艾力江对中国画的几点感受

艾力江

艾力江·买买提关于对中国画认知的几点学习感受 

总论

一、首先认识中国画的平面意识、线意识、联想意识，作为认识中国画的传统标准。

中国画作为一种民族形式，是由五千年的深厚文化作为基础的。线造型是中国画区别于其他绘画形式的主要特点之一，它具有独特的审美意识和富有精神内涵的个性表现，中国画是用线条所表现的，要有平面意识而不是立体意识，是二维意识。

那什么叫“意”呢？我们在评论中国书画时，常常说：“意在笔先、画尽意在”、“笔断意连”、“立象以尽意”等等。“意”，指的是画家的思想、感情、意念、意义、理想。“意象”指的是以意成象，成为艺术形象。画家在观察大自然和观察社会过程中，产生了思想感情。有了新的意念，要创作出有意义的理想作品。于是把客观事物精粹部分集中起来，经过高度艺术加工达到情景交融，物我两忘的境界。这就是中国画的意象绘画艺术。

关于对表达物像造型的特点要求：需要更多体现的是哲学的、文人的、抽象的、情感投入的文人情怀，且要求对物象熟记于心、文学性的高度理解加以提炼而升华的联想艺术，称之为意像艺术，这是中国画最为突出的表象。

对比来看西方绘画是在同一时间光对物体固定照射所产生的，是色彩堆积的肌理所表现出的具象的艺术，是三维意识，是具像艺术。

中国画、西方绘画是两个体系，可以互相吸收，但不可相互转换，可以吸收对自己有益的部分但吸收不等于变成对方，必须保持各自特点。

二、中国画的主要特点

1、 中国画讲究文学性，中国画是诗中有画、画中有诗，是表现诗、书、画、印的综合体的绘画艺术。诗境是中华民族传统美学思想的重要概念，是中国画的至高审美准则，更是中国画追求的一种艺术境界。历代优秀的中国画作品，均以其独有的笔墨语言向世人展示了诗境之美，表现出了中国画的独到之处。诗境美是中国画的核心所在，是中国画的精髓与灵魂。唐时王维开创了今天的水墨画，并且最早提出“诗中有画”。他的诗能让人感觉出画意。宋苏轼也推崇“诗画一体”的观念时说：“古来画师非俗士，妙想实与诗同出。”黄庭坚赞美李公麟的画：“断肠声里无形影，画出无声亦断肠”；而李公麟也将自己的画比为作诗：“吾为画，如骚人赋诗，吟咏性情而已。”实际上每一张画，只要是好画，它都有诗，我们常说“画要有意境”，意境就是诗。不妨简单回顾一下中国的传统绘画。中国的传统绘画千余年来一直是被一些业余画家统治着，业余画种占了主导地位，即所谓的“文人画”。可以理解成小桥流水，轻歌曼舞，也可以理解成史诗、记事诗。还有许多反映生活多画面的东西，不仅仅是云淡风轻。诗本身就是生活精华，画也是一样的道理。关键要有自己的文化认识、时代精神。

2、 中国画对物象高度的提炼，是理解之后的文学形象，中国画造型特点，我比较赞同齐白石提出的“不似之似似之”的观点， 关于造型的特点：需要更多体现的是哲学的、文人的、抽象的、情感投入的文人情怀，且要求对物象熟记于心、文学性的高度理解加以提炼而升华的联想艺术，称之为意像提炼出来造型。

由此我们得到意境概念，怎样才能获得意境呢？我以为要深刻认识对象，要有强烈、真挚的思想感情。

意境的产生，有赖于思想感情;而思想感情的产生，又与对客观事物认识的深度有关。要深入全面地认识对象，必须身临其境，长期观察。例如，齐白石画虾，就是在长期观察中，在不断表现的过程中，对虾的认识才逐渐深入了。也只有当对事物的认识全面了，做到“全马在胸”、“胸有成竹”、“白纸对青天”、“造化在手”的程度，才能把握对象的精神实质，赋予对象以生命。我们不能设想，齐白石画虾，在看一眼画一笔的情况下，能画出今天这样的作品来；而是对虾的精神状态熟悉极了，虾才在画家的笔下活起来的。对客观对象不熟悉或不太熟悉，就一定画不出好画。

写意是中国画的又一个主要特征，中国画要求默写能力，记忆能力要强，作画之前要酝酿，做到意在笔先，落笔后与原想的章法不符，可稍加填补，或成一幅画，加以修改可能很好，成为佳作，有时心中无数，边想边画，也可能画出好作品，常有意外墨趣，生发意外之妙！这才是写意之感觉。

