上海当代艺术博物馆～迎新

扣扣

趁新年的小长假，逛逛惦记已久的博物馆。最冷的时节，大烟囱上的温度计显示的是3度。排队时已经开始飘雪……当代艺术作品真心看不太懂，对于参观者的我来说，说什么提高艺术修养、增强艺术鉴赏力之类的，都太虚伪了^-^我也就是开开眼界，通过视觉、听觉体验一个过程，在过程中用自己的理解和想象力取得一些平时没有时间想或根本就想不到的感知罢了……

上海当代艺术博物馆（Power Station of Art）成立于2012年10月1日，是中国大陆第一家公立当代艺术博物馆。同时，上海当代艺术博物馆也是上海双年展的所在地。

它坐落于上海的母亲河黄浦江畔，占地4.2万平方米，展厅面积1.5万平方米，内部最高悬挑45米，高达165米的烟囱既是上海的城市地标也是一个特别的展览空间。

上海当代艺术博物馆建筑由原南市发电厂改造而来。它不仅见证了上海从工业到信息时代的城市变迁，也挥别了对能源无度攫取的过去。其粗砺不羁的工业建筑风格更是为艺术家的奇思妙想提供了丰富的可能。

作为新城市文化的“生产车间”，不断自我更新，不断让自身处于进行时是这所博物馆的生命之源。上海当代艺术博物馆正努力为公众提供一个开放的当代文化艺术展示与学习平台；消除艺术与生活的藩篱；促进不同文化艺术门类之间的合作和知识生产。

大冷天的，人还挺多，上海人热爱艺术，一进门就看见两辆四脚朝天的车，第一反应可能就是，告诉参展者主题是：颠覆……(^^)

这是一种特别的平衡吧！相信参观的人中也会有想去秋千上荡一下的冲动，可能这种冲动就是在担心打破那个平衡会带来什么后果的疑虑中慢慢消退……

看起来就是制作石膏艺术品的模型与制作过程

与规整的地球仪不同。地球🌍的变迁而非常说的大陆块的漂移那么简单，还有人为的战争、人类对大自然的掠夺和伤害……面目全非的地球

怎么也没有看懂这么多面孔怎么就是下面描述的那些人物呢？

空空的白色圆形空间，每个不同时刻的指针，难道是描述一个人时间、空间的不同经纬的思想和情感吗？

一个难民儿童的四张表情的相框，充满整个一个房间。看了很久，还是没有想明白为什么都是一样的放那么多干嘛？

后来恍然大悟，是不是创作者的意图就是要表达像这样在苦难中的人还有千千万万、更多更多呢……

接下来的题材是面具，与介绍的内容不同，可能无论多么亲密的关系，哪管相伴一生，可能每个人还是有一层揭不掉的面具吧……将自己内心深处的世界深深隐藏起来……

隐藏于环境之中，抑或被环境而吞没，却全然不知……

这是墙角的艺术，不知道表达什么。难道是让老鼠🐁认为自己的前途很开阔？

视频中一个人在空旷的空间里面呼喊嚎叫、做着各种动作。想象一下，人在一个密闭空间真的会疯掉的……

消音的交响乐，让我们发散思维和想象力……

这是不是就是人生的最高境界啊？无脑、不用思考……吃、喝、拉、撒足矣^-^

现代艺术和当代艺术有什么不同？

现代，当代。当代，现代。这些术语经常互换使用。那么，它们之间是否真的存在什么差异呢？如果存在，那又是为什么呢？ 

有一个简单的答案：时间。现代艺术出现在当代艺术之前 。大多数艺术史学家和评论家认为西方的现代艺术始于19世纪60年代左右，一直持续到二十世纪60年代。相对的，当代艺术指当下创造的艺术。但如何定义“当下”又是一件很困难的事。当代艺术是指那些活着的艺术家创作出来的艺术吗？还是指我们在有生之年创作的艺术作品呢？抑或是艺术家在创作中引用了或结合了当下的文化？甚至也许是以某种方式解释了“当下”是什么的艺术？总之，当代艺术的开始时间可能是自相矛盾的，但被普遍认为是1960年代或者70年代。

