2018级中国新钢笔画创作高研班班刊《新钢笔画艺苑》（4）

郭刚

色彩

手卷

构图

长卷

绘画

画面

明度

作品

钢笔画

感觉

我们的导师 教案选登 教案一

《新钢笔画手卷、长卷的论述》

李渝基

一、中国画里的手卷（长卷）
 中国新钢笔画手卷和长卷，是源于中国画里的手卷（长卷），因为有了它才会出现 21 世纪的新钢笔画手卷和长卷。然而在新钢笔画里手卷和长卷是有区别的(后面将予以说明)，在这里我们将先就中国画里的手卷（长卷）之历史渊源作些简略的绍与表述。

　　我们知道手卷是中国书画绘画中的一种主要样式 ，千百年来亦称“长卷”，也有称“图卷”的，在中国古代绘画历史中的手卷和长卷其实就是一回事，一个意思。这种中国独有的绘画形式，是中国传统绘画里主要的表现形式，在它的画面里有着线描的准确洗练和用笔兼工带写，也有着以尚意为主体的精神感悟认识的表达方式。因此它呈现出来的是中国式的审美，和纸质绘画的最高艺术表现形式，于是它是以独特形式的审美与内涵，追问着自己的抒怀与心里，呈现着造境的魅力与神奇。长卷这一伟大的艺术形式在中国绘画历史的积淀中曾经产生了《洛神赋图》、《女史箴图》到《清明上河图》等。

       以往各时代出现的重要作品，不管是记功，记事，都表现出了在功用和审美上的特别意义。显然，也只有中国的画家在绘画上才将它运用到了极致，而且代代相传，形成了中国绘画的优良传统。
    “手卷”或“长卷”，它外有“包首”，前有“引首”，中有作品，紧连其两边的是“隔水”，后面有“拖尾”，“包首”之上贴有“题签”。手卷是中国书画作品中横幅比较长的形式，短的有一两米，一般也有八、九米，更长的能达到二十米以上。它的高度一般在三十厘米到五十厘米之间。从南宋开始，一般的手卷高度都将近三十厘米，千百年来手卷尺寸也大概如此。因为不便于悬挂，只便于用手展开，边欣赏、边卷合。 在中国古代，手卷它们是供文人雅士私人交谊时于案头展赏之用，鉴赏者观画时常称为“卧游”，当然不一定要躺在卧榻上看，只是表示欣赏者的悠闲自在罢了。观赏时极富闲情逸致，可惜，这种人与画之间的特殊交流离当下人们的生活已经越来越来遥远。它特殊的形质，展陈和观看，往往有“于咫尺之间，展千里之外”的功效。善作手卷者，通常要比一般书画家在文化修养和艺术功力上高出一筹，历史上，不少名画就采用手卷的式样，像东晋顾恺之的《洛神赋图》《女史箴图》，唐代韩滉的《五牛图》，五代董源的《萧湘图》，北宋王希孟《千里江山图》和张择瑞的《清明上河图》，元代黄公望的富春山居图》等。
     与其他书画形制相比，书画手卷不像立轴、横披、对联等形制可以装潢、点缀居室，它一般只在案头欣赏和把玩观看，也能展开后平放于地面及悬挂墙上逐一进行艺术观赏。
     传统的手卷，往往采取“散点透视法”去组织画面，这时视点分布在画面的上下左右，随处皆有，而没有一个固定的视点，这就使得画面长而不冗，繁而不乱，严密紧凑，如一气呵成。同时，这也增加了它的创作难度，并使得手卷古往今来一直为人们所热衷所喜爱。手卷不同于中堂、屏条。长卷者，是把横幅延长，大大超过黄金律的比例，如同宽银幕，或全景银幕，可以无限地长下去。也以在不同时空和众多情节场景中组成画面，从不同的侧面反复强调同一主题，以其独特的艺术表现形式，将观众带入历史或风光情境之中。中国画手卷是传统绘画形式的一种，也是唐以后文人画的一种特有的卷轴画形式，尤其是山水画。由于在中国历代绘画中视长卷和手卷为同一种形式的作品，本文在表述中国画里的长卷、手卷时也就统称为手卷或长卷了。在中国辉煌的文化历史和艺术发展长河中，中国的手卷不愧是一种足不出户就可以神游山高水长，且能品评笔墨趣味和与作者交流思想感情的高雅艺术表现形式，给过去时代的人们带来极高的美感和享受，即便是在科学发达的今天，也仍不失其光彩与存在的价值。 在当代艺术多元发展的今天，长卷的绘画欣赏、它的作用与与绘画性，也丝毫不会逊色。人们说它是绘画艺术中王冠上的宝石，一点也不为过。手卷有大有小，它们不仅便于案头展阅和临摹，而且适于保管、延长书画的寿命。当然，手卷也有不足之处，就是在展览时，不便于完全展开也不太适合悬挂，所以在博物馆中的手卷，经常是展出全画作的局部图来进行欣赏。

