古典音乐品赏(二)

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 古典音乐品赏（三）

本篇是较具代表巴洛克音乐的曲目

点开链接是《不规则的珍珠：欣赏巴洛克时期的音乐之美

》

巴洛克音乐

巴洛克原意指形状不规则的珍珠，是一种艺术形式，由于这种艺术风格的盛行后人称之为巴洛克时期。这个时期出产的音乐作品就称为巴洛克音乐。巴洛克时期是西方艺术史上的一个时代，大致为17世纪。其最早的表现在意大利为16世纪后期，而在某些地区，主要是德国和南美殖民地，则直到18世纪才在某些方面达到极盛。

维瓦尔第《C大调两小号的协奏曲》

布莱纳音乐学院交响乐团演奏

在巴洛克时期，“协奏曲”一词没有明确的定义。当时，作曲家都给作品标上自己的叫法，甚至有时作曲家也不能肯定有多少演奏者参与这些作品的演奏。所以现在要区别清楚巴洛克时期的协奏曲类型，是很困难的。

而说到协奏曲，当然不能不提到有“协奏曲之王”之称的维瓦尔第了。

维瓦尔第生于威尼斯，他的父亲是圣马可教堂的一位小提琴手。于是维瓦尔第受到了双重的教育：既培养他当神父，又培养他当音乐家。但由于经济状况不佳，维瓦尔第放弃了神父一职，最后选择了音乐作为职业。从1704到1740年间，他是在教堂所属的音乐学校中度过的，担任该院的指挥、作曲家、教师和音乐总乐长。

遗传自父亲的一头红发，维瓦尔第被人们称为“红发 ”。他在仁爱音乐院里任职期间，既要为每个即将到来的节日、纪念日创作新的歌剧、 剧、协奏曲，还要教授被音乐院收留的那些私生或者遭遗弃的女孩练习合唱和演奏乐器。

维瓦尔第一生写了400多首协奏曲，还写了大约23首管弦乐、75首独奏或三重奏鸣曲以及其他许多器乐作品。被评为“多产作曲家”不是没道理的~

这些协奏曲大都是维瓦尔第为当时任教的女学生们而写的，目的是为了充分发挥演奏者们的个人演奏技巧，同时也锻炼与乐队合奏的能力。从欣赏的角度来看，这种竞奏的音乐形式有一种紧张的美感与对比的趣味，而这一切都用音乐形式表现出来，别有一番情趣。

　　巴洛克音乐的一些特点（Baroque），它的节奏强烈、跳跃，采用多旋律、复音音乐的复调法，比较强调曲子的起伏，所以很看重力度、速度的变化。巴洛克音乐是后期发展的一个基础。在声乐方面，巴洛克音乐带有很浓的色彩，当时的音乐在西方音乐的发展占很大的分量。那个时期的器乐曲发展也很迅速，尤其是弦乐方面的发展，弦乐的音色更能体现出巴洛克的特色。那个时期的代表人物有：巴赫、维瓦尔第和亨德尔。巴赫是音乐之父，由此可见他的威望之高。维瓦尔第凭着他的《四季》一举成名天下知。亨德尔是旋律大师，他的作品有一种优雅！他们所留下来的东西是巴洛克时期的一大笔财富！

《巴洛克》称呼起因

巴洛克源于葡萄牙语（barroco），原意形状不规则的珍珠。

十七世纪的法国被称为“伟大的世纪”，是由于当时在路易十四的统治下出现了高乃伊、拉辛、莫里哀、波舒哀和拉封丹这样的作家。那么，这难道不也是欧洲绘画的伟大时代吗？如果一个人在十七世纪周游过整个欧洲，他在所到之处都会遇见伟大的艺术家：如安特卫普的鲁本斯，阿姆斯特丹的伦勃朗，巴黎的路易-勒南，罗马的贝尼尼和马德里的委拉斯贵兹。可惜我们没有一份关于十七世纪旅游欧洲的纪录，即使是十七世纪的人，可能比我们更不容易知道有一个在洛林作画，死于1610年的卡拉瓦乔。

在两百年前，还没有谁像现在这样，把这个时期称为巴洛克时期，那是因为随着十八世纪末古希腊罗马艺术的复兴“巴洛克”这个词长期以来被人们认为是贬义词。而只是像温开尔曼和科特雷梅尔-德-坤赛的同时代人那样，把“巴洛克”这个词看成是一种奇怪的、过分雕琢的、独特的、简言之，是极不值得赞美的艺术。

维瓦尔第的四季

指 挥：卡拉扬

小提琴：穆 特

四季：最著名作品，唤醒你对不同季节的感受。

春季中美好的鸟叫，打雷闪电，春水初现。美丽的少女，可爱的活泼的牧羊犬和它的主人。

夏季，炎炎盛夏，蝉鸣不已，一会儿又骤雨突降，力量感十足。

秋季，想想丰收的喜悦，野外的残阳，还有满载猎物而归来时的伟大号角声。

冬季，寒冷的雪季，你发抖，哆嗦，只想早点奔回家。然后突然，你就到了火炉旁，躺在暖洋洋的毛毯上，又伸出手来，感受着温暖的一次次侵袭。然后，蓦然回首，发现窗外依然大雪如初，只留下脚印一两朵.

