) 运动镜头，简称“运镜”，画框处于动态。在基础运镜中，由于镜头的光轴、焦距和机位的变化，也会导致画框处于动态。

1. 基础运镜

机位固定的基础运镜，主要有：旋转镜头、摇动镜头、变焦镜头等。

(1) 旋转镜头

旋转镜头是基础运镜的一种特殊情况形式，光学镜头的焦距和机位保持不变；光轴“定点”旋转时，光轴的方向或角度没有变化；画框处于动态。这种运镜所拍摄的画面，让观众产生“盗梦空间”效果。

(2) 摇动镜头

摇动镜头简称摇镜头，保持镜头的焦距和机位处于静态，光轴的方向或角度发生变化，画框处于动态。

在水平方向的摇镜头，有顺摇或逆摇。

在垂直方向的摇镜头，有上摇或下摇。

甩镜头是极快速度的摇镜头，起幅和落幅是运镜过程的重要环节。

(3) 变焦镜头

在变焦镜头中，不论推焦，还是拉焦，光轴和机位处于静态，画框处于动态。

机位移动的基础运镜，具体包括：推拉镜头、平移镜头、升降镜头、跟踪镜头、环绕镜头等。凡是机位移动的基础运镜，统称为广义的移镜头。通常情况下，我们把平移镜头称为狭义的移镜头。

