浅谈国画意境之美在摄影中的借鉴

良子诗影

“中国画的神，不仅在画的生动，如活的一样，还要传达出一种境界、一种诗味、一种淡淡的寂寞、一种平静中的哀愁。”
～～～节选自朱良志先生的《曲院风荷》

非常喜欢上面这句话，对中国画、甚至是中国艺术的审美都有很高的概括。

我们经常在欣赏一幅画或者摄影作品时，会不由自主地评价：“哇，好有意境”，“好有感觉”。“感觉”这个词，其实就是符合中国审美的一种高深的意境，“意境”其实就是一种符合中国审美的感觉。哈，这样说话是不是很绕口啊？其实“意境”这个词，在中国人心目中已经是一种常识，就像我们问一个人，什么才是美啊，其实很难回答。我们今天就试着解释一下“意境”这个词，结合摄影中的一些感悟，给大家聊聊。

如果你要想理解中国画的审美，必须要了解中国诗歌。中国传统审美里，诗画同体。诗是无形的画，画是有形的诗！比如对于梅花，“遥知不是雪，为有暗香来”，很多画的境界是能表现出花的香味，一幅好的梅花图，看画的人似乎能闻出梅花的香味，而且这种香味是暗香，是含蓄的表达，而不是香水般的味道，这就是诗和画的关系。所以我们说意境，在诗和画中是相通的。这也是为什么我一直强调自己的目标是诗意摄影，而不是画意摄影，我的目标是学习诗意中的意境，而不是绘画的表现方式。估计我拍的照片外国人是很难真正欣赏的，也是这个原因吧。

另外一个很重要的方面，中国画强调的是人格化，画作不仅物的形态的体现，更是心灵、心境的映射。我有孤心明月，则画面清净神明；我有淡泊明志，则画面空灵幽远。中国画的意境的有多远，其实是你内心境界有多高，所以中国画的审美，实际上是做人有很大关系，同时受道与禅的影响，含蓄、委婉、宁静、淡泊、幽冷、清高、孤寂、隐逸等等，都是中国君子心境的追求和向往，这也构成中国意境审美的基础。

下面从几个纬度谈谈个人想法。

1、香气。

香气和审美有什么关系呢？首先中国画特别是文人画是一种自我表达，笔墨纸砚是工具，画本身是载体。从诗经里的“兰之猗猗，扬扬其芳”，到屈原的“香草美人”，香，其实演化成自我高洁品性的指代。以香明心志，是诗歌中常见的形式，比如陆游的“零落成泥碾作尘，只有香如故”，香是高洁灵魂的表现形式，更是一种内心品性的载体。所以，意境是一种拟人化的存在，类似于修辞学中的通感，画面的美不是普通的美，是代表着某种美好品性的美，这是意境很重要的一点，比如画梅花，更多的是表现梅花耐寒、清高、孤独的品性，通过画面来表达梅花的这种“暗香”，而不是一味地表现梅花色彩、形态等，更多的表现人格。所以即使再绚丽的色彩，也未必能表现出意境来，就是因为偏离了这个方向。对于摄影来讲，拍摄一个对象，比如梅花，首先要理解梅花在中国审美中的人格意义（具体的人格意义请参考拙文《浅谈梅花摄影》），所有的拍摄的目的，包括构图、用光、用色以及后期都要围绕着这个人格意义，比如表达梅花的孤独，可以在构图上选取单枝梅花，同时形态要能表现出梅花的倔强等等。

2、宁静；

中国艺术的审美是以道家哲学为基础的，道家强调虚静无为，静为噪君。哲学家讲的静，不是静止的静，更多的是指心灵的宁静、平和，甚至是无欲无求。中国画的审美，更是以静为美，你看倪云林的山水画，寥寥几笔，勾勒出一片宁静之境。个人感觉，中国画的基调是“静”，而西方画的宁静之感相对弱很多，特别是中国水墨画，其本质上就是宁静的。对摄影来讲，怎样更容易表现“静”呢？一方面色彩成分要尽量少，不需要纷杂的色彩，这也是摄影的减法之一。构图留白多，给人更多的想象空间，所谓宁静致远，这个远不是距离上的遥远，是让人想象的更广更远，这是个心理概念。最后，有时候静需要动来点缀和衬托，比如“人闲桂花落，夜静春山空”，桂花落是动，这个动却能更加衬托作者表达的宁静。