二、中国手卷里名作简介

1、《洛神赋图》
   东晋顾恺之作，画卷为设色绢本，画宽（高）27.1 厘米、长 578.8 厘米，现仅有宋代摹本 5 卷。藏于中国故宫、中国台北及美国等地。画卷以三国魏文学家曹植的《洛神赋》为依据，描绘了作者对洛水之神宓妃的爱慕以及神人殊隔、不能交接的惆怅。作品将不同情节置于同一画卷，洛神和曹植在一个完整的画面的不同场景中反复出现，以山石、林木及河水等背景，将画面分隔成不同情节，使画面既分隔又相联接。画卷色彩典雅富于装饰性，故事随着画卷场景渐次展开，有着诗画交相辉映的审美体验，完美表达了“原赋”的意境。

《洛神赋图》

2、《清明上河图》
   北宋张择端所作，画卷绢本设色，宽（高）25.2 厘米，长528.7 厘米，作品以长卷形式，采用鸟瞰式的全景法(散点透视构图法)，用笔兼工带写，设色淡雅，真实生动而又集中概括地描绘了当时汴京东南城角这一典型的区域。画作记录了中国十二世纪北宋都城东京（又称汴京，今河南开封）的城市面貌和当时社会各阶层人民的生活状况，是北宋时期都城汴京当年繁荣的见证，也是北宋城市经济情况的写照。它不同于一般的界画，是一幅千古最富传奇色彩的作品。这在中国乃至世界绘画史上都是独一无二的。在五米多长的画卷里，共绘了数量庞大的各色人物，牛、骡、驴等牲畜，车、轿、大小船只，房屋、桥梁、城楼等各有特色，体现了宋代建筑的特征。具有很高的历史价值和艺术价值。《清明上河图》虽然场面热闹，但表现的并非繁荣市景，而是一幅带有忧患意识的“盛世危图”。

《清明上河图》

3、《千里江山图》
        是北宋王希孟 18 岁时作品，也是唯一传世之作品。画卷为大青绿设色绢本，宽（高）51.5 厘米，长 1188厘米。总卷画面气势辽阔超凡，上层峰峦叠嶂、逶迤连绵，图中繁复的林木村野、舟船桥梁、楼台殿阁、各种人物等布局井然有序。全图既壮阔雄浑而又细腻精到，是青绿山水画中的一幅巨制杰作。

《千里江山图》

《千里江山图》局部

4、《富春山居图》
  是元朝书画黄公望为郑樗所绘，画面以浙江富春江为背景，全图用墨淡雅，山和水的布置疏密得当，墨色浓淡干湿并用，富于变化，是黄公望的代表作，被称为“中国十大传世名”之一。明朝末年，画卷遭藏家损坏而分成了两段，较长的后段称《无用师卷》，宽 33 厘米，长636.9 厘米，现藏台北故宫博物院；前段称《剩山图》宽31.8 厘米，长 51.4 厘米，现收藏于浙江省博物馆。图：

李渝基《富春山居图 》临创局部  47cm×671cm  2018 年

5、《五牛图》

 以上简单介绍的几幅中国古代著名手卷，都是在中国美术史上具有代表性的长卷巨制，了解和认识它们的目的，那是要我们今天的钢笔画人去认真欣赏、去体会中国传统的长卷绘画。而回顾这千古传奇之作的原委，应通过对作品的解析、对比、推断以求得在进入另外一种时代纬度中观看这些作品时的理解，从而获得在学术探索上的准确把握，并在追古学习前人的艺术风格与创作精神中，吸收好养分而为我所用，从而聚集创作能量开启新的未来。
      对于研究和学习中国画长卷（手卷），一般可以选择临摹名家画作，或者选取一些画谱来进行学习。这种学习的方法，对于有着一般钢笔画基础的和初学者来讲，也是一种很好的快速入门方法，在绘制过程中能让作画者初步掌握中国绘画长卷里的笔法、布局、技法，坚持练习这也是学好长卷绘画的必由之路。当然这只是适合于初学阶段，随着自己绘画水平的不断提高，对于绘画技法掌握日益成熟，那就应该开始临创作品，然后逐渐过渡到自我创作长卷作品。（未完待续） 教案二