机位移动的方向，简单的划分为水平方向、垂直方向和纵深方向，可以是直线，也可以是曲线，根据实际情况来决定。

(4) 推拉镜头

机位在纵深方向的移动

(5) 平移镜头

机位在水平方向的移动

(6) 升降镜头

机位在垂直方向的移动

(7) 跟踪镜头

简称为跟镜头，主要有: 前跟、后跟和侧跟。

(8) 环绕镜头

环绕运镜是以主体为中心的机位移动，被摄主体处于静态或动态，决定了机位的移动轨迹。

2. 综合运镜

综合运镜是指各种基础运镜的有机组合，例如：“推拉+变焦，摇+旋转，跟+环绕”等。

手持运镜时，在防抖方面有一定的难度，并具有一定的随机性。

在运镜教程中，无论是学院派，还是实战派，存在“摇移不分”现象。有人把“两手持机、两臂摇动”的运镜，误称为摇镜头，应该是移镜头。

四、机位

“机位”概念，涉及到拍摄时机位的方向、角度和距离。

1. 机位的方向：

正面机位：镜头直接面向主体，这种机位适合捕捉主体的正面表情和细节，常用于访谈和正式场合。

侧面机位：相镜头放置在主体的侧面，可以展示主体的轮廓和侧面特征，适合表现动作和形态。

背面机位：镜头在主体的正后方，这种机位可以创造悬念或展示主体所关注的对象。

斜侧机位：镜头位于主体的斜侧方，这种机位可以同时展示主体的正面和侧面，增加画面的立体感。

2. 机位的角度：

平视角度：镜头与主体的眼睛大致处于同一水平线上，这种角度给人以自然、直接的观感。

俯视角度：镜头位于主体上方，从上往下拍摄，这种角度可以使主体显得较小，适合展示环境和空间关系。

仰视角度：镜头位于主体下方，从下往上拍摄，这种角度可以使主体显得高大，常用于表现英雄或威严的主体。

3. 机位的高度：

高机位：镜头放置在较高的位置，适合拍摄大范围的场景，如城市风光或群体活动。

低机位：镜头放置在较低的位置，接近地面或地面水平，这种机位可以模拟儿童视角，或强调地面上的细节。

4. 机位的距离：

远机位：镜头与主体之间的距离较远，适合拍摄广阔的场景或强调主体与环境的关系。

中机位：镜头与主体之间的距离适中，可以同时展示主体和部分周围环境，适合叙事和展示主体的动作。

近机位：镜头与主体之间的距离较近，适合拍摄特写镜头，强调主体的表情和细节。

5. 机位的移动：

跟随机位：镜头跟随主体移动，这种机位可以产生连贯的视觉效果，常用于动作场景。

固定机位：镜头位置固定不动，适合需要稳定画面的场合，如新闻报道或正式演讲。

通过智能手机的不同方向和角度的机位变化，创作者可以有效地控制视觉叙事的节奏和情感表达，使影像更具动态感和艺术性。

智能手机的便携性和易操作性，为实现这些机位变化提供了便利，使得个人创作者也能轻松尝试多种拍摄技巧。

五、景别

景别，是被摄主体在画面中所占的比例，可以从“远全中近特”五个方面来表述：

1. 远景（Long Shot, LS 或 Extreme Long Shot, ELS）：

通常用来展示广阔的环境或场景的全貌，人物在画面中显得很小。

这种景别常用于展示地点、环境背景，或强调人物与环境的关系。

远景可以创造出一种宏伟、宁静或孤独的感觉。

2. 全景（Full Shot, FS）：

全景展示了人物的全身，包括头顶和脚部，通常用来展示人物的全身动作或姿态。

这种景别有助于观众理解人物的体型、服装和整体外观。

全景常用于介绍人物或展示人物在特定环境中的位置。

3. 中景（Medium Shot, MS）：

通常从人物的腰部或胸部以上拍摄，展示人物的表情和上半身动作。

这种景别有助于传达人物的情感和反应，是叙事中常用的景别。

中景可以平衡人物与环境的关系，同时突出人物的面部表情。

4. 近景（Close-Up Shot, CU）：

通常拍摄人物的头部和肩部，强调人物的面部表情和细微的情感变化。

这种景别常用于突出人物的内心活动，如惊讶、悲伤或快乐。

近景可以创造一种亲密和紧张的感觉，使观众更加关注人物的情感。

5. 特写（Extreme Close-Up Shot, XCU）：

特写是比近景更近的景别，通常拍摄人物的面部细节，如眼睛、嘴巴或手部等。

