贝尔纳·卡特林法国(1919-2004）

醉清风

贝尔纳·卡特林绘画的色彩构成贝尔纳·卡特林是法国 20 世纪的现代派画家，他用明快的色彩和简洁的造型为观赏者带来全新的视觉体验。本文从色彩构成的角度分析和归纳。

观赏贝尔纳·卡特林的作品，不论是油画、版 画、水彩画还是壁毯都能体悟到卡特林绚丽的色 彩下面那种真实的情感，点、线、面构成的具象美 和通过这种具象美承载着色彩的这种真实感，这 种真实感是卡特林用纯真的情感注入画面转化而 来的。在他的作品中也时刻体会着莫里斯·德尼

(Maurice Denis)的实践语录:“一幅画— 在它 是一匹战马、一个裸女或是一个奇谈之前— 基 本上是照特殊规律安排色彩的一个平涂表面。”1 德尼的此句格言一次又一次地被引用，因为他的 话似乎定义现代化的要求和一种荒谬的误解。19 世纪末，新的美学形式规律的提出，对焦点透视和 空间表现的重视程度日渐消退，而构成要素的作 用日趋明显。艺术家们运用平面化的几何构成形 式来代替单一的具象的表现形式，一种新的画面 视觉形式规律— 平面几何构成，为艺术家提供 了一种新的手段，不必对外界事物仅仅描绘表象 世界，而可以更加深刻地切入到画面本质的形式 构成，强调画面构成要素的融通表现。卡特林的造 型整体呈现出几何化、平面化、简约化的特点。这 种简约的风格使每一个含义非常丰富的形式组织 在一个整体结构中，在这个整体结构中每一个局 部的功能与位置都被自身的色彩所界定。在卡特 林的笔下，不管是景物、人物还是静物，那些最简 洁的造型可以使我们毫不费劲地做出判断。

 一、几何化的特点

卡特林历来喜欢在几何化的造型中用黑色 搭 配 红 色 、黄 色 、蓝 色 、绿 色 作 为 基 本 的 色 调 ， 再配有其他的色彩来点缀。如作于1987年的《黑 桌上的玫瑰和柠檬》，以大面积的黄色和黑色作 为背景，配以放置柠檬和玫瑰的白色长方形器 皿，简洁而庄严。白色的长方形正好压在黄色和 黑色的分界线上，黄色的花朵作为不规则的形打 破了黑色的沉闷，使画面既活泼又不失平衡。作 于1987年的《带哥特式柜子的红黑静物》则是 用红色和黑色作为主色调，柜子上的花瓶已经完 全平面化，为了构图的稳定卡特林对柜子的透视 做了主观的处理，淡色的花瓶与左上方的白线点 亮了整个暗色基调的画面。

从这个意义来讲，静物似乎更适合他的构图法则，风景对于卡特林来说的确是个挑战，因 为自然本身不能使他满足，大的场景里面混合了 纷繁复杂的山墙表面，外立面和屋顶，有着参差 错落的叶簇、树枝、缆绳和天线杆的角度而形成 的不确定状态。但在卡特林的这些风景画中，各 种景物融合成奇特而非凡的统一，简简单单从画 中内容中引申而来，比如墙的刻板的几何形状， 屋顶和天线杆，以及岩石、树木和田野的不规则 形态。白桦，代表拉伸的直线。它的有裂缝的树 皮，在很长一段时间吸引了卡特林的注意力，所 以在他很多以白桦为主题的作品中，白桦本身可 能就是韵律和几何性的象征。

在《埠头》这幅画中，几乎只是几何体，完 全的角和直线，垂直的线条高耸入云。堤岸抽象 的边缘混杂着长方形的高耸的建筑物，仅仅是长 方体，甚至混淆了建筑物和无形而又严格的横坐 标与纵坐标线。作于 1962年的《Rreon的暴风 雨》和作于1975年的《濑户内海》，在几块天空 和陆地之上，在最初的一块画布上引出田野、篱 笆、树和不规则的天空。同样的方式，在第二块 画布上，天空好像是依托在地平线上，在大块的 几何体块上方好像是岩石、暗礁、海岬。在辛辣 的笔触下，笔直上方处是简略的墙壁和屋顶。到 处都是相同的任意的渍痕，互相融合在一起。重 叠、模糊、厚涂的颜料，笔触的拖动，笔触与油 画刀的痕迹相间，然后另外一种笔触厚涂其上， 形成模糊的影像斑点。

二 、平 面 化 的 特 点

卡特林想要地面、一簇花，或者一个橙 色矩形跟模特儿的地位一样重要，他会设置一个 抽象的场景而并非就是真实的。整个画布于是变 成了不同形体的集合:女人身体的曲线、花朵、 矩形，还有很多竖直的线条板。这些形体元素仿 佛置于同一个平面，并没有主次之分;有的只是 平面的色块的组合。作于1970年的《梳理头发 的裸体女人》和1972年的《前倾的裸体女人》都 是很典型的例子。