不会作曲的神父不是好小提琴家，维瓦尔第还是一名厉害的小提琴家，能创作出这么多优质的小提琴协奏曲，维瓦尔第的小提琴演奏能力也是咔咔的！

据说当时一些爱好音乐的贵族不远万里来到威尼斯，只是为了聆听他演奏小提琴。高大的阿尔卑斯山挡不住他作为小提琴演奏家的名声。

而且维瓦尔第在演奏小提琴时加入了很多新颖的表达方式，大幅度的跳跃对比，高难度的技巧叠加，并且极力避免重复。维瓦尔第对小提琴炫技的热衷，连100多年后被称为“小提琴之神”的帕格尼尼都要说一句：厉害了。

维瓦尔第《g小调两大提琴协奏曲》

演奏：俞明春 俞佳

中央音乐学院大提琴乐团

不止有小提琴「四季」，协奏曲之王不是白叫的，除了小提琴，维瓦尔第还为大提琴、曼陀林、鲁特琴、吉他、长笛、竖笛、短笛和双簧管等都谱写过大量珍贵的协奏曲和奏鸣曲。

维瓦尔第的音乐以新鲜的旋律、热情的节奏、器乐和管弦乐团的音色和明晰的特点，受到了他的拥护者的赞扬。

在世时虽曾一度风光，但在维瓦尔第的晚年时期，人们却对他作品的兴趣大减。在他去世后的200年内，他的作品几乎完全被人遗忘……直到二十世纪中期，当人们开始重新认识巴洛克音乐、发现维瓦尔第对巴赫耐人寻味的影响时，音乐界才开始关注这位大师，他的音乐魅力才得以越来越多的被揭示出来。

在巴洛克时期，维瓦尔第的一位推崇者就是巴赫，他至少改编了维瓦尔第的10首协奏曲。在这样做的同时，巴赫使音乐脱离巴洛克时期最流行的一些形式，并向小提琴和钢琴协奏曲发展，这种形式在古典主义时期延续下来，并且流传至今。

维瓦尔第创作了巴洛克音乐的经典，亦是留传至今的一部部永恒巨作。

维瓦尔第的二把小提琴协奏曲

维瓦尔第《荣耀 》

众所周知，维瓦尔第是个多产的作曲家，与巴赫、亨德尔一并成为巴洛克时期最具代表性的三位作曲大师。

除了题材内容方面，维瓦尔第声乐作品从形式体裁上的归类是最为细致的，一共包括以下七种：

1.歌剧。在给友人的信件中维瓦尔第曾经称自己共创作了九十多部歌剧，目前经过考证已知的维瓦尔第歌剧作品数量大概为48部，留传至今的只有16部(收藏于意大利都灵国家图书馆)，其它很多都是他的改编之作，因为早期的歌剧作曲家都习惯性地改编自己或他人的作品，维瓦尔第的歌剧作品中比较著名的是《疯狂的罗兰》、《巴亚捷》等。

　　2. 维瓦尔第的作品约有7部，包括《荣耀》3首、《信》2首、《慈悲》和《哉》，这些弥撒曲多用于教会的日常礼拜仪式，弥撒作品中最有影响力的就是《荣耀》，同时也是维瓦尔第最著名的一部作品，常年上演于国际舞台。

　　3. 文歌。维瓦尔第的经文歌作品共有12部，都是独唱 文歌形式，以声乐演唱为主体，乐队和数字低音担任伴奏，其中较为著名的是《世上没有真正的和平》、《要不是上 建造房子》等。

　　4.清唱剧。维瓦尔第清唱剧作品数量并不多，总共有4部，而其中三部已经失传，现在只剩下一部《朱迪塔的胜利》，经常在国际舞台上演出。

　　5.康塔塔。维瓦尔第的康塔塔作品共计42首，就规模而言都不大，而且多数为独唱康塔塔形式，以声乐独唱和乐队伴奏的形式呈现。其中《我求你，停手吧》是较为著名的一部作品。

　　6.诗篇和晚祷。维瓦尔第共创作有33部诗篇和晚祷作品，这些作品都包括独唱、合唱和重唱等形式，由管弦乐队和数字低音担任伴奏。其中《民啊，赞美》、《若上未建屋》、《 悼歌》都是比较著名的作品。

　　7.小夜曲。维瓦尔第的小夜曲作品共有8首，其中有5部已失传，保留下来的三部分别为《在我辉煌的宫殿》、《我的心，悲伤的心》、《祝福塞纳河》，这些作品仍然是以声乐为主，只是除了独唱曲形式之外，还增加了不少重唱曲形式。

　　维瓦尔第的声乐作品是极其丰富多彩的，对这些珍贵作品的发掘和再现将帮助我们深入理解维瓦尔第关于声乐创作的思维特征，再现巴洛克声乐艺术的极致理念，将有助于我们声乐艺术事业的发展和创新。

维瓦尔第(D大调吉他协奏曲part3)

演奏：村治佳织

亨德尔《弥赛亚》

这首乐坛巨作，音乐之纯高壮丽，使上至君主，达官贵人也需要在演奏到[哈里路也]乐段时，全部都要树立聆听。不论你是发烧友还是乐迷，香港所有音乐杂志的主编均同时间推荐。