这种景别用于强调特定的情感、表情或物体的细节。

特写可以创造强烈的视觉冲击，使观众对细节产生深刻的感受。

在实际拍摄中，远景可以用于展示环境，中景用于展示人物互动，近景和特写用于突出情感和细节。灵活运用这些景别，可以使作品更加丰富和有表现力。

关于景别的表述，涉及到摄距和焦距的相互关系。

1. 摄距：

远摄距：摄像机与被摄主体之间的距离较远，通常用于拍摄远景或全景。远摄距可以展示广阔的场景，强调环境和背景。

中摄距：摄像机与被摄主体之间的距离适中，通常用于拍摄中景。中摄距可以平衡人物与环境的关系，同时展示人物的表情和动作。

近摄距：摄像机与被摄主体之间的距离较近，通常用于拍摄近景或特写。近摄距可以突出人物的面部表情和细节，创造亲密和紧张的感觉。

2. 焦距：

短焦距（广角镜头）：短焦距镜头具有较宽的视角，可以拍摄更广阔的场景。在远摄距下使用广角镜头，可以拍摄到更多的环境和背景，但会减小景深，使背景更加模糊。

中焦距（标准镜头）：中焦距镜头的视角接近人眼的视角，通常用于拍摄中景。这种焦距可以提供自然的比例和透视效果，适合拍摄人物和日常生活场景。

长焦距（长焦镜头）：长焦距镜头具有较窄的视角，可以放大远处的主体。在近摄距下使用长焦镜头，可以拍摄到近景和特写，同时保持较大的景深，使背景更加清晰。

3. 摄距与焦距的结合：

摄距和焦距的结合可以创造出不同的视觉效果。例如，使用长焦距镜头在近摄距下拍摄，可以产生浅景深效果，使主体与背景分离，突出主体。

在远摄距下使用短焦距镜头，可以拍摄到更多的环境细节，但主体可能会显得较小，这有助于强调环境和背景。

通过灵活运用摄距和焦距，可以控制画面的构图、景深和透视效果，从而创造出富有表现力和情感的影像。

不同的摄距和焦距选择，可以影响观众对画面的感知和情感反应，因此选择合适的摄距和焦距，对于叙事和视觉表达至关重要。

六、曝光与景深

曝光要素

智能手机的“光圈”、“快门速度”和“感光度”是曝光要素：

1. 光圈（Aperture）：

智能手机的光圈，通常是固定的，由手机的硬件决定。

光圈影响通过镜头进入相机的光线量，较大的光圈（用较小的F值表示）允许更多光线进入，有助于在低光环境下拍摄或创造浅景深效果。

2. 快门速度（Shutter Speed）：

一些高端智能手机允许用户调整快门速度。快门速度控制传感器曝光的时间长度，快速的快门速度可以冻结动作，而慢速快门可以创造运动模糊效果，如光轨或流水的丝滑效果。

3. 感光度（ISO）：

感光度决定了传感器对光线的敏感度。在智能手机应用中，ISO通常自动调整，但在某些设备上可以手动设置。较高的ISO值可以在暗光条件下提高图像亮度，但也可能增加噪点。

许多智能手机相机应用提供曝光补偿功能，允许用户在自动曝光设置的基础上增加或减少曝光，以获得更亮或更暗的照片。

景深要素

景深，涉及到三个主要的变量：摄距（相机与被摄物体的距离）、焦距（镜头的焦距长度）和光圈（镜头光圈的大小）。

1. 光圈（Aperture）：

光圈大小用F值来表示，F值越小，光圈开口越大，进入镜头的光线越多，景深越浅。相反，F值越大，光圈开口越小，进入镜头的光线越少，景深越深。

2. 焦距（Focal Length）：

使用长焦镜头（焦距长）时，景深较浅，背景更容易模糊，这有助于突出主体。使用短焦镜头（焦距短）时，景深较深，更多的场景会处于清晰范围内。

3. 摄距（Camera Distance）：

摄距越近，景深越小，背景模糊效果更明显。摄距越远，景深越大，更多的场景会保持清晰。

在拍摄时，对焦位置影响景深的清晰区域。通常情况下，对焦点附近的区域是最清晰的。

根据创意需求，通过调整变量来控制景深，创造出具有艺术效果的图像。

七、用光

用光，可以从“采光”、“布光”等方面加以表述。

1. 采光：

采光是指利用自然光或现有光源来照亮被摄物体。在拍摄时，应该学会观察和利用不同时间段的自然光线，如黄金时段（日出和日落时分）的柔和光线，以及阴天时的散射光。在室内拍摄时，可以寻找靠近窗户的位置，利用窗户作为自然光源，为拍摄对象提供柔和的侧光或逆光。

