摄影总是为契合某一目的

养怡永年

　　摄影一词是源于希腊语--光线和绘画，即"以光线绘图"。摄影是指使用某种专门设备进行影像记录的过程，一般我们使用机械照相机或者数码照相机进行摄影。有时摄影也会被称为照相，也就是通过物体所反射的光线使感光介质曝光的过程。有人说过的一句精辟的语言：摄影家的能力是把日常生活中稍纵即逝的平凡事物转化为不朽的视觉图像。

到了现代的摄影是再平民化不过的事了，单反、微单、数码相机尤其是带有摄影功能的智能手机走入每个平常的家庭，闲暇无事之余，我们携家人或朋友出去旅游，拍几张照片做个留念是再平常不过的事了。再进一步来说，就是拍拍山川秀美的景色给人予美的享受；结婚了拍一组美美的婚纱照做个永久的纪念；为了留住青春留住美丽拍一拍人像摄影，因此，摄影成了一个很轻松惬意的事情了，也是现代生活中的必须。

但是，要拍出“好”作品可不是一件易事，因为摄影是技术和艺术的结合，理解的深度决定拍摄的深度。没有登上绝顶无法描绘一览众山小的感觉；没有去过大海边无法体验心旷神怡的味道；如果不曾理解什么是有深度的作品，那是绝对不能拍出有深度的照片的！

下面说说我们摄影中的那点事，......

本美篇中的图片均为本人拍摄的原创，其中有几幅夜景由于没背上三脚架，有点噪点和水面倒影效果不佳，也算另有“味道”吧：），供影友们分享。

- 养怡永年

2019年11月10日，拍摄于上海外滩。

评价一张照片,不能简单用“好”或“不好”来评价，这样绝对的标准是没有的。更好的表达应该是好到什么程度？哪些点特别出彩？或者一眼看上去就发现的问题是什么？然后再分析哪些方面有不足、可以改进的地方。

一眼看上去的形式美感独特而强烈，它涉及到色彩、用光、构图、后期等。如果视角独特的会让人看后赞叹、联想等等，原来照片中还有内函、还有故事的……，重要的还应“成像清晰”（有创作意境的例外）。

2019年11月10日，拍摄于上海。

好照片听起来是一个挺虚的词，每个人对于“好”照片的看法都不尽相同。但是，一般来说评价一幅“好”照片的标准有三个：鲜明的主题、主体突出、画面简洁。

所谓鲜明的主题就是你拍摄这张照片的时候想带给观众的思想或者感受是什么。这种被触动的感觉，就是你要传达的主题。当你看到一幅美景的时候，你拍摄下来，让观众可以看到你看到的美。当你看到一个感人的瞬间时，你拍摄下来，让观众可以获得同样的感动。这就是传达主题，这就是摄影的意义。 2019年11月10日，拍摄于上海。

主题需要通过主体来表现。主体则是需要被你的曝光、构图、虚实、反差等等手法将其突出出来，并且这个主体表现出来的内在含义也正是你拍摄这张照片的主题。
之后要考虑的就是让非主体的画面中的其它内容，尽量只发挥到衬托、烘托的效果就足够了。不能让背景等陪体抓了观者的眼球，让画面得到简洁才能做到突出主体。

2019年11月10日，拍摄于上海。

摄影是带着某一种主题、契合某一目的的而进行的的拍摄。拍摄内容取决于拍摄者的意图，没有拍摄目的的拍摄就是照相。

2019年11月10日，拍摄于上海。

目的是创作一幅作品，那么拍照的时的心态就要稳定且柔和，常常要进行思维的调控，这对拍照内容的结果很重要。另外，我们在日常生活中要培养发现美及能感受美的心，这可以训练感性思维、培养审美意识。

2019年11月10日，拍摄于上海外白渡桥。

如果能把这种感觉精炼地表达出来，那么构图就会自然而然地变得简单。清爽而洁净的感觉可以通过色彩表现出来。

摄影时所感受到的情感，在作品中可以使用色调曲线来表现，使人即使在阴影中也可以感受到翡翠蓝的颜色，这样即可拍出心旷神怡的照片。

2018年9月2日，拍摄于江西新余。

简洁的构图是制造平衡的根本。

在构图中，理所当然地要注意平线水平，做到横平竖直，可以让人久久地平静地欣赏。

2019年3月11日，拍摄于江西新余。

用色彩演绎自己的心情。色彩对比、阴影的明暗对比彰显照片的层次感。

2019年6月17日，拍摄于江西新余。

精心设置点缀的位置，与拍摄主体协调一致。

点缀景物，就是要对主体点缀，为了衬托拍摄主体，为主体添加趣味性、故事性和情趣性。根据被摄物体的不同，点缀景物的不同，点缀景物可以承载着各种各样的不同信息，讲述着深刻的故事。