《新钢笔画创作的构图法基础》

                            刘海章

  一幅新钢笔画的创作首先解决的是主题和立意问题，也就是什么的问题，解决了这个问题后揭下来就是解决怎么画的问题。这个问题有两个方面一是用笔，就是指用什么样的笔触来表现所描绘的物象，二就是如何摆放这些要描绘的物象，就是构图问题。而构图对一幅作品的创作是至关重要的。这是最直观的形式美。这节课重要跟大家说一下有关构图的一些问题。
       一、构图的定义
   构图是一个造型艺术术语，即绘画时根据题材和主题思想的要求，把要表现的物象巧妙地排列、组合起来，构成一个协调的完整画面。
         构图指作品中艺术形象的结构配置方法。它是造型艺术表达作品思想内容并获得艺术感染力的重要手段。在视觉艺术中常用的技巧和术语，特别是绘画、平面设计与摄影中。
  构图在《辞海》里是这样定义的，构图是“造型艺术”术语。艺术家为了表现作品的主题思想和美感效果，在一定的空间，安排和处理人、物的关系和位置，把个别或局部的形象组成艺术的整体。在中国传统绘画中称为“章法”或“布局”。
   构图来历构图的名称，来源于西方的美术，其中有一门课程在西方绘画中，叫做构图学。
   构图这个名称在我国国画画论中，不叫构图，而叫布局，或叫经营位置。在摄影里，构图是从美术的构图转化而来，我们也可以简单的称它为取景。因此不论是国画中的布局，还是西方绘画中的构图学，亦或摄影中的取景，都只涉及到构图的部分内容，并不能包括构图的全部含义。因此，统一用构图这个称呼是较科学准确的。
  研究构图的目的是什么？就是研究在一个平面上处理好三维空间——高、宽、深之间的关系，以突出主题，增强艺术的感染力。构图处理是否得当，是否新颖，是否简洁，对于一件艺术作品的成败关系很大。一幅成功的艺术作品，首先是构图的成功。成功的构图能使作品内容顺理成章，主次分明，主题突出，赏心悦目。反之，就会影响作品的效果，没有章法，缺乏层次，整幅作品不知所云。

       二、构图形式

1、水平式（安定有力感）

2、垂直式（严肃端庄）

3、S形（优雅有变化）

4、三角形（正三角较空，锐角刺激）

5、长方形（人工化有较强和谐感）

6、圆形（饱和有张力）

7、辐射（有纵深感）

8、中心式（主体明确，效果强烈）

9、渐次式（有韵律感）

10、散点式（有受边框约束，自由可向外发展

      下面分别讲述：

1、水平式构图
       水平线在画面中，可以对画面情绪产生抑制作用，这是由水平线的平静、稳定的特性决定的。当这种水平线成为画面形式的基本格式时，体现了安宁、平静的意境。

    五代董源的《潇湘图》，正是运用平行水平线的联系，使画面明显地具有向两边延伸的形式感，表现出宽阔，娴雅而幽静的境界。

      水平线的抑制作用尤为突出地表现于珂勒惠支的组画《农民战争》之一《俘虏》的画面结构。画面中俘虏们各种挣扎的动态以及劳动者那些宽厚的体魄、强健的骨骼、肌肉和扯乱了的衣襟形成各种动乱的曲折线条，表现了被俘者的强弱不同的反抗力量。然而这种抗争的激情又显然受制于捆绑的压力，这种抑制力体现在人群头顶、脚底以及绳索所形成的三条水平线。这两种相反的视觉相互作用，相互联系，以更强烈的效果表现了作者的意图。德国著名版画家珂勒惠支使具有冷静、精细，端庄而严谍风格的德国绘画的叙述性传统发展到追求强烈、单纯而概括的表现形式，由此进入了一个更高的阶段。当她作画时，激情浓缩到几根有力的线条，构图的形式感自然会大大加强。
       平行线实质是同一感觉的重复。同一感觉在多次重复时，有强调这一感觉的作用，而当着几条平行线前后交错时，这种位置差就必然产生运动速度的感觉。无论是平行垂直线、平行水平线或平行斜线处在上述情况下，都会同样产生运动和速度的感觉，只是三者的运动方向不同而已。

珂勒惠支的组画《农民战争》之一《俘虏》

     汉代画像砖《骑吏戟幢》(见图二十八)，对骑乘速度的表现，就是画画中利用了平行水平线的位置差所具备的视觉功能。

李渝基 《神奇的张家界》

陈化智 《黄河之水天上来》

张军朝  《空谷》

      这几幅新钢笔画作品一是李渝基主席的《神奇的张家界》，一幅是陈化智老师的《黄河之水天上来》，一幅是张军朝副主席的《空谷》。
     这种水平式构图使画面感觉非常平稳，而且极具向左右两边的张力。这种构图无论是山水还是人物，亦或其它题材，都表现出来画家内心的沉稳于宁静，似乎向观者娓娓的道来自己思想情绪以及对客观世界的认知。 2、垂直线构图   
       垂直线一般给人以稳定、沉着、庄重之感，它可以同时将一排主要形象展示给观众。平行的垂直线组合可以利用形象空间位置的不同，高矮的不同，两端的开放与内合的不同，形成画面表现的变化。这种组合类似文学中的叠句，画面中形象的层层叠出，是加强形式感染力的一种手段。