清唱剧《 赛亚》是巴洛克时期德国伟大的作曲家亨德尔最为著名的作品，作于1742年，" 赛亚"在希伯来语的意思是"受膏者"指上 的派遗者，后来用作对 的称呼。作品由亨德尔与查尔斯?詹南斯共同按《 》内容撰成，共分为三个部分：第一部分是 即将来临的预言和 的诞生。第二部分表现 的受难、死亡和 的教义，从忧伤的合唱《看见之羔羊》开头，以最著名的《路亚》合唱达到高潮。第三部分表达了"以信仰拯救世界"的信念，以著名的咏叹调《我知道我的救世主活着》开首，结尾三个合唱部分分别是：《曾被杀的羔羊是配得……》、《颂赞和尊贵……》及合唱《门》

整部作品结构宏伟大，历来是俣唱团艺术水平表现的必弗里德里克斯（adolf fredriks）录制，声场效果非常好，人声温润，是一辑很靓声的合唱音乐。

无论在处世态度方面还是事业成就方面，《赛亚》对于亨德尔而言都有着非同一般的意义，这部作品让作曲家有了很多改变――亨德尔不再急功好利，他开始追求人生真实的意义。从此以后，亨德尔与巴赫携手并进，从心底写出对至高上 的赞美与感谢，将一切的荣耀归与真。也惟有这样伟大的心灵，才能谱出感人至深的音乐，为许多世上迷途的人们指点迷津，照亮他们人生的旅途。

《 赛亚》的首演在1742年4月13日于爱尔兰首都都柏林举行，虽然这时候亨德尔的经济条件很不好，但是他还是毅然决定将首演办为公益演出，不带任何盈利性。当时的海报上写着“为了一些困苦的囚犯，以及梅尔舍医院的利益而演出”。结果这次首演取得了很大成功，听众无不被作品所感染。很快，消息传到英国首都伦敦，人们纷纷要求一睹为快。1743年《 赛亚》在伦敦上演，英王乔治二世亲临剧院，当第二部分终曲《 路亚》奏响时，国王按捺不住心中的激动，站起来听完了全曲。由此，《 路亚》要站着聆听，便作为一条不成文的规定一直延续到今天。最后演出再次获得轰动，在经历了长久的沉寂后，亨德尔终于依靠《 赛亚》取得了事业上的又一个高峰

亨德尔《水上音乐》

格奥尔格·弗里德里希·亨德尔（德语：Georg Friedrich Händel），巴洛克音乐的作曲家，1685年2月23日出生于德国萨克森哈雷。

他的父亲是一个理发师兼外科医师，坚持要让他学习法律，于是从小便禁止他学音乐。在亨德尔6岁时无意间发现了家中的古钢琴，便趁晚上上偷偷去练习。在他7岁时和父亲一起去萨克森公爵的宫廷，在那里他向宫廷乐师学习大键琴。后来公爵知道了他的音乐天赋后，便要求他的父亲让他接受正统的音乐教育。公爵无意间发现他身为同志的倾向,并带他一起遨游世界各地。于是1694年他向 的管风琴师学习主要乐器的演奏法和作曲。

他在1702年成为哈雷的管风琴师也顺父亲的遗愿去念法律系，于是亨德尔在大学注册学习法律，兼为 谱写每个礼拜天的曲，更是在1702年发表了2出歌剧，有人要赞助他，他出于自尊而回绝。1705年，他创作的歌剧获得成功，后自己出钱去意大利进修。曾经有一次在一名枢机的演奏会上遇见斯卡拉蒂，枢机便请他们来一场比赛，第一场不分轩轾，第二场史卡拉第表示不比所以由亨德尔获胜。这比赛使两人的感情更加深厚。

学习三年后，他回国在汉诺威担任宫廷乐长。一段时间之后，他到英国旅行又受到英国女王安娜的器重便长期停留在伦敦，使得汉诺威很生气。不巧不久后英国安娜女王去世，恰恰由安妮的表兄汉诺威选帝侯继承英国王位，亨德尔怕乔治一世（英语：George I，原汉诺威选侯）生气，1717年便为了泰晤士河上举办的王室联欢会写作了著名的作品《水上音乐》（1717年），新国王乔治一世听了之后非常高兴，原谅了他的不辞而别，并赏他每年两万镑津贴，鼓励他继续进行创作（也有人说这是穿凿附会，事实上汉诺威到了英国后，仍重用亨德尔）。

他从此定居英国。两年后成立了皇家音乐协会，又到各地寻找歌剧歌手，这段期间不眠不休，也没结婚，几乎一生的青春都投注在英国，之后受聘为英国宫廷教堂乐长，写了约46出歌剧及36出剧。最著名的剧是《赛亚》（Messiah）及《水上音乐》组曲和《皇家烟火》（ Music for the Royal Fireworks）。

亨德尔晚年得了眼疾双目失明，最后一次演奏是在考芬园的赛亚公演，当晚病入膏肓，一周后（1759年4月14日）病逝于布鲁克（英语：Brook Street）府邸。去世后遗体被运往英国，并以最高规格安葬在威斯敏斯特圣彼得学院。享年74岁。英国人始终为亨德尔而感到自豪。

亨德尔和巴赫同年出生的只相差一个月，两人被认为是巴洛克音乐集大成的代表人物，巴赫一生穷困而子嗣众多，亨德尔没有婚姻却一生享有盛名和荣华。可惜的是巴赫虽然很想求见亨德尔，却因错过机会，从未见过面。