2. 布光：

布光是指使用人工光源来塑造画面的光影效果。在拍摄时，可以使用各种便携式补光灯，如LED补光灯，来补充或改变场景中的光线。

补光灯可以提供持续的光源，便于实时调整光线效果，并且有助于在低光环境下完成对焦。

补光灯通常比闪光灯更易于控制，可以提供柔和的光线，减少阴影的产生，适合静物、人像等拍摄场景。

闪光灯适用于需要瞬间高亮度光源的情况，但可能会产生较硬的阴影。

在使用补光灯时，可以通过调整灯的位置、角度和距离来控制光线的软硬和方向，创造出不同的光影效果。

例如，将补光灯放置在被摄物体的侧面或背面，可以产生侧光或逆光效果，增加照片的立体感和深度。

光位是指光源相对于被摄体的位置，即光线的方向与角度。不同的光位会产生不同的明暗造型效果，影响画面的视觉效果和情感表达。

在拍摄时，选择合适的光位，可以帮助塑造被摄体的形状、质感和情感。不同光位的运用，可以创造出丰富的光影变化，增强画面的戏剧性和视觉冲击力。

通过合理运用光位，可以在拍摄过程中提升作品的艺术性和表现力，从而更好地传达故事和情感。

用光是通过光线来塑造画面、突出主体、创造氛围和表达情感。

1. 光线的方向：

顺光：光线从摄影师背后照射，使被摄物体正面受光，适合表现色彩和细节。

侧光：光线从被摄物体的一侧照射，可以产生明暗对比，增强立体感。

逆光：光线从被摄物体背后照射，可以产生轮廓光，适合创造剪影效果。

顶光：光线从被摄物体顶部照射，常用于强调物体的顶部特征，如建筑或肖像的头顶部分。

2. 光线的强度：

强光通常用于强调形状和纹理，而柔和的光线则更适合表现细腻的质感。

3. 光线的质感：

硬光：产生明显的阴影和高对比度，常用于创造戏剧性效果。

软光：产生柔和的阴影和低对比度，常用于人像摄影，以减少皮肤的瑕疵。

4. 光线的颜色：

不同颜色的光线可以改变画面的情绪和氛围，如暖色调的光线给人以温暖、舒适的感觉，而冷色调的光线则给人以冷静、神秘的感觉。

5. 光线的时间：

黄金时刻：日出和日落时分，光线柔和，色彩丰富，适合拍摄风景和人像。

蓝调时刻：日落后或日出前的短暂时间，天空呈现深蓝色，适合拍摄夜景或带有神秘感的照片。

6. 反射和折射：

利用反射（如水面、镜子）和折射（如玻璃、水滴）可以创造出有趣的光影效果。

7. 人工光源：

使用闪光灯、LED灯等人工光源可以在光线不足的情况下补充光线，或者创造特定的光线效果。

8. 光线的层次：

在复杂的光线条件下，通过控制曝光和后期处理，可以创造出丰富的光影层次。

9. 光线与阴影：

阴影可以增加画面的深度和立体感，同时也可以用来引导观众的视线。

10. 光线与情绪：

光线的运用可以传达不同的情绪，如明亮的光线给人以积极、开朗的感觉，而昏暗的光线则可能传达忧郁或神秘的情绪。

掌握用光法则，可以更好地控制画面的视觉效果，创造出具有艺术感和情感表达力的照片。记住，用光没有固定规则，更多的是依赖独特的创意和对光线的敏感度。

八、透视原理

在透光成像的过程中，透视原理涉及到光线在不同介质中的传播以及如何被摄像头捕捉。

拍摄时，光位（光源的位置）对透视效果有直接影响。例如，侧光可以增强物体的立体感，而逆光则可能产生剪影效果。

智能手机摄像头，通过调整对不同角度和方向的光线的敏感度，捕捉到由光位变化产生的透视效果。

通过理解和应用透视原理，可以创造出具有透视感的图像。

透视原理涉及画面中物体大小、距离和深度的感知，影响构图和视觉表现。

技术与创意：技术是实现创意的手段，而创意是作品的灵魂。掌握技术的同时，更重要的是发挥创意。

实践与反馈：通过实践来提高技能，并从观众的反馈中学习和改进。

后期制作：后期制作是创作过程中不可或缺的一部分，可以极大地影响最终作品的效果。

原创短片制作是一个涉及视听语言以及多个方面的复杂过程，需要创作者在技术、艺术和创意上都有深入的理解和实践。希望这些内容能够帮助你更好地理解和制作原创短片。