从卡特林的很多作品中可以看到，他不刻 意描绘水平的条状，也没有强调画布垂直的韵 律，更没有廓影展现来表明一个地方的奇异。然 而自相矛盾的地方是，白杨树在伊尔库茨克教堂 的墙和圆屋顶前伸展开来的水平线，与在斯里兰 卡的稻田中并没有什么不同。这些稻田本身，水 平方向的长条，与墨西哥市场的长条一致，不管 是形式还是结构都没有决定或者确认地点。奇怪 的是我们能够明确地感觉到他所画的地方的差 异，这归根到底取决于色彩，是画家以置于这些 平面的造型上的色彩所表现出来的强度和酸性来 象征所画地点的独特性。

卡特林是一个醉心于色彩的艺术家，他的 绘画始终是因深有感触而引起创作激情的产物。 卡特林的画温情脉脉而又不露声色地引导着我们 品味生活的奥秘，引导我们进入一个远在天边而 又近在眼前的和谐世界。

卡特林为了营造平面化的空间，他将所有 物体造型提炼、夸张，让人感觉有剪影的效果。 参考文献:

在给模特儿伊维特的画像中，一张相同的脸，一 幅画接着另一幅画，除了其图画中的内容，没有 其他的真相。在画中，主人公的刘海儿修饰的前 额不再仅仅是关于她的发型的问题，更是为了以 准确的角度，重点突出有规则而椭圆形的脸;那 些严谨的线条凭借其体积和相互的关系建构了脸 的形状，完全弱化了塑造立体感时所需要的理性 的透视，将其平面化处理。

在其他的一些作品中，由于绘画意图不一 样，造型、元素会发生变化，裸体是众多元素中一个。卡特林想要地面、一簇花，或者一个橙 色矩形跟模特儿的地位一样重要，他会设置一个 抽象的场景而并非就是真实的。整个画布于是变 成了不同形体的集合:女人身体的曲线、花朵、 矩形，还有很多竖直的线条板。这些形体元素仿 佛置于同一个平面，并没有主次之分;有的只是 平面的色块的组合。作于1970年的《梳理头发 的裸体女人》和1972年的《前倾的裸体女人》都 是很典型的例子。 

从卡特林的很多作品中可以看到，他不刻 意描绘水平的条状，也没有强调画布垂直的韵 律，更没有廓影展现来表明一个地方的奇异。然 而自相矛盾的地方是，白杨树在伊尔库茨克教堂 的墙和圆屋顶前伸展开来的水平线，与在斯里兰 卡的稻田中并没有什么不同。这些稻田本身，水 平方向的长条，与墨西哥市场的长条一致，不管 是形式还是结构都没有决定或者确认地点。奇怪 的是我们能够明确地感觉到他所画的地方的差 异，这归根到底取决于色彩，是画家以置于这些 平面的造型上的色彩所表现出来的强度和酸性来 象征所画地点的独特性。

卡特林是一个醉心于色彩的艺术家，他的 绘画始终是因深有感触而引起创作激情的产物。 卡特林的画温情脉脉而又不露声色地引导着我们 品味生活的奥秘，引导我们进入一个远在天边而 又近在眼前的和谐世界。

卡特林的绘画语言特点

绘画语言是画家通过绘画的训练和实践产生的各种表现方法 和技巧，是画家进行形象塑造的手段。它以线条、明暗、色彩、肌理、层 次、空间、虚实及节奏等基本元素去表现情节、情境、情趣和“有意味 的形式”，从而在各种形式的组合与变化中为画家进行绘画的表现服 务。 

绘画语言与文学语言不一样，它是一种可以在空间中展 示、特殊的、直观的视觉符号系统。绘画语言的直观可视性，决定了它 与绘画形式的同一性。绘画的空间形式就是绘画的语言，构成绘画形 式的两大因素——形和色，同时也是构成绘画语言的语音和语汇。

贝尔纳·卡特林是法国现代派艺术家，他上承20世纪初的巴 黎派，下接上世纪六七十年代的“极简主义”。卡特林一直以平和自 然的心态建构着自己的艺术空间，创作与写生紧密结合，悠游于风 景、人物和静物题材之中。平面化、装饰性、主观色彩的运用形式以 及简约、意象、轻松的造型特征，形成了卡特林独特的绘画语言，平 面性、装饰性、主观性及纯简性，构成了他独特的语言风格。下面从 四个方面分析卡特林艺术语言的特点。

1.平面性

卡特林对色彩的运用注重平面色块的视觉意义。大的色块因 对视觉的“刺激量”大，往往决定着色彩的命运。平面的色块是卡特 林油画中最基本、最常用的语汇，在种种探索中他始终保持大色块 所发挥的作用。其油画作品大胆使用平面纯色色块，讲究色块的配 置，在平面的色彩构成中给人以视觉上的快感。在他的静物系列的 作品中，他不是追求完全写实的镜像效果，而是把静物概括成平面 的色块，追求绘画的平面性。如《黄色底的静物》，将桌面概括成黑 色的平面色块，鲜花和新鲜的梨被概括为平面的黄色色块，花瓶被 一块白色的平面色块代替，本来处于前后不同空间的背景与鲜花、 桌面因为对色块的概括，被统一到同一平面中。在《风景》中，天空 概括成钴蓝色块，褐黄色的远山与房子，墨绿色块的树，在远山与 近景中间的概括为金黄色块的田野，使本来处于不同空间的天空、 远山与近树，统一到一个平面来。卡特林绘画中的人物形象，不追 求体积的塑造，而以极其简练的色彩加以概括，在平面中呈现出剪 影的效果，如《拿浴巾的女人体》。