亨德尔《皇家焰火》

《皇家焰火》是亨德尔晚期最伟大的乐队作品之一，1749年4月份《爱克斯—拉·夏贝尔和约》在伦敦签署，标志着“奥地利王位继承战争”的结束。英国皇室准备用一场焰火晚会来庆祝和平，而亨德尔则受命为焰火表演创作背景音乐。

艺术风格

“巴洛克”作为一种独特的艺术风格，是由于它在艺术精神和手法上，与盛期文艺复兴有着明显的区别。

在绘画方面文艺复兴的艺术家尤其重视素描，而巴洛克时期的艺术家则非常重视色彩、光影和透视等。文艺复兴时期的艺术主要是静止的，以匀称为目的；而巴洛克时期的艺术主要表现动势，以动为目的——为了达到这一目的，他们采用斜线或对角线的构图。文艺复兴时期的艺术主要是强调线条，热爱线条；而巴洛克时期的艺术则是以明暗来造型的，他们喜欢物体的逼真与强有力的效果。

我们也应该把巴洛克看作是从一极到另一极的一种必然趋势——如后期的哥特式艺术是对苦行艺术的反动，浪漫主义是对古典主义的反动，或者如当代抽象主义艺术是对它以前的艺术的反动。也许最好的解决办法，是用“巴洛克”这个词来说明介于文艺复兴与古典主义之间的一个过渡时期，然后在各画派或各国之中区别哪些作品是继承了过去，哪些是反对过去或是创新。

在某些时期和某些地点，艺术家们有意识的开始创新，这一事实是无可否认的。艺术中的另一些创新则是受外来艺术的影响。

著名的艺术史家韦纳-韦斯巴赫、埃米尔-马勒和路易-雷奥把巴洛克看成是由特伦特宗教会议开始的反宗教改革的一种结果。这种反宗教改革采取反文艺复兴的方式，而把耶稣会看成是宗教改革的总机关（因此，人们总称巴洛克为“ 体裁”）。一个革新了的天会收回了对艺术的控制权，它不仅禁止画裸体和神话题材，而且不许画 徒的行传（因此也禁画 像）以及一切可能用来作为嘲笑神的凭据的任何东西。他们禁止艺术家对宗教题材绘画进行任何创新或在画之中加进任何能将纯洁心灵引向迷途的东西。在这之后，一种新的画—— 像，画 徒的狂言、奇迹和殉教的 像画出现了。

与此同时（循着这条争论的路子）巴洛克艺术家就为大小国王的宫廷的任命而作画，他们的绘画在专制主义与民族主义泛滥的时代，表现出虚饰浮华、吹捧的倾向。当时，在巴洛克艺术中出现了两种相反的倾向：一种是受压制的，另一种是让想象和感受奔放的。

某些当时的艺术史家（如塔皮埃）已经在动摇上述理论。但他们把巴洛克艺术与 艺术等同起来，却是言过其实。前面已经提到过的特伦特 会议的 学者，皆是过了头的人文主义者，他们排除了文学艺术中的 教育。毫无疑问，他们经常激烈地反对文艺复兴的肉欲与异教徒的外貌和情调之间展开的争论。它是在宗教狂怂恿下引起的。但是这种在他们指导下形成的新的艺术体裁，却是使宗教会议所制定的宗教理想，与一部分文艺复兴传统一致起来。这些艺术家们的争论不可能证明有如此多样性的艺术，不会是由会议的一纸命令产生出来的。举例来说：罗马会的 院里的 像，并无创新，而是把文艺复兴的特色拿来从属于反宗教改革的理想及 会的特殊教规。

亨德尔的五大协奏曲

这十二首大协奏曲是在1739年的9月29日至10月30日之间谱写的。1739年10月29日，伦敦《每日邮报》报道：“今天经国王陛下的许可，通过了出版以及印刷亨德尔大协奏曲的提议，协奏曲共十二首，谱子分为四把小提琴、男高音、大提琴、大键琴四个部分，其中大键琴为通奏低音部。订购费为两几内亚，预计明年四月交付。费用请寄到汉诺威广场布鲁克街，接收人沃尔什。”后来11月22日出版商在广告中加上：“两首大协奏曲今晚将在林肯大酒店的皇家剧院演出。”谱子最终如期于1740年4月21日发表。几天后，沃尔什又登了一条广告：“十二首大协奏曲首演于林肯大酒店的皇家剧院，今后更将在各大公众场所收获最热烈的掌声。”维克多·舍尔薛（Victor Schœlcher 1804-1893，其提案推动了奴隶制在法国殖民地的废除）这样评价亨德尔：“这部作品是亨德尔的集大成之作。同时代的音乐会太常演奏这部作品，甚至亨德尔还在世的时候，这部作品就已经成为了公共财产。在各种小型剧院里，晚上的娱乐节目全是‘模仿’亨德尔的这部协奏曲，当时的传单上写着‘一些为不同乐器而作的协奏曲，经大师精心挑选的咏叹调，以及著名的《又圣母经》’，当时由王公贵族们发行的国王剧场的传单上也提到了‘为不同乐器而作的几首协奏曲’”

