风景写生之法桐

宗立君

　　对风景画的喜爱，不分中西。

人们对自然风光的热爱，对美的向往，情感上是共通的。

西画中，风景画作为一个独立的画种，其出现的时间要比中国画的山水画晚的多。有据可考最早的中国山水画是隋代展子虔的《游春图》，而西画中的风景画直到印象派的兴起，才算有了完全独立的地位，时间已是相当于中国的大清朝中晚期了。

当然，简单的以自立门户的时间早晚来比较孰优孰劣，是没有意义的。

风景写生的意义，曾经为大家普遍接受的看法是锤炼基本功，为创作收集素材。

现在则看法不一，写生即创作，更被画家们普遍认可。

毋庸置疑的是，写生，不管是风景写生，还是人物静物写生，如同速写一样，最能把画者的激情和功底发挥到极致，也最能把画者的短板和敷衍暴露到无疑。

风景写生，一定是热爱自然的画者所为。

让我们走进自然，用我们的所学，用我们的激情，用我们的感悟，用我们手中的画笔，去热爱自然，去敬畏自然。

　 三人行，必有我师。

画什么不重要，怎么画很重要。十多年了，同学的这句话肯定不是他的原创，谁说的不重要，有营养很重要。

没有了天南地北的猎奇心态，也就没有了狗奔狼窜‘’找景‘的浮躁。

这片树林就挺好，逆光下，美的心颤。

就它了。

光有激情是不行的，写生是激情与理性的平衡，是想法和办法的配合。

由着激情燃烧，画面容易不可收拾，不可收拾后就是一地冰冷凌乱的灰烬；

完全理性作画，画面感觉索然无味，索然无味的画面形如僵尸无益心灵。

灵感，创意，不管如何天马行空的想法，都必须有脚踏实地的，过硬的技巧，技法，这些办法来实现。

画笔未动，观察先行。

对眼前物像的第一印象最重要，整个写生过程，全是围绕着第一印象进行。没有或者很少室外写生经验的话，写生过程中出现手忙脚乱甚至跟着光线跑的情况是很正常的。所以基于理解的记忆是很重要，这需要积累。

动手画之前，需要考虑好以下几个问题：

一，这个场景，哪个地方或者哪些地方打动了自己：或者是一片艳丽的色彩，或者是一块有趣的形状，或者是一连串有节奏的点线面组合，通常，我们将之称为第一印象。这个新鲜生动的第一印象就是画面的‘’画眼‘，视觉中心，兴趣点，当然，它也是画者最想要观众先看到的地方。对‘’画眼‘’的记忆，维护，提炼，强化，是要贯穿作画过程的始终，不可动摇的。‘’画眼‘’可以是一个，也可是多个，最多三四个，要有主次。如果对眼前的景致没有感觉，那么就此打住，不要勉强画。

二，承接上一步，感觉跃跃欲试，特别想画，有表现的冲动，那么，很好，冷静一下，先考虑构图。构图至关重要！方的，长的，横长还是竖长，圆的，都要考虑好。同样的题材，不同的构图，传达出来的情绪是有很大差别的。

三，构图阶段的工作还包括：尊重自然的前提下，如何对画面形象在选定的边框内进行主观的概括归纳，位置安排；主次的取舍；黑白灰的平衡；色彩纯度的主观设定；画面动势和情绪的设计等。这些方面的考虑都很理性，很主观，思路是平面的，甚至抽象的。

四，作画步骤计划：先画哪后画哪，哪些部分的效果需要一气呵成，哪些部分需要深入几遍才能达到最终效果。都要有个大概的计划。

五，写生绘画作品要有绘画味，而不是摄影味，恰当的技法运用起着很大的作用。苍润厚薄，勾勒点染，涂抹刷扫，堆砌透漏等等。技法的运用也要根据画面动势和情绪的设定，大概有个选择。

六，要有时间观念，尺寸不太大的写生，尽量当天完成。首先，写生作画需要连贯的情绪投入，其次，谁知道明天是风还是雨。

七，要有充足的颜料和其它材料工具的准备。画画好比打仗，缺枪少弹，捉襟见肘是很难专心致志的。相对于浪费点颜料来说，因为材料短缺造成的无法完成作品，才是最大的浪费。

总之，经验的积累最重要。

有了数量的积累，有了经验的积累，慢慢的就有了属于自己的作画程序和处理办法。

万事俱备，下笔开画。

单色勾线起稿，三棵树的位置因为空间距离远近不同，在平面上呈不等腰三角形分布，有聚有散。第一视觉中心是逆光下明度最高的叶丛，处于画面中心偏右上的位置，第二视觉中心是下部明度偏低的草地，第三视觉中心是树干被阳光照亮的右轮廓线。