2019年11月10日，拍摄于上海。

注意紧凑感与画面的“终止”，提升画面的表现力。

在构图上，一幅摄影作品我们要借助三分线，合理地安排景物，一定要注意画面的紧凑感，以提升画面的表现力。另外画面的终止是我们必须考虑的要素。要营造画面的稳定感和平衡感。

2019年11月10日，拍摄于上海。

注意“水平感”的培养。

说起“水平”脑海里的第一反应就是“水平线”，如果是用水平仪来拍摄，那水平线一定是水平的。在使用长焦镜头打的时候，在进行画面的水平构图时，大多数情况下是可以通过水平仪的水平显示实现的。在场景中水平感非常重要。

为了达到水平，我们要训练自己的站姿、端相机的手法、按快门的技巧、不要勉强单眼进行取景等。

2019年5月30日，拍摄于海南三亚。

经常对光圈和快门速度保持关注。

在我们拍摄的时候，不经常思考与被摄物体合适的曝光值，是不可能拍出好照片的。

2019年5月30日，拍摄于海南三亚。

思考能将拍摄意图准确传递给观赏者的焦点位置。

在大多数情况下，我们会把焦点对准最想表现的主体（当然也有例外，这取决于拍摄者的创作意图）。因此，准确把握对焦位置，这与再次审视自己最想表现的内容密切相关。

手动对焦（MF）和自动对焦（AF）我们要灵活运用。

2019年5月30日，拍摄于海南三亚。

即使稍有勉强也要试着将前景纳入。

纳入前景方法：将拍摄角度压低，纳入前景、横向移动，纳入前景、竖幅拍摄，纳入前景。

在面对某个风景时，会不会有时觉得非常平淡无奇呢？这是即使有些勉强，也建议你加入前景来进行拍摄。为了达到自然，我们在拍摄前要斟酌，选择合适的角度。

只拍摄主体是任何摄影者都能做到的，但是，发现适合的前景并将其组合到画面中，却只有对前景敏感的人才能做到。背景的发现相比较而言是容易的，而发现可以作为被摄物出现在画面中的前景，这不容易。

将前景纳入画面的优点在于：与只有主体的单调画面不同，前景能使画面具有较大的变化，也能将被摄物体所在的周边氛围和情境添加到画面中，而且容易产生距离感和前景与主体间的对比。

2019年5月30日，拍摄于海南三亚。

寻找有效果的点缀物。

加入有效的点缀物能增加整个画面的故事性和趣味性。当然，很多画面没有点缀物也不是不可能构图。因此，点缀物应该要有效果，不能勉强地加入画面中，要能为画面增色。

不要刻意地去寻找点缀物，而是自然地区发现它。非常突出的景物不适合作点缀物的。不能喧宾夺主。

2019年5月30日，拍摄于海南三亚。

改变主体的大小进行拍摄。

在画面中通常要凸显主体，并以主体为基准来有效地使用陪体和其它要素进行构图。虽然构图中有时候也不明确凸显主体，但那是非常少见的。另外，可以认为主体的存在感是通过大小差别拍体现的。

但是，这之前在考虑改变主体大小时，应该明确在改变大小的目的是什么？要表现什么？如果不明确这些，那改变主体大小就没有意义了。因此，必须要抱有明确的目的来进行主体大小的变化。比如，为了被摄主体能给周围的景观带来不同的情趣等。

2019年5月30日，拍摄于海南三亚。

一次摄影课上老师说：摄影专业本身只是一个工具，它不能确保你成为一个优秀的摄影师，充其量是让你拍到一张没有明显缺陷的照片。而专业摄影是借助摄影媒介来研究摄影之外的问题，恰恰是能帮助你完成摄影的使命。你必须花更多的精力去研究拍摄对象，在拍摄过程中，差不多能成为这个领域的研究者，甚至是专家，你才有可能获得看似平常，却又很深刻的摄影作品。

虽然是一家之谈，但是，我认为对一个摄影人还是有启发性的，不妨去深度理解一下。

2018年10月29日，拍摄于西安。

注意区分主体和主题的差异。

主体和主题是经常会听到的词语，乍一听，两者似乎意思一致，但是，还是要需要将它们区分开来。

主体是在作品中作为基准来进行拍摄的被摄物，主题是作品的主旨和意图。因此，在作品中找到主体比较容易，比较大的景物往往就是主体，因为作为基准的被摄物要有与其地位相当的分量。但是，作品的主题更为重要，因为它包含了拍摄者的思想。