1739年，是十二首协奏曲写就的一年，也是亨德尔的《扫罗》（Saul HWV53）、《以色列人在埃及》（Israel in Egypt HWV54）首演的一年（前者1月16日、后者4月4日），这两部清唱剧是1738年写就的，38年亨德尔还写了《圣.塞西利亚节日歌》

罗曼·罗兰谈到大协奏曲的形式，他认为其本质上，是由：独奏部、协奏部（两把小提琴独奏和大键琴通奏低音组成的三重奏）、以及乐器合唱的协奏间的对话。他认为1708年，亨德尔在罗马被科雷利的大协奏曲所打动，在1710年、1716年、1722年有一些音乐会演奏了科雷利第三号大协奏曲，亨德尔的朋友杰米尼亚尼（Francesco Geminiani 1687-1762）将1732年、1735年、1748年间的三部大协奏曲引进到英国。

“协奏曲”一词最初意思为：有伴奏的乐器独“唱”，首次出现于Scipio Bargaglia（1587威尼斯）的篇论文中；朱塞佩·托雷利（Giuseppe Torelli）是第一个提出为协奏曲增加配器数量的人，并且为此种乐曲形式，命名了“大协奏曲”名字。米切莱蒂（Michelletti），17年前发表了他的Sinfonie e concerti a quatro，而1698年发表了他的Concerti musicali，显然，在17世纪，“协奏曲”这个词在当时的音乐术语中经常出现。

罗曼·罗兰认为，亨德尔的器乐作品天然有一种即兴性质，易于演奏者增减，音乐应当时刻鲜活，而不是死板地照本宣科，当然保持作品本身独有的个性是必然的。“仔细地研究谱面的每一个细节，让你手下的乐团准确、干净、完整地演奏，这是最基本的工作，只有根据原意，产生独到的理解、做出独特的处理，才是点睛之笔呀。”

点开链接是亨德尔《为弦乐而作的十二首大协奏曲》

艺术发展

巴洛克艺术诞生在意大利的罗马，以其热情、奔放、运动强烈、装饰华丽而自成一体，与16世纪盛期文艺复兴美术的庄重典雅相区别。巴洛克美术在文艺复兴美术之后，一定程度上发扬了现实主义的传统，从而克服了16世纪后期流行的样式主义消极倾向。另一方面，巴洛克美术符合当时 会利用宣传工具争取信众的需要，也适应各国宫廷贵族的爱好，在17世纪风靡全欧，影响到其他艺术流派。因此在十七世纪的欧洲，每个艺术家都必须去罗马，这是事实。大多数重要的艺术家都曾被政府通知如法国美术学院这样的机构送往罗马。罗马是一个多么好的美术学院啊！除了卡拉齐兄弟和多米尼基诺以外，那里还有拉斐尔和米开朗基罗的作品供观赏。在那儿也可以看到各种艺术家——鲁本斯、普桑、洛伦和委拉斯贵兹等的作品。每一个天才艺术家都可以在罗马得到营养。只要粗略地数一下巴洛克时期在那里的各种艺术学派、即可得出上述结论。

在意大利，基多-雷尼和兰弗朗克继承了卡拉齐的传统。继其之后的卡拉瓦乔，是一位有极高创造性的画家，格尔奇诺，卡瓦利诺，斐提，普罗卡齐尼，蒙苏-德西德里奥以及十七、十八世纪的所有意大利画家都是卡拉瓦乔的追随者。

至于法国画家伍埃、普桑、勒修埃、克洛德-洛伦和勒布伦，他们继承拉斐尔与卡拉齐的传统，而勒南兄弟和诺尔约-德-拉都则追随卡拉瓦乔。另一方面，飞利浦-德-香帕及后来被称作“写实画家”的那些人则受益于低地诸国的艺术。

对音乐

在这个欧洲艺术的北方分支，鲁本斯及其画派的追随者约尔丹斯-凡-代克向 世界提供一种美感的，甚至色情的艺术；同时在新 的北部（今荷兰）则盛行一种更严肃的精神，从弗朗士-哈尔斯的肖像画、维米尔的室内景、路易斯达尔的风景画中可以看到这一点。

巴洛克风格不仅影响了美术而且它还影响其他的艺术领域。音乐作为一个和美术一样庞大的领域也受其影响。和巴洛克美术一样巴洛克音乐也起源于意大利，巴洛克音乐大致承袭了同时其他的艺术的风格。和文艺复兴时期的音乐相比，也难逃华丽、装饰、壮观等倾向。但是在巴洛克时期，音乐和美术一样也有许多发展和创新。如歌剧的诞生，还有宗教音乐的世俗化。我们知道在文艺复兴时期音乐是受宗教控制的，大多是些单声部合唱和没有伴奏的 曲。

自从歌剧的成功，不但吸引许多音乐家争相创作同类的作品，连带的纯演奏的器乐也受到影响。受其影响最深的要属宗教音乐了，在音乐内容上不单是那种传统的 故事和传说，还添加了许多戏剧化表现，而且不但加上类似歌剧中的独唱，重唱，更是把乐队都带进其中，成为不可分割的必要部分。这种宗教音乐的世俗化的结果不仅彻底装饰了传统的音乐类型，还创造出前所未有的作品类型，包括清唱剧、 剧、难曲等等。