       董希文先生创作的《开国大典》正是利用这种结构形式表现了庆典的盛况，天安门城楼上的圆柱构成的平行垂直线更加强了稳定、庄重的感觉。 画面中垂直线集中在左侧，使地平线明显有向右展伸的视觉倾向。这种分割方式使场面十分开阔，毛泽东同志站立其中间，取得了画面中心的突出地位。

《永乐宫壁画》(局部)

平行垂直线构图又有几种不同的方式：
1）上下穿插，直通到底：    形式感是向上下两头延伸，形象高大，具有舒展畅通之感。
如附页插图图二《永乐宫壁画》(局部)，以这种形式感出色地表现了天神的形象。

《树间村道》

2）由下而上长起，在画面的上部空间停住：虽停住，却更有向上涨起的势态，这种构图形式不再有同时向上下延伸的感觉。如。《树间村道》的画面中两排树由地面长起，更突出了树木生态昂然的形象。这是仰视构图特有的形式感。

3）由上而下悬垂：这常用于俯视构，有插入地下之感，杨燕屏的《白杨礼赞》，运用这种构图形式，使长于表现严肃、庄重题材的平行垂直线构图在视觉功能上又从相反的方面得以变化。

      上面两幅是张军朝副主席的，人物的是陈建平老师，下面一幅是我的，一幅是刘红军副主席的。这些都是垂直式构图的代表作品。（未完待续）

教案三

　　《写实钢笔水彩画实用技法与画例详解》

庞恩昌

我今天要讲的题目是《写实钢笔水彩画实用技法与画例详解》，内容分为五个方面：一、关于黑白钢笔画；二、关于钢笔水彩画；三、怎样画钢笔水彩风景；四、怎样画钢笔水彩静物；五、怎样画钢笔水彩人物。
     因为李主席让我重点讲钢笔水彩画，为了节省时间，我从第二部分开始讲：关于钢笔水彩画。讲一点色彩知识，讲一点水彩画的技法，然后重点对钢笔水彩画进行讲解，包括风景、静物和人物。这三部分内容我都会列举一些实际的画例进行说明，以便让大家看起来更加直观，加深印象。

（一）色彩原理
     人类对色彩的认识，最初是从对自然色彩的观察开始的，当今的色彩艺术理论是对17世纪以来的色彩科学与色彩艺术的总结，是许多伟大的科学家和艺术家智慧的结晶。我们知道，人的眼睛是通过光线看到颜色的，在黑暗中则无法看到任何景物的形状和色彩。在充足的光线下，景物会呈现出各种不同的颜色，这是因为各种物体的表面具有不同的吸收光和反射光的能力。反射光不同，眼睛就会看到不同的颜色，这些都是有关颜色的物理现象。

这幅图就是物体表面的光线反射示意图

单从绘画的范畴来讲，我们需要认知的物体色彩是由三方面组成的，即固有色、光源色、环境色。固有色通常是指物体在正常的白色日光下呈现的色彩特征；光源色是投射在物体上的光线所呈现的颜色，不同时辰的日光、不同颜色的灯光会让物体的表面呈现不同的颜色；环境色是物体所处的环境对其所产生的色彩，周围环境中的各种反射光都会对物体的固有色产生影响，特别是物体的暗部。

例如这幅作品，这是印象派笔下的田园景色，冷暖对比十分强烈

一般来说，色彩的基本规律有如下几点：即亮部色彩是光源色加固有色，高光是光源色加微量固有色；中间调子主要是固有色加少量光源色和环境色；明暗交界线是物体固有色加补色；暗部色彩主要是固有色加环境色；反光主要是环境色加少量暗部色彩等。当然这些只是基本规律，画面中丰富的色彩表现还要靠画者的观察和经验来完成。如强调表现自然色彩的印象派画家反对以固有色的概念表现画面，他们认为色彩瞬息都在变化，必须在自然中观察光线和环境使固有色产生的变化，才能画出真实的色彩。