2018年9月28日，拍摄于湖南长沙湘江。

在鉴赏作品时，对其主题的解读是十分重要的，与以形状在画面上展现的主体不同，主题有时明确，有时模糊。也不是说非要将主题如何理解才是正确的。如何理解作品中的内容是观赏者自己的自由。

在拍摄作品时，与处理主体相比，意识到如何传达主题更为重要。主题不同，作品也不同，因此，我们拍摄时最好能对主体和主题有清楚的认识。这样，才能拍出在主题上心灵相通是我照片来。

2018年9月2日，拍摄于江西新余。

尝试分步调整取景范围。

取景地的原则是不需要剪裁即可完成的作品。如果想要剪裁，那就拍不出完成度高的作品了，自己的拍摄技巧也得不到进步。

在拍摄现场用心斟酌些微的空间差异和空间配置，巧秒地变换取景构图，提高作品的完成度，这是非常重要的。

虽说要巧妙取景，但并不是说可盲目地移动位置取景。另外，后期处理也很重要。首先，按照最初的印象进行拍摄，然后对拍摄出的照片进行检查，对不满意的地方进行分析，将其修正，再次拍摄。将这个过程重复进行，就可以逐步提升作品的完成度了。同时也逐步培养出摄影师的洞察力。

2019年5月30日，拍摄于海南三亚。

通过移动使画面发生变化。

在拍摄远景时，拍摄者的小范围移动不会对画面产生什么影响。但是，位置移动在很多摄影中是可以给画面带来变化，而且与被摄的距离越近，效果越明显，这在微距拍摄中尤为显著。

如果对画面构图漫不经心的话，就很容易在拍摄中不移动，只是通过变焦来调整被摄物体大小，按自己的视线观察被摄物。这样的话，容易使画面过于单调。如果想赋予作品更多的变化，就要积极的移动，通过位置变换尝试向被摄物靠近，这时，对被摄物的好奇心非常重要。

通过上下左右移动，变换背景和光线状态。不要总是通过变焦调整被摄物的距离，要通过自身的移动来远离或靠近它。

2019年11月10日，拍摄于上海。

注意与被摄物之间的距离。

镜头操作（lens work）是指结合镜头的焦距，拍摄距离（从相机到被摄物的距离）的摄影技术。通过将它们有效组合，可以得到各种各样不同的画面表现。除了变焦之外，摄影师通过脚下移动（foot work）靠近或远离被摄物，也可以使画面产生变化。

景深与光圈、焦距、拍摄距离三者相关，并随着它们的变化而变化。开大光圈景深变小，合起光圈景深变大。不要只把注意力放在光圈上，也要记得调整焦距和拍摄距离。实际上，比起光圈控制，镜头操作与脚下移动与景深的变化相关度更高。

2019年11月10日，拍摄于上海。

注意与被摄物之间的距离。

首先是镜头操作。镜头的焦距越小（变为广角），景深越大；镜头焦距越大（变为长焦），景深越小，然后是脚下移动，拍摄距离越小，景深越小，拍摄距离越大，景深越大。也就是说，即使开大光圈，使用广角镜头也可以让景深变大；即使合起光圈，拍摄距离变小时景深也可以变小。

镜头操作不仅与摄影角度和景深有关，与远近感也有关系。所谓远近感，就是对画面中的近景感觉到近，对画面中的远景感觉得远。焦距越短，远近感越强，焦距越长，远近感越弱。在广角镜头的使用中，通过靠近被摄物，可以强调远近感。与此相反，在长焦镜头的使用中，远近感消失，拍摄出的作品有空间被压缩的感觉。

调整焦距后，为使被摄物在画面中保持同样大小，可调整拍摄距离进行拍摄，但被摄物的视觉效果与背景的范围都发生变化了。注意距离的同时运用镜头操作与脚下移动，将基于拍摄角度、远近感、景深的效果进行有效组合，可使拍摄效果更丰富。

2019年11月10日，拍摄于上海。

执着于从一个拍摄角度进行拍摄。

为了提升摄影技术，许多人讲重点放在相机的的熟练使用上。但是，近年来相机的性能已经达到了让人吃惊的程度，即使全部依靠相机拍摄，也很少有拍摄失败的的情况。反而，摄影者凭借自己的摄影技术进行拍摄，失败的例子可能还要多一些。