但除了时间上的区别以外，当代艺术和现代艺术，在媒介、方法上也有很多区别。同时，当我们谈论现代艺术和当代艺术时，事实上我们也在谈论着很多不同的运动和形式，从后印象派，到达达主义，到波普艺术，再到装置艺术。

因此，首先让我们来看看现代艺术 。当我们看到印在茶巾上的莫奈的作品和饼干罐子包装上的塞尚，我们很难想象，这些画曾经是如何的激进，给那个时代的人们带去过怎样的震撼。现代艺术和“现代派”彻底背离了过去的种种艺术类型；它拒绝传统的视角，具有创新性。 

许多艺术史学家认为爱德华·马奈是第一个“现代”艺术家——尤其是他在1863年创作的绘画《草地上的午餐》。因为这幅画没有试图用写实和立体的手法去描绘场景。马奈的人物们就好像一个坐在另一个的头顶上一样；那个在小河里沐浴的女人几乎是悬在另外的人物的上面，就好像她随时会从高处落下，落到他们的圈里一样。马奈的作品也因为画面中的明暗区域缺乏阴影的过度和题材“卑微”而被批评。 

这个与试图精确描绘表象世界的艺术背道而驰的运动，引领了一个新的艺术时代，它包括印象派、后印象派、Japonism、野兽派、立体主义、未来主义和，表现主义。 

到底是从什么时候开始，我们了解的艺术变成了一堆砖块和价值一万美元但又看不见得不到的作品呢？ 

在现代艺术和当代艺术的过渡中的迷你转折点——“抽象表现主义”开创了一个新的运动。这个运动远离画面的内容，转而关注艺术品的创作过程本身。以Jackson Pollock为例；他叼着烟在画布上移动、泼洒颜料，其创作过程就是艺术品本身。这个运动是通往如今我们认为的当代艺术的路上的一个小小的垫脚石。 

在20世纪60年代和70年代发生的剧变，也带来了我们在艺术创作和思考上的革命。许多现代主义艺术流派，包括抽象表现主义，都很严肃地看待自身，把特权赋予艺术家的“天才”。然而，波普艺术、极简主义艺术、概念艺术和行为艺术却完全颠覆了这一点，用讽刺的笑容审视现代主义对艺术的先入为主的观念。相比于美和形式，艺术家们对艺术品背后的概念产生了更多的兴趣。所以艺术现在总是采用各种不同的形式，例如影像、表演、装置等等，并且经常在画廊或者传统的艺术空间以外的地方延展开来。 

当代艺术的一个重要组成部分，不是绘画的笔触，也不是大理石的雕刻，甚至不是艺术品本身，而是艺术品给观者的印象。当代艺术作品往往更关注艺术作品带给观众的影响和体验。对于许多评论家和艺术理论家来说，是我们在定义艺术品是什么。在某些情况下，艺术品只是由经历过它的人组成的，就像许多表演和社会行动项目一样。 

在当代艺术中，常常被提到这样的问题：“这是艺术吗？”或者被评论说“我四岁的孩子也能做出来”。但有趣的也在这里，他们的作品能够引发这些问题也正证明了当代艺术家们在履行自己的职责。为什么这么说呢？因为许多当代艺术正是在拷问我们“美学”是什么。美学是关于一样事物成为艺术的缘由的哲学探究。所以，当我们在艺术画廊看到一块砖或是一个小便器，那其实是艺术家们在试图让我们思考：他们的作品是艺术吗，如果是艺术，那又是什么让它成为了艺术呢。 

当代艺术经常是一个拓宽边界的实验，并总是思考艺术是什么，艺术可以是什么。所以当你说：“这是艺术吗？”这正是艺术家希望你能发出的问题。