2.装饰性

卡特林的艺术作品中具有秩序的装饰性结构。色彩的单纯化、 构图的几何化等造成了装饰效果。绘画色彩的装饰性，主要表现在 对色彩的概括、归纳和意象的特征上，使色彩在画面中形成秩序。通 过归纳和概括整理，色彩往往在画面中有意识的出现，以形成节奏 感和韵律感。如《少女》，画面细节简化处理，近处两个女子身上的长 裙仅用一整块颜色概括，省略了衣纹等细节。在色彩方面，红色的纯 度提高，强烈的程度已经超出描绘性色彩的范围;女子的头发归纳 为黑色，皮肤为橙色，衣服与天空的红色与地面的白色在色彩明度 上形成强烈对比，使色彩既统一又丰富。颜色的单纯化和画面细节 的减少，就必然要增加线条等其他形式因素的变化。浮雕般的人体 和平涂的背景相互交融，共同组成了赏心悦目的装饰性画面。

3.主观性

卡特林色彩运用的特点还有对主观色的运用，极具装饰性。卡 特林的绘画作品，是一种主观化表现，而非客观描述的色彩运用。

色彩的对比关系、互补关系和纯化了的色彩作画，强调对色彩纯度 的应用，使画面产生色彩明亮、丰富的效果，加强了画面的视觉张 力。卡特林油画中那种抒情的、富有诗意的画面是通过严格的色彩 关系“设计”的，在他的画中很难找到一块对客观物象的“模拟色”， 也不会找到概念化的“固有色”。他的画本质上不是“写生的”，而是“写意的”。他总是比较着放颜色、求冷暖、找对比，在“过分”与“不 及”“提高”与“降低”中进行色块大小的配置和色彩刺激量的调节， 以找到适当的节奏感。

1990 年创作的《风景》中，大面积土地的黄色与天空的蓝色形 成强烈对比，远山的熟褐色与近处树木的黑色只是小面积地点缀 使用，天空与大地的高纯度色彩、大面积的平铺表现达到了视觉色 调的统一。静物画《黄底色的静物》中，用黑色背景衬托桌台上的明 亮色彩，画面中的所有颜色都经过同等程度的处理和深化。

4.纯简性

 卡特林的造型语言是简洁的。他的造型极为概括、不追求形似 和写实，舍弃细节，而趋向平面化、单纯化。他的作品是直观地捕捉 与表达又不缺乏理性的思考。卡特林绘画的纯简性，是指将眼睛所 见到的视觉原料进行提炼，使视觉型形趋“简”、趋“纯”，以至于形 的几何化和色彩的平面化。画中简约甚至符号化的形象，透出一种 灵动的气息，令人回味无穷。

卡特林注重形象外轮廓的整体性，让画面充满张力和动感。人 物的面部作概括化处理，画面形象不讲求透视和立体效果与明暗 关系，是一种平面的排列与组合，形象动态具有弹性、平面性，与周 围平涂的色彩相映成趣。在他的作品中，线条之间的衔接、形状之 间的关联与穿插，自然而流畅，没有多余和琐碎，显得简约而纯净。 卡特林的风景、人物和静物画，无不显示了这种由“纯清化”而达到 的“简”的境界，尤其是静物画，把形和色的“简”发挥到极致。他喜 欢用黑与红、黄、蓝、绿这四种最单纯的色相结合，如以黑红、黑黄、 黑蓝、黑绿作为底色基调，再配以其他点题的色彩作映衬。如作于 1988 年的《黄底色的静物》是黑黄组合基调，配以花瓶的长方形白 色，非常简静。白色长方形刚好压在黄黑之间，黄色的花朵突入黑 阵，使稳定的构图，生出了变化之趣。作于 1992 年的《带哥特式柜 子的红黑静物》，则是黑红底色组合，柜面上的瓶罐已完全平面化， 为了构图的矩形稳定，画家甚至违反透视规则，把柜面处理成等边 长方形。那个淡赭色的瓶子，点亮了整个暗色基调的画面。

通过对卡特林作品的绘画语言分析，可以得到一个启示，即以自 我的理解方式来建构自我的视觉空间形式，摆脱客观物象的束缚，在 借鉴和继承外来与传统优秀文化的同时，摆脱文化和习俗的藩篱。画 面的协调，是画家创造出来的。画家创造出画面各个元素之间的关系， 画家的思想感情也便栖居于这样的关系之上。如此的视觉形式不仅体 现了画家个人的情感，而且让观者在一定程度上领悟了更多的意义， 也更积极地参与了在精神空间的创作，参与了画面意境的冥想。