巴赫曲

19世纪浪漫派音乐大师门德尔松克服重重困难，于1829年3月11日指挥上演了，这是巴赫于1724至1727年间创作的历史巨献作品。从此掀起演奏、研究巴赫的热潮，人们开始重新认识巴赫，巴赫由此而复兴。此举被认为是西方音乐史上的重大事件。

（Matthäuspassion） BWV 244，是一部清唱剧受难曲，由约翰·塞巴斯蒂安·巴赫创作于1727年(在莱比锡担任教会指挥时)，总共写了三年之久。内容是根据马太福音里有关耶稣的受难记叙。马太受难曲和约翰受难曲是巴赫两部完整的受难曲作品。受难曲描述 被钉在字架受难的音乐，取材于《 》中对受难过程的叙述。整部作品结构宏大，共有“最后的晚餐”、“ 之死”78首分曲。分为两大部分：第一部分有35首，描述了 被门徒出卖和最终被捕的过程；第二部分有43首，描述了 受审，被钉十字架和被埋葬等场景。整部作品演出时间长达3小时。

作品为两个混声合唱团而写，(女高音，女中音，男高音，男低音)和乐器组(2支长笛或八孔长笛，2支巴洛克双簧管，2把巴洛克小提琴，中提琴，低音提琴)负责演出。现在则称为“双合唱团和管弦乐队”。

在第 1 和 35段还要有Soprano in ripieno（合奏女高音）。演出传统上还会有儿童合唱团(作为两个合唱团中女声的对照)，这还和巴赫当时的情况有关，当时在教堂只能动用童声女高音，(就是说男性假声唱女高音和女中音)。在其中一个版本中，这部分的声音甚至为管风琴所代替。

受难曲有以下独唱角色:

士 – 男高音

耶稣 – 男低音

加略人犹大 – 男低音

圣彼得 – 男低音

祭司长该亚法 – 男低音

本丢彼拉多 – 男低音

2 侍女 – 女高音

2 教士 – 男低音

彼拉多之妻 – 女高音

两位目击者 – 女中音和男高音

唱词一方面根据福音26和27章，另一方面则是巴洛克时期诗人克里斯蒂安·菲特烈·亨里奇 (又曰彼康德)的诗歌。

作品由相对较短的第一部分和长大的第二部分组成，在巴赫的时代，两者之间还有长达一小时的布道。

作品的特殊编制来自于首演地点圣托马斯位于 坛两侧的两架管风琴与诗班席，两个合唱团和管弦乐队产生出非常特殊的音响效果，两个合唱团会进行对话，扮演不同的角色，或是唱出作为省思的评论。值得一提的是开头和结尾两个大合唱。作品中有大量的长而深沉的咏叹调，表现了 的受难。全曲共分六段剧情，以五首 咏（Chorale）分隔。其中采用哈斯勒（Hans Leo Hassler, 1564–1612）于 1604 年所写的德国情歌旋律，由巴赫加上和声的圣咏 O Haupt voll Blut und Wunden，被称为“受难咏”（Passion Chorale），以不同的调性与歌词一共出现五次，是全曲的核心。

点开链接是简介巴洛克音乐

巴赫十二平均律钢琴曲全集

对乐器

至于器乐，在巴洛克时期，可是扬眉吐气的风光！在文艺复兴时期，合唱曲仅有少样的乐器伴奏，甚至没有伴奏。即使乐器有登台露脸的机会，也是重复某一个声部的旋律，担任强化工作而已。纯粹器乐经常被演奏的只有舞曲等民间音乐的范畴了。然而随着巴洛克时代歌剧和宗教音乐的大型化，戏剧化，器乐所占的地位越来越重要了。例如歌剧、神剧等开头都会有纯器乐的序曲，其间的伴奏，也脱离重复声部旋律线的童养媳地位，成为不可省略的独立部分。

除了歌剧类作品之外，巴洛克时期还产生了许多种重要的器乐演奏形态。在文艺复兴时期的各种舞曲，在此时逐渐摆脱舞蹈伴奏的形式。作曲家们采用各地方独特舞蹈的节奏、速度，创作专为演奏而用的曲子。组曲这种形态，就是舞曲艺术化的最早例子。作曲家们收集了不同的舞曲，依照快慢和乐曲的性格，调配出一整组的曲子。

巴赫第一号无伴奏大提琴组曲

巴赫勃兰登堡协奏曲

华人钢琴家朱晓玫演奏巴赫《歌德堡变奏曲》

巴赫G弦上的咏叹调

小提琴演奏：穆特

巴赫G弦上的咏叹调

小提琴演奏：莎拉.张

　　总而言之，巴洛克时期的音乐和其美术一样都有了发展和创新。尽管音乐和美术是两个不同领域的艺术，然而他们却是那样的密切。我们可以从许多画家的笔下看到当时音乐家的身影而且他们又有着很好朋友关系，如鲁本斯的《格鲁克》,勒南的《吕利》,霍加斯和亨德尔等,我们也可以从不同国家的画家的画中感觉到他们当地的音乐。

19世纪后期以来，巴洛克艺术才得到积极的评价，许多学者指出巴洛克是继文艺复兴之后的主要流派，并对其形式特点作了分析和历史考察。意大利学者E.南乔-尼于1895年进而把17世纪文明的特点归纳为巴洛克主义，学术界逐渐形成了17世纪是巴洛克时代的概念，除巴洛克美术和巴洛克音乐外，甚至有巴洛克文学、巴洛克哲学等提法，使有关问题的研究在艺术史和文化史中逐渐深化。