画好中国画要“行万里路 并记于心”对于形象的高度理解和概括，注重高度提纯，绘画语言是以可视形象，反映客观事物，造型能力不好等于没有绘画语言。造型能力：指对形象、轮廓、明暗、层次等的描绘能力，即对客观事物的刻画要准确。提高造型能力，是画好中国画首要的前提。

线是中国画的主要表现技法之一，也是中国画最重要的特点，更是中国画的基础。无论是传统中国画，还是不断演进中的当代美术创作中的新理法，线造型的含义与性格都折射出中国人观察事物的独特眼光，更是阐明了中国绘画艺术注重人的理性精神，注重人与事物之间的关系。中国画对线条的要求是骨法用笔,书画同源——中国画讲笔法、讲韵律 、平面意识、二维意识、线的粗细不代表什么，只是造型方式，但要讲书法美。练习书法是一辈子的功夫，不可间断。不练书法，很难画中国画，更别说写意画了。西画是画画，中国画是书法如画，是写画，一世兰，半世竹等等，从兰竹上最能看出书法的功力和修养。

中国画讲能写而不能描，不可涂改性，所以书法、绘画有表演性，造型、气韵、力度、情感、讲艺术的抒情性。

关于中国画用墨、色—中国画里“墨”是只用单一的墨色也可使画面产生色彩的变化，完美的表现物象。

中国画提倡水墨唯尚，墨有淡墨、浓墨、焦墨、宿墨。中国画是以墨为主，其实，在中古时期以前是以各种颜色为主的，直到魏晋以后，中国画受宗教的影响，特别是受老、庄思想的影响，开始把黑颜色——墨，当成主色。为什么呢？因为黑者，玄也，玄，就是道学思想，玄妙，玄想，是老、庄思想的反映。把世界缤纷复杂的色彩提炼归纳到纯真——黑，这黑色所包容的内涵十分丰富，再加上一个白，和黑与白之间的灰，就更是含蓄、深沉而莫测了。墨分“五色”，即干、湿、浓、淡、燥，加上白就是“六彩”其中干、湿是水分多少的比较；浓、淡是色度深浅的比较；焦在色度上深于浓，白是纸上的空白，二者形成对比。墨使用的好，会使画面斑斓多彩，绚丽有情。

中国画施色要求，是随类赋彩,着色宜细心思考后方能施行，不可盲目乱着一通。用色不在多，而在于一色之中能变化，有深浅明晦。一幅画中用色乃辅助墨色之灵活，若使用不当反而成为赘疣。要色不碍墨，墨不碍色。用色不宜过于复杂，一幅之中青黄杂沓，失去韵致和朴实之气，虽云华丽，然而华则易俗。色以辅助笔墨，不可依靠色彩而惑人与自惑，要色与墨两无碍。用色宜有浅深明晦，以求色之变化，以使画面增辉。用色要朴实有韵，不可青花杂沓，令观众眼光满纸乱跳，触目惊心。一幅画中，以墨为主，以色为辅，不可依靠色彩为主，宾主倒置。随类赋彩是指一种色调搭配，体现色彩本身的美感，讲的是色不碍墨、墨不碍色，色彩不能厚，色彩要入纸内讲材质，墨为主，色为辅，互为宾主，二者最终都要为整幅画面意境服务。

置陈布势即构图的方法，中国画讲势即构图。意境和意匠，是山水画的主要的两个关键。有了意境，没有意匠，意境也就落了空。杜甫说“意匠惨淡经营中”，又说“语不惊人死不休”。诗人、画家为了把自己的感受传达给别人，一定要苦心经营意匠，才能找到打动人心的艺术语言。特点是视点移动，对物体多方向的观察，细致的揣摩，记忆景象，对美好的物体进行回放。要求是二维意识，联想意识，贯穿始终。

传统绘画中称为章法，即南齐画家、理论家谢赫在其著作《古画品录》中归纳整理，被称为“六法”之一的“经营位置”，绘画，就时间而言是凝固的、有限的，就空间而言是二维平面的，有边界的，因此构图也就是将无限的立体结构转换成有限的平面结构，这种转换过程，本质上是一个创造过程。通过对古代中国画构图规律的阐发，结合自己的创作体会，总结了从画材的搭配安排、取舍组合，到构图中的宾主、虚实、疏密、对比、呼应、交叉、参差、三点关系、三角形的运用、平行线的问题、重心、斜正、画眼、背景、空白处理、四边四角、气脉、开合、不平衡与平衡等具体的构图规律，以及提跋、印章在构图中的作用，使得中国画相当全面而具体。