决定摄影作品还坏的不是相机，而是摄影者的画面鉴赏能力。因此镜头操作和拍摄角度的选择非常重要。一个方法是，指着于一个角度拍摄，享受画面创作的乐趣。

2019年11月10日，拍摄于上海。

变焦镜头非常便利，但如果随意使用它，就会妨碍摄影技术的提升。但也不是说要因此而马上特地去买一个定焦镜头。变焦镜头也可以有意识的适当使用，即使是配套的标准变焦仅爆头也同样如此。

2019年11月10日，拍摄于上海。

固定拍摄角度，在走动和构图上下足工夫。

不要使用变焦镜头的中间焦段，只使用广角或长焦端进行拍摄。在这种情况下，由于不能通过剪裁来调整拍摄角度，因此只能借助走动来实现预想中的画面了。在遇到适合拍摄的被摄物和场景的瞬间，不能走动着完成拍摄，这是不好的。

2018年9月2日，拍摄于江西新余。

当受拍摄场所局限不能走动的时候，就寻找在这个拍摄角度的最有效构图吧。再不能调节镜头和站位的时候，为了表现拍摄意图，画面构图的功夫不可欠缺。不要局限于横幅构图，也要多多尝试竖幅构图。

这样通过对一个拍摄角度的不断练习，不管在什么情况下都能充分利用脚下的移动来调整距离感和角度，将画面的平衡处理好，拿自己的摄影技术就能实实在在的提升了。

2018年9月9日，拍摄于江西新余。

在不同的时间到访同一个地点。

对摄影来说，光线状态是左右摄影效果的重要因素之一。光线的好坏决定摄影作品的质量。

风光摄影中光线状态是重要因素，大部分场合，太阳承担了这一重要责任。我们知道，太阳随时间的推移东升西落，因此，位置不变的景物所处的光线状态就会实时变化。比如，某个时间是顺光照射物体，立体感不强，而再过一个小时后同一个地方，太阳位置变化，被摄物体会呈现出很好的立体感。因此，随着时间的变化，经常会有这样完全不同的景致出现。

2019年11月2日，拍摄于上海青浦。

用与别人不同的视点，重新看待一些经典景物。在拍摄经典风景之后，建议再仔细想想、考虑一下还有没有什么超常规的拍摄方法，时刻保持一颗挑战的心。

如果在经典拍摄地能够拍出与众不同的作品，那么不管到哪里就都能拍摄出有自己风格的作品了。

作品的创作不会受到拍摄地点的约束。

2019年11月6日，拍摄于上海青浦。

什么是三分法构图？

三分法构图是取画面的纵横三分线和线与线的交点，以此来进行画面构成的构图，这些纵横的三分线将画面分成九个面，以这些线为为参照来划分被摄物，就能得到稳定的构图。

2019年11月1日，拍摄于上海青浦。

摄影作为一门艺术，在艺术创造上应该有较高的意识，有较高的美学、哲学和自然科学、人文科学等方面的知识，有强烈的创作欲望，力求创新，突破视觉规律，创作出有摄影者特定的风格的作品。如果不能，那么摄影者往往会变得很匠气，只知道模仿复制，那就无法将摄影提高到艺术的层面上。但是艺术至上论也有其不可忽视的缺点，它太强调自我意识，往往会忽视摄影中的科学规律，忽视基本功的训练，往往造成摄影者眼高手低，不能够充分地表达自己的创作目的。

2018年9月27日，拍摄于长沙铜官窑。

初学者在学习摄影时，首先应该掌握摄影的基本技术，只有全面掌握了这些技术，才能让初学者在日后的学习创作中有良好的表现。当然，初学者对意识的培养也是不可缺少的，在学习基本技术的同时，还应加深自身的艺术修养，在提高技术水平的同时也相应提高意识水平。

摄影到底是一门技术，还是一门艺术？这个问题不论是在摄影初学者的心中还是在摄影人的心中都无数次的产生疑问。随着自身对摄影的不断理解，摄影的本质也逐渐能够显露出来。摄影不仅是一门技术，更是一门艺术，它是技术和艺术的结合。

摄影是一门艺术，一门需要摄影人不断去学习消化的艺术。摄影与绘画、诗歌、美学修养有着密不可分的关系。摄影人要善于从其中汲取营养。

摄影是技术和艺术的结合，可以这样理解，一个合格的摄影人，不仅需要镜头摄影艺术，更要具有丰厚的修养。

摄影不是简单的拍照，也不是纯粹地对现实生活的再现，他体现摄影人对镜头展现的事物一种选择和认知，它包含着摄影人的见解和创作力支配。同样的景色，不同的人拍摄出来的感觉也不同。

想要拍出优秀的摄影作品，摄影人需要不断的对摄影技术和艺术造型技巧进行研究学习，“艺无止境”，全面提升。

二0二0年三月八日