九、鉴赏解析

观影是鉴赏，拉片是解析。

观影是鉴赏

观影是指观众观看电影或视频的过程，这是一种直接的体验活动。

在观影过程中，观众通常会被故事情节、角色发展、视觉效果和声音设计等因素所吸引。

观影，不仅仅是视觉上的接收，还包括情感上的参与。观众通过共鸣和情感投射与影片中的角色和情节建立联系。

观影，通常是一种整体的感知过程，观众接收的是经过导演和制作团队精心编排的最终产品，包括剪辑、音效、音乐、色彩和表演等元素的综合效果。

拉片是解析

拉片是一种更为细致和系统的分析方法，它涉及到对影视作品的逐个镜头甚至逐帧的分析。这种分析可以揭示影片的叙事结构、视觉风格、摄影技巧和编辑模式。

在拉片过程中，分析者会关注摄影机的运动、镜头的选择、光线和阴影的使用、色彩的运用、演员的表演、对话和音效的设计等技术层面的内容。

拉片有助于深入理解影片的叙事技巧，包括故事的起承转合、角色的动机和发展、主题和象征的意义等。

通过拉片，分析者可以探讨导演和制作团队的创作意图，以及这些意图如何通过视听语言实现。

观影和拉片的关系

观影和拉片是两种不同的电影体验和学习方式，它们各自有着独特的目的和方法。

1、观影

• 定义：观影是指观众观看电影的过程，通常是为了娱乐、情感体验或艺术欣赏。

• 鉴赏：观影更多地是一种鉴赏活动，观众通过观看电影来感受故事、欣赏表演、享受视听效果，并从中获得情感共鸣或思考。

• 主观体验：观影是一种非常个人化的体验，每个观众都可能有不同的感受和解读。

• 情感投入：在观影过程中，观众往往会被电影的情感、情节和视觉风格所吸引，产生情感上的投入。

• 休闲娱乐：对于许多观众来说，观影是一种休闲娱乐活动，是放松心情、逃避现实的方式。

2、拉片

• 定义：拉片是指对电影进行逐帧或逐场景的详细分析，通常用于电影研究、教学或专业创作学习。

• 解析：拉片是一种更为客观和系统的解析活动，通过对电影的深入分析来理解其叙事结构、摄影技巧、剪辑风格、表演细节等。

• 技术学习：拉片可以帮助电影制作者学习电影语言和技巧，通过分析经典作品来提升自己的创作能力。

• 批判性思维：在拉片过程中，分析者需要运用批判性思维，从不同角度审视电影，理解其深层含义和社会文化背景。

• 教育工具：拉片是电影教育中的重要工具，通过案例分析帮助学生理解电影制作的各个方面。

观影与拉片的关系

• 互补性：观影和拉片是互补的，观影提供了直观的体验，而拉片提供了深入的解析。

• 相互促进：通过拉片分析，可以加深对电影的理解，从而提升观影的鉴赏能力；而观影的体验也可以为拉片提供直观的感受和灵感。

• 不同目的：观影更多是为了享受和体验，而拉片则是为了学习和分析。

总结来说，观影是一种鉴赏活动，而拉片是一种解析活动。两者都是理解和欣赏电影的重要方式，它们各自有着不同的价值和意义。

在视听语言的层面，观影和拉片是互补的。观影提供了对作品的整体感受和直观体验，而拉片则提供了对作品构成元素的深入分析和理解。

通过结合观影的直观感受和拉片的深入分析，观众和研究者可以更全面地欣赏和理解影视作品的艺术价值和技术成就。

十、简要总结

原创短片离不开视听语言，无论是前期素材、后期处理，还是观影鉴赏、拉片解析过程。

四项指标

光轴：影响镜头拍摄的方向，与画面的构图和视角密切相关。

焦距：影响画面的远近感和视角范围，决定画面的放大程度。

机位：影响画面的视角和构图，决定摄像机与被摄主体之间的空间关系。

画框：画面的边界，决定了观众能看到的内容。

联动关系

画框的动态变化，跟光学镜头的光轴、焦距和机位的“三项指标”有关，也就是说，任何一项指标发生变化时，导致画框处于动态。

在“四项指标”联动关系中，光学镜头的光轴、焦距和机位“三项指标”处于“主动”地位，画框指标处于“被动”地位。根据被摄主体处于静态或动态，选择相应的运镜形式，实现不同的视觉效果和叙事手法。