毫无疑问， 观众的注意力一定是被画面中的视觉中心所牵引的，一位美国画家用‘’流动‘来形容观众的注意力在画面上的移动，很形象。画家就是这个导演。

稀释颜料，单色大致涂一遍树干和草地的暗部，深重的叶丛固有色部位。 素描关系很重要，给自己做个提醒。

　 先从纯度最高的色块涂起。

上色顺序大致有两种：

一，从暗部开始涂的苏派画法，基于素描的重要性。

二，从亮部的固有色开始涂的欧美画法，现在的学生更熟悉的称呼是‘’国美‘’画法，基于色彩固有色的明确易辩识。

两种顺序各有千秋，我们选择初学者更易入手的欧美画法。

先把全画概括成尽量少的色块，类同版画。

树叶两个色块：透光的最亮的是一块，不透光暗些的是一块。草地是两个色块：阳光照亮的是一块，树荫下的草地是一块。背景是个商场，是一个色块。顶端露出的一线天，是一个色块。树干是一个色块。

大色块共七块，有整有散的在画面中交错分布，互相勾连。

必须明确区分它们之间的明度和纯度差异，不能含糊。

必须明确认识到它们之间的互相影响，形成色调。

绿叶，草地，占据画面的大部分面积，树干的固有色也是纯度很低明度较高的灰绿灰褐，只有背景商场是中等明度的灰蓝紫。

一幅生气勃勃的绿调画面无疑。

　 眯起眼睛，过滤掉无关紧要扰乱判断的细节，然后通过比较，确定几大色块的明度纯度对比关系，以稀释的颜色，放松的笔法，迅速把画面铺满，确立画面的色彩关系。

这幅画用的是丙烯颜料，速干，好携带，耐久，干后不怕水，是丙烯的优点。缺点同样明显，速干，基本无法渲染，限制了一些技法的运用。干后明度变深，得有经验预估效果。

不要难为材料，干它们不胜任的活，要扬长避短。

逆光下的树干处于暗部，用色暗薄亮厚，油画这一原则同样适用于丙烯。调好暗部颜色，大笔涂刷，一气呵成，会使暗部效果更透明，更有笔触情趣。

再强调一遍，这一步的任务是：稀释调好的颜料，以涂刷等放松的笔法，把画面主要色块填满。用笔松动，基本平涂，不拘小节，切勿扣琐。

尽量用大笔！

　 这是翻拍的大调子素描关系。

素描决定成败。

色彩三要素，色相，明度，纯度。

色相，色彩的相貌，这色是啥色。只要不是色盲色弱，看个红辨个绿的都没问题。难度在于纯度很低的颜色能否分辨色彩倾向，通过专业训练大都没问题。

明度，就是颜色的明暗深浅，也称为素描关系。如果说一幅色彩画的色彩是画面的皮肉，那么素描关系，也就是明度，就是它的骨骼。考前班的时候老师就讲过，一幅色彩画，色彩关系可以弱点，因为色彩相对主观的多，个体敏感性差异大，只要素描关系好，依然不失为一副好画，但是，如果素描关系完蛋了，单说色彩关系还不错，就是扯淡。

纯度，就是色彩的纯净度。一块颜色掺的其它颜色越多，纯度就越低，多到一定程度，连色相都改变了。比如一块大红，一块翠绿，掺和，开始红多绿少，还是灰红，超过一定比例，红彻底投降，变灰绿了。纯度练习，开始学色彩时就要下大功夫，色彩画中的火，焦，生，等问题都是纯度对比处理不当导致的。

