中央美院美术馆_纯粹的美感体验

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中央美术学院美术新馆由日本著名建筑师矶崎新（ARATA ISOZAKI）设计，人们津津乐道美术馆呈现的空间有机性的同时，也对建筑师超越现实的理想化设计产生质疑，不可否认，这是一个极富个性且充满魅力的设计，借北京国际摄影双年展之机，走进美术馆，与之来个“零距离”接触。

一进美术馆，迎面而来是一个从底到顶上下贯通毫无掩饰的空间，大厅矗立的醒目的“标识柱”增加了空间的竖向感。

经过前台直接进入展厅。

展厅左侧尽端，首层到二层的坡道，也是左侧唯一的坡道。

站在这个位置向上拍，顺应曲面屋顶的透光体吊顶增添了入口大厅的艺术感染力。

转过身来同一位置向上拍，镜头中的二、三、四层平台很有构成美感。

展厅右侧的坡道，连续的 Z 型坡道一直通往美术馆顶层展厅。

坡道将视线最大限度地向空间尽端拉伸，产生强烈的中心点透视，远方的人物剪影使画面活泼起来。

上层坡道底部也为下层坡道的提供顶部照明，四坡道同框，空间中呈现双Z，很有意思！

上下坡道左右并列。简朴的材质、简洁的构成，空间中无任何多余装饰，纯粹的建筑表现图。

左边通往顶层的坡道侧墙上，有一组题为“空间的有序和无序”的雕塑，据创作者介绍，说是受达达艺术的启示，用新的艺术语言表达新的艺术形式。用抽油烟机的风管材料附着于墙体表现蠕动的发亮的“金属虫”，这种光怪陆离的超现实“艺术”对我来说没有丝毫美感。什么艺术家对材料试验性的转换，对造型艺术存在的把控，对这些煽忽文字我真的理解迟钝，只感到它有些妨碍走道。