固定镜头的画框处于静态，光学镜头的光轴、焦距和机位“三项指标”始终保持不变。

运动镜头的画框处于动态，光学镜头的光轴、焦距和机位“三项指标”中，至少有一项指标发生变化。

运镜是运动镜头的简称，包括基础运镜和综合运镜两大类。

基础运镜

1、机位固定的基础运镜，有旋转镜头、摇镜头和变焦镜头，跟光学镜头的光轴、焦距有关，我们称为“镜头运动”。

旋转镜头跟光学镜头的光轴有关。旋转镜头的光轴“定点”旋转时，可以是水平方向，可以是垂直方向，或者是任何方向。

旋转镜头相当于电扇在通电开机时，扇叶“不摆头”的“定向”吹风现象，光学镜头的光轴在方向或角度上“没有”变化。

摇镜头跟光学镜头的光轴有关。在水平方向有顺摇或逆摇，在垂直方向有上摇或下摇。摇镜头的光轴方向或角度有变化。

快速的摇镜头，也称为甩镜头，应注意“起幅”和“落幅”两个环节。

变焦镜头跟光学镜头的焦距有关，有推焦或拉焦两种形式，可以是水平方向，也可以是垂直方向，或者是任何方向。

2、机位移动的基础运镜，有推拉镜头、平移镜头、升降镜头、跟踪镜头和环绕镜头。

这些运镜形式，我们称为“广义”的移镜头。

机位移动的轨迹，可以是直线，也可以是曲线。

例如，推拉镜头是纵深方向的机位移动，升降镜头是垂直方向的机位移动，平移镜头是水平方向的机位移动。我们把平移镜头称为“狭义”的移镜头。

一般情况下，根据被摄主体处于静态或动态，选择相应的“镜头运动”和“机位移动”，具体包括旋转镜头、摇镜头、变焦镜头和移镜头四种形式。机位移动的的移镜头包括推拉、平移、升降、跟踪、环绕等多种形式。