除了确认巴洛克艺术的历史地位而外，西方学术界对有关问题的研究还有另一方面的发展，即把巴洛克相对于文艺复兴的风格特点当作具有普遍意义的艺术形式发展模式，认为其他时代和其他民族的艺术也有这种从文艺复兴到巴洛克的演进，甚至认为这是艺术形式或视 觉形式的不依社会内容为转移的独立规律。首先提出这种主张的是沃尔夫林，他把文艺复兴代表的古典主义和巴洛克当作艺术表现形式的两极，各有一系列互为对照的特点，并形成由此及彼的规律性发展。以此类推，则各地、各时代美术和音乐皆有其古典和巴洛克阶段，例如希腊艺术在公元前5～前4世纪为古典阶段，希腊化时期则为巴洛克阶段；哥特式艺术在13世纪为古典阶段，14～15世纪为巴洛克阶段；甚至当时的日本艺术也可如此划分。沃尔夫林的学说开启了形式主义分析的流派，在西方影响甚大，不少学者认为巴洛克可作为每一文化或文明进入后期阶段的特征，使之具有更为普遍的意义。

音乐特点

还有巴洛克音乐最大的特色就是调性取代调式。自中古以来的教会调式，主要以音符的排列方式来决定曲调的性格，也是横向思考的一种表达。在巴洛克早期开始出现以三和弦为基础的调性写作，以各种大，小调的和声特色，表现乐曲个性。而调性系统的蓬勃发展，给音乐表现带来无限的变化可能，奠定往后三百年音乐的基础。另一方面是配器的均衡完美，文艺复兴时期许多种乐器的发展还不完善。因此乐团的音色不是很协调（除非是同一种家族的乐器），音乐的对比，以音色、音量为表现方式。到了巴洛克时期，乐器的发展已经相当成熟，尤其是提琴家族的乐器，可以发出足以和管乐器抗衡的洪沛音色。因此，这个时期音乐创作，强调的是数量和旋律上的对比。

现代应用

巴洛克音乐的旋律富有表现力，追求的是宏大的规模，雄伟、庄重、辉煌的效果，主要表现形式为“通奏低音”。巴洛克音乐每分钟约60拍，与我们人类的脉搏与呼吸频率大致相同，使我们的脉搏和呼吸在这一节拍上趋于中和与稳定。巴洛克音乐的低振幅、低频率又可以诱发与增强我们大脑中的α波，促进脑内吗啡的分泌，使大脑进入最活跃的状态，让人进入一种超级脑能境界，能让学习、记忆和创造性思维获得充分的施展，从而大大提高大脑的效率。

由著名的保加利亚心理学家、教育家乔治·罗扎诺夫创造的风靡世界的暗示学习法中采用的就是巴洛克音乐。它可以帮助吸收、消化、记忆与运用知识，并获得了惊人的效率和成果。在巴洛克音乐的背境下学习，学生每天最多可以轻松地记住大约3000个单词，在3个月之后还能够记住大约 80要，将乐曲分为主动音乐（主要用于学习）和被动音乐（主要用于记忆）。该音乐播放以约40分贝为宜。

很多心理学家和研究学习的学者都认为巴洛克音乐拥有增强学习效果的作用

Steinbacher与Suwanai演奏巴赫双小提琴协奏曲

巴赫管风琴名曲，震撼神圣的管风琴

巴赫名曲主题联奏，浪漫音乐主题联奏

巴赫《醒来吧，管风琴》

巴赫《 人类愿望之欢乐》

巴赫大提琴组曲

巴赫小提琴和双簧管协奏曲(c小调)

巴赫.古诺《圣母颂》马友友演奏

阿尔比诺尼g小调柔板

指挥：卡拉扬

阿尔比诺尼的父亲安东尼奥. 阿尔比诺尼（1634-1709）是威尼斯的一位富有的贵族、造纸商。阿尔比诺尼幼年不仅学习过音乐，还学习过演唱技巧。相对而言，人们对于阿尔比诺尼在作为一位音乐家，在当时究竟居于一种什么样的水平，所知不多。

阿尔比诺尼的创作主要是歌剧，他一生有50多部歌剧，这些歌剧虽然在初期的喜剧发展上颇有贡献，但后来却是令人不可思议的全部被世人遗忘。阿尔比诺尼以小提琴演奏见长，一般人都以为他是器乐作曲家，所以后世更多的把他称为小提琴作曲家。阿尔比诺尼一生创作的器乐曲超过100部，但生前印行的只有9部。