例如这幅作品，这是本人20年前的一幅静物作品，素描和色彩上的“三面五调”体现的十分明显，特别是在苹果上。

另外，视觉所感知的一切色彩都具有明度、色相、纯度三种属性，这三种性质是色彩最基本的构成元素。
　　（1）明度。在黑白系列中，明度最高的色是白色，明度最低的色为黑色，中间存在一个从亮到暗的灰色系列。在彩色系列中，黄色为明度最高的色，紫色则是明度最低的色。明度在色彩三要素中具有较强的独立性，它可以不带任何色相的特征而通过黑白灰的关系单独呈现出来。
　　（2）色相。在可见光谱中，人的视觉能感受到红、橙、黄、绿、蓝、紫这些不同的色彩，人们将色彩所呈现的这种特征称为色相。色相通常用色环表示，最简单的色环由光谱6色相环绕而成，如果在这6色相之间再增加过渡色，就构成了12色相环。依此类推，可以形成24色相环，它呈现出微妙而柔和的过渡，在绘画创作中具有很强的实用性。
　　（3）纯度。纯度是指色彩的鲜浊程度，不同的色相不但明度不等，纯度也不等。任何颜色与其他颜色混合时，其纯度都会发生变化。如蓝色混入了白色时，虽然仍具有蓝色的特征，但它的鲜艳度降低了，明度提高了，成为了淡蓝色；当它混入黑色时，明度降低了，成为暗蓝色。道理相同，其他颜色也是如此。
这三点是色彩的基本属性，有些枯燥，但却是最基本的。

这是色彩的混合现象，学过绘画的人都知道

这是12级色相环。

下面讲一下色彩的联想
　 （二）色彩联想
　　人们在观看色彩时，由于受到色彩的视觉刺激，而在思维方面产生对生活经验和环境事物的联想，这就是色彩的联想，也可称为色彩的情感。如由红色既可联想到具体的火、血、太阳等，又可联想到热情、危险、活力等；由黄色可联想到光、柠檬、迎春花等，又可联想到光明、希望、快活等；由蓝色既可联想到天空、冰凌、海水等，又可联想到平静、理智、深远等；
下面我还是列举一些作品实例进行讲解。

色彩的情感 · 中学生 60cm×50cm 2007年 亚麻布 油彩

这幅作品画于2007年，是参考了一幅照片完成的，原照片中的学生所穿的T恤是件冷色的，我在绘制的过程中将其改为了红色，使整个画面的氛围得到了改变。
色彩上给观者最直接的感受就是冷与暖。其实色彩本身并无冷暖的温度差别，只是色彩在视觉上引起了人们对冷暖感觉的心理联想。如红色、橙色、黄色等能够使人产生温暖、热烈的感觉；相反，蓝色、青色、绿色会使人产生寒冷、平静的感觉。但色彩的冷暖又是相对的，同一种颜色与不同的颜色放置在一起，会产生不同的冷暖感觉，如绿色与红色在一起会显得冷，与蓝色在一起又会显得暖。同理，物体在阳光的照射下，受光部的色彩会产生暖的感觉，阴影部会产生冷的色彩感觉。而在阴天的日光或日光灯的照射下，由于光都属冷色光，亮部就非常明显地呈现出冷光色，而暗部的色彩则偏暖。
再看一幅作品。

色彩的冷暖 · 平平安安 55cm×79cm 2016年 水彩纸 水彩

这幅作品表现的是下午四五点钟光线下的一组静物，展现了很明确的冷暖关系，特别是背景和投影之间体现的非常明显。我当初在绘制这幅作品时就特别留意了这种冷暖关系。
　色彩在绘画上所具有的能量还有以下几方面。
　　（1）色彩的轻、重感。这主要与色彩的明度有关，明度高的色彩会产生轻柔、飘浮、上升的感觉，明度低的色彩则会产生沉重、稳定、降落的感觉。画者常常利用这种色彩轻与重的感觉，让画面产生妙不可言的魅力。
（2）色彩的软、硬感。这种感觉主要也来自色彩的明度，但与纯度亦有一定的关系。明度越高感觉越软，明度越低感觉越硬。明度高、纯度低的色彩有柔软感，中纯度的色彩也如此。高纯度和低纯度的色彩都呈硬感，明度愈低则硬感愈明显。
（3）色彩的前、后感。不同波长的色光在人的视网膜上成像有前后，红、橙等色感觉比较迫近，蓝、紫等色感觉相应退后。实际上这是一种视错觉，绘画时利用这种错觉，能让观者在观看一幅作品时产生前进或后退的感觉。
（4）色彩的大、小感。由于色彩有前后的感觉，因而暖色、高明度色等有扩大、膨胀感，冷色、低明度色等有缩小、收缩感。这种大与小的色彩感觉同样是视错觉，能产生很奇妙的画面效果。