色彩关系是由冷暖(色相，也叫色温)，素描(明度)，纯度三种关系组成的，是一个整体。色彩关系里包含着素描关系，无法抽离素描关系去说色彩关系的对与错。

素描关系不对，色彩关系肯定也错了。

有的画家喜欢高纯度的对比，有的画家青睐低纯度的协调。萝卜青菜，各有所爱， 只要素描关系成立了，纯度的主观运用就成了各种风格的重要招牌。

甚至，即便是色盲色弱，也并不影响素描的学习。考前班时有个师兄，素描超棒，跟他学了不少东西。很纳闷这位师兄为啥学画学到八年上，连个中专都没考上。学画的顺序都是先学素描后学色彩，四周后，陪师兄河边画风景，发现他的画面不管实景是啥色，画到画上通通是深深浅浅的蓝和绿。原来师兄是色盲。因为色盲，不辨红黄，小学都没毕业的师兄几乎注定无缘考学。后来听说一个很戏剧性的喜讯，这位师兄契而不舍的又去参加高考，竟然上了师专，那年代老师待遇差，设计院校考生人山人海，师范院校没人愿意考，那所师专全省招生名额二十四人，参考的考生总共二十三人。色盲画色彩画，画面的色彩关系肯定是谈不上了，但却是超级棒的蓝绿单色素描，也算一种风格吧。

　 消耗时间和精力最长最大的步骤，就是深入刻画。

深入刻画不是无微不至的扣索细节。

扣索细节对受过良好学院教育的画者来说，大都不是问题。

深入刻画的的难点是，在整体的力量和细节的精彩这两者间，做好平衡。

意犹未尽，适可而止，意到笔不到，等等，这些只可意会不好言传的意味，不是中国画的专利，西画同样讲究。

国内写实油画大师级人物冷军就曾说过，只要价钱合适，他的那些一年半载才完成一幅的超写实作品，可以毫不心疼的卖给藏家，但是那些一天完成一张的写生小品，不管啥价钱，一张也不想卖。

用画笔去和摄影技术比像素，现在也只有中国的一些画家这么勇敢了。

艺术一定有技术的成分，而且占比不小，但是画家自己要知道，艺术和技术的分水岭在哪里。

一般来说，一幅风景画的景深，通常概括成三个层次为宜：远景，中景，近景。

远近空间距离要拉开，无非运用四个手段：一，冷暖对比强与弱，二，细节刻画详与略，三，素描对比强与弱，四，边缘处理虚与实。

对比强就往前跑，弱就往后退。详细就往前跑，简略就往后退。边缘实就往前跑，虚就往后退。

三个景深的处理通常是：

一，远景，冷暖对比和素描对比都弱，细节简略，边缘虚化，物像平面化。效果退远。

二，中景，往往是画面的精彩所在，冷暖和素描对比都强，细节刻画详细，边缘对比实。‘’画眼‘，视觉中心一般都设置在中景。

三，近景，冷暖和素描对比关系可以强，但是细节一定要从略，从简，边缘对比也要尽量从虚，不要喧宾夺主，抢了中景的风头，让眼睛的注意力从容的越过前景，关注中景。

平均用力，炫技性的扣索细节，画面的视觉观感可能会很震撼，但是也会很累眼，很累心。

深入阶段，要大体分配下任务，按画面的几个主要色块，一部分一部分的完成，然后做好衔接。

写生时间一般都几个小时，跨度长，外光多变。可以参考物像上面的光影移动后的色彩组合关系， 去完善画面细节，但整体的形和色不要跟着光线的变化跑，不用说色，那会连形都跟丢的。务必牢记第一印象。

避免平铺直叙， 画面要有节奏感，节奏的最高音无疑就是‘’画眼‘’，这里集中了最强的各种对比处理。

要注意笔触的表现力，笔触运用的厚薄正逆疾徐形成的肌理效果，是绘画生动性的很重要的构成要素。

笔触的运笔方向也是营造画面动势的重要手段。

细树枝的刻画，用大笔的侧峰，书法用笔，缓慢写出。

透过树丛的点点天空，不要预先留白，大色块画完树叶后，用天空色擦点即可，称之为透。

　 几个小时的忙活，完成。

再次翻拍一下素描关系。

如果素描关系没啥问题，色彩的纯度对比强点弱点，就是调味剂，有人喜欢刺激，有人喜欢绵软，都不是问题。

很多的色彩问题，其实都是素描问题。

　怎样调色，比如，这块灰绿咋调，那块灰紫咋调，要从最基础的色彩明度纯度练习讲起。不做赘述。

　 画要有画味，哪怕我们画的就是写实，超写实，也尽量不要得意甚至陶醉于战胜照片的虚幻快感中。

在连厨师，理发师等技术工种都要向艺术靠拢的今天，画家，反而成了照片这种技术工种的粉丝，是不应该的。

有画味，是绘画不被摄影打败的关键。

也是绘画存在的理由。

　　附图几幅写生局部