综合运镜

各种基础运镜的组合应用，我们称为综合运镜。例如“推拉+变焦”、“摇+升降”、“跟+环绕”等技法，包括“镜头运动”和“机位移动”。

智能手机时代，“镜头运动”是基础运镜，还是综合运镜，这跟机位的固定和移动有关。

例如，机位固定的“镜头运动”是基础运镜，机位移动的“镜头运动”是综合运镜。例如“旋转+推”、“变焦+跟”等。

无论是“镜头运动”，还是“运动镜头”，既有基础运镜，又有综合运镜，都涉及到镜头语言的“四项指标”的联动关系。

随着智能手机的影像功能，变得更加便捷和普及，我们可以轻松地捕捉静态画面和动态画面，并进行后期处理。

摄影涉及到静态画面的捕捉，照片是决定性精彩瞬间的凝固、定格。

“三分拍七分修”，强调了后期处理的重要性。拍摄只是创作的开始，而后期的调整、修饰和优化则占据了更大的比重。

摄像涉及到动态画面的捕捉，需要考虑画面的连续性和时间因素。

“三分拍七分剪”，突出了剪辑在后期处理的中心地位。拍摄完成后，通过剪辑来讲述故事、塑造节奏和强化叙事。

摄影是摄像的基础。摄像中的每一个帧，都是一张静态照片，而摄影的技巧和原则，也适用于摄像。

静态画面（摄影）和动态画面（摄像），在透光成像上有共同之处，如曝光控制、构图、对焦等。

在时空维度上，静态画面捕捉瞬间，而动态画面记录时间的流逝，涉及连续性和节奏控制。

无论是摄影还是摄像，它们都是视觉艺术的表现形式，通过视觉元素来传达情感和故事。

摄影和摄像在技术上有共通之处，如对光线、色彩、构图的控制，但摄像还涉及到声音、运动和时间的控制。

静态画面通过单一瞬间来传达信息，而动态画面则通过时间的流动和连续的图像来构建叙事。

静态画面给予观众更多的想象空间，而动态画面则提供了更丰富的感官体验和情感投入。

在透光成像过程中，摄影和摄像既有联系又有区别。

摄影和摄像都是视觉叙事的重要工具，它们在艺术表现和技术要求上既有共通之处，也有各自独特的挑战和魅力。

在镜头语言中，我们把光学镜头的光轴、焦距、机位和画框称为“四项指标”。

前期拍摄时，光学镜头的光轴、焦距和机位“三项指标”是“主动”地位，画框指标是“被动”地位，各项指标在“联动”关系的先后次序，不能混淆。

在“四项指标”中，光轴、焦距、机位作为“主动”指标，是可以直接控制的元素，能够创造出不同的视觉效果和叙事语言。

光轴决定了拍摄的方向和视角。

焦距影响画面的放大程度和景深。

机位决定了摄像机与被摄主体之间的物理距离和相对位置。

画框作为“被动”指标，受到“主动”指标（光轴、焦距和机位）的制约。

画框内的内容和构图，跟光轴、焦距和机位“三项指标”中，任何单项或多项指标的变化有关。

在拍摄时，对光轴、焦距和机位的调整是技术操作，这些操作的目的是为了影响画框内的视觉结果。

这些技术操作的先后次序和联动关系，决定了画面的最终效果，例如，先改变焦距再改变机位，与先改变机位再改变焦距，可能会产生不同的视觉效果。

根据被摄主体的动静状态，还有创作者的场面调度，通过控制“主动”指标来实现对画框的预期控制，选择相应的镜头形式。

总之，光轴、焦距和机位是实现创作意图的“主动”工具，而画框是这些技术操作的“被动”结果。

无论是前期拍摄、后期处理，还是观影鉴赏、拉片解析，画框具有重要作用。

画框指标在拍摄阶段处于“被动”地位，在剪辑或观赏、拉片阶段，画框指标和画框内影像属于“显性”因素，并通过角色转换，发挥了重要作用。

光学镜头的光轴、焦距和机位“三项指标”，在前期拍摄阶段处于“主动”地位，在后期剪辑或观赏、拉片过程，又属于“隐性”因素，退居幕后。

画框和画面的重要性

• 视觉叙事：

• 画面是电影叙事的基础，它通过视觉元素传达故事、情感和主题。画面的构成、构图和运动都是叙事的重要组成部分。

• 情感传达：

• 画面能够激发观众的情感反应，通过色彩、光影、人物表情和场景氛围等元素，影响观众的情绪体验。

• 艺术表现：

• 画面是电影艺术表现的载体，它体现了导演的创意和风格，以及摄影师的视觉设计。

光学镜头的“隐形”状态

• 技术与艺术的融合：

• 在观影过程中，观众通常不会意识到光轴、焦距和机位等技术细节，这些元素虽然对画面有重要影响，但它们通常被“隐藏”在艺术表现的背后。

• 创作者的意图：

• 导演和摄影师通过控制这些“隐形”指标来实现创作意图，而观众则通过感知画面效果来体验这些意图。

运镜形式和场面调度

• 知其然，不知其所以然：

• 观众可能对运镜形式和场面调度的效果有直观的感受，但不一定了解背后的技术原理和创作决策。

• 专业与非专业视角：

• 专业人士可能更关注镜头运动和场面调度的技术细节，而非专业人士可能更关注剧情和表演。

“外行看热闹，内行看门道”

• 不同关注点：

• 不同的观众有不同的兴趣和关注点，有的更关注剧情内容，有的更关注拍摄技法。

• 个人偏好：

• 观众的个人偏好和背景影响了他们对电影的理解和欣赏方式。

• 共同的乐趣：

• 无论是关注剧情还是技术，重要的是观众都能从电影中获得乐趣和启发。

总结来说，画面或画框在观影鉴赏、拉片解析过程中扮演着至关重要的角色。不同的观众可以从不同的角度欣赏和分析电影，无论是关注剧情内容还是拍摄技法，都能获得独特的体验和收获。电影作为一种综合性的艺术形式，能够满足不同观众的需求和期待。

无论是观影、鉴赏，还是拉片、解析，都要通过影像、画面来完成，所以说，画面或画框的作用，非常重要。

在观影鉴赏或拉片解析过程中，因为光学镜头的光轴、焦距和机位指标，已经处于“隐形”状态，关于运镜形式和场面调度，可谓是“知其然，不知其所以然”情况。

原创短片和混剪短片的制作过程，可谓是乐在其中，独有情钟。无论是关注剧情内容，还是关注拍摄技法，各有所好，开心就好。