色彩所显现出的轻与重。

色彩所显现出的远与近。

好，我再有针对性的讲一下色彩的应用。
　　（三）色彩应用
理论的学习是为了应用，将相关的书本知识运用于绘画实践，才是学习的目的。大千世界的色彩变化无穷，让人应接不暇，如何将我们客观观察到的色彩与自己掌握的色彩知识结合起来，准确而恰当地运用到绘画创作中呐？除了动脑、动手进行实践，没有其他的捷径可以走。这无疑是一个漫长的过程，但也是一个不断得到提升的过程。随着时间的推移和感悟的积累，你会发现其中充满了探索的乐趣和收获的喜悦，这种感受会让你欲罢不能。
　　在写实钢笔画的上色材料中，可以有多种选择，如彩色铅笔、马克笔、彩色墨水、透明水色、水彩及丙烯等。严格来讲，前两种属于工具，后四种属于画材。每一种工具、画材都有其自身的特色、难点，也各有其独特的魅力，只要运用得当，都能创作出具有独特价值的艺术作品。
下面大致讲一下上色所用的工具与画材。
　 （1）彩色铅笔。彩色铅笔运用起来简单便捷，可随时补充修改，在这几种工具、画材中是最易于掌控的，非常适宜初学者使用。彩色铅笔色彩柔和，色阶丰富，不足之处是不可调和，只能混色，采用叠加的方法展现丰富的色彩效果。
　 （2）马克笔。马克笔在国内使用的历史并不长，但应用很广泛。特别是对于要求快速画法的设计专业来说，马克笔几乎就是首选。此工具色阶丰富，但同样是不能调和，只能混色使用，而且不可修改。因此要想成为个中高手，需下极大的功夫。
　 （3）彩色墨水。彩色墨水与传统的碳素墨水一样，需灌到钢笔中使用，通过排线实现上色的效果。目前，彩色墨水可选择的种类不多，常见的颜色只有十几种，使上色效果受到了限制。而且有些颜色过于鲜艳，使用时需多加注意。
　 （4）透明水色。透明水色最早是用于黑白照片上色，后来有些建筑师与室内设计人员用其绘制钢笔淡彩效果图。透明水色无杂质，能量足，透明性好，不足是色阶少，只有12色，容易发生渗色现象，上色面积较大时不好控制。
　 （5）水彩。水彩的历史较为悠久，与油画一样属于西画的范畴，涌现了许多杰出的画者和经典作品。水彩是与钢笔画结合得最紧密的画材，操作简便，水色酣畅。可寥寥几笔，也能够深入刻画，呈现出不亚于油画般的效果。

这是两幅本人早期的钢笔加彩色铅笔的作品。

这是一幅钢笔加彩色墨水的作品，朱云峰作品

这是一幅本人2015年绘制的钢笔加透明水色作品 ，现在我的钢笔画上色基本都用透明水色，纯净透亮。

在介绍了以上几种颜色种类后，现在讲述一下水彩画的创作过程，以及具体到钢笔水彩画的着色方法和注意事项。

（未完待续）

导师作品

陈建平 《扎映》

陈建平 《凉山老人》

陈建平  《临夏十八坊》

潘孝忠 《青年马克思》

潘孝忠 《柳廊闻莺》

潘孝忠 《英雄余旭》

刘海章 《安居乐业》 90cmx60cm

刘海章 《不语还应彼此知》60cmx50cm

刘海章 《母爱》60cmx50cm

 庞恩昌 《紫禁城之雪》55cm×55cm 2015年 

 樱花钢笔   水彩纸  透明水色

庞恩昌 《春天来了》55cm×79cm 2018年 

 樱花钢笔  水彩纸  透明水色

庞恩昌  《窗前玫瑰》55cm×79cm 2015年 

 樱花钢笔  水彩纸   透明水色

理论集粹

《我对习作的认识和理解》

   陈化智   

习作就是练习之作。是素材的梳理。是技法的试验。是构思的推敲。是正式作品的预演。画面大小可随意，工具可更宽泛，但作画同样需要严肃认真。习作可以针对创作的某细节，局部单独进行。可根据构思进行黑白灰布局效果需要用其他绘画工具完成，可以是水彩，油画，素描，国画，速写……只为看效果，不择手段，择一切手段，给自己充分挥洒自由。这样能较好地发现其它画种在新钢笔画创作中的借鉴，移植，创新效果。钢笔画完成时间比其他画种长，为省事省时，这样较为快捷。对于技法的研究就必须使用与创作一样态度进行。当然纸质，工具也需相得益彰。