构图有长的、宽的、圆的、扇面形的很多种。我们认识中国画构图要像飞一样，不易太老实，老是那么一两个式子，讲意象形式，构图讲横势、竖式等。主要表现在视点的移动的观察方法的形式感受，有点天眼看世界的感觉。

处理画面要知白守黑、虚实关系，墨主要是处理物象的，知道拥白，才能更好地处理黑处，黑的东西向前走，白的东西像后退，显示一种“平面美”。浓、淡、干、湿、焦组合在一起，不仅要表现平面的，还要是立体的联想意识。

中国画表现透视的问题主要是体现宾主问题，用虚实的办法，交搭表现前后层次。以对比关系（高矮、大小、胖瘦、深浅、斜正、黑白、疏密、多少）等相互回应。“齐与不齐三角肱”，是黄宾虹先生提出的构图技巧，要把不同的三角曲线串联于整副的作品中，使之成为S曲线，也是我国道教上的八卦文化特点，是在空间中的流动，即开合，是无定性的，万变不离其宗，画面自然形成三角造型中，切忌等腰、等边、直角，一定要破之。

工笔是以形写神，是高度提炼的象。

写意是以神写形，是在形的基础上又回到了型，是相互的又是逐步递进的，转化成为精神感受。

学国画首先要有“工”需要大量练习，才能才能达到形神兼备。

意象造型的特点是：

记忆性 概括性 含蓄性（要有诗意般的意境） 情思性（造就一幅好画，给人以启迪）

最后是关于中国画线的理解：中国画用线感觉要从书法中来，加以感情的投入，线是点在空间的流动，国画的线是：意味的、书写的线，有时空性、有思想情感的，画线时心灵中有平面感，以平面的意识展现出来，而产生程式化线条。如十八描、钉头描、柳叶描、铁线描、随意描等，以及各种皴法：马牙皴、斧劈皴、荷叶皴等都是传统的总结。

最后讲一讲鉴定好画的标准：画好在哪里，一直很难对答，然而归纳起来，看着不外三点：即看他的气象、笔墨和韵味，这三点如果达到较高标准，即是好画，否则就不算好画。

我们看一幅画，拿第一个标准去衡量，看他的构图皴法是否壮健，气象是否高华，有没有娇柔造作之处，来龙去脉是否交代清楚，健壮而不粗犷，细密而不纤弱，做到这些第一个标准就差不离了。

接下来第二个标准看他的笔墨风格既不同于古人或并世的作者，又能在自己的独特风格中多有便变异，去掉陈规旧套，自创新貌。而在新貌之中，却又笔笔有来历，千变万化，使人猜测不到，捉摸不清，寻不到规律，但自有规律在。做到这些，第二个标准也就通过了。

第三个标准要有韵味。一幅画打开来第一眼要有一种艺术的魅力，能抓住人，往下看，使人玩味无穷。看到之后，映入脑海，不能即忘而且还要想看第二遍。气韵里面，还包括气息。气息近乎品格，每每和作者的人格调和一致。一种纯正不凡的气味、健康向上的力量，看了画能陶情悦性，变化气质，深深的把人吸引过去，这样第三个标准也就通过了.

不管学什么专业，不博就不能全面，对这个专业阅读的范围不广，就很像以管窥天，往往会造成孤陋寡闻，得出片面偏狭的结论。只有得到了宽广的专业知识，才能融会贯通，举一反三，全面解决认识中国画问题。 

最后，我个人主张学习中国画要向清代石涛学习，多临摹体会石涛的作品，石涛是清初伟大的画家，原姓朱名若极，号大涤子、原济等，是明靖江王朱享嘉之子，与朱耷、弘仁、髡残合称“清初四僧”。他的绘画注重感受、探索与革新，他的美学思想更是影响深远。中国古代的画论大多局限于笔墨技法的探讨，石涛的“一画论”不仅仅是技法的探讨，他把笔墨提高到了“法自我立”“从于心”的高度。石涛的《画语录》是自宋以来中国绘画艺术美学理论极为深刻的巨著。石涛山水不局限于师承某家某派，而广泛师法历代画家之长，将传统的笔墨技法加以变化，又注重师法造化，从大自然吸取创作源泉，并完善表现技法。他精通“儒、道、释”哲学思想并以此为支撑提出了“一画论”的美学理念，更可贵的是他从自身的艺术创作实践出发深刻地论述了“传统”与“创新”的关系，不仅抨击了当时保守复古的只知有古而不知有我的泥古不化之风，提出“我自用我法”重新正确地揭示了艺术创作的规律。至今仍为中国画的革新精神具有典范作用。

​我相信通过以上关于中国画的正确认知，一定会画好中国画。

艾力江·买买提

新疆美术家协会副主席

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