3.含蓄；

含蓄是中国文化里最具特色的吧，我们总是很委婉，不喜欢直白，我们看苏州园林，一进门，要么设置屏风、假山，要么曲径通幽，总之不会让你一览无余，这就是含蓄之美。我们喜欢雾里看花，我们喜欢虚无缥缈，我们喜欢朦朦胧胧。你看中国山水画，基本都会有云雾相伴，画高山，只要山腰有云雾，山才能显得感，更显得有仙气，这是含蓄朦胧的效果。含蓄让人捉摸不透、让人想入非非，从而达到深度审美的目的。摄影中表现含蓄朦胧的方式很多很多，前后景虚化、多重曝光等等，有兴趣可以参考拙文《浅谈摄影中的虚实表现手法》。

4.冷寂；

冷寂就是寒冷寂寥，我们老说什么什么很“高冷”，高处不胜寒，身处高位的人很冷寂，境界很高的人也很冷寂。中国文人骨子里是高冷的寂寞的，因为优秀的人总是寂寞孤独。“寂寞沙洲冷”，这里面有多少难以说出的孤寂和高冷？中国画的主色调其实也很冷色调的，水墨画本身就是冷色调的，这和西方画的暖色调大不相同。对于摄影来讲，表达意境，冷的基调总会更接近意境，当然也不是说一定要全部冷色，即使有暖色，也是为冷色服务的，或者说是衬托冷色的，这点比较好理解啊。

5.孤独;

孤独和冷寂有点接近。人生而孤独，而且清高的灵魂总是卓尔不群。扬州八怪是孤独的，被称为“怪”的人怎么会不孤独，你看郑板桥的竹，那种桀骜不驯，不一不彰显着他内心的孤独。你看八大山人的花鸟，一孤鹰翻着白眼，傲视众生，这又是怎样的倔强与孤独？摄影中能表现孤独的手法也不少，但不是一种方法就能表现，比如我们可以使用少和孤的意象，搭配极简的构图，也可以通过喧嚣来衬托孤独等等。

6.空灵；

空灵是中国审美里极为独特的存在，好像西方画没有这个概念。这又得说到道教文化，道家认为“无”生万物，“空”的作用比“实”更大，所谓“计白当黑”、“无画处皆成妙境”都是强调空的作用，国画中的留白，其实就是一种“空”，空而通，则灵气必现，空灵注重言外之意、画外之韵。对摄影来讲，留白是表现空灵之气的手法之一，虚实也是。

7.残缺；

很多画家都喜欢画残荷，还有更多画家喜欢画枯枝，文人喜欢太湖丑石，还有“花退残红青杏小”的千古佳句，这些意象都是和残缺相关。西方也有残缺之美，比如维纳斯的断臂。残缺之美在中国审美里尤为多见，残荷之美，可能是感慨生命之轮回，残花之美在于与鲜花强烈之对比。残缺的目的不是为了残缺而残缺，是为了歌颂生命，歌颂轮回，歌颂自我牺牲，这是另一种境界吧。

8.和谐；

中国文化就是和谐的文化。和谐之美不仅让读者心理平衡、舒服，也可以是表现意境的好手段。西方人的黄金分割点是一种和谐之美，这更多的从构图上的和谐，画面的均衡性才是心理上的和谐，而归于自然、天人合一才是灵魂上的和谐之美，中国画的意境里有返璞归真的野趣之美，也有天人合一的真趣之美。对于摄影来讲，均衡对和谐之意境作用很大。

9.归隐；

每个中国文人心中都有一片后花园，有人归隐田园，如陶渊明，有人归隐湖泊，比如范蠡的渔隐，还有人归隐闹市，比如苏州私家园林。每个中国文人都有终极的心灵归宿，归隐的情怀就是他们最终的心灵归宿。大隐隐于朝，中隐隐于市，小隐隐于野，归隐是最后的精神避难所，归隐是最后的精神家园。梅兰竹菊是归隐，一叶扁舟也是归隐，大家有没有发现，为什么中国山水画一般都会有扁舟呢？为什么李白会说“人生在世不称意，明朝散发弄扁舟”呢？为什么苏东坡会说“小舟从此逝，江海寄余生”呢？后来才渐渐明白，小舟代表着归隐，就是“渔隐”之喻。对于摄影来，讲选取这些代表归隐的意象，本身就可能表现归隐，比如江上小舟。

后记：

写这篇文章的初衷是因为近两年不少朋友跟我交流，常会这么问，说自己拍的照片，无论构图、用光还有色彩搭配都很不错，但就是缺少感觉。于是就像写一篇关于意境的文章，希望能结合摄影做个简单的阐述。没想到这是我花费最多时间的一篇文章，一方面作为理工男来讲，对文艺和审美确实一知半解。另一方面，我的摄影水平太难诠释中国审美的博大与高级，所以这些照片实在配不上中国的意境之美，但鉴于版权，只好硬着头皮放上来了，期待后续能拍出更多真正有意境的照片，在此共勉。

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