 
习作的目的 ：
⒈提高用线的组织能力。
⒉造型的准确把握。
⒊构思推敲。
⒋创作效果的检测

习作应避免的问题：
⒈没有目标的敷衍之作。
⒉没有用心，没有结果的中途放弃。
⒊ 注意习作的保存，分析。

习作是创作的基础：
⒈使用线条的推敲试验。
⒉构图与构思的表达方式，角度，效果比较。
⒊如何突出主题与黑，白，灰画面构成的关系。
     习作的过程是学习绘画的重要过程。许多比较成功的作品，大部分是在大量习作的基础上产生的。因此建议将习作草稿及笔记都常期保存。许多构思不是一次成形的。需要不断充实丰富，调整，推敲，这个时间可能几十分钟。可能需要几年，几十年。一但选择好就要坚持不断的努力。值得提醒的是我这里指的是作者自己的练习之作。
     对于学画的朋友我认为临摹习作应该讲究，不能只从个人的兴趣出发去临摹，要注意自己的性格特点，注意你目前缺少哪方面的训练和要解决自己哪方面的问题，有目标的临摹。如果还没明白自己缺少什么，被临的画有哪些长处，很可能把别人的缺点也延习下来，这是非常值得注意的事情。因此，建议多研究作品，多将所谓名作加以对比，展开讨论，分析通过学习有关美术理论，提高自己的艺术理论修养，提高自己的识别能力，将那些名作分析清楚好在哪里，以后再临摹不迟，甚至学的更快更好。
     对于那些精典作品我们不能东施效颦那样去学，而应透过现象（技法，手法）看到他的目的实质（他为什么要这样画，想达到什么样效果），我们有时也可弯道超车的。如果你还没有明白别人处理技巧的用意，不加思考的照搬是学不好的。
当然这只是我的个人想法，仅供参考。一句话，画出好画不仅是手头功夫，主要是要靠勤于思考的头脑。
     习作《长白飞瀑》仅供参考画水的参考

陈化智  《长白飞瀑》

《长白飞瀑》局部1

《长白飞瀑》局部2

《长白飞瀑》局部3

作品赏析

作品赏析：盛世论道

庞恩昌

这幅群像作品完成于2018年底，取材于僧侣辩经的场面。由几幅钢笔稿步骤图可以看出，笔者先从画面的主要人物入手，逐步向周围扩散，在不失整体的情况下，完成一个后再画下一个。有的形象画得很深入，有的只画了头部或上半身，为的是确定其位置和大小。此画面是由几张照片组合而成的，因而把控好这十几个人物的前后、大小和透视关系是对作者画面组织和协调能力的考验。在线条的运用上，采用细密、多变的斜线网格刻画形体，将线条顺着衣褶的走向画，以表现衣服的质感。再用更密集的网格线表现暗部，深一度加一层，并注意使网格的角度错开，以达到既密又透的效果。

作品钢笔稿步骤图
在此幅作品的上色过程中，除先期上完的配景和皮肤颜色之外，众僧侣所穿的红色僧袍无疑是最大的难点。要想让这组颜色既光鲜夺目又稳重内敛，不仅在深浅上必须调配得当，还要有一定的冷暖变化。上色时，几只笔交替上场，根据众多人物的主次、前后关系，将颜色施敷到位。红色系列的深浅和冷暖是相对的，要起到相互衬托的作用，特别是画面中心的几个主要人物，颜色要比其他人物要亮、要暖得多，这是画面整体效果所必需的。

这是钢笔稿完成图和上色步骤图

这是作品完成图。盛世论道之二 庞恩昌 55cm×79cm 2018年 美辉钢笔 水彩纸 透明水色

庞恩昌简介：
1982年考入天津美术学院，1986年毕业进入天津大学工作至今。现为天津美术家协会会员，中国钢笔画联盟理事，天津美协钢笔画专委会副会长，天津美协水彩专委会理事，天津政协水彩画研究院理事，天津市出版局专家库成员。多年来，一直坚持油画和写实钢笔水彩画的创作，参加过数次市级及全国性专业绘画展览，两次获得中国钢笔画联盟所举办的全国画展的金奖。 学员作品选登

丁海泉 《海风》44cmx90cm

郭刚 《旧巢》54cmx38cm

沈水林 《玉皇飞雪》40cmx28cm

沈水林《千年不倒》30cmx30cm

苏发辉 《静夜》60cmx60cm

王国宝 《静谧》52cmx38cm

杨倩 《美丽的金孔雀》108cmx78cm

张发学 《朝圣路》38cmx53cm

丁海泉 《烟花三月》53cmx76cm

柯行裕 《楼台亭榭藏乾坤》38cmx105cm

王国宝《见证》52cmx38cm

王国宝《林间》75cmx52cm 

王国宝《阳光、深林、蒲公英》52cmx38cm

张志安《翻越夹金山--遇见》26cmX38cm

庞杰 《扬州六亭桥》73cmx50cm

张发学 《归航》38cmx53cm

张发学《北疆风光》 38cmx53cm

邹东《潺潺不息》27x39cm38x38cm

学员作业点评

  庞杰的《墓林》：表现的是充满光照射的山林里一片寂静的墓地，这里很安静，明媚的阳光照耀着墓地周围的树丛和墓石，虽然充满暖意，但矗立的两座墓石给人一种怀念逝者的悲戚感，耀眼光照与安静的墓石形成鲜明对比，特别是在石柱上的投影给人一丝的忧伤和怀念之情。
     建议：画面中间的树杆应再向左移一点，造型再考究一点，会更有利于主题的表达；应强化灰色调的作用，尤其是右半部石柱后面的背景再加重，削弱树丛间的明度对比，拉开墓石和背景的空间，制造一点背光的感觉会更好。