一层斜坡的侧墙上光影很有韵律，几何方洞恰似“景窗”，也让人很容易想起至上主义终级性的绘画作品《在白色上的白方块》，神圣的白色成为光的化身。

坡道，不仅是展示空间的过渡或展示主题的转换，其缓冲属性所形成的渐变，也给观者提供交流间歇和情绪调节。

透光的天窗张拉膜消除眩光柔化光线给大厅提供了充足的照明。

每每缓步坡道尽头，都会产生一种奇妙的猜想和心理期盼。

你也可以通过坡道一端错层楼梯步入跨层展厅。

楼梯直接连接展厅，过渡非常自然。

楼梯的扶手采用玻璃面板j金属镶边，其线面构成延续空间简洁的效果。

你可以在上下楼的行进过程中俯视展厅。

透明的玻璃栏板也保证了视线的贯通。

直跑楼梯抵达顶层展厅。

纯粹构图表现：线条和色块。

纯粹构图表现：影调和虚实。

坡道拐角处的等候，大挎有些夸张，像工具袋。

曲线，不仅是引导，也意味着自由和期待。

与曲面墙呼应的小展台很有意思。

换一个方向拍摄。

《The Return of Significance》画展主题让人产生思考。

行走的女孩擦点被“淹没”，地面上的“画中人影”很生动。

当下时髦的表现手法，“关联摄影”。

闭目回味的瞬间！

这对情侣很浪漫，拍摄时也搂抱着，仔细看墙上影子的重叠。

这幅《大卫》头像格外引人注目，这是油画系第三工作室当今“掌门人”俞红学生时代（大学一年级）的习作，具有坚实的素描基本功。

一身黑白灰，头扎兔儿结的女郎正在仔细观赏这个用不同材质构成的立体画作。

满桌都是大清国慈禧太后的老照片。老佛爷也是一个爱美之人，并且疯狂地迷恋拍照。

展厅的地面、墙面和屋顶的边界是模糊的，整个空间失去维度，没有转角和面的转换，而只有渐变。

在没有限定的模糊空间里，一切都显得不可预测，不同的展示可能随时发生。场所中的“人文景观”不错，这位时尚的黑衣女子颇具与环境相宜的艺术气质。

与空间协调的天然采光（泛光吊顶）结合人工照明（组合射灯），堪称美术馆照明设计典范。远处那风度翩翩气宇轩昂的黑衣男子也格外引人注目。

小三十万的飞思(PHASE ONE)中画幅像盒子炮随意地晃荡在腰间，弄得我都不好意思近前拍照了。

这是站在四楼顶层平台处俯拍入口前台。

这是站在二层平台处俯拍入口前台，小女孩察觉后对我莞尔一笑，让我很是开心！

首层展厅与走道。

首层展厅与走道。

首层展厅旁电梯。

通往地下层的台阶厅，两边是走道。中间可歇息，也可以像这样临时布置展台。

台面上展示的是图片和视频，参观者随意穿行台阶间。

观者正在操作视频，与其互动。

走道一旁的玻璃隔墙内是中型阶梯会议室。

置于首层，正对台阶的一尊雕塑。

连接台阶底部的是咖啡厅。

站在入口引桥上看地下层咖啡厅室外（下沉庭院）。

有机的空间形态，无定式的空间组合，美术馆内部散发着浓厚的现代气息。

美术馆内不时见到摄影爱好者，瞧这两位，在坡道顶端支上相机 “守株待兔”。

这是展厅旁独立的楼梯间，并不需要指示牌去寻找，它自然出现在需要的地方。

楼梯间照明的处理方式也是很讲究嘀！

有美女出镜，画面就生动多了！

角度稍微偏一点，注意空间中点线面元素的构成、包括踢脚、墙裙、扶手面等材质和色调的处理同样纯粹简洁，也呈现了精确的细部设计。

从这个角度可以看出Z型直梯与坡道的空间关系。画面中的人物也很有趣！恰到好处，有点像建筑画中的人为“配景”！

这幅更加清楚。保安尽职尽责，也有些闲的无聊！

直梯上驻足的女生或许正在欣赏男生头顶上的“揪揪”，美院学生都很“individuality” ！

同一场景，这张时机也抓得不错！

外墙覆盖的灰绿色的岩板呼应到了室内，与走道一侧的玻璃和钢栅材质形成对比。

位于坡道旁的外部电梯。

或是工作人员的内部电梯。

展厅随拍。

展厅随拍。

展厅随拍。

展厅随拍。

展厅随拍。

展厅随拍。用破旧的窗框做画框，是一种什么暗示或情景体验？

黑箱中有一只小手电，掀开黑帘，将头深入其中，打着手电在黑暗中欣赏画作，搞得很神秘，这是一种场景体验吗？迷惑！远处是“插电装置”，画作在光色变化的平面镜框中展示，新奇！

以视频媒介表现的艺术，在我看来已经失去在美术馆展示的意义，还“一本正经”地搞个木箱罩住，强调是“艺术”吗？依然一脸懵逼呀！

与五花八门的“装置艺术”的表现手法相比，恐怕人们还是习惯感受和欣赏绘画、雕塑这些传统的、或更加纯粹的艺术表现。

以下是中央美术学院校园随拍。

校园规划采用院落式中低层展开布局，也是为了满足大量画室需要天窗采光的特色功能。

下沉式院落，教学楼之间采用廊道相连。

坐落于院落中的院史馆，也是一座对外开放的 “美术馆”，馆内存展了大量与美院史料有关的、或具有特殊意义且非常珍贵的艺术作品。

校园随拍。

校园随拍。

校园随拍。

校园随拍。

校园中心广场。

学术会堂。拍摄其间，正值中央美术学院举办建院100周年院庆活动。

学术会堂内景。

广场一旁角落上的 “聊天台”。

广场旁的教学楼，教学楼前放着罗丹的“思想者”雕塑。

从“思想者”雕像的侧背面拍过去。

这个歪果晓神很是“潇洒”，背包朝地下一撩，一屁股坐在“坑”里，动作熟练果断，不带一点犹豫。

美院学生满是图案文字的服装很潮，是自己的作品吗？

徐悲鸿雕像。据说，纪念中央美院知名艺术家的人物雕像有30多尊，散布在校园各处。

学生宿舍采用深灰色的青砖墙，与校园整体风格协调一致。

校园边上带标识的高层楼像是教工住宅楼，同样与校园整体风格协调一致。

紧靠学生宿舍的是一大片运动场。

运动场边抬升的葡萄廊架有点像 “观众台”，显然，视线需求是在规划设计中经过深思熟虑的。

这是一座原有建筑_雕塑馆，新建美术馆必须与这个圆顶建筑协调融合。

美术馆道旁的雕塑。人物对于画面平衡和生动起到至关重要的作用。

美术馆一角的侧门外，两个外国留学生正在练习滑板，

几乎与地面平齐的浅浅的“水池”映射出倒影。

美术馆一角的入口造型。局部材质的变化，通透的玻璃幕墙与整体外墙覆盖的灰绿色岩板形成对比，协调中富有变化。

入口大厅通过一条20多米长的直桥与道路相连，桥下是美术馆下沉广场。

美术馆入口近景，没有夸张的表现，处理低调内敛，尺度平易近人 。

下午四点半左右，已是北京深秋日落时分，天色开始变暗，这是收工前的最后一张。

后记：

作为中国最高的美术学府的标志性建筑-美术馆，要接受艺术家们挑剔的目光，要承载着人们太多的期待。人们要求其建筑本身就得是一个经得起时间检验的、与之地位相称的、品味高雅、时尚且永恒的艺术存在。

矶崎新，享誉国际的建筑师，师从建筑大师丹下健三，与黑川纪章、安藤忠雄并称为日本建筑界三杰。曾设计过十多个美术馆，对美术馆设计具有丰富的经验，尽管如此，中央美院美术馆对他来说也是一个不小的设计挑战。不规则的狭小场地，需要包容毗邻的圆形雕塑馆；要求体现自己的精神气质，并与吴良镛先生的校园整体设计-深灰色彩以及院落式的布局所营造出来的沉稳氛围相协调等等，可以想象种种因素所导致的设计难度！

建成的坐落于弧形场地，建筑外形为幕墙与屋顶曲线过渡形成壳体，似立体回旋镖。建筑内部没有立柱，空间构成元素多元组合、错落有致，让人眼目一新。此时的展示空间已经不再是一个被动的容器，而是与艺术作品主动产生对话，二者互为呈现、融入并激发美感的环境，这也是展示空间所应具有的“场所精神”吧。美术馆鲜明地体现了矶崎新 “从形式到形式”、“为风格而风格” 的设计理念和求新思变的表现手法，也传达出他心中对精神世界和物质世界两者关系的诠释。矶崎新非常满意中央美术学院美术馆的设计，他认为无论是在技术上还是在精神上都超越了他以往所有的作品。至于其他，一切留待世人评说。

建筑学本属于艺术范畴，美术馆本身就是艺术作品的客观存在，本来是冲着摄影双年展而去，相机的镜头却有意无意间被富有形式美感的美术馆所吸引，一阵狂拍，限于篇幅，略加筛选。照片大量采用黑白，意图表达一种纯粹的美感体验。由此，“中央美院美术馆，纯粹的美感体验“，是为标题。

（所有照片本人拍摄，转引请注明出处）