他在世的时候，是以歌剧作曲家而出名的；今天，他却以器乐作曲家而闻名，其作品常常被用于演奏或制作唱片。比如，他的《G小调柔板》（Adagio de G mineur）（实际上是一部经后人整理的作品），是巴洛克音乐当中最为人们所熟知的作品之一。《柔板》并非他所作，而是出自20世纪一位评论兼音乐家贾佐托（Remo Giazotto）的手笔。假阿尔比诺尼之名, 实为贾佐托所作而广为流传的这首《柔板》乐曲明显地取材于阿尔比诺尼本人某首作品的片段。说到这首曲子，我倒是想到了前不久出现在各大新闻网站上的一条消息：英国伦敦教育学院的专家们将受试儿童分成A、B、C三个组。A组儿童欣赏阿尔比诺尼轻柔优美的《柔板》，B组儿童聆听克尔特林的爵士乐《三位一体》，而C组儿童则什么也不听。此后，三组儿童又都接受了阅读理解、记忆单词、背诵课文和四则运算测试，而测试内容完全是刚刚新学的新知识。最后的结果显示，平均成绩最优的是A组，其次是C组，而最差的则是B组。这是一项背景音乐是否能改善学习能力的测试，从此看出，阿尔比诺尼的这首作品已经深入人心。又因为阿尔比诺尼的名字字母开头是A，这首作品因此被排在了古典入门小品全集的第一首，人们听了这首曲子很容易把古典音乐构想成包容着无数幻想的极乐世界。著名女高音----现在也是流行歌坛的重量级人物----沙拉.布莱曼演唱了一首根据阿尔比诺尼的这首“慢板”填词改编的《随时随地》（Anytime Anywhere），更给予乐曲一种新的诠释。这也让阿尔比诺尼虽然不被人了解，但是家喻户晓。

小提琴名曲《田园曲》

科莱里，其作品很多，晚年整理出最精华者，辑成OP.6，但未能出版。死后才由其弟子张罗印行。这套协奏曲共包括12首，前8首为教会协奏曲，为教会仪式而用；后4首，为宫廷娱乐用的室内协奏曲。

阿尔坎格罗·科莱里(Arcangelo Corelli,1653-1713) 意大利作曲家、小提琴家。学于波伦亚和罗马，曾在罗马的剧院乐队和教堂乐队中拉小提琴，同时在当地一些音乐保护人所办的乐团中任乐长。其小提琴演奏及教学，对意大利小提琴学派的形成，起了重要的推进作用。作有三声部奏鸣曲四套、小提琴奏鸣曲的最后一首《佛利亚》，以葡萄牙、西班牙的舞蹈歌曲为主题予以变奏;大协奏曲的第八首《田园曲》，音乐语言亦质朴、明朗而富于意大利民间风味。

科莱里《合奏协奏曲》的第一至第六号，由欧洲嘉兰古乐团(Europa Galante)演奏，其创始人法比奥·比昂迪(Fabio Biondi)担当指挥，版权来自欧洲古典乐名厂Opus III公司。比昂迪于1990年一手创立了意大利的欧洲嘉兰古乐团，他们虽然用巴洛克古乐器演奏，但却是真正属于21世纪现代人的乐团。他们凭借对生活的激情，对意大利巴洛克文化的钟爱，和无数次训练造就的默契，成功用革命性的手法为意大利古乐作品注入21世纪新容颜。

泰勒曼G大调中提琴协奏曲

泰勒曼（G.Philipp Telemann，1681～1767）德国作曲家﹑风琴家。

处在巴洛克时期与古典主义时期之间的过渡阶段，是当时德国最重要的作曲家、管风琴家。他注重旋律写作的主调织体而常常抛开精致的对位技法，强调轻盈优美的旋律、明快对称的节奏、不臃肿浮躁的伴奏。他在那个时代被看作是“前卫”作曲家。作有600首意大利风格的序曲，44首受难曲，12套礼拜乐，40部歌剧及一些管弦乐、室内乐作品。

在中提琴艺术史上，这首《G大调协奏曲》占有特殊重要的地位。首先，这是我们所知道的第一部中提琴协奏曲;此外，它是引导中提琴向音乐会独奏乐器方面迈出的重要的第一步;最后一点，它具有艺术上的、教学上的和演奏方面的久远的历史意义。

泰勒曼的《G大调协奏曲》直至今日仍然是中提琴独奏家所欢迎的流行作品。它多次再版，并录制成大量唱片和磁带，这一切足以证明它的意义。 把中提琴作为一种独奏乐器，是作曲家迈出的勇敢的一步，因为当时的中提琴甚至在乐队中也只占着微末的地位，只充当伴奏的角色或用以填补无关紧要的中声部。为了说明这一点，仅以泰勒曼本人的《唐·吉诃德》管弦乐组曲为例，这里的中提琴分谱没有超过第一把位的音符，这表明对中提琴的运用很不充分。

《G大调中提琴协奏曲》原标题如下:“维奥拉达布拉乔协奏曲。编制:两把小提琴、一把中提琴和一把低音提琴”，这无可置疑地表明了中提琴的独奏的性质。泰勒曼的这一协奏曲由四个乐章组成，按照对比的原则(慢一快一慢一快)，形式上与宗教奏鸣曲具有相似之处，当然从中也可以看到托列里独奏协奏曲对它的影响。泰勒曼借用意大利出现的独奏协奏曲形式，把它搬到中欧，并且加以发展。这是泰勒曼很大的功绩。

中提琴是一种比小提琴体积略大些，但演奏手法与小提琴相同的乐器，中提琴的音色有些黯哑，在交响乐队中，如果将低音提琴的音色比作成一个家庭中的老爷爷，大提琴代表爸爸，小提琴代表儿子，那么中提琴便可充当小提琴哥哥的角色。

尊主颂荣一巴洛克音乐会