点评导师：杜成垠

  

   王国宝的《静谧》：阳光照耀着这片石滩和小溪流，清澈的溪水和杂乱的石头形成强烈质感对比，又是那么的相互依托，树丛很茂密，这种题材一定会让观众如遇仙境，心旷神怡，溪水的倒影画得很用心到位。只是远处交代得太实了，要虚；画面的空间感就会拉开；石头的固有色和体积感还需加强。

点评导师：杜成垠

   张志安的《归》：在茂密森林里的参天大树下，一个身背竹篓的农妇迎着阳太阳走出去，显然她已经采摘满满的一篓果实，在匆匆的往回赶，阳光照射在她的身上，身后留下了长长的影子，高大的参天大树苍老古朴，和人物形成了鲜明的对比，空间感很强，树枝叉的穿插很讲究，画面有故事感，很美。

    建议：背景再增加点远处的虚的树，会更丰富；地面可以再加强刻画；画面左边的近处大树杆削弱对比，以便更好的烘托主题人物；人物还可以再淡些强调空气感；右边的一颗小树再淡些，强调它和近处大树枝的空间感。

点评导师：杜成垠

    王青梅这张画得非常认真投入，细节刻划到位，素描关系处理得好，脸部沒有画黑画灰，神态表情也比较自然贴切。

点评导师：潘孝忠

   杨倩这张也画得很不错，素描关系好，用笔清晰干练，背景也处理的很舒服，最可赞的是脸部的黑白灰处理到位，没有画黑画灰。脸部抓形稍逊，和原作有些距离，但也没有画丑，不失童稚与可爱。

点评导师：潘孝忠

    柯行裕这张第一感觉就是线用得特别好，生动自然，值得大家关注学习，素描关系也比较好，如果西装与白领接近处再加深点会更好。现在感觉衣服灰了点。造型总体说也不错，脸从眼睛开始到下面，略嫌短了。

点评导师：潘孝忠

    柯行云这张素描关系基本到位，造型也基本准确，精神状态也刻划到位，特别是面部处理很好，既有节奏感，黑白灰关系也很好，值得其他同学关注学习。

点评导师：潘孝忠

我说我画

《海的故事》创作简介

柯行云

    身为土生土长的海南人，我对大海有着深沉的情感。带着创作的冲动，我与同道结伴前往海南琼海博鳌，听闯海人蒋翔讲海的故事。通过挖潜素材，提炼主题，丰富内涵，用生活的视角和情感的笔触，用钢笔画描绘《海的故事》。
    《海的故事》取材于海南琼海博鳌镇博鳌湾。其中，画面之一《老船长的木屋》通过木屋上的舵、屋顶端的马灯、屋墙边的救生衣，这必须又简陋的生产工具，诉说了老船长的艰辛。左边路旁，仿佛在“游动”的木鱼，是船长退休后，念念不忘与 鱼儿为伴的生动写照。屋后的古榕树也揭示着船长矢志不移，扎根家乡的痴情。还有画面之二《退役的木船》尽管早已搁在沙滩上，但也令人追思其任凭风吹浪打，勇往直前，追求梦想的帆影……画面之三《海的故事》，构图有鲜明的过去和现在的对比。近看是过去的闯海“木船”，远看，是现代化的“渔港”，高高耸立的灯塔和功能强大的雷达能指引闯海人走向深海，实现向往的梦想。画面中还有永不干涸的古井、落地生根的“野菠萝”、乡村小道、城市人、渔村新人等素材，点缀了画面，充满生活气息。
    《海的故事》以写实为主，构图突出“海的故事”，以虚实强调“海的故事”的过去和现在，以细腻的笔触刻绘“海的故事”。画面尽管没有辽阔的大海、汹涌的波涛、与大海相伴的风帆和闯海人的影子。但，通过过去与现在《海的故事》的缩影，引领着人们对海的向往与遐想。借此学习平台，将三幅拙作呈现给大家，希望大家能给以指点。

柯行云《海的故事》57x43cm

资讯分享

资讯一

◎ 2019年9月21日，在浙江桐庐县举行"中国 分水新钢笔画优秀作品展"，由中国制笔协会、中国钢笔画联盟、分水镇政府组织，主办方为杭州市制笔协会、中国(分水)笔业博览中心、广州市惠多广告有限公司、广州市惠多广告有限公司杭州分水分公司。

资讯二

◎由中国钢笔画联盟、李渝基新钢笔画艺术工作室联合举办的"新钢笔画创作高研班、学习班"网络教学招生开始，9月初正式授课，联系人刘老师，电话:159 4530 4978